Renascimento

Renascimento

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 Nota: Este artículo es sobre el Renascimento cultural del inicio de la Edad Moderna. Para otros significados, vea Renascimento (desambiguação).

Renascimento, Renascença o Renascentismo son los términos usados para identificar el periodo de la Historia de la Europa aproximadamente entre fines del siglo XIII y meados del siglo XVII, pero los estudiosos no llegaron a un consenso sobre esa cronologia, habiendo variaciones considerables en las fechas conforme el autor.^[1] Sea cómo sea, el periodo fue marcado por transformaciones en muchas áreas de la vida humana, que señalan el final de la Edad Media y el inicio de la Edad Moderna. A pesar de estas transformaciones sean bien evidentes en la cultura , sociedad, economía, política y religión , caracterizando la transición del feudalismo para el capitalismo y significando una ruptura con las estructuras medievais, el término es más comumente empleado para describir sus efectos en los artes, en la filosofía y en las ciencias.^[2]

Se llamó "Renascimento" en virtud de la redescoberta y revalorização de las referencias culturales de la antigüidade clásica, que nortearam los cambios de este periodo en dirección a un ideal humanista y naturalista . El término fue registrado por primera vez por Giorgio Vasari ya el siglo XVI, pero la noción de Renascimento como hoy lo entendemos surgió a partir de la publicación del libro de Jacob Burckhardt La cultura del Renascimento en la Italia (1867), donde él definía el periodo como una época de "descubrimiento del mundo y del hombre".^[3]

El Renascimento cultural se manifestó primero en la región italiana de la Toscana, teniendo como principales centros las ciudades de Florença y Siena , de donde se difundió para el resto de la península Itálica y después para prácticamente todos los países de la Europa Occidental, impulsado por el desarrollo de la prensa por Johannes Gutenberg. La Italia permaneció siempre como el local donde el movimiento presentó mayor expresión, sin embargo manifestaciones renascentistas de gran importancia también ocurrieron en la Inglaterra , Alemania, Países Bajos y, menos intensamente, en Portugal y España , y en sus colonias americanas. Algunos críticos, sin embargo, consideran, por varias razones, que el término "Renascimento" debe quedar circunscrito a la cultura italiana de ese periodo, y que la difusión europea de los ideales clásicos italianos pertenencia con más propiedad a la esfera del Maneirismo. Además de eso, estudios realizados en las últimas décadas han revisado una cantidad de opiniones históricamente consagradas acerca de este periodo, considerándolas insubstanciais o estereotipadas, y viendo el Renascimento como una fase muy más compleja, contraditória e imprevisible del que se supuso al largo de generaciones.^[4]

Tabla de contenido 1 Ideas céntricas 2 Fases del Renascimento y su contexto 2.1 Trecento 2.2 Quattrocento 2.3 Alta Renascença 2.4 El Cinquecento y el Maneirismo italiano 3 Los artes en el Renascimento 3.1 Pintura 3.2 Escultura 3.3 Música 3.4 Arquitetura 4 La italianização de la Europa 4.1 Francia 4.2 Países Bajos y Alemania 4.3 Portugal y España 4.4 Inglaterra 5 Críticas 6 Legado 7 Ver también 7.1 Historia, filosofía y estética 7.2 Escuelas nacionales 7.3 Artes y ciencias 8 Conexión externas 9 Referencias

Ideas céntricas

Ver artículo principal: Filosofía del Renascimento

El Humanismo puede ser apuntado como el principal valor cultivado en el Renascimento. Se basa en diversos conceptos asociados: Neoplatonismo, Antropocentrismo, Hedonismo, Racionalismo, Optimismo e Individualismo. El Humanismo, antes que un cuerpo filosófico, es un método de aprendizado que hace uso de la razón individual y de la evidencia empírica para llegar a sus conclusiones, paralelamente a la consulta a los textos originales, al contrario de la escolástica medieval, que se limitaba al debate de las diferencias entre los autores y comentaristas. El Humanismo afirma la dignidad del hombre y lo hace el investigador por excelência de la naturaleza. En la perspectiva del Renascimento, eso envolvió la revalorização de la cultura clásica antigua y su filosofía, con una compreensão fuertemente antropocentrista y racionalista del mundo, teniendo el hombre y su raciocínio lógico y su ciencia como árbitros de la vida manifiesta.^[5] Su precursor fue Petrarca, y el concepto se consolidó el siglo XV principalmente a través de los escritos de Marsilio Ficino, Erasmo de Roterdão, Pico della Mirandola y Thomas Viva.

El brillante florescimento cultural y científico renascentista dio origen a sentimientos de optimismo, abriendo positivamente el hombre para el nuevo e incentivando su espíritu de investigación. El desarrollo de una nueva actitud ante la vida dejaba para tras la espiritualidade excesiva del gótico y veía el mundo material con sus bellezas naturales y culturales como un local a ser disfrutado, con ênfase en la experiencia individual y en las posibilidades latentes del hombre. Además de eso, los experimentos democráticos italianos, el creciente prestigio del artista como un erudito y no como un simple artesano, y un nuevo concepto de educación que valoraba los talentos individuales de cada uno y buscaba desarrollar el hombre en un ser completo e integrado, con la plena expresión de sus facultades espirituales, morales y físicas, nutrían sentimientos nuevos de libertad social e individual.^[6]

Reuniendo ese corpus eclético de ideas, los hombres del Renascimento cunharam o adaptaron a su moda algunos otros conceptos, de los cuales se destacan las teorías de la perfectibilidade y del progreso, que en la práctica impulsaron positivamente la ciencia de modo a hacer el periodo en foco como el marco inicial de la ciencia moderna. Pero como que para los contrapuso surgió una percepção de que la historia es cíclica y tiene fases de declínio inevitable, y de que el hombre natural es un ser sujeto la fuerzas además de su poder y no tiene dominio completo sobre sus pensamientos, capacidades y pasiones, ni sobre la duración de su propia vida. El resultado fue un grande y rico debate teórico entre los eruditos, rellenado por hechos nuevos que aparecían cada momento, que sólo tuvo una resolución práctica el siglo XVII, con la afirmación irresistível y definitiva de la importancia de la ciencia. Por un lado, algunos de aquellos hombres se veían como herederos de una tradición que había desaparecido por mil años, creyendo revivir de hecho una gran cultura antigua, y sintiéndose hasta un poco como contemporáneos de los romanos. Pero había otros que veían su propia época como distinguida tanto de la Edad Media como de la Antiguidade, con un estilo de vida hasta entonces inédito sobre la faz de la Tierra, sentimiento que era basado exactamente en el obvio progreso de la ciencia. La historia confirma que en ese periodo fueron inventados diversos instrumentos científicos, y fueron descubrimientos diversos leyes naturales y objetos físicos antes desconocidos; la propia faz del planeta se modificó en los mapas tras los descobrimentos de las grandes navegaciones, llevando consigo la física , la matemática , la medicina , la astronomía , la filosofía , la ingeniería , la filologia y varios otros ramos del saber a un nivel de complejidad, eficiencia y exactitud sin precedentes, cada cuál contribuyendo para un crecimiento exponencial del conocimiento total, lo que llevó a concebirse la historia de la humanidad como una expansión continua y siempre para mejor.^[7] Tal vez sea ese espíritu de confianza en la vida y en el hombre lo que más conecta el Renascimento a la antiguidade clásica y lo que mejor define su essência y su legado. El siguiente tramo de Pantagruel (1532), de François Rabelais, acostumbra ser citado para ilustrar el espíritu del Renascimento:

Todas las disciplinas son ahora resucitadas, las lenguas establecidas: Griego, sin el conocimiento del cual es una vergüenza alguien llamarse erudito, Hebraico, Caldeu, Latín (…) El mundo entero está lleno de académicos, pedagogos altamente cultivados, bibliotecas muy ricas, de tal modo que me parece que ni los tiempos de Platão , de Cícero o Papiniano , el estudio era tan confortável como lo que se ve nuestra vuelta. (…) Yo veo que los ladrones callejeros, los carrascos, los empleados del estábulo hoy día son más eruditos del que los doctores y pregadores de mi tiempo.

Lo preparo que los humanistas preconizaban para la formación del hombre ideal son de cuerpo y espíritu, a la vez un filósofo, un científico y un artista, se desarrolló a partir de la estructura de enseñanza medieval del Trivium y del Quadrivium, que componían la sistematização del conocimiento de la época. La novedad renascentista no fue tanto la ressurreição de la sabiduría antigua, pero su ampliación y aprofundamento con la creación de nuevas ciencias y disciplinas, de una nueva visión de mundo y del hombre y de un nuevo concepto de enseñanza y educación.^[7] El resultado fue un grande y frutífero programa disciplinador y desenvolvedor del intelecto y de las habilidades generales del hombre, que tenía origen en la cultura greco-romana y que de hecho en parte se hube perdido para el occidente durante la Edad Media. Pero es preciso acordar que a pesar de la idea que los renascentistas pudieran tenga que sí mismos, el movimiento jamás podría ser una imitación literal de la cultura antigua, por acontecer todo bajo el manto del Catolicismo, cuyos valores y cosmogonia eran bien diversos. Así, la Renascença fue una tentativa original y eclética de armonización del Neoplatonismo pagão con la religión cristiana, del eros con la charitas, junto con influencias orientales, judaicas y árabes, y donde el estudio de la magia, de la astrologia y del oculto no estaban ausentes.^[8]

El pensamiento medieval tendía a ver el hombre como una criatura vil, una "masa de podridão, polvo y ceniza", como se lee en De laude flagellorum de Pedro Damião, el siglo XI. Pero cuando se eleva la voz de Pico della Mirandola el siglo XV el hombre ya representaba el centro del universo, un ser mutante, esencialmente inmortal, autónomo, libre, creativo y poderoso, lo que ecoava las voces más antiguas de Hermes Trismegisto ("gran milagro es el hombre") y del árabe Abdala ("No hay nada más maravilloso del que el hombre"). Ese optimismo se perdería nuevamente el siglo XVI, con la reaparição del ceticismo, del pessimismo, de la ironia y del pragmatismo en Erasmo, Maquiavel, Rabelais y Montaigne , que veneravam la belleza de los ideales del classicismo pero tristemente constataban la impossibilidade de su aplicación práctica universal y testificaban el deplorável juego político, la pobreza y opressão de las poblaciones y otros problemas sociales y morales del hombre real de su tiempo. Cabe notar que muchos investigadores consideran esta fase final no sólo como una etapa en el gran ciclo del Renascimento, y a establecieron como un movimiento distinguido y autónomo, dándole el nombre de Maneirismo .^[8]

Fases del Renascimento y su contexto

Ver artículos principales: Política del Renascimento, Economía del Renascimento.

Se acostumbra dividir el Renascimento en tres grandes fases, Trecento, Quattrocento y Cinquecento , correspondientes a los siglos XIV, XV y XVI, con un breve interlúdio entre las dos últimas llamado de Alta Renascença.

Trecento

El Trecento representa la preparación para el Renascimento y es un fenómeno básicamente italiano, más específicamente de la ciudad de Florença , polo político, económico y cultural de la región, aunque otros centros también hayan participado del proceso, como Pisa y Siena , haciéndolos la vanguarda de la Europa en términos de economía, cultura y organización social, conduciendo la transfomação de la plantilla medieval para el moderno.

La economía era dinamizada por la fundación de grandes casas bancarias, por el surgimento de la noción de libre competencia y por la fuerte ênfase en el comercio, y cada vez más se estructuraba en moldes capitalistas y bastante materialistas, donde la tradición era sacrificada delante del racionalismo, de la especulación financiera y del utilitarismo. El sistema de producción desarrollaba nuevos métodos, con una nueva división de trabajo organizada por las guildas y una progresiva mecanização, pero llevando a una despersonalização de la actividad artesanal. La Italia en esta época era un mosaico de pequeños países y ciudades independientes. El régimen republicano con base en el racionalismo fuera adoptado por varios de aquellos Estados, y la sociedad veía crecer una clase media emancipada intelectual y financieramente que se haría uno de los principales pilares del poder y uno de los sustentáculos de un nuevo mercado de arte y cultura.^[9]

El inicio del siglo vivió intensas luchas de clases, con perjuicio para los trabajadores no vinculados a la guildas, y como consecuencia se instaló grave crisis económica, que tuvo un punto culminante en la bancarrota de las familias Bardi y Peruzzi en torno a 1328 -38, generando una fase de estagnação que no obstante llevaría la pequeña burguesia por primera vez al poder. Esta situación fue comentada despectivamente por los poetas célebres de la época - Boccaccio y Villani - pero constituyó la primera experiencia democrática en Florença, durando un intervalo de cerca de cuarenta años. Tumultos políticos y militares, además de dos devastadoras epidemias de peste bubônica, provocaron periodos de hambre y desaliento, con revueltas populares que intentaron modificar el equilibrio político y social, pero sólo consiguieron asegurar la permanencia de los burgueses a la prueba del gobierno. Los Médici, banqueros plebeyos, asumieron el liderazgo de la clase pero inmediatamente se revistieron de la dignidad de la nobleza, y un sistema oligárquico volvió a dominar la escena política, muchas veces valiéndose de la corrupción para alcanzar sus fines, pero también iniciando una costumbre de mecenato de los artes que sería fundamental para la evolución del classicismo el siglo siguiente.^[10][11]

En la religión el cambio fue señalado por la búsqueda, amparada por la ciencia, de explicaciones racionales para los fenómenos de la naturaleza; por una nueva forma de ver las relaciones entre Dios y el hombre, y por la idea de que el mundo no debería ser renegado, pero vivenciado plenamente, y que la salvación podría ser conquistada también a través del servicio público y del embelezamento de las ciudades e iglesias con obras de arte, además de la práctica de otras acciones virtuosas. Se debe rizar que aún con la creciente influencia clásica, que era toda pagã en el origen, el Cristianismo jamás fue puesto en jaque y permaneció como un pano de fondo al largo de todo el periodo, creándose la síntesis original que conocemos hoy.^[12]

Quattrocento

El llamado Quattrocento (siglo XV) vio el Renascimento alcance suya era dorada. El Humanismo amadurecia y se esparcía por la Europa a través de Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmo, Mirandola y Thomas Viva. Leonardo Bruni inauguraba la historiografia moderna y la ciencia y la filosofía progresaban con Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa y Georg von Peuerbach, entre muchos otros.

A la vez, un nuevo interés por la historia antigua llevó humanistas como Niccolò de' Niccoli y Poggio Bracciolini a vasculharem las bibliotecas de la Europa en búsqueda de libros perdidos de autores como Platão, Cícero, Plínio, el Viejo, y Vitrúvio . El mismo interés hizo con que se fundaran grandes bibliotecas en la Italia, y se buscara restaurar el latim, que había si transformado en un dialecto multiforme, para su pureza clásica, haciéndolo la nueva lengua franca de la Europa. El restablecimiento del latim derivó de la necesidad práctica de gestionarse intelectualmente esa nueva biblioteca renascentista. Paralelamente, tuvo el efecto de revolucionar la pedagogía , además de suministrar un sustancial corpus de estructuras sintáticas y vocabulário para uso de los humanistas y de los hombres de letras, que así revestían sus propios escritos con la autoridad de los antiguos.^[13] También fue importante la fiebre de colecionismo de arte antiguo que se verificó entre los poderosos, que acompañaban de cerca escavações a fin de enriquecer sus acervos privados con obras de escultura y otras relíquias que venían a la luz, impulsando el desarrollo de la ciencia de la arqueología.^[14] La reconquista de la Península Ibérica a los mouros también disponibilizou para los eruditos europeos un grande acervo de textos de Aristóteles , Euclides, Ptolomeu y Plotino , preservados en traducciones árabes y desconocidos en la Europa, y de obras musulmanas de Avicena , Geber y Averróis , contribuyendo de modo marcante para un nuevo florescimento en la filosofía, matemática, medicina y otras especialidades científicas. Para añadir, el aperfeiçoamento de la prensa por Johannes Gutenberg a mediados del siglo facilitó y barateou inmenso la divulgación del conocimiento.

Un nuevo vigor en ese proceso fue inyectado por el erudito griego Manuel Chrysoloras, que entre 1397 y 1415 introdujo en la Italia el estudio de la lengua griega, y con el fin del Imperio Bizantino en 1453 muchos otros intelectuales, como Demetrius Chalcondyles, Jorge de Trebizonda, Johannes Argyropoulos, Theodorus Gaza y Barlaam de Seminara, emigraron para la península Itálica y otras partes de la Europa divulgando muchos textos clásicos de filosofía e instruyendo los humanistas en el arte de la exegese. gran proporción del que hoy se conoce de literatura y legislación greco-romanas nos fue preservado por Bizâncio, y ese nuevo conocimiento de los textos clásicos originales, así como de sus traducciones, fue, en el entender de Luiz Marques, "una de las mayores operaciones de apropriação de una cultura por otra, comparable en cierta medida a la de la Grecia por Roma de los Cipiões el siglo II a.C. Ella refleja, además de eso, el pasaje, crucial para la historia del Cuatrocientos, de la hegemonia intelectual de Aristóteles para a de Platão y de Plotino. En ese grande influxo de ideas fue reintroduzida en la Italia toda la estructura de la antigua Paideia, un cuerpo de principios éticos, sociales, culturales y pedagógicos concebido por los griegos y destinado a formar un ciudadano modelar.^[13][15][16] Las nuevas informaciones y conocimientos y el concomitante progreso en todas las áreas de la cultura llevaron los intelectuales a percibir que se hallaban en medio a una fase de renovación comparable a la fases brillantes de las civilizaciones antiguas, en oposición a la Edad Media anterior, que pasó a ser considerada una era de obscuridade e ignorancia.^[6][17]

Al largo del Quattrocento Florença se mantuvo como el mayor centro cultural del Renascimento, atravesando un momento de gran prosperidad económica y conquistando también la primazia política en toda la región, a pesar de Milán y Nápoles sean rivales peligrosos y constantes. La opulência de su oligarquia burguesa, que entonces monopolizava todo el sistema bancario europeo y adquiría uno brillo aristocrático y gran cultura, y se entregaba a la "bella vida", generó en la clase media una resistencia retrógrada que buscó en el gótico idealista un punto de apoyo contra lo que veía como indolência de la clase dominante. Estas dos tendencias opuestas dieron el tono para la primera mitad de este siglo, hasta que la pequeña burguesia finalmente abandonó el idealismo antiguo y pasó a entrar en la corriente general racionalista. Fue el siglo de los Medici, destacándose principalmente Lorenzo de' Medici, grande mecenas, y el interés por el arte se difundía para círculos cada vez mayores.^[11][18]

Alta Renascença

El alta Renascença cronológicamente engloba los años finales del Quattrocento y las primeras décadas del Cinquecento, siendo delimitada aproximadamente por las obras de madurez de Leonardo de la Vinci (a partir de c. 1480) y el Saqueo de Roma en 1527. Fue la fase de culminação del Renascimento, que se disipó apenas fue alcanzada, pero su reconocimiento es importante porque allí se cristalizaron ideales que caracterizan todo el movimiento renascentista: el Humanismo, la noción de autonomía del arte, la emancipação del artista de su condición de artesano y equiparação al científico y al erudito, la búsqueda por la fidelidad a la naturaleza, y el concepto de genio, tan perfectamente encarnado en De la Vinci, Rafael y Michelangelo . Si el pasaje de la Edad Media para la Edad Moderna no estaba aún completa, por lo menos estaba asegurada sin retorno posible.^[14][19] Eventos como el descubrimiento de la América y la Reforma Protestante, y técnicas como la prensa de tipos móviles, transformaron la cultura y la visión de mundo de los europeos, al tiempo que la atención de toda la Europa se volvía para la Italia y sus progresos, con las grandes potencias de la Francia, España y Alemania deseando su reparto y haciendo de ella un campo de batallas y pilhagens. Con las invasiones el arte italiano esparció su influencia por una vasta región del continente ^[20][21]

Michelangelo: David, 1504. Galleria dell’Accademia

Rafael: Madonna Cowper, 1504/1505. National Gallery of Art, Washington

Leonardo de la Vinci: La Virgem de las Rocas, versión de Londres, 1503-1506. National Gallery

Bramante: El Tempietto en la iglesia de San Pietro inMontorio , 1502. Roma

Fue en el alta Renascença que el arte alcanzó la perfeição y el equilibrio classicistas perseguidos durante todo el proceso anterior, especialmente en lo que concierne a la pintura y a la escultura. Por primera vez la Antiguidade era comprendida como uno todo unificado y no como una secuencia de eventos aislados, llevando el arte a descartar la simple imitación decorativa del antiguo y cambio de una emulação más completa, más esencial y también muy más erudita.^[1] Sin embargo ese classicismo, aunque maduro y rico, consiguiendo plasmar obras de grande pujança, comparables al arte antiguo, tenía fuerte carga formalista, espelhando el código de ética artificial, cosmopolita y abstracto que se imponía entre los círculos ilustrados y que prescribía la moderação, autocontrole, dignidad y polidez en todo, y que tuvo en la pintura de Rafael y en la música de Palestrina sus más perfectos representantes artísticos, y en el libro El Cortesão de Baldassare Castiglione su súmula teórica. El idealismo que fue intensamente cultivado en la antigüidade clásica encontraba una actualización y, según Hauser,

"En consonancia con los pressupostos de este arte, parecería inconcebible, por ejemplo, que los apóstolos fueran representados como campesinos vulgares y artesanos comunes, como lo eran tan frecuentemente y con tanto sabor, el siglo XV. Para este arte nuevo, los profetas, apóstolos, mártires y santos son personalidades ideales, libres, grandes, poderosas y dignificadas, graves y solemnes, una raza heróica, en el pleno florescimento de una belleza madura y enternecedora. En la obra de Leonardo encontramos aún tipos de la vida común, al lado de estas nobles figuras, pero gradualmente nada que no sea grande y sublime parece digno de representación artística".^[2]

A pesar de ese código de ética, era una sociedad agitada por cambios políticos, sociales y religiosas importantes en que la libertad anterior desapareció, y el autoritarismo y la dissimulação se ocultaban por detrás de las normas de buena educación y de la disciplina, como se lee en El Príncipe, de Maquiavel , un manual de gobierno que decía que "no existen buenas leyes sin buenas armas", no distinguiendo poder de autoridad y legitimando el uso de la fuerza para control del ciudadano, libro que fue una referencia fundamental del pensamiento político renascentista y una inspiración decisiva para la construcción del Estado moderno. Así, la gran diferencia de mentalidad entre el Quattrocento y el Cinquecento es que mientras en aquel la forma es un fin, en este es un comienzo; mientras en aquel la naturaleza suministraba los patrones que el arte imitaba, en este la sociedad necesitará del arte para probar que existen tales patrones. Rafael resumió los opuestos en su famoso afresco La Escuela de Atenas, una de las más importantes pinturas del alta Renascença, realizada en la primera década del Cinquecento, que resucitó el diálogo filosófico entre Platão y Aristóteles, o sea, entre el idealismo y el empirismo. ^[3] En ese periodo se observó el paulatino desplazamiento del mayor centro cultural renascentista de Florença para Roma, con la protección del papado y el creciente afluxo de artistas de otras partes.^[1]

El Cinquecento y el Maneirismo italiano

Ver artículo principal: Maneirismo

El Cinquecento (siglo XVI) es la derradeira fase de la Renascença, cuando el movimiento se transforma, se expande para otras partes de la Europa y Roma sobrepuja definitivamente Florença como centro cultural, especialmente a partir del pontificado de Júlio II. Roma hasta entonces no había producido grandes artistas renascentistas, y el classicismo había sido plantado a través de la presencia temporal de artistas de otras partes. Pero con la fijación en la ciudad de maestras del porte de Rafael , Michelangelo y Bramante se formó una escuela local, haciéndola lo más rico repositório del arte del alta Renascença y de su continuación cinquecentesca, donde la política cultural del papado dio una feição característica a toda esta fase. Buena parte de esa nueva influencia romana derivó del deseo de reconstituir la grandeza y la virtud cívica de Roma Antigua, lo que se reflejó en la intensificación del mecenato y en la recriação de prácticas sociales y simbólicas que imitaban las de la Antiguidade, como los grandes cortejos de triunfo, las fiestas públicas suntuosas, las representaciones plásticas y teatrales grandiloquentes, llenas de figuras históricas, mitológicas y alegóricas.^[1]

En la secuencia del saqueo de Roma de 1527 y de la contestação de la autoridad papal por los Protestantes el equilibrio político del continente se alteró y su estructura socio-cultural fue sacudida, con consecuencias negativas principalmente para la Italia, que además de todo dejaba de ser el centro comercial de la Europa mientras nuevas rutas de comercio eran abiertas por las grandes navegaciones. Todo el panorama cambiaba de figura, declinando la influencia católica, perdiéndose la unidad cultural y artística recién conquistada en el alta Renascença y surgiendo sentimientos de pessimismo, inseguridad y alheamento que caracterizan la atmósfera del Maneirismo. Aparecieron escuelas regionales nítidamente diferenciadas en Roma, Florença, Ferrara, Nápoles, Milán, Venecia, y el Renascimento se esparció entonces definitivamente por toda la Europa, dando frutos en especial en la Francia , España y Alemania , tingidos por los históricos locales específicos. El arte de longevos como Michelangelo y Ticiano registró a lo grande la transición de una era de certezas y claridad para otra de dudas y drama que vio aparecer a Contra-Reforma y se dirigía para el Barroco del siglo XVII.^[4]

Uno de los impactos más importantes de la Reforma Protestante sobre el arte renascentista fue la condena de las imágenes sagradas, lo que despovoou los templos del norte de representaciones pictóricas y escultóricas de santos y personajes divinos, y muchas obras de arte fueron destruidas en ondas de furia iconoclasta. Con eso los artes representativos bajo influencia reformista se volvieron para los personajes profanos y la naturaleza. El papado, sin embargo, inmediatamente percibió que el arte podía ser una arma eficiente contra los protestantes, auxiliando en una evangelização más amplia y más sedutora para las grandes masas del pueblo, y durante a Contra-Reforma fueron sistematizados una nueva serie de preceptos basados en la teologia contra-reformista, que determinaban en detalle como el artista debería crear su obra de tema religioso. Pero así, si por un lado a Contra-Reforma dio origen de más encomiendas de arte sacra por la Iglesia Católica, la antigua libertad de expresión artística que se hube verificado en fases anteriores desapareció, una libertad que hube permitido la Michelangelo decorar su enorme panel del Juízo Final, pintado en el corazón de Vaticano, con una multitud de cuerpos desnudos de grande sensualidade, aunque el campo profano permaneciera poco afectado por las nuevas reglas, que eran bastante dogmáticas y moralistas ^[5][6] A pesar de eso, las adquisiciones intelectuales y artísticas del alta Renascença que aún estaban frescas y resplandeciam delante de los ojos no podrían ser olvidadas de pronto, aunque su substrato filosófico ya no pudiera permanecer válido delante de los nuevos hechos políticos, religiosos y sociales. El nuevo arte que se hizo, aunque inspirada en la fuente del classicismo, lo tradujo en formas inquietas, ansiosas, distorcidas, agitadas, ambivalentes, apegadas la preciosismos intelectualistas, características que reflejaban los dilemas del siglo.^[4]

El Maneirismo, que cubre los dos tercios finales del siglo XVI y después se confunde con el Barroco, fue un movimiento que ha generado históricamente mucho debate entre los historiadores del arte. Tras el siglo XVII él pasó a ser encarado con desprecio, como una degeneración mórbida y afectada de los ideales clásicos auténticos. Los días de hoy, sin embargo, esa visión ya no permanece, habiendo sido revisada a través de dos vertientes de la crítica. Para unos él se manifestó en una área geográfica tan vasta y de manera tan polimorfa y tan distinguida del Quattrocento y del alta Renascença, que se hizo un dilema inconciliável describirlo como parte del fenómeno original, básicamente classicista e italiano, pues les parece que en muchos sentidos él constituye una completa antítesis de los principios clásicos de proporción equilibrada, unidad formal, claridad, lógica y naturalismo, tan prezados por las fases anteriores y que definirían el "verdadero" Renascimento. La consecuencia fue establecer el Maneirismo como un movimiento independiente, reconociendo una nueva y vigorosa forma de expresión en el que se llegó a ver como decadencia y distorção, teniendo su importancia realzar por esos trazos hagan de él la primera escuela moderna de arte. La otra vertiente crítica, pero, lo analiza como un aprofundamento y un enriquecimiento de los pressupostos clásicos y como una legítima conclusión del ciclo del Renascimento; no tanto una negação o desvirtuamento de aquellos principios, pero una reflexión sobre su aplicabilidade práctica en aquel momento histórico y una adaptación - a veces dolorosa pero en general creativa y bien sucedida - a la circunstancias de la época.^[7][8]

Los artes en el Renascimento

En los artes el Renascimento se caracterizó, en líneas muy generales, por la inspiración en los antiguos griegos y romanos, y por la concepción de arte como una imitación de la naturaleza, teniendo el hombre en ese panorama un lugar privilegiado. Pero más del que una imitación, la naturaleza debía, a fin de ser bien representada, pasar por una traducción que la organizaba bajo una óptica racional y matemática, en un periodo marcado por una matematização de todos los fenómenos naturales. En la pintura la mayor conquista de la búsqueda por ese "naturalismo organizado" fue la recuperación de la perspectiva, representando el paisaje, las arquiteturas y el ser humano a través de relaciones esencialmente geométricas y creando una eficiente impresión de espacio tridimensional; en la música fue la consolidación del sistema tonal, posibilitando una ilustración más convincente de las emociones y del movimiento; en la arquitetura fue la reducción de las construcciones para una dimensión más humana, abandonándose las alturas transcendentais de las catedrales góticas; en la literatura, la introducción de uno personaje que estructuraba en torno a sí la narrativa y mimetizava hasta donde posible la noción de sujeto .^[9]

Pintura

Ver artículos principales: Pintura del renascimento, Pintura de la Renascença Italiana.

Sucintamente, la contribución mayor de la pintura del Renascimento fue su nueva manera de representar la naturaleza, a través de dominio tal sobre la técnica pictórica y la perspectiva , que fue capaz de crear una eficiente ilusión de espacio tridimensional en una superficie plana. Tal conquista significó un alejamiento radical en relación al sistema medieval de representación, con su estaticidade, su espacio sin profundidad y su sistema de proporciones simbólico - donde los personajes mayores tenían mayor importancia en una escala que iba del hombre hasta Dios - estableciendo un nuevo parâmetro, cuyo fundamento era matemático, en la jerarquía teológica medieval. El lenguaje visual formulada por los pintores renascentistas fue tan bien sucedida que permanece válida hasta hoy.^[10][11]

El cânone greco-romano de proporciones volvía a determinar la construcción de la figura humana; también volvía el cultivo del Bello típicamente clásico, y la perspectiva basada al punto de vista céntrica y único definía la construcción de los escenarios, en el que se puede ver un reflexo de la popularização de los principios filosóficos del racionalismo, antropocentrismo y del humanismo. La pintura renascentista es en essência lineal; el dibujo era ahora considerado el cimiento de todos los artes visuales y su dominio, un requisito para todo artista. Para tanto, fue de gran utilidad el estudio de las esculturas y relieves de la Antiguidade, que dieron la base para el desarrollo de un grande repertório de temas y de gestos y posturas del cuerpo. En la construcción de la pintura, la línea convencionalmente constituía el elemento demonstrativo y lógico, y el color indicaba los estados afetivos o calidades específicas. Otro diferencial en relación al arte de la Edad Media fue la introducción de mayor dinamismo en las escenas y gestos, y el descubrimiento del sombreado, o claro-oscuro , como recurso plástico y mimético.^[1][11]

Giotto, tuteando entre los siglos XIII y XIV , fue el mayor pintor de la primera Renascença italiana y el pionero de los naturalistas en pintura. Su obra revolucionaria, en contraste con la producción de maestras del gótico tardío como Cimabue y Duccio , causó fuerte impresión en sus contemporáneos y dominaría toda la pintura italiana del Trecento, por su lógica, simplicidade, precisión y fidelidad a la naturaleza.^[12] Ambrogio Lorenzetti y Taddeo Gaddi continuaron la línea de Giotto sin innovar, aunque en otros características progresistas se mesclassem con elementos del gótico aún fuerte, como se ve en la obra de Simone Martini y Orcagna . El estilo naturalista y expressivo de Giotto, pero, representaba la vanguarda en la visualidade de esta fase, y se difundió para Siena, que por un tiempo pasó al frente de Florença en los avances artísticos. Dali se extendió para el norte de la Italia.

En el Quattrocento las representaciones de la figura humana adquirieron solidez, majestad y poder, reflejando el sentimiento de autoconfiança de una sociedad que se hacía muy rica y compleja, con varios niveles sociales, de variada educación y referenciais, que de ella participaban activamente, formando un panel multifacetado de tendencias e influencias. Pero al largo de casi todo el siglo el arte revelaría el embate entre los derradeiros ecos del gótico espiritual y abstracto, exemplificado por Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli y Lorenzo Monaco, y las nuevas fuerzas organizadoras, naturalistas y racionales del classicismo, representadas por Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca y Ghirlandaio . En ese sentido, tras Giotto el próximo marco evolutivo fue Masaccio, en cuyas obras el hombre tiene un aspecto nítidamente enobrecido y cuya presencia visual es decididamente concreta, con eficiente uso de los efectos de volumen y espacio tridimensional. De él se dije que fue "el primero que supe pintar hombres que realmente tocaban sus pies en la tierra".^[11] Junto con Florença, Venecia representa la vanguarda artística europea en el Quattrocento, disponiendo de un grupo de artistas ilustres, como Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi y Antonello de la Messina. Siena, que ya hube formado parte de la vanguarda en años anteriores, ahora hesitaba entre el llamamiento espiritual del gótico y el fascínio profano del classicismo, y perdía ímpeto. Mientras eso también otras regiones del norte de la Italia comenzaban a conocer el classicismo, a través de Perugino en Perugia; Francesco Laurana en Urbino; Pinturicchio, Masaccio, Melozzo de la Forli, y Giuliano de la Sangallo en Roma, y Mantegna en Pádua y Mântua .^[13] También se debe acordar la influencia renovadora sobre los pintores italianos de la técnica de la pintura a óleo, que en el Quattrocento estaba siendo desarrollada en los Países Bajos y hube alcanzado elevado nivel de afinamiento, posibilitando la creación de imágenes muy más precisas y nítidas y con un sombreado muy más sutil del que lo que era conseguido con el afresco, la encáustica y la têmpera . Las pantallas flamengas eran muitissimo apreciadas en la Italia exactamente por esas calidades, y una gran cantidad de ellas fue importada, copiada o emulada por los italianos ^[10]

Más adelante, en el alta Renascença, con Leonardo de la Vinci, la técnica del óleo se refinó y penetró en el terreno del sugestivo, al tiempo que aliaba fuertemente arte y ciencia. Con Rafael el sistema classicista de representación visual llegó a un apogeu, y se reveló la dulzura, la grandeza solemne y la perfecta armonía. Pero esa fase, de gran equilibrio formal, no duró mucho, inmediatamente sería transformada profundamente, dando lugar al Maneirismo. Aquí Michelangelo, coronando el proceso de exaltação del hombre, lo llevó a una nueva dimensión, a de el sobre-humano, abriéndole también las puertas del trágico y del patético. Con los maneiristas toda la noción de espacio fue entonces alterada, la perspectiva se fragmentou en múltiples puntos de vista, y las proporciones de la figura humana fueron distorcias con finalidades expressivas o meramente estéticas, formulándose un lenguaje visual más dinámica, vibrátil, subjetiva, dramática y sofisticada. Pontormo, Veronese, Romano, Tintoretto, Bronzino, y Michelangelo en su fase madura fueron ejemplos típicos del Maneirismo plenamente manifiesto. Giorgio Vasari, un pintor y arquitecto maneirista de mérito secundario, también debe ser acordado por su importancia como biógrafo e historiador del arte, uno de los primeros a reconocer todo el ciclo renascentista como una fase de renovación cultural y el primero a usar el término "Renascimento" en la bibliografia, en su enciclopédica Le Vite de' più Eccellenti Pittori, Scultori y Architettori, una de las fuentes primarias para el estudio de la vida y obra de muchos artistas del periodo.

Fra Angelico: Anunciação, c. 1440. Museo Nacional de Son Marcos, Florença	Piero della Francesca: Flagelação de Cristo, 1460. Galleria Nazionale delle Marche, Urbino	Pietro Perugino: El bautismo de Cristo, ca. 1481-83. Capela Sistina	Botticelli: El nacimiento de Vênus, 1485. Uffizi
Parmigianino: Madonna del cuello largo, 1534-40. Uffizi	Michelangelo: El Juízo Final, 1534-41. Capela Sistina	Bronzino: Alegoría del triunfo de Vênus, 1540-1545. National Gallery of London	Federico Barocci: La Madonna del pueblo, 1579. Uffizi

Escultura

Ver artículos principales: Escultura del Renascimento, Escultura del Renascimento italiano.

En la escultura las señales de una revalorização de una estética classicista son más antiguos, datando del siglo XIII. Nicola Pisano en torno a 1260 produjo un púlpito para el Batistério de Pisa que es considerado la manifestación precursora de la Renascença en escultura. En el pasaje del siglo XIII para el siglo XIV su hijo Giovanni Pisano llevaría su estilo más lejos y dominaría la escena en Florença en el primer tercio del siglo, y sería uno de los introdutores de un género nuevo, lo de los cruxifixi dolorosi, de grande dramaticidade y ancha influencia, hasta entonces inusual en la Toscana. Su talento versátil daría origen a otras obras de suma elegância y austeridade, de líneas limpias y puras, como el retrato de Enrico Scrovegni. Sus Madonnas, relieves y el púlpito de la Catedral de Pisa son, por otro lado, muy más movidos y monos, con elementos góticos mesclados a un nuevo senso de proporción y espacio que infiere su estudio de los clásicos.^[1][2] Contemporáneos como Tino di Camaino siguen aproximadamente la misma línea de trabajo, en un cruzamento de corrientes que sería típico de todo el Trecento.^[3] A mediados del siglo Andrea Pisano se haría uno de los escultores más importantes de la Italia, autor de los relieves de la puerta sur del Batistério de Florença y siendo nombrado arquitecto de la Catedral de Orvieto.^[4] Fue maestro de Orcagna , cuyo tabernáculo en Orsanmichele es una de las obras-primas del periodo, y de Giovanni di Balducci, autor de un requintado y complejo monumento funerário en la Capela Portinari de Milán.^[5][6]

A pesar de los avances de los maestros citados arriba, su obra aún refleja el embate entre las tendencias antiguas y modernas, y elementos góticos aún son nítidamente visibles en todos ellos. Para el fin del Trecento surge en Florença la figura de Lorenzo Ghiberti, autor de relieves en el Batistério de Son João, donde las plantillas clásicas son recuperados por completo. Luego enseguida Donatello conduce los avances en varios frentes. En sus obras principales figuran las estatuas de profetas del Antiguo Testamento. De ellos tal vez el Habacuc sea de más impresionante, una imagen cuyo porte acuerda fuertemente un romano con su toga, casi extraído directamente de la retratística de Roma republicana. Osó al modelar la primera figura de desnudo de grandes dimensiones en volumen completo desde la antiguidade, David de 1430 . También innovó en la estatuária equestre, creando el monumento la Gattamelata , de más importante obra en su género desde el Marco Aurélio romano del Capitólio. Por fin, su descarnada Madalena penitente, en madera, de 1453, es una imagen de dolor, austeridade y transfiguração que no tuvo paralelos en su época, reintroduzindo un pungente senso de drama y realidad en la estatuária que sólo se vio en el Helenismo.^[7]

En la generación siguiente, Verrocchio se destaca por la teatralidade y dinamismo de las composiciones. Cristo y Son Tomé tiene gran realismo y poesía. Compuso un Joven con un golfinho para la fuente de Netuno en Florença que es el prototipo de la figura serpentinata, que sería la plantilla formal más prestigiado por el Maneirismo y Barroco. Su obra mayor, el monumento equestre la Bartolommeo Colleoni es una expresão de poder y fuerza más impresionante que el Gattamelata. Desiderio de la Settignano y Antonio Rosselino también merecen recuerdo. Florença continuó el centro de la evolución hasta la aparición de Michelangelo , que trabajó en Roma para los papas - y también en Florença para los Medici - y fue el mayor nombre de la escultura desde el alta Renascença hasta meados del Cinquecento. Su obra pasó del classicismo puro de David, del Baco, y llegó al Maneirismo, expreso en obras veementes como los Esclavos, Moisés, y los desnudos de la Capela Medici en Florença. Artistas como Baccio Bandinelli, Agostino di Duccio y Tullio Lombardo también dejaron obras de grande maestria, como el Adão [5] de este último. Concluyen el ciclo renascentista Giambologna, Francesco de la Sangallo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini, con un estilo de grande dinamismo y expressividade, tipificado en el Rapto de las Sabinas, de Giambologna. Artistas importantes en otros países de la Europa ya inician a trabajar en líneas claramente italianas, como Adriaen de Vries en el norte y Germain Pilon en la Francia, esparciendo lo gusto italiano por una gran área geográfica y dando origen a varias formulações sincréticas con escuelas regionales.^[8]

Nicola Pisano: Adão, púlpito del Batistério de Pisa	Giovanni Pisano: Retrato de Enrico Scrovegni, Capela Scrovegni, Pádua (Copia del Museo Pushkin)	Agostino di Duccio: Madonna, siglo XV. Museo dell'Opera di Santa Maria del Fiore	Wga ghiberti story of Joseph.jpg Ghiberti: La historia de José, panel de la Puerta del Paraíso, Batistério de Son João
Opera del duomo (FI), donatello, abacuc (zuccone), 1423-1435 dettaglio 02.JPG Donatello: Habacuc. Museo dell'Opera del Duomo	Verrocchio: Son Tomé y Cristo, 1466-83, Orsanmichele, Florença	Michelangelo: Baco, Museo del Bargello	Giambologna: El rapto de la sabina, 1581-82. Loggia di Lanzi, Florença

Música

Ver artículo principal: Música del Renascimento

En líneas generales, la música del Renascimento no ofrece un panorama de quiebras abruptas de continuidad, y todo el largo periodo puede ser considerado el terreno de la lenta transformación del universo modal para el tonal, y de la polifonia horizontal para la armonía vertical. El Renascimento fue también un periodo de gran renovación en el tratamiento de la voz y en la orquestração , en el instrumental y en la consolidación de los géneros y formas puramente instrumentais con las suítes de bailas para bailes, habiendo gran demanda por animación musical en todo festejo o ceremonia, público o privado.^[1]

En la técnica compositiva la polifonia melismática de los organa, derivada directamente de la esquina gregoriano, es abandonada en favor de una escritura más enxuta, con voces tratadas de manera cada vez más equilibrada. En el inicio del periodo el movimiento paralelo es usado con moderação, accidentes son raros pero las dissonâncias duras son comunes. Más adelante la escritura a tres voces comienza a presentar tríadas, dando una impresión de tonalidade . Se intenta por primera vez escribir música descriptiva o programática, los rígidos modos rítmicos ceden lugar a la isorritmia y la formas más libres y dinámicas como la balada, la chanson y el madrigal. En la música sacra la forma de la misa se hace de más prestigiada. La notação evoluciona para adopción de notas de más pequeño valor, y más para el final del periodo pasa a ser acepto el intervalo de tercera como consonância, cuando antes sólo la quinta , la octava y el uníssono lo eran.^[2][3]

Los precursores de esta transformación no fueron italianos, pero franceses como Guillaume de Machaut, autor de la mayor realización musical del Trecento en toda Europa, la Misa de Notre Dame, y Philippe de Vitry, muy elogiado por Petrarca. De la música italiana de esa fase inicial muy poco llegó a nodos, aunque se sepa que la actividad era intensa y casi toda en el terreno profano, siendo las principales fuentes de partituras el Codex Rossi, el Codex Squarcialupi y el Codex Panciatichi. Entre sus representantes están Matteo de la Perugia, Donato de la Cascia, Johannes Ciconia y gabán Francesco Landini. Solamente en el Cinquecento la música italiana comenzó a desarrollar características propias y originales, siendo hasta entonces muy dependiente de la escuela franco-flamenga.^[3]

El predomínio de influencias del norte no significa que el interés italiano por la música fuera pequeño. En la ausencia de ejemplos musicales de la Antiguidade para ser emulados, filósofos italianos como Ficino se volvieron para textos clásicos de Platão y Aristóteles en búsqueda de referencias para que se pudiera crear una música digna de los antiguos. En ese proceso un significativo papel fue desempeñado por Lorenzo de' Medici en Florença, que fundó una academia musical y atrajo diversos músicos europeos,^[4] y por Isabella d'Este, cuya pequeña pero brillante corte en Mântua atrajo poetas que escribían en italiano poemas simples para ser musicados, y allá la récita de poesía, así como en otros centros italianos, era generalmente acompañada de música. El género preferido era la frottola , que ya mostraba una estructura armónica tonal bien definida y contribuiría para renovar el madrigal, con su típica fidelidad al texto y a los afetos. Otros géneros polifônicos como la misa y el moteto hacen a esta altura pleno uso de la imitación entre las voces y todas son tratadas de un modo semejante. Compositores flamengos importantes trabajan en la Italia, como Adriaen Willaert y Jacob Arcadelt, pero las figuras más célebres del siglo son Giovanni de la Palestrina, italiano, y Orlande de Lassus, flamengo, que establecen un patrón de para la música coral que sería seguido en todo el continente, con una escritura melodiosa y rica, de gran equilibrio formal y noble expressividade, preservando la inteligibilidade del texto, aspecto que en el periodo anterior muchas veces era secundario y se perdía en la intrincada complejidad del contraponto. La impresión de su música se hube equipado a la grandeza idealista del alta Renascença, floreciendo en una fase en que el Maneirismo ya se manifestaba con fuerza en otros artes como la pintura y escultura. A finales del siglo aparecen tres grandes figuras, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi, que introducirían avances en la armonía y un senso de memoria y timbre que enriquecerían la música dándole una expressividade y dramatismo maneiristas y a prepararían para el Barroco. Monteverdi en especial es importante por ser el primero grande operista de la historia, y sus óperas L'Orfeo (1607) y L'Arianna (1608, perdida, sólo resta una famosa ária, lo Lamento) representan el noble ocaso de la música renascentista y los primeros grandes marcos del barroco musical ^[3]

Ejemplos musicales

• Anónimo italiano: Ypocrite - Velut stelle - Et gaudebit (ayuda·info)
• Anónimo, Codex Rossi: Cum altre ucele (ayuda·info)
• Hugo de Lantins: Jo sum tuo siervo (ayuda·info)
• Giulio Caccini: Amor che attendi (ayuda·info)
• Giovanni Croce: Cantate Domino (ayuda·info)
• Jacob Arcadelt: Io dico che fra noi (ayuda·info)
• Monteverdi: Lamento de L'Arianna (versión coral del autor, 1614) (ayuda·info)

Arquitetura

Ver artículo principal: Arquitetura del Renascimento

La permanencia de muchos vestigios de Roma antigua en suelo italiano jamás dejó de influir en la plástica edificatória local, sea en la utilización de elementos estructurales o materiales usados por los romanos, sea manteniendo viva la memoria de las formas clásicas.^[5] Aún así, en el Trecento el gótico continúa la línea dominante y el classicismo sólo vendría a emerger con fuerza el siglo siguiente, en medio a un nuevo interés por las grandes realizaciones del pasado. Ese interés fue estimulado por la redescoberta de bibliografia clásica dada como perdida, como lo De Architectura de Vitrúvio , encontrado en la biblioteca del mosteiro de Monte Cassino en 1414 o 1415 . En él el autor exaltaba el círculo como forma perfecta, y elaboraba sobre proporciones ideales de la edificação y de la figura humana, y sobre simetria y relaciones de la arquitetura con el hombre. Sus ideas serían entonces desarrolladas por otros arquitectos, como el primero grande exponente del classicismo arquitetônico, Filippo Brunelleschi, que quitó su inspiración también de las ruinas que hube estudiado en Roma. Fue el primero a usar modernamente las órdenes arquitetônicas de manera coherente, instaurando un nuevo sistema de proporciones basado en la escala humana.^[6][7] También se debe a él el uso precursor de la perspectiva para representación ilusionística del espacio tridimensional en un plan bidimensional, una técnica que sería profundizada enormemente los siglos vindouros y definiría todo el estilo del arte futuro, inaugurando una fertilíssima asociación entre el arte y la ciencia. Leon Battista Alberti es otro arquitecto de gran importancia, considerado un perfecto ejemplo del "hombre universal" renascentista, versátil en varias especialidades. Fue el autor del tratado De re aedificatoria, que se haría canônico. Otros arquitectos, artistas y filósofos añadieron a la discusión, como Luca Pacioli en suyo De Divina Proportione, Leonardo con sus dibujos de iglesias centradas y Francesco di Giorgio con el Trattato di architettura, ingegneria y arte militare.

De entre las características más notables de la arquitetura renascentista está la renudación de la plantilla centralizada de templo , diseñado sobre una cruz griega y coronado por una cúpula, espelhando la popularização de conceptos de la cosmologia neoplatônica y con la inspiración concomitante de edificios-relíquias como el Panteão de Roma. El primero de ese género a ser edificado en la Renascença fue tal vez San Sebastiano, en Mântua, obra de Alberti de 1460 , pero dejado inconcluso. Esta plantilla tenía como base una escala más humana, abandonando el intenso verticalismo de las iglesias góticas y teniendo en la cúpula el coroamento de una composición que primaba por la inteligibilidade. Especialmente en el que toca a la estructura y técnicas constructivas de la cúpula, grandes conquistas fueron hechas en el Renascimento. De las más importantes son la cúpula octogonal de la Catedral de Florença, de Brunelleschi, que no usó andaimes apoyados en el suelo o concreto en la construcción, y a de la Basílica de São Pedro, en Roma, de Michelangelo, ya del siglo XVI.^[8]

En el lado profano aristocratas como los Medici, los Strozzi, los Pazzi, aseguran su status ordenando la construcción de palacios de grande imponência y originalidade, como el Palacio Pitti (Brunelleschi), el Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), el Palazzo Rucellai (Alberti) y el Palazzo Strozzi (Maiano), todos transformando la misma plantilla de los palacios medievais italianos, de cuerpo más o menos cúbico, pavimentos de alto pie-derecho, estructurado en torno a un patio interno, de fachada rústica y coronado por grande cornija, lo que les confiere un aspecto de solidez e invencibilidade. Formas más puramente clásicas son exemplificadas en Vila Medici, de Giuliano de la Sangallo. Variaciones interesantes de esta plantilla son encontradas en Venecia, dadas las características alagadas del terreno.^[9]

Tras la figura principal de Donato Bramante en el alta Renascença, trayendo el centro del interés arquitetônico de Florença para Roma, y siendo el autor de uno de los edificios sacros más modeles de su generación, el Tempietto, encontramos el propio Michelangelo, tenido como el inventor de la orden colossal y por algún tiempo arquitecto de las obras de la Basílica de São Pedro. Michelangelo, en la visión de sus propios contemporáneos, fue el primero a desafiar las reglas hasta entonces consagradas de la arquitetura classicista, desarrollando un estilo personal, pues fuera según Vasari el primero a abrirse para la verdadera libertad creativa. Él representa, entonces, el fin del "classicismo colectivo", bastante homogêneo en sus soluciones, y el inicio de una fase de individualização y multiplicación de los lenguajes arquitetônicas. Él abrió camino, por el inmenso prestigio que disfrutaba entre los suyos, para que la nueva generación de creadores realizara uno sin-número de experimentações a partir del cânone clásico de arquitetura, haciendo este arte independiente de los antiguos - aunque anchamente devedora de ellos. Algunos de los más notables nombres de esta época fueron Della Puerta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi y Vignola . Entre las modificaciones que ese grupo introdujo estaban la flexibilização de la estructura del frontispício y la anulación de las jerarquías de las órdenes antiguas, con gran libertad para el empleo de soluciones no ortodoxas y el desarrollo del me gusta por un juego puramente plástico con las formas, dando muy más dinamismo a los espacios internos y a la fachadas.^[10] De todos los derradeiros renascentistas Palladio fue el más influyente, y aún hoy es el arquitecto más estudiado en todo el mundo.^[11] Fue creador de una fértil escuela, llamada Palladianismo, que perdurou, con altos y bajos, hasta el siglo XX.^[10][12]

Brunelleschi: Ospedale degli Innocenti	Alberti: Fachada de Santa Maria Novella	Michelozzo Michelozzi: Palazzo Medici-Riccardi	Giuliano de la Sangallo: Vila Medici
Michelangelo: La cúpula de São Pedro	Palladio: Villa Capra	Della Porta: Villa Aldobrandini	Vignola: Palazzo Farnese

La italianização de la Europa

Con el creciente movimiento de artistas, humanistas y profesores entre las ciudades al norte de los Alpes y la península Itálica, y con la gran circulación de textos impresos y obras de arte a través de reproducciones en gravura, el classicismo inició a mediados del siglo XV una etapa de difusión por todo el continente. Pero fueron Francisco I de la Francia y Carlos V, Sacro Emperador Romano, que inmediatamente reconocieron el potencial de la Renascença italiana para promover sus imágenes régias a través de formas clásicas, los agentes decisivos para la divulgación intensiva del arte italiano además de los Alpes. Pero eso aconteció sólo alrededor del inicio del siglo XVI, cuando el ciclo renascentista ya tenía por lo menos doscientos años de amadurecimento en la Italia, ya hube llegado a una culminação y ya estaba en su fase maneirista. Destarte, cabe advertir que no hube nada como un Quattrocento o una Alta Renascença en el restante de la Europa, pues en ella no hube un lento y orgánico proceso de classicização como el italiano, fue en mucho un resultado de eventos políticos que ocurrieron en un corto espacio de tiempo, pero que tuvieron repercusión continental. Como resultado, como si se abrieran de repente las comportas de una represa, el vasto derrame de cultura italiana para el norte y el oeste tras las invasiones en la Italia generó en cada región o país una original mescla de raíces locales góticas con el classicismo italiano tardío.

Francia

La influencia renascentista vía Flandres y la Borgonha ya existía desde el siglo XV, como se nota en la producción de Jean Fouquet, pero la Guerra de los Cien Años y las epidemias de peste atrasaron su florescimento, que ocurre solamente a partir de la invasión francesa de la Italia por Carlos VIII en 1494. El periodo se extiende hasta cerca de 1610 , pero su final es tumultuado con las guerras de religión entre católicos y huguenotes , que devastaron y enflaquecieron el país. Durante su vigencia la Francia inicia el desarrollo del absolutismo y se expande por el mar explorando la América. El centro focal se establece en Fontainebleau, sede de la corte, y allí se forma la Escuela de Fontainebleau, integrada por franceses e italianos como Rosso, Primaticcio, Dell'Abbate y Toussaint Dubreuil, siendo una referencia para otros como François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon y Pierre Lescot. Leonardo también estuvo presente allí.

En la música hube un enorme florescimento a través de la Escuela de la Borgonha, que dominó la escena musical europea durante el siglo XV y daría origen a la Escuela franco-flamenga, que produciría maestras como Josquin des Prez, Clément Janequin y Claude Le Jeune. La chanson francesa del siglo XVI tendría un papel en la formación de la canzona italiana, y su Musique mesurée establecería un patrón de escritura vocal declamatória en la tentativa de recriação de la música del teatro griego, y favorecería la evolución para la plena tonalidade. También apareció un género de música sacra distinguido de sus plantillas italianas, conocido como chanson spirituelle. En la arquitetura fueron dejados monumentos impares como el Castillo de Chambord y el Château d'Amboise.^[1][2] En la literatura se destacan Rabelais, un precursor del género fantástico, Montaigne, popularizador del género ensayo donde es hasta hoy uno de los mayores nombres, y el grupo integrante de la Plêiade, con Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay y Jean-Antoine de Baïf, que buscaban uno actualización vernácula de la literatura greco-romana, la emulação de formas específicas y la creación de neologismos basados en el latim y en el griego.^[3]

Ejemplo musical

• Josquin Des Prez: Magnus est tú, Domine - Tú, pauperum refugium (ayuda·info)

Jean Clouet: Retrato de Francisco I, 1525. Louvre	El Castillo de Chambord	François Clouet: El baño de Diana, c. 1559. Museo de Arte de São Paulo	Dürer: Altar Landauer, 1511. Kunsthistorisches Museum
Gregor Erhart: Madalena, siglo XV. Louvre	Hans Burgkmair: Altar de Son João, 1518. Alte Pinakothek	Cornelis Floris de Vriendt: Ayuntamiento de Antuérpia.	Quentin Massys: Retrato de un notario, inicio del siglo XVI. National Gallery of Scotland

Países Bajos y Alemania

Los flamengos estaban en contacto con la Italia desde el siglo XV, pero solamente el siglo XVI el contexto se transforma y se caracteriza como renascentista, teniendo una vida relativamente corta. En esta fase la región enriquece, la Reforma Protestante se hace una fuerza decisiva, opuesta a la dominação católica de Carlos V, llevando a conflictos serios que dividirían el área. Las ciudades comerciales de Bruselas , Ghent y Bruges estrechan los contactos con el norte de la Italia y encomiendan obras o atraen artistas italianos, como los arquitectos Tommaso Vincidor y Alessandro Pasqualini, que pasaron la mayor parte de sus vida allí. El amor por la gravura traje para la región incontables reproducciones de obras italianas, Dürer dejó una marca indelével cuando pasó por allá, Erasmo mantenía aceso el Humanismo y Rafael mandaba ejecutar tapeçarias en Bruselas. Vesálio hace avances importantes en la Anatomia , Mercator en la Cartografia y la nueva prensa encuentra en Antuérpia y Leuven condiciones para la fundación de editoras de ancha influencia.

En la música los Países Bajos, junto con el noroeste de la Francia, se hacen el centro principal para toda la Europa a través de la Escuela franco-flamenga. La pintura desarrolla una escuela original, que popularizou la pintura a óleo y daba enorme atención al detalle y a la línea, manteniéndose muy fiel a la temática sacra e incorporando su tradición gótica a la innovaciones maneiristas italianas. Tuvo en Jan van Eyck, Rogier van dé Weyden y Hieronymus Bosch sus precursores el siglo XV, e inmediatamente la región daría su contribución propia al arte europeo consolidando el paisagismo a través de Joachim Patinir y la pintura de género con Pieter Brueghel el viejo y Pieter Aertsen. Otros nombres notables son Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt y Joos van Cleve.^[1][2]

La Alemania impulsó su Renascimento fundiendo su rico pasado gótico con los elementos italianos y flamengos. Uno de sus primeros maestros fue Konrad Witz, siguiéndose Albrecht Altdorfer y Dürer, que estuvo en Venecia dos veces y fue allá profundamente influenciado, lamentando tenga que volver para el norte. Junto con el erudito Johann Reuchlin, Dürer fue una de las mayores influencias para disseminação del Renascimento en el centro de la Europa y también en los Países Bajos, donde sus célebres gravuras fueron altamente elogiadas por Erasmo, que lo llamó de "lo Apeles de las líneas negras". La escuela romana fue un elemento importante para la formación del estilo de Hans Burgkmair y Hans Holbein, ambos de Augsburgo , visitada por Ticiano.^[3][4] En la música basta la mención la Orlande de Lassus, un integrante de la Escuela franco-flamenga radicado en Múnich que se haría el compositor más célebre de la Europa en su generación, a punto de ser nobilitado por el emperador Maximiliano II y hecho jinete por el papa Gregório XIII, algo extremadamente raro para un músico.

Portugal y España

Portugal, el siglo XVI hecho una de las mayores potencias navales, auferiu logros inmensos con las navegaciones para lo oriente, con su colonia americana y lo con tráfico de esclavos, haciendo crecer la burguesia comercial y enriquecedo la nobleza, que podían ahora entregarse la grandes lujos y cultivar el espíritu. El contacto comercial con la Francia, España, Países Bajos, Italia e Inglaterra es assíduo, y el intercambio cultural se intensificó. El gótico local se mescla a estas influencias extranjeras y da origen al estilo manuelino, que produciría monumentos altamente originales como el Mosteiro de los Jerônimos, la Iglesia Matriz de la Golegã, el Mosteiro de Santa Cruz y la Torre de Belén, y la joya exótica de la ventana del Capítulo del Convento de Cristo, en Tomar. Se destacan personalidades como a de el humanista Francisco de Holanda y de los artistas Grano Vasco, Diogo Boitaca, Nuno Gonçalves, Francisco de Arruda y, Luís Vaz de Camões, uno de los más célebres poetas de todos los tiempos.

En España, las circunstancias fueron en varios puntos semejantes. La reconquista del territorio español a los árabes y el fantástico afluxo de riquezas de las colonias americanas, con el intenso intercambio comercial y cultural asociado, sostuvieron una fase de expansión y enriquecimiento sin precedentes del arte local. Artistas como Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, ElGreco , Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes y muchos más dejaron obra notable en estilo clásico o maneirista, más dramático del que sus plantillas italianas, ya que el espíritu de la Contra-Reforma allí tenía un baluarte y, en escritores sacros como Teresa de Ávila, Inácio de Loyola y João de la Cruz, grandes representantes. Particularmente en la arquitetura a ornamentação luxuriante se hace típica del estilo que se conoce como plateresco, una síntesis única de influencias góticas, mouriscas y renascentistas. La Universidad de Salamanca, cuya enseñanza tenía moldes humanistas, más la fijación de italianos como Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni y Pompeo Leoni inyectaron una fuerza adicional en el proceso ^[3][5]

El último Renascimento llega a cruzar el océano y se enraizar en la América y en el oriente, donde aún hoy sobreviven muchos mosteiros e iglesias fundados por los colonizadores españoles en centros de México y del Pavo, y por los portugueses en el Brasil, en Macau y Goa , algunos de ellos hoy Patrimonio de la Humanidad.

Ejemplo musical

• Tomás Luís de Victoria: Caligaverunt oculi mei (ayuda·info)

Grano Vasco: Detalle de São Pedro pontífice, Museo Grano Vasco	Francisco de Arruda: Torre de Belén, Lisboa	Valtierra - Iglesia de Santa Maria 4.JPG Altar plateresco de la Iglesia de Santa Maria, Valtierra	Pedro Machuca: Palacio de Carlos V, c. 1527. Granada
El Greco: Cristo espoliado, 1577-1579. Catedral de Toledo	Frontispício de la Catedral de Lima , Pavo	Robert Smythson: Wollaton Hall	Nicholas Hilliard: Retrato de un joven con una rosa, c. 1588. Victoria and Albert Museum

Inglaterra

En la Inglaterra , el Renascimento coincide con la llamada Era Elisabetana, de gran expansión marítima y de relativa estabilidad interna tras la devastação de la larga Guerra de las Rosas, cuando se hizo posible pensar en cultura y arte. Como en la mayor parte de los otros países de la Europa, la herencia gótica aún viva mesclou-si con referencias de la Renascença tardía, pero sus características distintivas son el predomínio de la literatura y de la música sobre los otros artes, y su vigencia hasta cerca de 1620 . Poetas como John Donne y Milton investigan nuevas formas de comprender la fe cristiana, y dramaturgos como Shakespeare y Marlowe se mueven con desenvoltura entre temas céntricos de la vida humana - la traición, la transcendência, la honra, el amor, la muerte - en tragedias célebres como Romeu y Julieta, Macbeth, Otelo (Shakespeare), y Doctor Fausto (Marlowe), así como sobre sus aspectos más prosaicos y ligeros en fábulas encantadoras como Sueño de una noche de verano (Shakespeare). Filósofos como Francis Bacon descortinam nuevos límites para el pensamiento abstracto y reflejan sobre una sociedad ideal, y en la música la escuela madrigalesca italiana es asimilada por Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons y muchos otros, adquiere un sabor inconfundivelmente local y crea una tradición que permanece viva hasta hoy, al lado de grandes polifonistas sacros como John Taverner, William Byrd y Thomas Tallis, este dejando el famoso moteto Spem inalium , para cuarenta voces hendidas en ocho coros, una composición sin paralelos en su época por la maestria en el manejo de enormes masas vocales.^[1] En la arquitetura se destacaron Robert Smythson y los palladianistas Richard Boyle, Edward Lovett Pearce e Inigo Jones, cuya obra repercutió hasta en la América del Norte, haciendo discípulos en George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison y Thomas Jefferson.^[2] En la pintura el Renascimento fue recibido principalmente a través de la Alemania y de los Países Bajos, con la figura mayor de Hans Holbein, floreciendo después con William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard y varios otros maestros de la Escuela Tudor.^[3]

Ejemplos musicales

• Orlando Gibbons: The silver swan (ayuda·info)
• Thomas Tallis: Lamentatione Jeremiae Prophetae I (The Tudor Consort) (ayuda·info)

Críticas

Buena parte del debate moderno en torno al Renascimento ha buscado determine si él representó de hecho una mejoría en relación a la Edad Media. Sus primeros comentadores, como Michelet y Burckhardt no hesitaron en posicionarse favorablemente y en considerarlo una fase decisiva en dirección a la modernidade, comparándolo a la remoção de un véu de los ojos de la humanidad, permitiéndole ver claramente ^[4]

Por otro lado, un grupo de historiadores modernos resaltó que muchos de los factores sociales negativos comumente asociados a la Edad Media - pobreza, persecuciones religiosas y políticas - parecen haber empeorado en esta era que vio nazcan Maquiavel, las guerras de religión, la corrupción del papado y la intensificación de la caza a la brujas el siglo XVI. Muchas personas que vivieron en la Renascença no a tenían como la "Edad Dorada" que los intelectuales del siglo XIX imaginaron, pero estaban conocedores de los graves problemas sociales y morales, como Savonarola, que desencadenó un dramático revivalismo religioso en el fin del siglo XV que causó la destrucción de incontables obras de arte y finalmente lo llevó a la muerte en la hoguera, y Filipe II de España, que censurou obras de arte florentinas.^[5][6] Aún así, los intelectuales, artistas y patronos de la época que estaban envueltos en la movimentação cultural realmente creían que estaban testificando una nueva era que constituía una ruptura nítida con la edad anterior.^[7]

Algunos historiadores marxistas prefirieron describir el Renascimento en términos materialistas, sosteniendo que los cambios en arte, literatura y filosofía eran sólo una parte de la tendencia general de distanciamento de la sociedad feudalista en dirección al capitalismo, que resultó en la aparición de una clase burguesa que disponía de tiempo para se devotar a la artes.^[8] También se aventou que el recurso a los referenciais clásicos fue en aquella época muchas veces un pretexto para la legitimação de los propósitos de la élite, y la inspiración en Roma republicana y principalmente en Roma imperial tendría dato margen a la formación de un espíritu de competitividad y mercenarismo que los arrivistas usaron para su escalada social tantas veces inescrupulosa.^[9] Johan Huizinga reconoció la existencia de la Renascença pero cuestionó si ella representó un cambio positivo. En su libro The Waning of the Middle Actúas él argumentó que el Renascimento fue un periodo de declínio en relación a la Edad Media, destruyendo muchas cosas que eran importantes.^[10] Por ejemplo, el latim había conseguido evolucionar y mantenerse bastante vivo hasta allá, pero la obsessão por la pureza clásica interrumpió este proceso natural y lo hizo revertir a su forma clásica. Robert Lopez declaró que la fase fue de gran recesión económica,^[11] mientras que George Sarton y Lynn Thorndike especulan que tal vez el progreso científico realizado haya sido en la verdad bien menos original del que se supone.^[12] De esta forma, muchos historiadores comenzaron a pensar que el término Renascimento venía siendo por demás sobrecarregado con una apreciación positiva, automáticamente desvalorizando la Edad Media, y propusieron el uso del término sustituto "Primera Modernidade", de carácter más neutro y que lo establecía como un pasaje de la Edad Media para Edad Moderna.^[13] Pero esos propios estudios fueron objeto de controversia, llevando a que se llamara el Renascimento de "el niño más intratável de la historiografia". Tras el que hoy parece haber ido sólo una fase de saludables cuestionamientos de conceptos consagrados pero poco profundizados, el Renascimento viene siendo reafirmado como un periodo de enorme importancia en la historia del arte y de la cultura occidental. La cantidad de estudios sobre el tema, que viene aumentando cada día, sea a que conclusiones haya llegado, solamente por su volumen evidencia que el Renascimento es una polémica aún muy viva, y que es rico el bastante para continuar atrayendo la atención de la crítica y del público ininterrumpidamente desde su fundación ^[5][14]

Legado

Aún con opiniones divergentes sobre aspectos particulares, hoy parece ser un consenso que el Renascimento fue un periodo en que muchas creencias arraigadas y tomas como verdaderas fueron puestas en discusión y probadas a través de métodos científicos de investigación, inaugurando una fase en que el predomínio de la religión y sus dogmas dejó de ser absoluto y abrió camino para el desarrollo de la ciencia y de la tecnología como hoy las conocemos. Los filósofos renascentistas fueron buscar en la antigüidade precedentes para defender el régimen republicano y la libertad humana, atualizando ideas que tuvieron un impacto en la jurisprudência y teoría constitucional actuales, y el pensamiento político de la época puede haber sido una inspiración importante para la formación de Estados modernos como la Inglaterra y el Estados Unidos.^[15]

En el campo de los artes visuales fueron desarrollados recursos que posibilitaron un salto inmenso en relación a la Edad Media en términos de capacidad de representación del espacio, de la naturaleza y del cuerpo humano, resucitando técnicas que habían sido perdidas desde la antigüidade y creando otras inéditas a partir dali. El lenguaje arquitetônica de los palacios, iglesias y grandes monumentos que fue establecida a partir de la herencia clásica aún hoy permenece válida y es empleada cuando se desea prestar dignidad e importancia a la edificação moderna. En la literatura las lenguas vernáculas se hicieron dignas de veicular cultura y conocimiento, y el estudio de los textos de los filósofos greco-romanos disseminou máximas aún hoy presentes en la voz popular y que incentivan valores elevados como el heroísmo, el espíritu público y el altruísmo, que son piezas fundamentales para la construcción de una sociedad más justa y libre para todos. La reverencia por el pasado clásico y por sus mejores valores creó una nueva visión sobre la historia y fundó la historiografia moderna, y proveu las bases para la formación de un sistema de enseñanza que en la época se extendió más allá de las élites y aún hoy estructura el currículo escolar de gran parte del occidente y sostiene su orden social y sus sistemas de gobierno. Por fin, la fantástica producción artística renascentista que sobrevive en tantos países de la Europa continúa a atraer multitudes de todas las partes del mundo y constituye parte significativa de la propia definición de cultura occidental.^[9]

Ver también

Historia del arte Por periodo Arte pre-histórico Arte del Paleolítico Arte rupestre Arte del Neolítico Arte antiguo Arte del Paleolítico Arte mesopotâmica Arte suméria Arte assíria Arte babilónica Arte persa Arte sassânida Arte egipcio Arte celta Arte germânica Arte fenícia Arte egeia Arte cicládica Arte minoica Arte micénica Antiguidade Clásica Arte etrusca Arte griego Arte romano Arte paleocristã Arte medieval Arte bizantina Arte islámico Pre-românico Arte germânica Arte hibérnico-saxónica Arte anglo-saxónica Arte celta Arte visigótica Arte merovíngia Arte carolíngia Arte otoniana Românico Arte mudéjar Gótico Manuelino A. en la Edad Moderna Renascimento Maneirismo Barroco Rococó Neoclassicismo Academicismo Romanticismo Arte moderno Nazarenos Pre-rafaelitas Realismo Naturalismo Impressionismo Post-impressionismo Pontilhismo Divisionismo Simbolismo Art nouveau Expressionismo Fovismo Die Brücke Dé Blaue Reiter Vanguardas Abstraccionismo Neoplasticismo Cubismo Construtivismo Bauhaus Suprematismo Realismo socialista Dadaísmo Surrealismo Futurismo Arte contemporáneo Pop art Op art New Dada Minimalismo Neoconcretismo Arte conceptual Happening Performance Instalaciones Land art Hiper-realismo Por expresión artística Arquitectura - Pintura Escultura - Design Literatura - Música Teatro - Cine

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• Política del Renascimento

Conexiones externas

• AP European History - Glossary (en inglés)
• Renaissance Connection - Interactivo (en inglés)
• Florence: Virtual Travel in the City of the Renaissance (en inglés)
• Society sea Renaissance Studies (en inglés)