Romeu y Julieta

Romeu y Julieta

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Romeu y Julieta (en inglés Romeo and Juliet) es una tragedia escrita entre 1591 y 1595 , en los primórdios de la carrera literaria de William Shakespeare, sobre dos adolescentes cuya muerte acaba uniendo sus familias, otrora en pie de guerra. La pieza quedó entre las más populares en la época de Shakespeare y, al lado de Hamlet , es una de sus obras más llevadas a los escenarios del mundo entero. Hoy, el relacionamento de los dos jóvenes es considerado como el arquétipo del amor juvenil.

Romeu y Julieta pertenencia a una tradición de romances trágicos que remonta a la antiguidade. Su enredo es basado en un cuento de la Italia, traducido en versos como La Trágica Historia de Romeu y Julieta por Arthur Brooke en 1562, y retomado en prosa como Palacio del Placer por William Painter en 1582. Shakespeare se basó en ambos, pero reforzó la acción de personajes secundarios, especialmente Mercúcio y Páris, a fin de expandir el enredo. El texto fue publicado por primera vez en un cuarto^[a] de 1597 pero esa versión fue considerada como de pésima calidad, lo que estimuló muchas otras ediciones posteriores que trajeron consonância con el texto original de Shakespeare.

La estructura dramática usada por Shakespeare — especialmente los efectos de géneros como la comutação entre comedia y tragedia para aumentar la tensión; su actitud de expandir los personajes más secundarios y la utilización de sub-enredos para embellecer la historia — ha sido elogiada como una señal precoce de su habilidad dramática y madurez artística. Además de eso, la pieza atribuye distinguidas formas poéticas a diferentes personajes para presentar su personalidad más evolucionada: Romeu, por ejemplo, crece más versado en los sonetos al largo de la trama.

En más de cinco siglos de realización, Romeu y Julieta ha sido adaptada en los infinitos campos y áreas del teatro, cine, música y literatura . Mientras William Davenant intentaba revigorá-la durante el Restablecimiento Inglés, y David Garrick modificaba escenas y removía materiales considerados indecentes el siglo XVIII, Charlotte Cushman, el siglo XIX, presentaba al público una versión que preservaba el texto de Shakespeare. La pieza se hizo memorável en los escenarios brasileños con la interpretación de Paulo Puerto y Sônia Oiticica en los papeles principales, y sirvió de influencia para el Visconde de Taunay en suyo Inocencia, también basado en Amor de Perdición, de Camilo Castelo Branco, considerado Romeu y Julieta lusitano". Además de mostrarse influyente en el ultrarromantismo portugués y en el naturalismo brasileño, Romeu y Julieta se mantiene famosa en las producciones cinematográficas actuales, notablemente en la versión de 1968 de Zeffirelli , indicado como mejor película, y en el más reciente Romeu + Julieta, de Luhrmann , que trae su enredo para la actualidad.

Personajes

Romeu y Julieta retrata la interacción entre tres proeminentes familias en Verona:^[1]

Sinopse

Aviso: Este artículo o sección contiene revelaciones sobre el enredo (spoilers).

El Último Beso de Romeu en Julieta por Francesco Hayez. Óleo sobre pantalla, 1823.

La pieza abre en una calle con el desentendimento entre los Montecchios y los Capuletos. El Príncipe de Verona interviene y declara que irá a punir con muerte las personas que colaboren para más una pelea de ambas familias. Más tarde, Páris conversa con Capuleto sobre la boda de su hija con él, pero Capuleto está confuso cuánto lo pedido porque Julieta tiene solamente trece años. Capuleto pide para Páris aguarde dos años y lo invita a una planeada fiesta de balé que será realizada en la casa. La Señora Capuleto y la Ama de Julieta intentan persuadir la moça a aceptar el cortejo de Páris. Después de a pelea, Benvólio se encuentra con suyo primo Romeu, hijo de los Montecchios, y conversación sobre la depresión del moço. Benvólio acaba descubriendo que ella es el resultado de un amor no-correspondido por una chica llamada Rosalina, una de las sobrinas del Capuleto. Persuadido por Benvólio y Mercúcio, Romeu atiende la invitación de la fiesta que acontecerá en la casa de los Capuletos en esperanza de encontrarse con Rosalina. Pero, Romeu se enamora perdidamente por Julieta. Después de la fiesta, en la famosa "escena de la varanda", Romeu pula el muro del patio de los Capuletos y oye las declaraciones de amor de Julieta, a pesar de su odio por los Montecchios. Romeu y Julieta deciden casarse.

Con la ayuda de Frei Lourenço - esperançoso de la reconciliación de las familias a través de la unión de los dos jóvenes - ellos consiguen casarse secretamente el día siguiente. Teobaldo, primo de Julieta, sintiéndose ofendido por el hecho de Romeu haber huido de la fiesta, desafía el moço para un duelo. Romeu, que ahora considera Teobaldo su compañero, rechaza luchar con él. Mercúcio siéntese incentivado a aceptar el duelo en nombre de Romeu por cuenta de su "tranquila submissão, vil e insultuosa".^[3] Durante el duelo, Mercúcio es fatalmente herido y Romeu, irritado con la muerte del amigo, prosigue el enfrentamiento y mata Tebaldo. El Príncipe decide exilar Romeu de Verona por cuenta del asesinato destacando que, si él retornar, tendrá su última hora.^[4] Capuleto, interpretando erróneamente el dolor de Julieta, concuerda en casarla inmediatamente con el Conde Páris y amenaza deserdá-la cuando ella se rechaza a hacerse a "alegre prometida" de Páris. Cuando ella pide, enseguida, el adiantamento de la boda, la madre le rechaza. Cuando oscurece, Romeu, secretamente, pasa toda la noche en el cuarto de Julieta, donde ellos consuman su boda.

El día siguiente, Julieta visita Frei Lourenço pidiéndole ayuda para escapar de la boda, y el Frei le ofrece un pequeño frasco, aconsejando: "… bebe su contenido, que por las venas, luego, hay de correrte humor frío, de efecto entorpecedor, sin que a batir lo pulso continúe en su curso normal, parando luego…"^[5] El frasco, si ingerido, hace con que la persona duerma y quede en un estado semejante la muerte, en coma por "dos horas y cuarenta".^[6] Con la muerte aparente, los familiares pensarán que la moça está muerta y, así, ella no se casará indesejadamente. Por fin, Lourenço promete que enviará un mensajero para informar Romeu — aún en exilio — del plan que irá los unís y, así, hacer con que él retorne para Verona en el mismo momento en que la joven despertar. En la noche antes de la boda, Julieta toma el remedio y, cuando descubren que ella está "muerta", colocan su cuerpo en la cripta de la familia.

El mensaje, pero, termina siendo extraviada y Romeu piensa que Julieta realmente está muerta cuando el creado Baltasar le cuenta el ocurrido. Amargamente, el protagonista compra un veneno fatal de un boticário que encuentra en medio del camino y se dirige para la cripta de los Capuletos. Por allá, él defronta-si con la figura de Páris. Creyendo que Romeu fuera un vândalo, Páris se confronta contra el desconocido y, en la batalla, el segundo de los dos asesina el otro. Aún creyendo que su amada está muerta, él bebe la poção. Julieta acaba despertando y, descubriendo la muerte de Romeu, si suicida con el punhal de él, viendo que la poção del moço no poseía más ninguna gota. Las dos familias y el Príncipe se encuentran en la tumba y descubren los tres muertos. Frei Lourenço reconta la historia del amor imposible de los jóvenes para las dos familias que ahora se reconciliam por la muerte de sus hijos. La pieza termina con a elegía del Príncipe para los amantes: "Jamás historia alguna hube más dolorosa / Del que a de Julieta y a de Romeu."^[7]

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Fuentes textuales

Publicación de la traducción de William Caxton sobre el cuento de Píramo y Tisbe de Ovídio , 1480.

Romeu y Julieta pertenencia a una tradición de romances trágicos que remontan la antiguidade. Uno de esos romances es lo de la historia de Píramo y Tisbe, de la Metamorfoses de Ovídio , cuyo enredo contiene paralelos con la historia de Shakespeare: los padres de los dos amantes se detestan mutuamente, y Píramo acaba creyendo que Tisbe está muerta.^[8] Traductores contemporáneos de este poema narrativo muchas veces se refieren al enredo de Píramo y Tisbe como "Romeu y Julieta de la antiguidade".^[9] Los Cuentos Efésios de Xenofonte de Efésios, escrito a mediados del siglo III, también posee muchos elementos semejantes al de la pieza, incluyendo la criba drástica de los protagonistas, y el frasco cuya bebida induz a un estado de muerte aparente.^[10]

La versión más reciente conocida del cuento de Romeu y Julieta es la historia de Mariotto y Gianozza por Masuccio Salernitano, en el cuento 33 de su Il Novellino, publicado en 1476.^[11] Salernitano ambienta su historia en Siena e implanta algunas locações de su propia vida en los eventos de la historia.^[11] Su versión incluye elementos como la boda secreta, el conluio del Frade, a pelea que transcurre del asesinato de un ciudadano, el exilio de Mariotto, la boda forzada de Gianozza, el frasco, y el mensaje crucial en el final.^[11] En esta versión, Mariotto es capturado y decapitado, mientras Gianozza muere de tristeza.^[12][13]

Luigi de la Puerto adaptó esa historia como Giulietta y Romeo y a incluyó en su Historia novellamente ritrovata di due Nobili Amanti publicada en 1530, juntando el cuento de Píramo y Tisbe con el Decamerão de Giovanni Boccaccio.^[14] De la Puerto contribuyó mucho para la concepción moderna, pues además de elaborar el nombre de los amantes y de sus familias rivales como Montecchi y Capuleti, colocó la localización de la pieza en Verona.^[11] Él también creó personajes que hoy corresponden al Mercúcio, al Tebaldo y al Páris de Shakespeare. De la Puerto presenta su cuento como históricamente verdadero y alega que él se pasó en la época de Bartolomeo II della Scala (un siglo antes de Salernitano).^[11] Los Montecchios y los Capuletos eran facciones políticas del siglo XIII, pero la única conexión disidente que ocurrió entre ellos es la mencionada en el Purgatório de Dante .^[15] En la versión de de la Puerto, Romeu toma el veneno y Giulietta se hiere con el punhal del amado.^[16]

Frontíspicio del poema Romeu y Julieta de Arthur Brooke.

En 1554, Matteo Bandello publicó el segundo volumen de su Novelle incluyendo su propia versión de Giulietta y Romeo.^[14] Bandello enfatiza la inicial tristeza de Romeu en el inicio de la pieza y la contienda entre las familias, además de introducir en la obra Benvólio y la Ama.^[14] El enredo producido por Bandello fue traducido para la lengua francesa por Pierre Boaistuau en 1559 en el primer volumen de su Histories Tragiques.^[17] Boaistuau añadió moralidade y sentimiento, y también un tanto de lenguaje retórico en los diálogos de los personajes de la obra.^[17]

Como había una tendencia entre los poetas y dramaturgos en publicar trabajos basados en las famosas novelles italianas — los cuentos de la Italia figuraban entre los más populares del teatro de la época - Shakespeare tomó ventaja de esa popularidad en las siguientes obras (todas derivadas de novelles italianas): El Mercador de Venecia, Mucho Confusión Por Nada, Todo Bien Cuando Termina Bien, Medida por Medida, y Romeu y Julieta.^[18][19] El bardo inglés puede haber sido muy bien familiarizado con la colección de cuentos de 1567 elaborada por William Painter, intitulado Palacio del Placer, que incluye una versión en prosa de la historia de Romeu y Julieta nombrada "The goodly History of the true and constant love of Rhomeo and Julietta".^[19] Antes de esas producciones, pero, en 1562 era publicado el poema narrativo La Trágica Historia de Romeu y Julieta de Arthur Brooke que, aunque hubiera elementos intencionalmente ajustados para reflejar algunos tramos del enredo de Tróilo y Créssida de Chaucer , es considerado una traducción fiel de la versión de Boaistuau.^[20]

Se cree que Romeu y Julieta sea una dramatização de esta traducción de Brooke, y que Shakespeare sigue el texto fielmente, añadiéndole, pero, mayores destaques para la mayoría de los personajes secundarios, especialmente la Ama y Mercúcio.^[21][22] Dido, reina de Cartago y Héroe y Líder — ambos poemas escritos en la época de Shakespeare por su contemporáneo Christopher Marlowe — tal vez hayan sido influencias directas para el texto de Romeu y Julieta, aunque el final de ambos tenga la atmósfera en la cual las trágicas historias de amor pudieran prosperar, al contrario del final trágico de la pieza.^[20]

Fecha y texto

Capa del Segundo Cuarto de Romeu y Julieta publicado en 1599.

Los estudiosos no saben exactamente cuando Shakespeare escribió Romeu y Julieta. Sin embargo, podemos adquirir determinadas pistas: la Ama de Julieta se refiere a un terremoto que había ocurrido 11 años antes.^[23] Considerando que surgió un terremoto en la Inglaterra en 1580, es posible determinar que la pieza se pasa en 1591 o que ese es el año en que Shakespeare escribió la obra, aunque muchos otros terremotos, tanto en la Inglaterra cuanto en Verona hayan ocurrido antes o después, haciendo con que diferentes fechas sean propuestas.^[24] Considerando también que los estudiosos apuntan semejanzas del estilo artístico usado en Romeu y Julieta a Sueños de Una Noche de Verano y otras piezas convencionalmente datadas en 1594-95, la tradición dice que Romeu y Julieta fue compuesta entre 1591 y 1595.^[25] Existe la hipótesis de que la pieza era aún un proyecto recientemente iniciado el año de 1591, concluido por Shakespeare en 1595.^[26]

Romeu y Julieta de Shakespeare fue publicado en dos ediciones de cuarto antes de la publicación del First Folio en 1623. Las dos versiones son referidas como Q1 y Q2, respectivamente. La primera edición impresa, Q1, aparece en el inicio de 1597, realizada por John Danter. Como su texto contiene muchas diferencias se comparada a la últimas ediciones, ella es conocida como un 'malo cuarto'.^[27] El editor T.J.B. Spencer explicó, el siglo XX, que la versión "tiene un texto detestável, probablemente una reconstrucción de la pieza a partir de memorias imperfeitas de uno o más actor(es)", sugiriendo que ella fue pirateada para publicación.^[27] Una posible explicación para esas deficiencias de la Q1 es que la pieza (cómo muchas otras de su tiempo) puede haber sido editada antes de la actuación de la compañía de teatro.^[28] En cualquier caso, su aparición en el inicio de 1597 hace el año de 1596 como la fecha más tardía para la composición de la obra.^[24]

Facsimile de la primera página de Romeu y Julieta, en el First Folio publicado en 1623.

La segunda edición, Q2, es llamada de La Excelentíssima y Lamentable Tragedia de Romeu y Julieta y representa un texto superior al de la versión anterior (Q1).^[28] Impresa en 1599 por Thomas Creede y publicada por Cuthbert Burby, ella posee cerca de 800 líneas de más del que a Q1.^[28] Su capa la describe como "recién-corregida, aumentada y alterada". Con base en esa información, se cree que a Q2 fue basada en el proyecto pre-encenação de Shakespeare (conocido como su "foul papers"), una vez que existen curiosidades textuales como las diversas rúbricas para personajes y "falsos inicios" para discursos que fueron presumivelmente arrancados por el autor pero erróneamente preservados por el editor.^[28] Su texto es más completo y fiable, y por eso fue reimpresso en 1609 (Q3), 1622 (Q4) y 1637 (Q5).^[27] Con efecto, todos los últimos cuartos y fólios de Romeu y Julieta son basados en Q2, como todas las ediciones modernas y sus editores creen que cualquier defecto que haya en ediciones anteriores a la Q2 (buenas o malas) fueron causadas por sus respectivos impressores y/o por las gráficas y editoras de la época, y no por William Shakespeare.^[28]

El texto del Primero Fólio, de 1623, es basado primariamente en Q3, con aclaraciones y correcciones hechos a partir de un libro teatral o a partir de la Q1.^[27][29] Otras ediciones de la pieza en Fólio fueron impresas en 1632 (F2), 1664 (F3), y en 1685 (F4).^[30] Las versiones modernas - contando con los varios fólios y cuartos - aparecieron por primera vez en la edición de 1709 del dramaturgo Nicholas Rowe, seguido por la versión de Alexander Pope en 1723. Esa última versión merece especial destaque, porque Pope inició una tradición editiva de la pieza al añadir algunas etapas de posiciones de escenario y escena, ya que Q2 carecía de esas direcciones, presentes, pero, en Q1.^[30] La tradición continuó a ser usada en el periodo del Romanticismo.^[31] Las ediciones con mayor número de notas aparecieron por primera vez en la Era vitoriana y continúan a ser producidas los días de hoy, donde existen una amplia variedad de notas al largo del texto, destacando y explicando los orígenes y la cultura por detrás de la pieza.^[31]

Temática

Los críticos han encontrado una correcta dificultad en atribuir un tema específico o más bien presentado en la pieza de Romeu y Julieta.^[32] Las propuestas que surgieron como temas principales son: el descubrimiento que los personajes hacen sobre los seres humanos, comprendiendo que ellos no son ni totalmente buenos ni totalmente malos y que, en vez de eso, son un poco de los dos;^[32] despertarlo de la fantasia onírica y la entrada para la realidad;^[32] el peligro que existe en la acción precipitada sin cualquier tipo de racionalização,^[32] y el poder que existe en un destino trágico.^[32] Aunque ese conjunto de temática forme un enredo complejo para los críticos definan una temática principal, la pieza está repleta de varios elementos temáticos que se entrelaçam. Los que son más frecuentemente debatidos por los estudiosos son tratados a continuación:^[33]

Amor

Romeu y Julieta es por veces considerada una obra sin temas, con la ressalva de que trata del amor entre dos jóvenes enamorados.^[32] Estos dos jóvenes se hicieron con el tiempo la emblemática de los jóvenes amantes que son condenados por su amor. Una vez que el tema se presenta de forma muy clara en la pieza, hay una gran explotación del lenguaje y del contexto histórico por detrás de ese romance.^[35] En su primer encuentro, Romeu y Julieta utilizan una forma de comunicación recomendada por muchos autores críticos de la época de Shakespeare: la metáfora . Usando metáforas de santos y pecados , Romeu tuvo la oportunidad de probar los sentimientos que Julieta nutría por él de una forma no-ameaçadora.^[35] Ese método estilístico era recomendado por el diplomático y cortesão italiano Baldassare Castiglione (cuyas obras habían sido traducidas para el inglés de la época).^[35] Castiglione acuerda que, si un hombre utiliza una metáfora como una invitación, la mujer puede fingir que ella no entendió lo que él dije, y entonces él podría recular sin perder la honra.^[36] Julieta, sin embargo, participa de la metáfora de su amado y colabora para su desarrollo, expandiéndola. Metáforas religiosas como "santuario", "peregrino" y "santo" se encontraban en la moda poética de la época y eran consecutivamente más suscetíveis de ser comprendidas como algo romántico, en vez de tonterías o blasfêmias, como el concepto de santidade quedó asociada tiempos después a través del Catolicismo.^[36] Más tarde, Shakespeare remueve las alusiones más audaces que él encontró en la historia de Romeu y Julieta de Brooke , como una acerca de la ressurreição de Cristo.^[37]

Frank Dicksee retrata la escena de la terraza en el cuadro Romeu y Julieta, 1884

En la famosa escena de la terraza, Shakespeare coloca Romeu oyendo por casualidad el solilóquio de Julieta, aunque en la versión de Brooke la declaración de la moça es hecha sin nadie escuchar. Al aproximar Romeu en la escena para escuchar su amante, Shakespeare quiebra con la secuencia tradicional de la corte: normalmente, las mujeres eran obligadas a ser tímidas y modestas para certificarse que sus pretendentes eran sinceros para con ellas.^[37] La quiebra (intencional) de esa regla sirve sólo para adelantar un poco el enredo teatral, pero.^[37] Los amantes son capaces de pular la parte de las declaraciones de amor y pasar a hablar de su relación—como cuando deciden casarse tras conocerse en sólo una única noche.^[35] Si en los focarmos en la escena final del suicidio, podemos percibir una contradicción en el mensaje: en la religión católica, los suicidas eran condenados para vivir y amargarem en el infierno; sin embargo, existía también el concepto de que, si murieran a través de la "Religión del Amor", al lado de su amor, estarían unidos con él en el paraíso.^[38] Por lo tanto, el amor entre Romeu y Julieta parece expresar la "Religión del Amor", en vez de expresar la visión católica.^[38] Otro punto interesante de resaltar es que, aunque el amor de ambos sea passional, él sólo se consumó en la boda, lo que los impide de perder la simpatía del público.^[38]

Indiscutiblemente, Shakespeare relaciona sexo y amor con la muerte. Por ejemplo: al largo de la historia, tanto Romeu como Julieta, así como los otros personajes, la personificam como un acontecimiento sombrío, frecuentemente equiparando-a con el Erotismo: al descubrir la muerte (falsa) de Julieta, por ejemplo, Capuleto dice que su hija fue "desflorada",^[39] una alusión simple para el fin de la virgindade femenina.^[40] Julieta también compara Romeu con la muerte de forma erótica y, aún antes de su suicidio, ella se apossa del punhal de Romeu y dice: "Oh! sé bienvenido, punhal! Tu bainha es aquí. Reposa ahí bien quieto y me deja morir."^[40][41]

Azar y suerte

Los estudiosos se encuentran divididos en cuanto al papel de la suerte en la pieza. No existe consenso entre ellos sobre si los protagonistas son realmente fadados a morir juntos o si los eventos ocurren a través de una serie de hipótesis desdichadas. Los argumentos a favor del destino generalmente se refieren a los dos como "amantes desditosos".^[43] Esa expresión apunta que las estrellas predeterminam el futuro de los amantes.^[44] Lo estudioso John W. Draper cree que existe un paralelo entre la creencia Isabelina de los "cuatro humores" y los principales personajes de la pieza (siendo Tebaldo un hipocondríaco).^[45] Interpretar el texto a través de los humores reduce el valor del enredo atribuido al acaso por las audiencias modernas.^[45]

Aún en ese tema, otros estudiosos encuentran en la pieza un enredo envolto de muy azar, colocándola no como una tragedia, pero como un melodrama emocional.^[45] Ruth Nevo cree que el elevado grado en que la oportunidad es subrayada en la narrativa hace de Romeu y Julieta de más fútil de las tragedias en sus acontecimientos, pero no en suyos personajes: cuando Tebaldo desafía Romeu para una lucha, por ejemplo, él no está siendo impulsivo, o sea, después de la muerte de Mercúcio, la acción más esperada en el momento y su elección termina siendo tomada.^[46] En esa escena, Nevo lee Romeu como un joven consciente de los peligros que el desrespeito de las normales sociales, de identidad y compromisos pueden acarrear y, por eso, él decide cometer un assassínio no a causa de un "fallo trágico", pero debido a la circunstancia.^[46]

Dualidade

Según Caroline Spurgeon, "… en Romeu y Julieta la imagen dominante es la luz, y todas las formas y manifestaciones de la misma: el sol, la luna, las estrellas, el fuego, los rayos, los flashes de pólvora y la luz que refleja la belleza y el amor, mientras que, en contrapartida, tenemos la noche, la oscuridad, las nubes, la lluvia, la niebla y el humo."^[47]

En verdad, los estudiosos tienen largas críticas y análisis acerca del amplio uso de la "luz" y de la "oscuridad" que Shakespeare insistió en utilizar en la pieza. Ese uso es una técnica estilística muy fácilmente encontrada en la literatura para referir en lenguaje descriptivo una experiencia sensorial. Caroline Spurgeon considera ese tema de la luz como "un símbolo de la belleza natural del amor juvenil"^[46] y esa interpretación sirvió de argumento para otros críticos.^[47] De manera resumida, podemos decir que Romeu y Julieta se ven como una luz en la oscuridad circundante: el primero describe a amada como si ella fuera el sol;^[48] más brillante del que una antorcha;^[49] una joya que brilla en el oscuro de las noches,^[50] y un brillante ángel entre nubes negras.^[51] Incluso cuando Julieta está (aparentemente) muerta, él dice: "... la insignia de la belleza en tus labios y en las faces aún está carmesim, no habiendo hecho progreso el pálido pendão de la muerte ..."^[52] Julieta, por su parte, describe Romeu como "día en noche" y "más blanco del que nieve sobre un cuervo."^[53][54]

Ese contraste entre claro y oscuro presente en el diálogo de ambos puede ser una clara metáfora para amor y odio, juventud y madurez.^[46] Por veces esos entrelaçamentos metafóricos crean lo que se llama hoy de ironia dramática, una vez que el amor de Romeu y Julieta es una luz en medio del odio de sus familiares, que sería la oscuridad, aunque los dos jóvenes vivan un relacionamento apaixonante en la luz de la noche, mientras sus parientes peleen en plena luz del día.^[46] Una vez existiendo esas supuestas paradojas en la pieza, se crea una atmósfera del dilema moral que los amantes tendrán que enfrentar: ser fiel a la familia o ser fiel al amor?^[54]

A finales de la historia, cuando la "mañana es sombría y el sol esconde su rostro de tristeza", según las palabras del propio Príncipe de Verona, la luz y la oscuridad retornan a suyos debidos lugares, y esto refleja la verdadera oscuridad interior de la lucha entre las familias delante de la tristeza por los amantes. Los personajes entonces reconocen sus errores a la luz de los recientes acontecimientos, y todo vuelve a la orden natural, "gracias al amor de Romeu y Julieta".^[47] Además de eso, el tema de la "luz" y "oscuridad" también puede ser interpretado como una forma conectada al tiempo, y así los dramaturgos de la Inglaterra quinhentista expresaban el pasaje de tiempo a través de descripciones del sol, de la luna y de las estrellas, finalmente.^[55]

Tiempo

El tiempo en Romeu y Julieta desempeña un papel importante en el lenguaje y en el enredo de la pieza, una vez que tanto Romeu cuánto Julieta luchan para mantener un mundo imaginário en faz de la dura realidad que los rodea. Cuando Romeu jura su amor por Julieta para la luna, ella protesta: "No jures por la luna, esa inconstante, que su contorno circular altera todos los meses, porque no parezca que tu amor, también, es así mudável."^[57] Desde el inicio, los amantes son designados como estrellas cruzadas, basado en una creencia de la astrologia asociada con el tiempo.^[58] Según esa creencia, las estrellas controlan el destino de la humanidad y, una vez que el tiempo pasa, las estrellas se mueven al largo de su curso en el cielo, trazando también el curso de vidas de los seres abajo de ellas.^[58] Romeu, por ejemplo, dice en el inicio de la pieza que tiene un presentimiento basado en los movimientos de las estrellas y, cuando piensa que Julieta está muerta, él desafía el curso que ellas han guardado para él.^[45]

Otro tema céntrico (y muy visible) es la rapidez con que los acontecimientos se desarrollan: la obra de Shakespeare abarca un periodo de cuatro a seis días, mientras que el poema de Brooke se pasa en nueve meses.^[55] Estudiosos como G. Thomas Tanselle, creen que el tiempo fue "especialmente importante para Shakespeare" en esa pieza, una vez que él usó referencias a "corto plazo" para los jóvenes amantes, mientras usaba referencias a "largo plazo" para la generación más vieja destacando una probable "carrera precipitada para la perdición".^[55] Romeu y Julieta luchan contra el tiempo para hacer con que su amor dure para siempre. En el final, la única forma de derrotar el tiempo parece ser a través de la muerte que los hace inmortales a través del arte.^[59]

El tiempo también está conectado al tema de la luz y de la oscuridad desarrollado en la sub-sección anterior: en la época de Shakespeare, las piezas eran usualmente encenadas de día, y eso obligó el dramaturgo a usar palabras para crear la "ilusión" de día y noche en sus piezas.^[60] Además de referirse al tiempo a través de los diálogos, que citan el sol, la luna, las estrellas, el día, la noche, los actores también se referían a días de la semana y la horas específicas para ayudar el público en la compreensão del ambiente de la pieza.^[60] Solamente en Romeu y Julieta, por ejemplo, se puede encontrar exactamente 103 referencias claras al tiempo.^[61]

Crítica e interpretación

Contexto histórico

Retrato del primer crítico de la pieza, Samuel Pepys, por John Hayls. Óleo sobre pantalla, 1666.

Los críticos han observado muchos puntos débiles en la pieza Romeu y Julieta, pero ella aún es considerada como una de las mejores shakesperianas. El más famoso crítico de la pieza fue Samuel Pepys, administrador naval y miembro del Parlamento conocido por los relatos históricos que él escribía en su diario personal.^[62] Entre esos relatos se encuentran acontecimientos ocurridos en la Grande Praga de Londres, en la Segunda Guerra Anglo-Holandesa y en el gran Incendio de Londres.^[62] En cuanto a la trama de Romeu y Julieta, Pepys escribió en 1662: "es la peor pieza que ya asistí en toda mi vida."^[62] Diez años después, el poeta John Dryden elogió la pieza y lo personaje Mercúcio: "Shakespeare demostró el mejor de su habilidad artística en su Mercúcio, y él propio decía que fue gracias a matarlo en el tercer acto para evitar ser muerto por él."^[62] La crítica de la pieza el siglo XVIII era menos esparsa, pero no menos hendida: el editor Nicholas Rowe fue el primer crítico a reflejar sobre el tema de la obra, concluyendo que el final trágico fue una punición justa para las dos familias que peleaban entre sí.^[63] A mediados del mismo siglo, el escritor Charles Gildon y el filósofo Lord Kames argumentaron que la pieza era un fracaso artístico, pues no seguía las "reglas clásicas" del teatro: "la tragedia final debe ocurrir por cuenta de algún error de los personajes envueltos en el enredo, y no por un accidente del destino."^[63] Samuel Johnson, pero, consideraba la pieza más agradable de Shakespeare.^[63]

En finales del siglo XVIII y a través del siglo XIX, la crítica se centró en los debates sobre el mensaje moral de la pieza. La adaptación del actor y dramaturgo David Garrick, realizada en 1748, excluyó el personaje Rosalina, porque era visto como inconstante e imprudente lo abandono que Romeu hace para quedar con Julieta.^[64] Críticos como Charles Dibdin alegaban que la inclusión de Rosalina, sin embargo, era proposital para mostrar como el héroe era imprudente, y que esa fue la verdadera razón para su trágico fin.^[64] Otros argumentan que Frei Lourenço puede haber sido lo porta voz que Shakespeare utilizó para demostrar sus advertencias contra aprisa injustificada.^[64] Con el advento del siglo XX, todos esos argumentos acerca de la moralidade de la pieza fueron contestados por críticos como Richard Green Moulton. Él creía que el accidente, y no el fallo de los personajes, fue lo que las llevó a la muerte.^[65]

Estructura dramática

Romeu y Julieta y Frei Lourenço por Henry Bunbury, 1792-96

En Romeu y Julieta, Shakespeare emplea diversas técnicas dramáticas que han adquirido bastante elogio de críticos. La técnica más notablemente destacada son los bruscos cambios de género de la comedia para la tragedia (cómo, por ejemplo, el intercambio de paranomásia entre Romeu y Mercúcio poco antes de la entrada de Tebaldo).^[66] Antes de la muerte de Mercúcio en el Acto III, la pieza es básicamente una comedia, pero después de su muerte, la obra adquiere súbitamente un tono serio y asume elementos trágicos.^[66] Cuando Romeu es punido por el Príncipe y se exila, el hecho del protagonista no haber sido ejecutado y lo de que Frei Lourenço ofrece un plan para reunir ambos, el público/lector aún puede esperar que los amantes acabarán bien.^[67] En esa etapa, el público/lector se encuentra en un "estado ofegante de suspense" hasta la apertura de la última escena en el túmulo, finalmente, si Romeu está atrasado el suficiente para el Frei aparecer, él y Julieta aún podrán salvarse.^[67] Esos cambios repentinos de estados (de esperanza para desesperación, y después indulto, y nuevamente esperanza) son simplemente elementos que sirven para destacar la tragedia, hasta que la esperanza final termina y los protagonistas mueren.^[68]

Shakespeare también utiliza sub-enredos para ofrecer una visión más clara de las acciones de los personajes principales: cuando la pieza abre, Romeu está enamorado por Rosalina, que ha rechazado toda a corte del moço. Ese afecto que Romeu nutre por Rosalina es un evidente contraste entre su amor por Julieta más tarde.^[68]Ese contraste permite una comparación entre ambos relacionamentos a través del cual el público (o lector) tiene la oportunidad de creer en la seriedad del amor y de la boda entre Romeu y Julieta.^[68]Lo afecto de Páris por Julieta también establece, por su parte, uno contraste entre los sentimientos de la moça por él y sus sentimientos por Romeu.^[68]El lenguaje formal que ella utiliza cuando está en la presencia de Páris, así como la forma como ella habla sobre él para su Ama, muestran que sus sentimientos mienten con Romeu.^[68]Además de eso, el sub-enredo de las rixas entre los Montecchios y los Capuletos providencia una atmósfera de odio que se hace el principal contribuyente, según algunos críticos, para el final trágico de la pieza.^[68]

Lenguaje

Romeu por Bianchini, uno de los personajes que utiliza el soneto en sus hablas.

Las formas poéticas utilizadas por Shakespeare al largo de la obra son muy variadas, lo que hace Romeu y Julieta rica en poesía. Él inicia con un prólogo de 14 líneas en forma del soneto shakesperiano, recitado por un Coro. La mayor parte del texto de Romeu y Julieta es, pero, escritura en versos blancos, muchos de ellos dentro del pentâmetro iâmbico, con más pequeña variación rítmica del que la mayoría de sus piezas posteriores.^[69] Shakespeare escoge sus formas poéticas en consonancia con lo personaje que irá a hablar. Frei Lourenço, por ejemplo, utiliza las formas del sermão y de la síntesis, y la Ama usa únicamente el verso blanco correspondiendo rigurosamente al habla coloquial.^[69] Cada una de esas formas también es moldeada a la emoción de la escena en que lo personaje ocupa. Romeu, por ejemplo, en el inicio de la pieza intenta usar el soneto de Petrarca para hablar de Rosalina - probablemente porque esa forma era frecuentemente utilizada por los hombres que poseían el intuito de elogiar la belleza de las mujeres cuyo amor era imposible de alcanzar por la falta de reciprocidade, como en la situación de él con Rosalina.^[69] Esa forma de soneto también es usada por la Señora Capuleto cuando ella intenta convencer su hija del hombre maravilloso que el Conde Páris es.^[70]

Cuando ocurre el encuentro entre Romeu y Julieta, la forma poética cambia: del soneto petrarquiano (que estaba haciéndose arcaico en la época de Shakespeare), tenemos una forma más contemporánea de soneto, usando metáforas como "peregrino" y "santos".^[71] Finalmente, cuando los dos se encuentran en la terraza, Romeu intenta usar la forma de soneto que sensibilice su amor, pero Julieta rompe la técnica al decir: "Acaso aún me amas?"^[72] Al hacer eso, ella busca una expresión verdadera y sincera, en vez de una exageração poética del amor de ambos.^[73] En las hablas de Julieta, Shakespeare usa palabras con monossílabos cuando ella está delante de Romeu, y lenguaje formal cuando delante de Páris.^[74] Otras formas poéticas usadas en la pieza son el epitalâmio (en Julieta); la rapsódia (en el diálogo que Mercúcio cita una tal de Reina Mab), y a elegía (en Páris).^[75] En el lenguaje de la pieza, Shakespeare economiza su estilo prosaico, utilizándolo con más frecuencia en las hablas de los personajes más pobres, aunque él las use también en otras, como en Mercúcio.^[76] El humor, por su parte, es un elemento importante en la obra: el estudioso Molly Mahood identificó, por lo menos, 175 trocadilhos en el texto.^[77] Muchos de esos trocadilhos son piadas de naturaleza sexual, especialmente las que envuelven Mercúcio y la Ama.^[78]

Psicanálise

Los primeros críticos psicanalíticos de la pieza vuelcan un gran problema en el enredo de Romeu y Julieta: la personalidad impulsiva de Romeu, decurrente de una supuesta "agresión apenas-controlada y dissimulada", que llevó Mercúcio para la muerte y también el suicidio de los amantes.^[79] Romeu y Julieta no es considerada como una pieza psicológicamente compleja, y su lectura psicanalítica se atenta la trágica experiencia masculina con la enfermedad.^[80] Norman Holland, escribiendo en 1966, consideró el "sueño de Romeu"^[81] como un "deseo realista que satisfaga la fantasia de ambos en términos del mundo adulto de Romeu y sus hipotéticas fase oral, fálica y edípica en la infancia, tan frecuentes en el desarrollo psicossexual".^[82] Hollanda aprovecha y reconoce que uno personaje dramático no es un ser humano con los procesos mentales separados de los del autor.^[82] Críticos como Julia Kristeva focam-si en el odio entre las dos familias, argumentando que ese odio es la causa de la pasión de Romeu y Julieta, y destaca que esa su compreensão se manifiesta de forma muy clara en el lenguaje de los dos: Julieta, por ejemplo, dice "mi único amor nació de mi único odio"^[83] y, muchas veces, expresa su pasión a través de la antecipação de la muerte de Romeu.^[84] Esas interpretaciones conducen a una especulación en cuanto a la psicología del dramaturgo, en particular por el luto que, dicen los psicanalistas, Shakespeare fue gracias a asumir delante de la muerte de su hijo Hamnet.^[85]

Feminismo

La crítica feminista argumenta que la culpa de la pelea entre las familias de Verona reside en el sistema de su sociedad patriarcal. Para Coppélia Kahn, por ejemplo, el código de violencia restritamente masculino impuesto a Romeu es la principal fuerza-matriz de su tragedia; cuando Teobaldo mata Mercúcio, Romeu se hace violento, lamentando que Julieta tenga el hecho "afeminado".^[86] En esta perspectiva, los jóvenes del sexo masculino "se hacen hombres" por intermédio de la violencia en nombre de sus padres o, en el caso de los operarios o serviçais, de sus patrones o maestros. En la pieza, la rivalidade también está conectada a la virilidade masculina, como demuestran sus incontables piadas sobre la "cabeza de las solteiras".^[87][88] Julieta también delega un código de docilidade femenina, permitiendo que otros, como el Frei, resolved sus problemas por ella. Otros críticos, como Dympna Callaghan, ve el feminismo en la pieza bajo un ángulo histórico, subrayando que cuando la pieza fue escrita y encenada, la orden feudal era contestada por el gobierno inglés, que estaba cada vez más centralizado e influenciado por el capitalismo; a la vez, las nuevas ideas puritanas acerca de la boda estaban menos preocupadas con los males de la "sexualidade femenina" del que las de las épocas anteriores, y más simpáticas en relación a la piezas que trataban del tema del amor: así, cuando Julieta evita la tentativa de su padre de obligarla a casarse con un hombre por el cual ella no nutre sentimiento alguno, ella estaría desafiando esta orden patriarcal de una forma que no habría sido posible en un momento anterior de la historia.^[89]

Teoría queer

La teoría queer es una teoría sobre la identidad de género que afirma que la orientación sexual y la identidad sexual o de género de los individuos son el resultado de un constructo social y que, por lo tanto, no existen papeles sociales de género sexuales esencial o biológicamente inscritos en la naturaleza humana, antes formas socialmente variables de desempeñar uno o varios papeles sexuales. Basados en esos fundamentos, sus estudiosos se atentan en la cuestión de la sexualidade de Mercúcio y Romeu, comparando la amistad de ambos con el amor sexual: Mercúcio, en una conversación amigável, menciona lo hablo de Romeu, sugiriendo vestigios de homoerotismo entre los dos.^[90] Un ejemplo es cuando él dice: "Lo que el magoara fuera invocar en el círculo de la amada un espíritu extraño y ahí dejarlo hasta que ella lo tuviera exorcismado."^[91][92] El homoerotismo de Romeu también puede ser encontrado en su actitud delante de Rosalina, una mujer que está distante y que no quiere saber de él, y que no demuestra ninguna esperanza de descendência. Benvólio hasta argumenta que es mejor sustituirla por alguien que es recíproca. Los "sonetos de procreación" de Shakespeare describen un otro joven que, como Romeu, está teniendo dificultades para tener hijos y que es homosexual. Los críticos de esa teoría creen que Shakespeare puede haber utilizado Rosalina como forma de expresar los problemas íntimos que los homosexuales enfrentan por cuenta de sus faltas de procreación.^[93] En esa perspectiva, cuando Julieta dice "Lo que llamamos rosa [los críticos dicen que ella hace alusión a la Rosalina], bajo otra designación tendría igual perfume",^[94] tal vez ella esté levantando la cuestión de saber se existe alguna diferencia entre la belleza de un hombre y la belleza de una mujer.^[93]

Historia de las encenações

Época de Shakespeare

Richard Burbage, el actor que más probablemente desempeñó el papel de Romeu por primera vez.^[95]

Romeu y Julieta figura — juntamente con Hamlet — un espacio que la coloca como una de las piezas shakesperianas más encenadas, conocidas y adaptadas en todo el planeta.^[96] Sus diversas adaptaciones a transformaron en una de las historias más famosas y más vigorosas de toda la literatura y arte en general.^[96] Aún en la época de Shakespeare la pieza era extremadamente popular. El académico Gary Taylor decía que ella era la sexta pieza más famosa de Shakespeare (las cinco más famosas son, en orden decrescente, Henrique VI, Parte 1, Ricardo III, Péricles, Príncipe de Tiro, Hamlet y Ricardo II), en el periodo después de la muerte de Christopher Marlowe y Thomas Kyd, pero antes de la popularidad de Ben Jonson, que era el dramaturgo más prestigiado de toda Londres en la época de Shakespeare.^[97]

La fecha de la primera encenação de la pieza es desconocida. El Primero Cuarto (Q1), impreso en 1597, dice que "ella ha sido muchas veces encenada y adquirido un grande público", lo que nos da la pista de que se realizaron encenações antes de esa fecha.^[97] El Lord Chamberlain's Men fue ciertamente el primer grupo a encená-la.^[97] Además de su fuerte conexión con Shakespeare, William Kempe es nombrado en el Segundo Cuarto (Q2) como Pedro en una línea del Acto V.^[95] Richard Burbage fue probablemente el primer actor a hacer Romeu, ya que él era el líder de la compañía y desempeñaba los papeles de los protagonistas, y Master Robert Goffe (un hombre) fue probablemente la primera Julieta, una vez que en la época las mujeres eran prohibidas de desempeñar cualquier tipo de papel.^[95] A través de esa formación, se cree que el primer estreno de la pieza aconteció en el "The Theatre", con otras producciones realizadas posteriormente en el "The Curtain".^[98] Además de eso, Romeu y Julieta se trata de una de las primeras piezas shakesperianas a ser encenadas fuera de la Inglaterra: una breve versión de la obra fue producida en Nördlingen el año de 1604.^[99]

Siglo XVIII

Todos los teatros ingleses fueron cerrados por el gobierno puritano en 6 de Septiembre de 1642.^[100] Después del restablecimiento de la monarquía en 1660, dos compañías patentes de teatro (a Duke's Company y King's Company) se unieron, y el repertório teatral quedó dividido entre las dos.^[100]

Mary Saunderson, probablemente la primera mujer a ser Julieta profesionalmente.^[101][102]

William Davenant, de la Duke's Company, encenou una adaptación de 1662 en que el actor Henry Harris desempeñó el papel de Romeu; Thomas Betterton era Mercúcio, y la esposa de Betterton, Mary Saunderson, fue Julieta — ella fue probablemente la primera mujer a encenar el papel profesionalmente.^[101][102] Otra versión, posterior a esa, siguió de cerca la adaptación de Davenant y era producida regularmente por la Duke's Company. Era una especie de tragicomédia hecha por James Howard, donde los dos amantes protagonistas acaban sobreviviendo en el final.^[103]

The History and Fall of Caius Marius, de Thomas Otway, una de las adaptaciones de Shakespeare más extremas del restablecimiento, estrenó en 1680. El enredo es totalmente diferente del original de Shakespeare: la escena es ambientada en Roma antigua, en vez de ser en la Verona de la Renascença; Romeu pasó a ser llamado de Mário y Julieta de Lavínia; la rixa es entre los patrícios y los plebeyos y Julieta/Lavínia despierta de su aparente muerte después de Romeu/Mário morir.^[102] Esa versión de Otway fue un éxito, y continuó a ser encenada en los setenta años siguientes.^[102] Su innovación en la escena final fue aún más duradera, siendo utilizada al largo de 200 años: la adaptación de 1744 de Theophilus Cibber y de David Garrick en 1748 aprovecharon las variaciones de la escena final creadas por Otway.^[104] Esas dos últimas versiones, sin embargo, eliminaron elementos considerados inapropriados en sus épocas: Garrick, por ejemplo, transfirió todo el lenguaje referente la Rosalina para Julieta, con el objetivo de reforzar la idea de fidelidad y de minimizar el tema del amor-la-primera-vista.^[105][106]

La primera producción de la pieza conocida en la América del Norte fue amadora: en 23 de Marzo de 1730, un físico llamado Joachimus Bertrand anunció en el Periódico Gazeta, en Nueva York, que promovería una producción en que él iría a desempeñar el papel de boticário.^[107] Sin embargo, las primeras encenações profesionales en la América del Norte fueron las producidas por la Compañía Teatral Hallam.^[108]

Siglo XIX

Los hermanos Cushman, Charlotte y Susan , como Romeu y Julieta en 1846, en la producción que preservaba el texto de Shakespeare.^[102]

La versión de Garrick — que alteraba gran parte del enredo — quedó bastante popular, siendo usada por casi un siglo.^[102] Pero, ninguna encenação del texto original de Shakespeare había regresado a los Estados Unidos hasta las hermanas Susan y Charlotte Cushman a representar en 1845, ambos como Romeu y Julieta, respectivamente,^[109] y entonces en 1847 en Gran Bretaña con Samuel Phelps en el Teatro Wells.^[110] Los Cushman respetaron la versión de Shakespeare, que tuvo inicio con una secuencia de ochenta y cuatro encenações y su representación de Romeu fue considerada como genial por muchos críticos: El The Equipos, por ejemplo, escribió en la época: "Por mucho tiempo Romeu ha sido muy convencional. Romeu de la senhorita Cushman es creativo, vivo, animado, un ser muy ardiente."^[111] La Reina Victoria, por su parte, escribió en su periódico que "nadie podría imaginar que ella era una mujer".^[112] El éxito de los Cushman quebró la tradición establecida de entrada por Garrick y preparó el camino para las encenações posteriores comiencen a se focar en la historia original de Shakespeare.^[102]

A mediados del siglo XIX, los espectáculos profesionales de las obras de Shakespeare (incluyendo Romeu y Julieta) poseían dos características particulares: en primer lugar, eran, generalmente, vehículos que los actores encontraban para adquirir mayor prestigio en sus carreras, con el auxílio de papeles secundarios muchas veces marginalizados para dar mayor destaque y foco a los personajes (y principalmente a los actores que los desempeñaban) céntricos;^[113] en segundo lugar, eran "pictóricos", cuya acción se pasaba en espectaculares y elaborados escenarios (exigiendo largas pausas para el cambio de escenas) donde se usaba frecuentemente la técnica de tableaux .^[113] Henry Irving produjo Romeu y Julieta en 1882 en el Teatro Lyceum (él propio era Romeu y Ellen Terry era Julieta) cuya encenação quedó caracterizada como "el arquétipo del estilo pictórico."^[114] En 1895, Johnston Forbes-Robertson asumió el lugar de Irving, y lanzó las bases para una imagen más natural de Shakespeare que continúa a ser popular aún hoy, evitando la ostentação que Irving hacía y retratando los diálogos poéticos como una prosa realista cuyo objetivo era evitar los desempeños melodramáticos.^[115]

En el Japón, George Crichton Miln produjo tal vez la primera encenação profesional de la pieza en el país: su compañía de teatro excursionou por toda la Yokohama en 1890.^[116] Al largo del siglo XIX, Romeu y Julieta había sido una de las piezas más populares de Shakespeare, si fuéramos en los focar al número de encenações profesionales que se realizaron dando nuevas versión a la pieza.^[117] El siglo XX, la obra pasaría a ser la segunda más popular de Shakespeare, atrás solamente de Hamlet .^[117]

Siglo XX

Paulo Puerto y Sônia Oiticica como Romeu y Julieta, en la producción más prestigiada de la pieza en el Brasil.

Aunque no-profesionalmente, en 1904 la pieza ya era encenada en el Brasil, en São Paulo, teniendo Eurico Cuneo en la dirección y, entre el elenco, se encontraban la actriz Italia Fausta.^[118] Con la producción del Teatro Universitario, en 1945, en el Río de Janeiro, Nicette Bruno encenou la pieza al lado de otros nombres como Sérgio Britto y Sérgio Cardoso, en la dirección de Esther León.^[119] La versión brasileña que merece destaque, pero, es a de 1938, producida en el Teatro Son Caetano, también en el Río de Janeiro, que contaba con un elenco con nombres como Antônio de Pádua, Paulo Ventania Puerto y Sônia Oiticica (estrenando en los escenarios).^[120] En esta producción, Italia Fausta (a que era Julieta en la encenação de 1904), dirigió y coordinó el texto traducido por Domingos Ramos, contando con la trilha sonora del músico F. Chiafitelli.^[120] Tal versión — que anticipó en varios procedimientos el advento de la encenação moderna en territorio brasileño —^[121] conquistó, en particular, el público y la crítica de la época (tanto minera cuánto paulista), además de recibir diversos premios nacionales e internacionales, como también presentarse en Londres, Alemania, Madrid, y en el propio Globe Theatre, donde la compañía teatral de Shakespeare hizo las primeras presentaciones de sus obras.^[121] Por interpretar Julieta en esa producción, Sônia es conocida hoy como la primera actriz brasileña a desempeñar el papel.^[122] Además de eso, su interpretación le rindió un enorme prestigio en los escenarios brasileños.^[122] Hube una recontextualização de esa producción, dirigida por Gabriel Villela 54 años después.^[121]

John Gielgud, que estaba entre los actores más famosos del siglo XX a interpretar Romeu, Frei Lourenço y Mercúcio en el escenario.

En 1935, John Gielgud realizó una producción en el Noël Coward Theatre donde él era Romeu y Laurence Olivier era Mercúrio, aunque ambos intercambiaran de papeles durante el plazo de seis semanas de encenação, con Peggy Ashcroft como Julieta.^[123] Gielgud usó una combinación académica de los textos de la Q1 y de la Q2, organizando la locação y los figurines para intentar hacer su encenação quedar el más próximo posible de las producciones que eran hechas en el teatro isabelino.^[123] Sus esfuerzos tuvieron un enorme éxito de taquilla, y legaron a la próximas producciones un correcto realismo histórico.^[124] Olivier, más tarde, comparó su desempeño con lo de Gielgud, y dije: "John, completamente espiritual, enteramente espirituoso, era el auge de la belleza, uno resumo de todas las cosas abstractas; y yo era cómo todos los de la Tierra, con sangre, humanidad... Siempre sentí que John había perdido el lado inferior o humano de los personajes, y eso me hizo asumir esa otra parte... Pero sea allá como fue, cuando yo estaba desempeñando Romeu y cargaba una antorcha, yo intentaba vender el realismo que existe en Shakespeare."^[125]

En 1947, la versión de Peter Brook marcó un estilo diferente de encenar Romeu y Julieta: ella se preocupaba menos con el realismo, mientras volvía su atención a adaptar una producción que hablara directamente con su mundo moderno.^[126] En cuanto a eso, Brooke relató cierta vez: "Una producción sólo es correcta en el momento de su corrección, y sólo es buena en el momento de su éxito."^[126] En el texto de su producción teatral, Brooke excluyó la reconciliación final de las dos familias.^[127]

Al largo del siglo XX, las audiencias, influenciadas por el cine, se hicieron cada vez menos dispuestas a aceptar actores distinguidos y más viejos del que actores juveniles y adolescentes para encenaram la doble protagonista de amantes.^[128] Un ejemplo significativo de elenco juvenil fue en la producción del Old Vic, realizada por Franco Zeffirelli, en 1960, con John Stride y Judi Dench, que sirvió como base para su famosíssimo película de 1968.^[127] Zeffirelli se basó en algunas ideas fijadas por Brooke, y, con eso, retiró cerca de un tercio del texto de la pieza, a fin de hacerlo más accesible y adecuado a su producción.^[127] En una entrevista al The Equipos, Zeffirelli declaró el siguiente: "En la pieza, el tema del amor y de la desagregação entre dos generaciones posee una relevancia extremadamente contemporánea."^[129]

Encenações más recientes definieron, de cierta forma, el modo contemporáneo de producir Romeu y Julieta: en 1986, por ejemplo, la Compañía Real de Shakespeare colocó el enredo de la pieza en una moderna Verona, sustituyendo punhais o espadas por canivetes, los bailes y las ceremonias tradicionales por fiestas de rock , mientras Romeu comete suicidio a través de una aguja hipodérmica.^[130] En 1997, el Librería Folger de Shakespeare, que reúne una vasta colección impresa de las obras del dramaturgo, produjo una versión colocando el enredo en un mundo suburbano, donde Romeu pula la churrasqueira del edificio de Julieta para encontrarse con ella, y donde también Julieta descubre la muerte de Tebaldo cuando estaba en su clase en la escuela.^[131]

Por veces, la pieza atribuyó una locação histórica en su enredo, permitiendo al público reflejar sobre conflictos subyacentes: un ejemplo son las adaptaciones que fueron fijadas en medio del Conflicto israelo-palestino,^[132] en el apartheid de Sudáfrica,^[133] y en el rescaldo del Pueblo Revolt.^[134] De la misma forma, Peter Ustinov, en 1956, adaptó la pieza (ahora bajo el nombre de Romanoff y Julieta) para un lado cómico, cuya locação es un fictício país de la Europa que está en las profundidades de la Guerra Fría.^[135] En 1980, una versión revisionista de Romeu y Julieta incluyó un final feliz en la trama, donde Romeu, Julieta, Mercúrio y Páris no mueren, y donde Benvólio, disfrazado de mujer, dice que el último de esos cuatro es su verdadera pasión.^[136] Joel Calarco, en su R & J de Shakespeare, adapta la trama para un cuento moderno de dos adolescentes homosexuales que se aman.^[137]

Influencia artística

Música

Por lo menos 24 óperas fueron basadas en Romeu y Julieta.^[139] De más antigua, Romeo und Julie de 1776, un Singspiel de Georg Benda, omite mucho de la acción de la pieza teatral y la mayoría de suyos personajes, y tiene un final feliz. ES remontada ocasionalmente. De más conocida es a de Gounod, de 1887, Roméo et Juliette (libreto de Jules Barbier y Michel Carré), un triunfo en términos de crítica cuando fue presentada por primera vez, es siempre remontada los días de hoy.^[140]I Capuleti e i Montecchi de Bellini es siempre presentada de tiempos en tiempos, pero es, a veces, depreciada, a causa de sus notórias libertades con Shakespeare; sin embargo, Bellini y su libretista, Felice Romani, trabajaron a partir de fuentes italianas—principalmente el libreto de Romani para una ópera de Nicola Vaccai—en vez de adaptar directamente de la pieza de Shakespeare.^[141]

Roméo et Juliette de Berlioz es una "sinfonia dramática", una obra faraónica en tres partes para voces mixtas, coro y orquesta, que estrenó en 1839.^[142] La Apertura-fantasia de Tchaikovsky (de 1869, revisada en 1870 y 1880) es un largo poema sinfônico, que contiene la famosa melodía conocida como "tema del amor".^[143] La invención de Tchaikovsky de repetir el mismo tema musical en el baile, en la escena de la terraza, en el cuarto de Julieta y en la tumba^[144] fue usada por directores que lo siguieron: por ejemplo, el tema del amor de Nino Ruta es usado de modo semejante en la película de 1968 sobre la pieza, como también en Kissing You de Des'ree's en la película de 1996.^[145] Otros compositores clásicos influenciados por la pieza incluyen Svendsen (Romeo og Julie, 1876), Delius (A Village Romeo and Juliet, 1899–1901) y Stenhammar (Romeo och Julia, 1922).^[146]

De más conocida versión para balé es Romeu y Julieta" de Prokofiev .^[147] Originalmente designada para el Balé Kirov, fue por ellos rechazada, cuando Prokofiev intentó escribir un final feliz, y fue rechazada nuevamente por la naturaleza experimental de su música. Posteriormente, adquirió "inmensa" reputación y fue coreografiada por John Cranko (1962) y Kenneth MacMillan (1965), de entre otros.^[148]

La pieza influenció varias obras del jazz, incluyendo Fever de Peggy Lee.^[149] Such Sweet Thunder de Duke Ellington contiene una pieza intitulada "The Star-Crossed Lovers"^[150] en la cual la pareja es representada por saxofones altos y tenores: críticos observaron que los saxofones de Julieta dominan la pieza, en vez de ofrecer una imagen de igualdad.^[151] La pieza ha influenciado, frecuentemente, la música popular, incluyendo obras de The Supremes, Bruce Springsteen, Tom Waits y Lou Reed.^[152] De más famosa trilha de ese tipo es la canción "Romeo and Juliet" de Dire Straits^[153]

De más famosa adaptación para teatro musical es la West Side Story con música de Leonard Bernstein y letra de Stephen Sondheim. Debutou en la Broadway en 1957 y en el West End en 1958, y se hizo una película popular en 1961. Esa versión atualizou el montaje para Nueva York de la mitad del siglo XX, y las familias guerreras para gangues raciales.^[154] Otras adaptaciones musicales incluyen el rock musical de 1999 William Shakespeare's Romeo and Juliet de Terrence Mann's, con parceria de Jerome Korman,^[155] Roméo et Juliette, de la Haine a la l'Amour de Gérard Presgurvic, de 2001, y Giulietta & Romeo de Riccardo Cocciante, de 2007.^[156]

Literatura y arte

Romeu y Julieta atribuyó una profunda influencia en la literatura posterior a ella. Anteriormente, pero, la trama nunca había sido vista como digna de tragedia.^[157] En las palabras de Harold Bloom, Shakespeare "inventó la fórmula por el cual el elemento sexual quedó asociado con el elemento erótico cuando atraviesa las sombras de la muerte."^[158] De las obras de Shakespeare, Romeu y Julieta ha generado las más variadas adaptaciones, sean en trabajos producidos en versos narrativos o en prosa, y también en drama, ópera, orquesta y balé , cine, televisión y pintura .^[159] En la lengua inglesa, la palabra "Romeu" se hizo sinônimo de "amante masculino".^[160]

Capa original de Inocencia (1872), de Visconde de Taunay: la obra es considerada "Romeu y Julieta sertanejo".

Romeu y Julieta fue parodizada en la época de Shakespeare: en Las Dos Furiosas Mujeres de Abingdon (1598), de Henry Porter, y en Blurt, Master Constable (1607), de Thomas Dekker, existe la escena de la varanda, donde una heroína virgem dice palabras indecentes.^[161] En otra perspectiva, la pieza shakesperiana influenció, más posteriormente, otros trabajos literarios, como Nicholas Nickleby, de Charles Dickens.^[162] En Portugal, Camilo Castelo Branco publicó, en 1862, Amor de Perdición, considerada una especie de "Romeu y Julieta lusitano".^[163] Tal vez eso se deba por el hecho de la obra pertenecer al Ultrarromantismo portugués,^[163] teniendo similaridades con la pieza shakesperiana en el sentido de narrar la enemistad entre las familias de Simão y Tereza, que se aman perdidamente, y acaban teniendo un fin trágico.^[164] Exactamente diez años después de la publicación de Amor de Perdición, era publicado Inocencia, romance regionalista del Visconde de Taunay, que posee muchas conexiones con la obra de Castelo Branco (como el personaje Inocencia haber sido inspirada en Teresa).^[165] La obra de Taunay — además de abrir cada capítulo con citações de Goethe , Rosseau, Cervantes, Ovídio, Molière, Walter Scott, Eurípedes, y del propio Shakespeare — es frecuentemente llamada de "Romeu y Julieta sertanejo".^[166] Tanto el libro de Taunay como el libro de Castelo Branco poseen estructuras semejantes a la pieza de Shakespeare: los protagonistas participan de un amor recíproco, sin embargo imposible, y, además de terminar en un final trágico, poseen la ayuda de una tercera persona que quiere verlos juntos.^[166]

De todas las obras de Shakespeare, la pieza de los dos amantes es uno de sus trabajos que más fueron ilustrados.^[167] La primera ilustración conocida de la pieza fue una xilogravura retratando la escena del túmulo,^[168] que tal vez perteneciera la Elisha Kirkall, cuya primera impresión fue en 1709, en una edición de las piezas de William Shakespeare, producida por Nicholas Rowe.^[169] El siglo XVIII, a Galeria Boydell Shakespeare encomendó cinco pinturas de la pieza que retratassem cada uno de los cinco actos de la trama.^[170] El siglo XIX, la moda de producir encenações teatrales "pictoriais" llevó la direcciones que se inspiraran en las pinturas producidas especialmente para las escenas de la pieza, que, por su parte, influenció pintores a diseñar actores y escenas de teatro.^[171] El siglo XX, los iconos visuales de la pieza derivaban de las producciones cinematográficas famosas.^[172]

Cine

Romeu y Julieta tal vez sea la pieza más transportada para las estructuras cinematográficas de todos los tiempos.^[173] Las más famosas producciones fueron la producción de 1936, de George Cukor, que ganó más de Oscar , la versión de 1968 del director Franco Zeffirelli, y Romeu + Julieta, de Baz Luhrmann. Esas dos últimas fueron, en su época, las producciones que trataban de Shakespeare que más batieron récord de ventas.^[174] Romeu y Julieta fue filmada por primera vez en la era del cine cambio por Georges Méliès, aunque su vídeo esté perdido hoy día.^[173] La primera versión cinematográfica de la pieza en el cine hablado fue en The Hollywood Revue of 1929, donde John Gilbert y Norma Shearer interpretaban la escena de la sacada.^[175]

Shearer y Leslie Howard, con más de 75 años en la suma de sus edades, desempeñaron los amantes adolescentes en la versión de 1936, de George Cukor. Tanto el público cuanto los críticos reprobaron tal versión. El críticos consideraron la película muy "artificial", quedando de fuera así como La Midsummer Night's Dream (1935) había quedado un año antes: liderando Holywood a abandonar las adaptaciones de Shakespeare por una década.^[176] Renato Castellani ganó el León de Oro en el Festival de Venecia por su versión de 1954.^[177] Laurence Harvey, como Romeu, ya era un actor experto en las pantallas.^[178] Susan Shentall, pero, como Julieta, era una secretaria anónima descubrimiento por el director, que se dije interesado en contratarla.^[179]

El estudioso Stephen Orgel describe Romeu y Julieta de 1968, del director Franco Zeffirelli, como "lleno de belleza y juventud, con cámaras y luces exuberantes, que contribuyeron para la impresión de la energía sexual y de la buena apariencia de la pieza."^[172] En esa película, los protagonistas Leonard Whiting y Olivia Hussey ya eran actores expertos.^[180] Zeffirelli fue bastante elogiado por esa producción,^[181] principalmente en la escena del duelo donde la fanfarronice queda fuera de control.^[182] La película también creó cierta controversia por cuenta de la aparição del desnudo de los actores en la escena de la luna de miel,^[183] principalmente por el hecho de Olivia Hussey, la Julieta, haber sólo dieciséis años en la altura en que la película fue filmada.^[184]

Baz Luhrmann, con Romeu + Julieta (1996) y su trilha sonora, atrajo para los cines un público bastante joven.^[185] Más obscura que la versión de Zeffirelli, la película foca-si en la "sociedad grosera, violenta y superficial" de la Verona Beach y Sycamore Grove.^[186] Leonardo DiCaprio tuteó como Romeu, y Claire Danes, como Julieta, fue elogiada por los críticos por tener retratado con sabiduría el personaje aunque su poca experiencia en las pantallas, además de haber sido aclamada como "la primera Julieta del cine cuyos discursos sonaron de manera espontânea".^[187]

En 2005, el brasileño Bruno Barreto dirigió la comedia La Boda de Romeu y Julieta, que traía Luana Piovani y Marco Ricca en los papeles principales. En esa producción, que se pasaba en São Paulo, las familias de cada uno también eran rivales, pero por el hecho de que torcían por equipos diferentes: la familia de Julieta torcía para el Palmeiras, mientras que la familia de Romeu torcía para el Corinthians.^[188] Aunque haya sido libremente inspirado en la pieza, la película también es basado en un cuento de Mario Plata, "Palmeiras, Un Caso de Amor".^[188] La película recibió críticas razonables, que no lo consideraron una gran película, pero "divertido, así como es una partida de fútbol ."^[189] Otras críticas consideraron Ricca como un actor mediano en el área de la comedia, y que su relacionamento con la Julieta de Piovani "deja muy a desear."^[190]

En 2006, High School Musical, de Disney, utilizó el enredo de Romeu y Julieta, sustituyendo las familias rivales por dos "panelinhas" de la escuela.^[191] Los directores tienen frecuentemente utilizado personajes para encenarem determinadas escenas de Romeu y Julieta.^[192] El concepto de dramatização de la pieza shakesperiana ha sido muy usada a través de los tiempos,^[193] como aconteció en 1998, con el lanzamiento de Shakespeare Enamorado, del director John Madden, en que lo personaje Shakespeare acaba finalizando a tal obra por cuenta de su propio amor por una joven.^[194]

Indicios históricos

"Ve, descuidoso, en la aflicción tamaña,

Capelletti y Montecchi entristecidos.

Monaldi y Filippeschi, blanco de sanha."^[195]

(Dante, La Divina Comedia — Purgatório, Esquina VI, Línea 106)

"Casa de Julieta", en Verona, Italia, que atrae miles de visitantes todos los años.

Verona — ciudad que Shakespeare escogió para su pieza — se trata de las más prósperas del norte de la Italia.^[196] La ciudad atrae cada vez más jóvenes, parejas, y novios, por haber ganado la fama de "ciudad de Romeu y Julieta".^[196] Poseyendo un patrimonio arquitetônico e histórico muy preservado, Verona carga en su territorio un anfiteatro romano, un castillo de la Edad Media, palacios e iglesias medievais.^[196] Además de esas atracciones, y de otras, como el Castelvecchio, Verona posee la "Casa de Julieta" que, aunque no cargue ninguna prueba de que los Montecchios y los Capuletos realmente hayan vivido por allí, atrae muchos visitantes. La construcción de la casa se inició el siglo XVIII, y tal vez haya sido de propiedad de los Cappellos.^[196] En el interior de la construcción existe una estatua de bronce de Julieta, afrescos de la pieza, y un mostrador con un poco de la biografía de Shakespeare.^[196] Se creó la leyenda de que da suerte en el amor tocar el seno izquierdo de la estatua de Julieta.^[196]

En la verdad, la cuestión sobre se Romeu y Julieta, y, consecutivamente, los Montecchios y los Capuletos, existieron, es antigua. Tal vez uno de los motivos de la gran duda sobre la veracidade histórica de la pieza es el hecho de que el enredo paseó por los siglos hasta ser mejor aprovechado por Shakespeare,^[197] como venimos en la sección Fuentes textuales. Hay registros de que Giralomo della Corte, un italiano que vivió en la misma época de Shakespeare, afirmaba que el relacionamento de los jóvenes amantes había ocurrido en 1303, aunque no se tenga certeza sobre eso.^[197] El único elemento comprobado es que las familias Montecchi y Capelletti realmente existieron, aunque no se sepa se vivían en la Península Itálica, o se eran rivales.^[197]

Otras fuentes literarias que hacen alusiones a la dos familias es La Divina Comedia, del italiano Dante Alighieri. En ese poema, Dante cita los Montecchi y Capelletti como participantes de una disputa comercial y política que se dieron en la Italia.^[197] En Dante, ambas familias están en el Purgatório, tristes, y desoladas.^[195] Muchos estudiosos discordam que esas familias hayan existido, pero el historiador Olin Moore cree que sería un designio para dos importantes partidos políticos que eran rivales en territorio italiano: los Gibelinos y los Guelfos.^[197] Otra fuente literaria se encuentra en Luigi de la Puerto (ya citado en Fuentes textuales), que también citaba las familias como rivales, y Lope de Vega, como también Matteo Bandello, que enriqueció la fábula y el enredo.^[198]

No hay ninguna evidencia cuánto todas esas sospechas, guardadas en la literatura italiana y en Shakespeare. Pero las varias citações a la dos familias ha excitado el público y la crítica para investigar sobre la cuestión. Para el histórico Rainer Sousa, "el amor trágico y desmedido de Romeu y Julieta parece instaurar un arquétipo de un amor ideal, muchas veces, distante de las experiencias afetivas cotidianamente experimentadas."^[197] Rainer aún afirma que "tal vez por eso, tantos creen (o por lo menos tuercen) para que un amor sin medidas como de la pareja shakespeariano hubiera acontecido."^[197]

Notas

Referencias

Fontes

Bibliografia

Conexiones externas

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Textos

• Romeu y Julieta (pdf), Dominio Público.
• Historias Seriadas - Romeu y Julieta , en Turma de la Mônica

Análisis

• "Shakespeare: romance o historia?" , por Rainer Sousa.
• "Organización Social en Romeu y Julieta" (pdf), por Célia Luiza Andrade Prado.
• "Análisis de Romeu y Julieta" (pdf), por Adriana Buarque.

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