Pintura en los Estados Unidos de la América

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[[File:Bierstadt - Among the Sierra Nevada Mountains - 1868.jpg|thumb|400px|Albert Bierstadt: Entre las montañas de la Sierra Nevada. [[Smithsonian American Art Museum[["

A pesar de poseer una historia relativamente corta dentro del arte occidental, la pintura en los Estados Unidos evolucionó tan rápido como la economía y sociedad de ese gran país, para hacerse los días de hoy una de las más insignes y activas escuelas nacionales en todo el mundo. Tras un inicio dependiente de la información europea, dio el siglo XX contribuciones originales de peso fundamental para la evolución de la pintura contemporánea. Actualmente los Estados Unidos son una de las referencias básicas para la formación de nuevos pintores, uno de los mayores centros productores de pintura y una de las mayores fuerzas en la dinamização del mercado de arte mundial.

Índice 1 Durante la colonia 2 Independencia e inicio de la República 3 El grande paisagismo de la Escuela del Río Hudson 3.1 Otros románticos 4 En dirección a la modernidade 5 Modernismo 6 La generación del polvos-guerra 6.1 Abstracción 6.2 Pintura pop 6.2.1 Psicodelismo 6.3 Arte conceptual y Neo-expressionismo 6.4 Hiper-Realismo 7 Pintura contemporánea 7.1 Arte indígena y graffiti 8 Referencias 9 Ver también

Durante la colonia

Los primeros tiempos coloniais fueron virtualmente un desierto en términos de arte. No había escuelas ni artistas, pero el siglo XVII ya había si formado una élite agraria en Maryland, Pennsylvania y Virginia que importaba productos de lujo y objetos de decoração de la Europa, posiblemente también pinturas. La mayor parte del que se produjo localmente en este arte durante el periodo colonial norteamericano (1585-1776) consistió, significativamente, de retratos, como una forma de los colonos establezcan una identidad en el Nuevo Mundo y creen en la provinciana colonia un ambiente cultural semejante al que dejaron en la antigua patria. Esa tradición de retratos, pero, sólo iniciaría en la tercera década del siglo XVIII ^{[1][2] [3]}. [[File:George Berkeley by Jonh Smibert.jpg|left|thumb|150px|Jonh Smibert: Retrato de George Berkeley, c. 1730. [[National Portrait Gallery de Washington[[" [[File:Benjamin West 005.jpg|left|thumb|150px|Benjamin West: La muerte del general Wolfe, 1770. [[National Gallery of Canada[["

La Europa, en particular la Inglaterra, fue la referencia para el arte norteamericana en este periodo, ya que cerca de 70% de los colonos era descendiente de ingleses. Así, de la Europa vinieron los primeros pintores a trabajar en el EUA, específicamente en las Trece Colonias del nordeste, ya que el restante de su actual territorio aún pertenecía a España]] y era poblado por indígenas, y otros tantos, talentos autóctones, se desplazaron para la metrópoli a fin de estudiar y aprender el ofício. De hecho, parte apreciável de la primera pintura colonial norteamericana fue producida por extranjeros y en el extranjero ^[4].

En 1728 se señala la presencia en Newport del pintor escocés John Smibert, que hube emigrado a fin de hacerse profesor de artes en la escuela que el obispo George Berkeley planeaba fundar en las Bermudas, pero acabó estableciéndose en Boston. Luego enseguida el retratista suizo Jeremiah Theus aparece en Charleston para pintar al largo de muchos años personajes de la élite local. Otro precursor fue el viajero austríaco Philip von Reck, que dejó inestimável serie de dibujos y aquarelas ilustrando aspectos humanos, naturales y sociales de la Geórgia . A la vez, la economía local se encontraba en una fase de expansión y había considerable importación de mobília, louças, platas y pinturas para adornar las mansiones especialmente de los fazendeiros del sur ^{[5] [6] [7]}.

En la década de 1750 Boston ya era una rica ciudad portuaria, con intenso comercio internacional y significativa clase abastada consumidora de arte. Allí nació en 1738 uno de los primeros grandes pintores norteamericanos, John Singleton Copley. A pesar de su hijo afirmar que él fuera completamente autodidacta, y él aún decir que en su época nada de bueno había en términos de arte en su región, su trabajo, de calidad superior y carácter académico, muestra que él debe haber aprendido por lo menos a través de la observación y copia de obras importantes en alguna casa rica. De cualquier forma, el ambiente local, por desarrollado que estuviera, aún era limitado para su talento y él se cambió para Londres en 1774, jamás retornando. Se fijó en Londres, ingresó en la Royal Academy, hizo el Grand Tour europeo, adquirió fama, entró en contacto con figuras ilustres y realizó obra numerosa y de alto nivel, en un estilo que transitó del fin del Rococó hasta el Romanticismo, y su ejemplo fue la influencia dominante en su país hasta el siglo XIX ^{[8] [9]}.

El otro gran nombre de la época fue Benjamin West, cuya carrera fue semejante a la de Copley. La primera parte de su vida artística pasó produciendo retratos en Filadélfia, que competía con Boston en términos de importancia e inmediatamente adelante asumiría la primazia cultural. En 1756 produjo una pantalla intitulada La muerte de Sócrates, que le abrió las puertas del patronato del Dr. William Smith, a través de quien conoció John Wollaston, con quien aperfeiçoaria su técnica. En 1760 William Smith y William Allen financiaron su viaje a la Europa, y él se dirigió Roma]] para estudiar. Tres años después de estableció residencia en Londres, donde inmediatamente ganó el favor del rey Jorge III y más tarde fue uno de los fundadores de la Royal Academy, la cual presidió hasta su muerte sucediendo Joshua Reynolds. West se hizo uno de los líderes del movimiento neoclássico-romántico inglés y uno de los principales nombres europeos en su generación en el campo de la pintura histórica, retirando inspiración de temas de la antiguidade clásica, pero tampoco olvidó sus raíces, y dejó importantíssima obra con temática norteamericana. Hizo diversos discípulos conterrâneos, como Charles Willson Peale (fundador de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts), Rembrandt Peale, Gilbert Stuart, John Trumbull y Thomas Sully, todos grandes artistas, y su influencia fue similar a la de Copley para la pintura norteamericana ^[10][11][12].

Jeremiah Theus - Portrait of a Young Southern Woman.jpg Jeremiah Theus: Retrato de una joven sulista

Von Reck - War Baile.jpg Philip von Reck: Baila guerrera Yuchi, c. 1736. Biblioteca Real de Copenhague

John Singleton Copley: Retrato Mercy Otis Warren, 1763.

Charles Willson Peale: Retrato de George Washington, 1772. Washington and Lee University

Independencia e inicio de la República

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La dolorosa Guerra de Independencia devastó el país, y lo aisló del resto del mundo tanto en términos políticos como culturales. La producción de arte local estagnou y muchos artistas emigraron para nunca volver, pero inmediatamente después de la cessação de las hostilidades experimentó rápida recuperación. Uno de los que retornaron fue Charles Peale que llegó a luchar en la guerra y era miembro de gran familia de artistas. Amigo de George Washington, fue incumbido de retratá-lo, en una obra de se hizo inmediatamente copiada muchas veces. Dejó extensa serie de retratos de otras figuras importantes de los primeros tiempos de la república. Otro fue Gilbert Stuart, que adquirió proeminência internacional después de recibir a encomienda de pintar otro retrato de Washington ^[1]. [[File:George Washington, 1795 by Gilbert Stuart.jpg|thumb|left|150px|Gilbert Stuart: Retrato de George Washington, 1795. [[Metropolitan Museum of Art[["

La independencia instilou gran entusiasmo en la población, orgullosa de su república, e inmediatamente se inició un proceso de construcción de un imaginário simbólico en la forma de retratos y obras históricas que confirmara la autonomía y grandeza de la patria, en una onda típicamente romántica pero que se espelhava en la Atenas democrática y en la Roma imperial, y por eso la influencia del Neoclassicismo también fue importante. De entre los pintores históricos se destacó John Trumbull, tras el ejemplo dejado por West. Así como él produjo mucho en la Inglaterra, y su mejor contribución al arte norteamericana son las pantallas sobre la Revolución de 1776 ^[2].

En 1803 la compraventa de la Louisiana duplicó la extensión del país. Región aún poco conocida, atrajo diversos artistas y científicos para investigación y retrato de su fauna, flora, geografía y sus pueblos indígenas. Entre ellos estaban John James Audubon, John Abbot y George Catlin, de formación académica y también naturalistas, trabajaban primariamente como ilustradores. Otros, autodidactas o de inspiración popular, como Edward Hicks, Robert Peckham y Joseph Whiting Stock, pintaban lejos de los grandes centros urbanos como ocio privado o bajo encomienda de pequeños propietarios rurales, divulgando el arte con los medios limitados de que disponían, y de alguna forma educando su público. También merece una palabra el generalizado me gusta por la pintura de miniaturas, con gran mercado y varios maestros practicantes, como Henry Inman, Pierre Henri y John Wood Dodge ^[3][4]. ^[5][6].

La economía también se rehizo con presteza de los desastres de la guerra, apoyada en la agricultura y comercio ya consolidados y en la industria que crecía, e inmediatamente la dependencia económica de la Inglaterra desapareció. La población comenzaba la expandir el territorio colonizado y en 1820 ya llegaba a 10 millones de habitantes. De entre ellos, los ricos mercadores y fazendeiros continuaban apreciando arte y encomendando nuevas obras. A pesar de eso, en términos culturales aún había mucho por hacer en los EUA y la Inglaterra y su Academia continuaban siendo las referencias más fuertes, aunque un sentimiento de identidad nacional ya existiera claramente y se fortaleciera cada día. Un paso importantes para la formación de una cultura típicamente norteamericana aconteció con la fundación de la National Academy of Design en 1826, que pronto se haría la institución artística más respetada del país ^[7].

Otros pintores interesantes son Raphaelle Peale y Margaretta Peale consiguieron óptimos resultados en un Realismo avant la lettre que empleaba efectos trompe-l'oeil, en una tradición que tenía raíces barrocas y produciría más frutos de relieve en el fin del siglo. John Johnston y James Peale dejaron bellas naturalezas-muertas, Thomas Sully, Rembrandt Peale y Samuel F. B. Morse (el mismo inventor del Código Morse) produjeron obra apreciável en la retratística.

Rubens Peale with la Geranium.jpg Rembrandt Peale: Retrato de Rubens Peale con un gerânio, 1801. National Gallery of Art	Raphaelle peale en la het bad.jpg Raphaelle Peale: Venus naciendo del mar - Un trompe-l'oeil (después del baño), c. 1823	Samuel Finley Breeze Morse 002.jpg Samuel Morse: Retrato de la Srª Bacot, c. 1830	John Johnston - Still Life.jpg John Johnston: Naturaleza-muerta, 1810. Saint Louis Art Museum
John James Audubon: Phoenicopterus ruber, del libro The Birds of America	The Raymond Children, ca. 1838 by Robert Peckham.jpg Robert Peckham: Los niños Raymond, c. 1838. Metropolitan Museum of Art	George Catlin: Retrato de See-non-ty-a, xamã de Iowa, 1844-45. National Gallery of Art	Kate Rosalie Dodge, 1854 by John Wood Dodge.jpg John Wood Dodge: Retrato de Kate Rosalie Dodge, 1854, miniatura. Metropolitan Museum of Art

El grande paisagismo de la Escuela del Río Hudson

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A medida que el Romanticismo se intensificaba en la primera mitad del siglo XIX, el interés de los pintores pasó de las escenas históricas para el magnífico paisaje norteamericana, que inmediatamente se hizo el vehículo por excelência para la expresión de los sentimientos nacionalistas. El escenario salvaje del interior inspiró toda una generación de artistas basados en la costa leíste, ya bastante civilizada, pero que en ancha medida aún desconocía las bellezas naturales de su país. [[Fichero:Pegue Thomas The Voyage of Life Youth 1842.jpg|thumb|250px|Thomas Pegue: Serie El viaje de la vida: Juventud, 1842. [[Munson-Williams-Proctor Arts Institute[[" [[File:Frederic Edwin Church The Icebergs.jpg|thumb|250px|Frederic Church: Los icebergs, 1861. [[Dallas Museum of Arts[["

El fundador de esta influyente escuela fue Thomas Pegue, un idealista estimulado por la teoría inglesa del Sublime y por las novelas de James Fenimore Cooper, que inició una gran tradición de pintura que vigoró por tres generaciones con notable unidad de principios, y que presentaba el paisaje bajo colores dramáticos, evocativas y a veces fantasiosas. Pero se distinguió de sus pares por la asociación del paisagismo con la alegoría, dejando series impactantes como El viaje de la vida, donde representa las cuatro fases de la vida humana en términos místicos, y La trayectoria del Imperio, una dramática reflexión sobre los rumbos por veces violentos y materialistas que los imperios toman y que los llevan a la inevitable decadencia, en un momento en que muchos veían el modelo pastoril como la única vía legítima de una sociedad perdurar y ser feliz. Asher Brown Durand fue su compañero, pero mantenía una visión más naturalista del arte inspirado por la obra de John Constable, creyendo que el artista "debe aceptar escrupulosamente todo lo que (la naturaleza) presentarle hasta que él se haga en algún grado íntimo de su infinitude... nunca debe profanar su santidade alejándose voluntariamente de la verdad". Tras la muerte de Pegue él asumió el liderazgo de los pintores de Nueva York, y presidió a National Academy of Design, en la época la instancia oficial más importante del arte norteamericana. Entre 1855 y 1856 él publicó sus Letters on Landscape Painting (Cartas sobre la Pintura de Paisaje), que establecieron las directrices del Naturalismo idealizado que marcó el estilo de la escuela ^{[1][2] [3]}.

La segunda generación cuenta con Frederic Edwin Church y Albert Bierstadt, cuya fama fue enorme. Profundizaron el paisagismo grandioso de sus antecesores, llevándolo a una dimensión heróica. Viajaron extensamente por el interior. Church fue además, llegando al Ártico y a América del Sur]] en búsqueda de escenarios que pudieran maravilhar el público, expresando tangivelmente el sueño del Destino Manifiesto, creencia de que el pueblo americano estaba destinado por Dios a comandar el mundo. Obras suyas como Los icebergs y Las cataratas de Niágara atrajeron multitudes. La recepción de los trabajos de Bierstadt no fue menos favorable; un crítico del The Leader urgia el público para que acorresse a la exposición de la pantalla Las montañas del Yosemite pues "sabrían que el mundo está progresando y que los americanos son un gran pueblo". La influencia de la obra de ambos como estímulo para la colonización del oeste fue considerable ^{[4] [5]}. Otros autores significativos de la Escuela del Río Hudson fueron Robert Scott Duncanson, Sanford Robinson Gifford, William Hart, William Stanley Haseltine, Hermann Ottomar Herzog, Thomas Hill, Worthington Whittredge y Thomas Moran.

Por otro lado, en New England se desarrollaba una derivação de esa Escuela, llamada de Escuela Luminista, que privilegiaba una visión más lírica e intimista del paisaje. Su paleta era menos cargada y sus pinceladas menos visibles, y preferían escenas que inspiraran una contemplação tranquila. Fitz Hugh Lane es su representante típico, pero otros también dignos de apreço en esa tercera generación de paisajistas son David Johnson, Jasper Francis Cropsey y Martin Johnson Heade ^[6].

La estética monumental e idealista de la Escuela del Río Hudson comenzó a caer de moda alrededor de los años 1870. Tras la Guerra Civil (1861 - 1865) la referencia cultural de los norteamericanos se transfirió de la Inglaterra para la Francia, y aquel gran interés por el paisaje fue sustituido por la representación de la figura humana. Aún el paisagismo, que aunque en relativo declínio no desapareció, se alteró con la introducción de la influencia de la Escuela de Barbizon, adaptada en suelo americano primero por George Inness. En la década de 1880 él ya era el paisajista más requisitado y hacía muchos seguidores. Los tiempos del idealismo artístico y del academismo estaban llegando al fin. Cuando Church y Bierstadt murieron, respectivamente en 1900 y 1902, su escuela ya estaba completamente ultrapasada ^[7].

Asher Durand: Almas gemelas, 1849	Pegue Thomas The Course of Empire Destruction 1836.jpg Thomas Pegue: Serie La trayectoria del Imperio: La destrucción del Imperio, 1834-36	William Haseltine: Vista del monte Desierto	Herzog Herman Evening on the Susquehanna.jpg Herman Herzog: Atardecer en el Susquehanna
Thomas Hill - Sugar Loaf Peak, El Dorado County.jpg Thomas Hill: Pico del Pan de Azúcar, Condado del Dorado, 1865	Thomas Moran - Grand Canyon of the Yellowstone.jpg Thomas Moran: El Grand Canyon del Yellowstone, 1872	Gifford Sanford Robinson In the Wilderness Twilight.jpg Gifford Sanford Robinson: Atardecer	Fitz Hugh Lane: Brace's Rock, Eastern Point, Gloucester, c. 1864. National Gallery of Art, Washington

Otros románticos

Pero los paisajistas de la Escuela del Río Hudson, aunque de ancha influencia, no resumen la pintura norteamericana del periodo. Escenas domésticas, retratos, imágenes mostrando los colonizadores y los indios, las naturalezas-muertas y varios otros géneros de pintura continuaban a ser practicados, con grandes representantes. Algunos que merecen una nota, de entre incontables, son George Caleb Bingham, que imortalizou el hombre común, los comerciantes, los barqueiros, los desbravadores del oeste y aspectos del desarrollo del sistema democrático; Cassily Adams, Henry François Farny, Charles Ferdinand Wimar, Charles Marion Russell, John Mix Stanley y Charles Deas, registrando lo que aún había de puro en la vida de los indios o señalando el efecto de su contacto con el blanco; Charles Christian Nahl con su crónica de la vida de los mineradores durante la Corrida del Oro y sus retratos de la burguesia californiana; y Carl Christensen, de extracción popular, pero que dejó importante documento visual de la migración Mórmom para el Utah y sus actividades missionárias entre los indios ^[1][2][3].

Henry Cheever Pratt fijó en sus pantallas el desierto del medio-oeste; las marinas fueron el centro de la obra de [[Robert Salmon]]; William Sidney Mount fue uno de los primeros de la retratar a lo grande los negros esclavos, Frederic Remington privilegió los soldados de la cavalaria y los cowboys, Robert Walter Weir y Emanuel Leutze trabajaron la pintura histórica, este último dejando obras emblemáticas como Washington cruzando el Delaware; el retrato hizo la carrera de Henry Inman, Daniel Huntington, Nathaniel Jocelyn y John Neagle y, por fin, en el terreno de las naturalezas-muertas figuran bien Paul de Longpré, Severin Roesen y Martin Johnson Heade, el último uno de los pocos artistas de su generación a dejar obra significativa en ese género y también en piezas florales y en el paisaje.

John Neagle: El artista estudioso, 1836. Pennsylvania Academy of the Fine Arts	Emanuel Leutze: Washington cruzando el Delaware, 1851. Metropolitan Museum of Art	William-sidney-mount-the-banjo-player-1856.jpg William Mount: El tocador de banjo, 1856	Charles Deas: Un grupo Sioux, 1845. Amon Carter Museum
George Caleb Bingham - The County Election.jpg George Bingham: La elección en el condado, 1852. Saint Louis Art Museum	John Mix Stanley: El juicio de Red Jacket, 1869. Smithsonian American Art Museum	Nahl 1872, Samstag Abend in den Minen, bei zeno.jpg Charles Nahl: Noche de los mineros, 1872. Stanford University Art Gallery	Martin Johnson Heade -Blue Morpho Butterfly ATC.jpg Martin Johnson Heade: Mariposa Morpho

En dirección a la modernidade

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En la mitad del siglo XIX la economía americana estaba alcanzando altos niveles de desempeño, quedando atrás sólo de la Inglaterra y de la Francia en el área de manufaturas. La tecnología avanzaba impulsando la industria en las grandes ciudades y facilitando las comunicaciones y el transporte, interligando puntos distantes del país y este con el resto del mundo, y acelerando la conquista del oeste y de la costa del Pacífico. La población entre 1814 y 1860 casi quadruplicou, llegando a cerca de 30 millones de personas, en parte debido al intenso afluxo de nuevos inmigrantes. También la educación alcanzaba un círculo mayor, con 90% de la población blanca alfabetizada y ávida por lectura, y por eso participando más activamente en una fase de cosmopolitização de la sociedad local. La clase media emergía así para asumir un lugar importante en el desarrollo de la pintura, ya siendo capaz de comprender y apreciar los avances estéticos que se traían de la Europa, como el Impressionismo. Pero, paradójicamente, impulsada por un deseo alcista social, continuaba a apreciar expresiones tradicionales como el retrato de feição aristocrática, las escenas de género y las naturalezas-muertas ^[1].

Mientras la Escuela del Río Hudson entraba en declínio, un movimiento de renovación en la pintura se hacía notar en la obra de artistas influenciados por Barbizon, como George Inness, Leon Dabo y otros tonalistas, que practicaban un paisagismo evanescente con tonos rebaixados, buscando efectos sutis y poéticos de atmósfera y luz ^[2]. Independientes también dieron una contribución importante, como Edward Mitchell Bannister con sus retratos y temas pastorales, James Carroll Beckwith y su internacionalismo, Frederick Arthur Bridgman prefiriendo asuntos del oriente, Kenyon Cox, Charles Sprague Pearce, Francis Davis Millet, Maxfield Parrish y Henry Oliver Walker practicando un Simbolismo alegórico que ora era afim de la Art Nouveau ora resucitaba el Neoclassicismo.

[[File:Millet Fracis David Reading the Story of Oenone.jpg|thumb|Francis Millet : Leyendo la historia de Oenone, 1892. [[Detroit Institute of Arts[["

[[File:Winslow Homer 005.jpg|thumb|Winslow Homer: Después del hecho, 1899. [[Art Institute of Chicago[["

Reacciones también acontecieron en la formación de grupos disidentes de la National Academy of Design, como lo que fundó en 1875 a Art Students League of New York, y el integrado por Albert Pinkham Ryder, John LaFarge, Julian Alden Weir y otros, que en 1877 crearon a Society of American Artists, de tendencias impressionistas, que inmediatamente se fragmentou para originar el grupo The Ten, en nueva dissidência ^[3][4][5].

El periodo de florescimento del Impressionismo en los EUA coincidió con una pasión generalizada por la Francia y por la atractiva efervescência de su vida cultural, donde en torno al estereótipo del "artista-boêmio" se formó una aura de enorme fascínio para la nueva generación de pintores americanos. Muchos de ellos acorreram para París, y desarrollaron significativa actividad allí, para después volviendo a la tierra natal, introducirle las novedades. Esta escuela rápido cayó en las gracias de las élites que hasta hace poco coleccionaban arte europeo tradicional, y alrededor de 1890 estaba firmemente establecida, surgiendo diversas comunidades de impressionistas en la costa leíste. Fue el estilo de pasada entre la tradición figurativa académica y las innovaciones modernas, y sus practicantes por un lado vibravam con la percepção del progreso y expresaban eso con una nueva técnica pictórica y una nueva temática, pero por otro sentían una nostalgia del pasado que les era familiar. Algunos de entre los impressionistas norteamericanos: Childe Hassam, John Singer Sargent, Willard Metcalf, Julius LeBlanc Stewart, Mary Cassatt, Theodore Robinson y John Twachtman. ^[6][7].

A la vez, con una visión diferenciada, estaban realistas como Thomas Eakins y Winslow Homer, herederos de la técnica de la Escuela del Río Hudson pero escogiendo una abordagem más directa y verídica de sus sujetos, divergindo también en la temática. Eakins se fijó en la figura humana, dejando notable serie de retratos e imágenes de deportistas en acción, y Homer, considerado por muchos el mayor pintor norteamericano del siglo XIX, se dedicó a la representación de la lucha de los marineros contra el mar y del diálogo entre la fragilidade y transiência de la vida humana y la atemporalidade de la naturaleza. Su escuela realista sobreviviría hasta el inicio del siglo XX, para entonces centrarse en el retrato de las ciudades y sus problemas sociales ^[8][9].

Una derivação de gran interés del Realismo es a de los pintores que llevaron los pressupostos de ese estilo al extremo, llegando a producir obras cuya verossimilhança con la naturaleza busca la precisión de la fotografía. Suyos más excelentes representantes son De Scott Evans, John Haberle, William Harnett y John Frederick Peto. Sus pinturas, de una técnica impecável, se caracterizan por el arreglo aparentemente caótico o casual de los objetos reunidos en la pantalla, pero de hecho una observación más atenta revela que hay un enorme rigor intelectual en la ordenação de la composición en búsqueda de un equilibrio de gran fuerza y a la vez refinada sutileza. Cada item recibe ejecución detallada. Los objetos usualmente se muestran en su tamaño real y raramente son cortados pelas bordas del cuadro, una vez que eso inmediatamente evidenciaria que se trata de una pintura. Otros recursos que aumentan la ilusión de realidad son el hábil manejo de las sombras y del espacio ^[10][11][12].

En la alvorada del siglo XX el Realismo norteamericano alcanza su fase de mayor expansión. Con cerca de 40% de la población concentrada en centros urbanos, naturalmente el interior deja de ser el tema preferencial de los pintores y la propia pintura se urbaniza. Un importante realista y profesor, Robert Henri, se hace el fulcro de ese cambio. Junta siete estudiantes más y forma el grupo The Eight, cuya primera exposición, en la Macbeth Gallery de Nueva York en 1908, causó sensación. Eran ellos, además de Henri, Arthur Bowen Davies, Maurice Prendergast, Ernest Lawson, William Glackens, Everett Shinn, John French Sloan y George Luks.

Con sus pantallas de docas portuarias, escenas del poluído y apinhado cotidiano citadino, de los barrios pobres con sus edificios decadentes y multitudes de obreros, borrachos y prostitutas, luego algunos pasan a ser conocidos como a Ash Can School (o Ashcan), cuyo nombre, en traducción libre, significa "escuela de la lata de basura". La Ash Can no fue un grupo realmente organizado ni unido en términos de estilo. Sus primeros integrantes, que estaban asociados a los The Eight, incluían Henri, Glackens, Luks, Shinn y Sloan, pero inmediatamente el nombre se aplicó la Edward Hopper, George Bellows, Mabel Dwight y varios otros. En su ostensiva oposición al Impressionismo y en suya rechaza a la tradición académica, son considerados los fundadores de la pintura moderna en los EUA ^{[13] [14]}.

De Scott Evans: Una nueva variedade - experimente una, c. 1890. Columbus Museum of Art	Julius LeBlanc Stewart - Lady On A Pink Divan.jpg Julius Stewart: Dama en un diván rosa, 1877	Theodore Robinson - La débacle.jpg Theodore Robinson: La débacle, 1892	John Singer Sargent –Edith Minturn Stokes.jpg John Singer Sargent: Edith Minturn Stokes, 1897. Metropolitan Museum of Art
Dabo - Spring Hudson River 1912.jpg Leon Dabo: Primavera en el río Hudson, 1912	Mary Cassatt: Niños jugueteando con un gato, 1908	Edward Hopper: Noche azul, 1914	George Bellows: Dempsey y Firpo, 1924

Modernismo

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La diversidad de tendencias que aparecen en la volcada del siglo era sintomática de una crisis de valores tanto en el arte como en la sociedad, y del deseo de una renovación completa. Se reaccionaba contra el historicismo y convencionalismo del modelo artístico académico que hube dominado desde fines del siglo XVIII, contra los regionalismos y nacionalismos que ya no tenían sentido en una era internacionalista de acelerado progreso tecnológico y que daba margen la grandes sueños de progreso cultural y social. Se cuestionaba el valor de la Religión, del Estado, del comportamiento burguês, de las formas de arte figurativa que parecían referirse a una cultura decadente y conservadora. La literatura y el teatro quebraban tabús estéticos y temáticos, las mujeres reivindicaban derechos políticos, y la atmósfera general era de intensa agitação, sacudiendo los fundamentos de todo un universo cultural tradicional que evidentemente estaba al borde del colapso. La I Guerra Mundial no pasó, en cierto sentido, del resultado previsible de ese conflicto, como espejo de la búsqueda por una apertura social que la cultura ya prefigurava en la multiplicação de los estilos artísticos ^[1].

[[File:Patrick Henry Bruce - Painting.jpg|thumb|left|150px|Patrick Henry Bruce: Pintura, c. 1929-30. [[MoMA[["

En este ínterim, en 1913 acontecía en Nueva York una exposición que es por muchos considerada el marco inaugural del Modernismo norteamericano. Realizada en los arsenales de la Guardia Nacional, fue conocida como la Armory Show. Fue organizada por la Association of American Painters and Sculptors y presentó el arte moderno internacional (Impressionismo, Fauvismo, Cubismo) para el grande público, hasta entonces más acostumbrado al Realismo y a la derradeiras manifestaciones del Academismo. La exposición causó un choque tremendo en la cultura novaiorquina, e inmediatamente repercutió nacionalmente. No tardó para que los artistas fueran acusados de embusteros, imorais, insanos y anarquistaes. A pesar de las protestas hasta del presidente Theodore Roosevelt, las autoridades no interfirieron, y la influencia del evento sobre los artistas locales fue enorme, estimulando la formación de grupos de vanguarda, las investigaciones estéticas más radicales y la asimilación de elementos de la cultura negra, caribenha, asiática y otras, hasta entonces despreciadas ^[2].

Luego enseguida se forman diversos grupos cuya meta céntrica es desarrollar un Abstracionismo pleno inspirado en el Cubismo y en el Suprematismo europeos. Muchos son los artistas activos en ese momento de transformación radical de la visualidade, aquí citamos sólo un puñado: Georgia El’Keeffe, Paul Strand, Max Weber y Abraham Walkowitz, Stanton Macdonald-Wright, Patrick Henry Bruce, Morgan Russell, Joseph Stella, Charles Sheeler, Andrew Dasburg, Charles Demuth, Arthur Dove. Ellos son el origen del que se conocería más tarde como la Escuela de Nueva York ^[3]. [[File:Thomas Hart Benton - Cut the Line.jpg|thumb|Thomas Hart Benton : Corte la corda, 1944. [[Navy Art Gallery[["

El movimiento negro también adquiere fuerza a través de la llamada Renascença del Harlem, centrada en la defensa de los derechos humanos y en la corrección de las desigualdades sociales que afligían las comunidades afro-americanas. Sus líderes fueron Aaron Douglas y el fotógrafo James VanDerZee, contando con la participación de muchos otros como Romare Bearden, Jacob Lawrence y Palmer Hayden ^[4].

La victoria de los EUA en la I Guerra fue decisiva para que el Modernismo norteamericano se desarrollara de una forma distinguida de su correspondiente europeo. Lejos del terror que se abatió sobre la Europa y con una economía impulsada por la industria, los Estados Unidos salen de la guerra en una posición fortalecida en el escenario mundial, originando un sentimiento general de autoconfiança e indirectamente estimulando las vanguardas como una forma de asegurar la independencia cultural en relación a la Europa ^[5]. Ese clima de optimismo no desapareció de todo al largo de la Grande Depressão de 1930, aunque encontrara escépticos especialmente entre la generación más vieja de los modernistas, que en parte se retraiu. A pesar de la suspensión de pagos de la economía, los programas de ayuda social del New Deal lanzados por el gobierno contemplan también los artistas, y ellos se sintieron unidos en torno a un objetivo común de reconstrucción nacional y de hacer un arte americano para los americanos. ES la fase del muralismo norteamericano, inspirado en la tradición renascentista italiana y en el ejemplo del muralismo socialmente engajado de los mexicanos Diego Rivera, José Orozco y David Siqueiros ^[6][7][8]. La conclusión del ferrocarril Santa Fe Railroad en 1935 integró definitivamente el país interligando la costa oeste con la costa leíste. En torno a Santa Fe y Taos se forman comunidades de artistas importantes cuyos temas focavam el paisaje y el pueblo local.

La despeito del esfuerzo gubernamental en el sentido de elevar el ánimo de la nación, el encanto de la primera generación moderna con el progreso, que hube parecido inabalável e ilimitável, en parte se hube quebrado. La pintura de esa fase tuvo muy, entonces, de realismo, rescatando la figuração y retratando el pueblo americano en las circunstancias difíciles que atravesaba, ora con dureza, cinismo e ironia, ora con una compasión pungente. Thomas Hart Benton, Grant Wood, Honoré Sharrer, Jacob Lawrence, Ben Shahn, Paul Cadmus, Andrew Wyeth y Edward Hopper exemplificam bien la atmósfera de sentimientos ambivalentes de la época, en parte desiludidos, en parte esperançosos con las posibilidades futuras de renovación de un país que a pesar de todos los percalços tenía una grandeza tan promissora ^{[9] [10]}.

Arthur Dove: Naturaleza simbolizada, 1911

Charles Demuth: Número 5 en oro, 1928. Metropolitan Museum of Art

Alfred H Maurer - Tan Still Life c.1932.jpg Alfred Maurer: Naturaleza-muerta bege, c.1932

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La generación del polvos-guerra

Los treinta años que sucedieron a II Guerra Mundial observaron una multiplicação aún más vasta de escuelas y corrientes pictóricas. A pesar de la dificultad que envuelve historiografar ese complejo periodo, donde los cambios acontecen con gran rapidez y los artistas transitan con facilidad entre una y otra forma de expresión, podemos dividir las tendencias principales en cinco grandes frentes: la Abstracción, el Arte pop, el Arte conceptual, el Hiper-Realismo y el Neo-Expressionismo.

Abstracción

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Con el éxito en la II Guerra Mundial los Estados Unidos se proyectan como una superpotencia y Nueva York se hace la nueva "Meca" de los artes. De ahora en adelante, hasta los días de hoy, la mayor parte de los avances importantes en la pintura acontece en suelo americano. El Abstracionismo que se desarrolla entonces, aunque no fuera una novedad en essência, ya habiendo sido practicado con éxito en los EUA por la primera generación moderna, adquiere un nuevo fervor, con la ayuda indirecta del clima represivo y de la censura política de la época del Macartismo, que hacía con que muchos se sintieran aislados y alienados de su propia cultura ^[1]. Harold Rosenberg, influyente crítico de la época, así describe el estilo:

"En cierto momento la pantalla comenzó a parecer para sucesivos pintores americanos como una arena donde tutear, antes del que un espacio sobre el cual reproducir, redesenhar, analizar o "expresar" un objeto, verdadero o imaginário. El pintor ya no iniciaba su trabajo con una imagen previa en la mente; él iba con su material de pintura en la mano para delante de un otro material a su frente. La imagen sería el resultado de ese encuentro" ^[2].

Así se hacían elementos céntricos de esa nueva versión del Abstracionismo el color, las formas, la materialidade y el movimiento del propio acto de pintar, donde el nombre que se dio a esa escuela: Action painting, o "Pintura de acción". Jackson Pollock los años 50 tipifica la práctica: extendía una gran pantalla en el suelo e iba caminando sobre ella y derramando tinta, en una actuación que no dejaba de haber conotações ritualísticas y simbólicas. Fue una práctica influenciada por el Surrealismo, una vez que diversos autores defendían la expresión de las fuerzas del inconsciente colectivo, siendo el automatismo, el acaso y la espontaneidade en la ejecución datos importantes ^[3].

Al contrario de los tiempos anteriores, donde la crítica de arte se hacía sobre principios estéticos, ahora el juicio pasaba a basarse más en el me gusta popular, apoyando grupos antes al margen del circuito oficial, buscando contextualizar la producción reciente contra un panorama de tiempo y sociedad actuales donde ella acontecía. Se abandonaba el concepto de "gran arte", democratizando las expresiones artísticas e incluyendo la cultura antes marginalizada en el ambiente de la galeria y del museo ^[4].

El Abstracionismo se hizo la forma dominante de pintura en los EUA hasta los años 60, y se ramificou en una variedade de subcorrentes que se sobrepõem y cuya definición clara es poco consensual. Entre los expressionistas abstratos estaban Franz Kline, Jane Frank y Willem de Kooning, que también adaptó el estilo en obras semifigurativas. Robert Motherwell, Barnett Newman y Kenneth Noland exemplificam la pintura Color Field ("Campo de memoria"), expandindo el gesto y adoptando anchas áreas de memoria, abandonando la agressividade y emocionalismo de los expressionistas y desarrollando una ênfase en la gestalt y en el lenguaje específicamente colorística. Mark Rothko pasa de esta tendencia para una abstracción más geometrizada y tranquila, dando origen al Abstracionismo post-pictórico de Gen Davis, Paul Feeley, John Ferren, Sam Francis, Helen Frankenthaler, Alfred Jensen, Morris Louis, Frank Stella y otros, que se distingiam por la superficie sin texturas evidentes, un dibujo linear claro y contrastes vivos de memoria ^[5][6].

De allá surge el Minimalismo, con su rechazo de la subjetividade y de la gestualidade heróica del expressionismo abstrato, centrando sus investigaciones en la fenomenologia de la experiencia de la contemplação de la obra, también enfatizando una apreciación gestáltica. Sus pinturas tienen planes de memoria con límites definidos, usualmente en tonos fríos o rebaixados, y una construcción auto-referencial. Practicaron en esta corriente Robert Mangold, Brice Marden, Agnes Martin y Robert Ryman ^[7]. Otra variante es la pintura Hard-edge ("Bordas duras", o "Límites nítidos") de Al Held, Ellsworth Kelly, Alexander Liberman, Ad Reinhardt, Jack Youngerman, Karl Benjamin, Helen Lundeberg y Lorser Feitelson, con su economía de formas, concentración en el color y ausencia de texturas, sobre pantallas de formatos poco usuales ^[8][9][10].

La última derivação abstrata a aparecer en ese periodo fue la Op art, cuyo nombre es una abreviatura de "Arte óptica", que define su propuesta de realizar un arte donde los efectos e ilusiones puramente visuales son el centro del interés, deseando escapar del subjetivismo de la pintura dicta "expressiva". Heredaba la simplificación formal del Minimalismo, llevaba la geometrização al extremo y elaboraba sobre la falibilidade de la compreensão por el cerebro de los estímulos que los sentidos captan y sobre como la visión trabaja al distinguir los planes de la figura y del fondo. De entre suyos mejores representantes están Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz y Bridget Riley ^[11][12].

Pintura pop

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Dos décadas tras el fin de la guerra los EUA experimentaban una fase de enorme prosperidad económica, que en su bojo traía nuevos datos culturales y también muchos problemas sociales nuevos y aún no resueltos. A pesar de la opulência de la sociedad, o a causa de ella, el consumismo se hacía un hábito. Los negros aún sufrían fuerte discriminación y se batían por sus derechos civiles, la Guerra del Vietnam dejaba marcas profundas en la sociedad, el crimen y la violencia llegaban a niveles sin precedentes. De otro lado, se popularizavam el cine y la TELE como entretenimiento y el rock and roll llevaba multitudes al delirio ^[13].

La cultura popular estaba prevaleciendo y en muchos puntos poco se distinguía de la erudita, y si massificava cada día. Igualmente era maciza la presencia de la publicidad, de los artes gráficos - incluyendo los quadrinhos - y de los nuevos medios de comunicación. De hecho, la publicidad, habiendo asimilado muchos recursos formales del Modernismo, tuteaba con gran calidad estética y sofisticação. Así, la pintura tuvo que buscar formas más dramáticas de expresión para distinguirse en medio de una verdadera inundación de imágenes del mundo comercial. Estaba pronto el terreno para la aparición de otra gran corriente artística del polvos-guerra, el Arte Pop ^{[14] [15]}.

El Arte Pop se caracteriza exactamente por ser una expresión de la cultura de masa, y en ese sentido puede ser considerada el movimiento precursor de la contemporaneidade. Pero no se insertó pasivamente en su medio, a pesar de ser toda ella hecha de su visualidade, antes fue un arte fuertemente crítico, tanto en dirección a la sociedad que la generaba cuánto en dirección a los prejuicios que existían en el propio medio artístico acerca del que era o no arte. Robert Rauschenberg hace el pasaje del Expressionismo abstrato para el Arte Pop incorporando objetos del cotidiano en sus pinturas. Roy Lichtenstein derivó su pintura de las historias en quadrinhos, una expresión típicamente popular, las amplió en grandes formatos y las llevó para dentro de la galeria, diluindo las fronteras entre el popular y el erudito. Jasper Johns trabajó sobre el mapa del país y su bandera, y los transformó en pintura, dessacralizando ícones de la cultura norteamericana. Andy Warhol, por su parte, retratou indistintamente celebridades - Elvis Presley, Marilyn Monroe y otros - y objetos del cotidiano como latas de sopa y cajas de sabão, en forma de series donde sólo variaba el color, patenteando el carácter massificador de la fama y la cultura consumista de su tiempo, así como denunciaba - un tanto ambiguamente, siendo él aún una celebridade - el glamour ilusório que cercaba los ídolos más amados de los EUA. Su serie sobre accidentes de tráfico, y otra mostrando la silla eléctrica, chocaban por la impessoalidade y ausencia de juicio moral. Empleaba muchos auxiliares y su técnica derivaba de la serigrafia y de la foto, negando la primazia de la individualidade y del gesto personal en la creación artística y asimilando procedimientos industriales que posibilitaban la reproducción ad infinitum de sus pantallas. Otro gran nombre es James Rosenquist, que llevó los anuncios publicitarios que el fascinavam a una dimensión monumental, y Tom Wesselmann, aunque haya rechazado el rótulo de "artista Pop" por hacer un uso estético y no-crítico de su material, puede también ser visto como tal por la apropriação de ícones populares y de imágenes del patriotismo estereotipado de entonces ^[16][17].

Psicodelismo

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Un subproduto de la cultura de masa que dejó uno trazo marcante en los artes visuales, pudiendo ser considerado una derivação del Arte Pop conectada al underground, a la música, a la contracultura y al movimiento Hippie, fue la experiencia colectiva del Psicodelismo, que tuvo su auge entre los años 60 y 70. Ese género de expresión dependía del estímulo químico de drogas como el LSD y la marihuana para acontecer, pero su filosofía se fundaba en el Surrealismo y en la espiritualidade de culturas xamânicas como los indígenas, que en sus rituais hacían uso de alucinógenos como forma de establecer un contacto con espíritus desencarnados y planes invisibles de la realidad. A pesar de estar íntimamente conectada a un movimiento de contestação de la cultura oficial y ser un arte en essência transgressora, tenía una motivación positiva, y uno de los lemas más conocidos que circulaba en la época entre ellos era Make Love, not War ("Haga Amor, no haga Guerra"). San Francisco fue el principal centro en los EUA del arte psicodélica, y su manifestación fue mayor en el terreno de los artes gráficos, aunque la pintura no haya quedado imune a su influencia. Peter Max y Mati Klarwein fueron dos de los más interesantes adeptos de esa forma de pintura, con estilos bien distinguidos ^[18][19].

Arte conceptual y Neo-expressionismo

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El assíduo uso de colagens y el fácil tráfico entre el objeto y la pintura realizado por los pintores Pop, junto con la progresiva desmaterialização de la pintura operada por los minimalistas y el ejemplo del trabajo de Marcel Duchamp, suministran los elementos para la formación de una nueva corriente, a de los artistas conceptuales. Aquí la pintura como género autónomo virtualmente desaparece, ya que el interés mayor es por la idea que yace por detrás del objeto artístico y no por su materialidade o narrativa explícita.

La ruptura con las antiguas formas de creación, significación y apreciación del arte es así completo. Sus virtudes fueron a de expandir el campo filosófico del arte y a de fortalecer el elo entre artista y público, exigiendo de este una participación más activa en la apreciación de la propuesta presentada y aún en su creación. Sol LeWitt y Joseph Kosuth fueron los líderes del movimiento ^[20].

Como reacción tanto al Pop impessoal como al cerebralismo esotérico de los conceptuales y la pintura abstrata, persistía, aunque desprestigiada, una pintura figurativa que continuaba la tradición del arte personal y expressiva de Willem de Kooning y otros que no habían abierto mano completamente de la figura durante la evolución para el Expressionismo abstrato, y de los Pop que aún cultivavam el gesto individual, como Jim Dine. Philip Guston, Richard Rappaport y Chaim Goldberg son buenos ejemplos de la persistência de la pintura figurativa expressiva durante su fase de ostracismo y de su recuperación a mediados de los años 70 ^[21].

La pintura neo-expressionista es siempre figurativa, y cargada de dramaticidade, típicamente con el gesto amplio y bien visible. En la Europa una de las raíces de ese movimiento estaba en el Arte povera italiana, que se valía de materiales no-nobles para la creación artística, donde el nombre, "Arte pobre". Pero en términos de temática la pintura Povera era bastante rica, tratando en general de política e historia. En los EUA, aparentemente el Neo-expressionismo floreció a partir del exceso de riqueza, pues el prestigio de que la pintura volvía a disfrutar en el mercado favorecía la creación de grandes pantallas, dramáticas, grandiloquentes, pero el ejemplo italiano no debe ser minimizado, teniendo significativa importancia para pintura norteamericana figurativa, en especial a partir de los años 80. Paralelamente, los Nuevos salvajes alemanes también dieron un impulso decisivo para una recuperación completa de la figuração expressiva en los Estados Unidos. Esas influencias, basadas en una valorização de medios parcos para la creación, llevó a que se conociera una ramificação del Neo-expressionismo bajo el nombre de Bad painting, o "Mala pintura", por su ênfase en formas primitivistas, distorcidas e intencionalmente feas. Otros neo-expressionistas locales son Chuck Connelly, Jean-Michel Basquiat y Eric Fischl ^[22][23].

Hiper-Realismo

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Otro frente de contestação al Minimalismo, a la abstracción y al Conceitualismo fue la ressurgência de un estilo realista a partir del uso intensivo de la fotografía durante el Pop. Realmente, su primer nombre en los EUA fue Foto-realismo, pues sus integrantes producían una pintura de extraordinario carácter realista, que se aproximaba del efecto de la fotografía, de la cual hacían uso para cuchara las informaciones para la obra definitiva en pantalla. La escuela apareció en el fin de los años 60, e inmediatamente fue respaldada por el mecenas Stuart M. Speiser, que encomendó una gran cantidad de obras. Declinou en la década siguiente pero ganó nueva fuerza los años 90 y permanece en voga hasta los días de hoy. Sus primeros practicantes fueron Denis Peterson, Richard Estos, Charles Bell, Tom Blackwell, Ralph Goings y algunos otros ^[24].

Pintura contemporánea

Tras la triunfal recuperación de la pintura los años 80, saliendo de un periodo conceitualista en que se juzgó que ella hube muerto, quedó claro que cualesquier ideas que se pudiera concebir acerca de arte eran relativas en una época de globalización de la cultura y de revolución en los medios de comunicación con la aparición de la internet y la popularização de los recursos computadorizados para la creación artística. Entonces acontece una verdadera liberación de las amarras de filosofías exclusivistas, la pintura se pulveriza en una miríade de estilos y la creación ya deja de ser tenida como privilegio de un grupo de electos, evidenciando que la creatividad es un patrimonio de todos y siendo intensamente estimulada en todos los niveles sociales, por los cuatro cantos del país, y desde las escuelas primarias hasta las universidades. Algunas escuelas estéticas aún se forman, como los polvos-modernos y los neoconceituais, pero ya no poseen un poder de determinar rumbos generales o definitivos para la pintura. ES un fenómeno que no se restringe a los EUA, es mundial, y tamaña variedade de estilos, muchas veces asociando otras mídias como lo la fotografía, el vídeo y el ordenador, impide un estudio de cada nueva forma de pintura ora practicada en los EUA, aunque de pasada, dentro del escopo de este resumo histórico.

Colhemos sólo algunos nombres al acaso, de entre la cantidad de pintores significativos en la escena actual norteamericana: Barkley Hendricks, con sus retratos de negros ricos y sofisticados; Rodney McMillian, que asocia pintura e instalación; Chuck Close, un hiper-realista que hace una releitura del Pontilhismo; Richard Whitney y Glennray Tutor, también hiper-realistas; David Brega, continuando la antigua tradición de naturalezas-muertas en trompe l'oeil; Joseph McGurl, que recupera el grande paisagismo romántico; Robert Neffson, con sus imponentes panoramas urbanos; Zhen-Huan Lu con sus marinas y escenas domésticas; Keith Haring, cortejando el graffiti (es autor también de murais out-door); Julian Schnabel y David Salle, importantes neo-expressionistas, Antonia Gerstacker, de inspiración Pop e ingenua, Brice Marden, minimalista, y Eugene James Martin, un abstrato con influencia Pop.

Arte indígena y graffiti

También es de citar la actuación reciente de incontables pintores de origen indígena, que ora trabajan sobre sus tradiciones ora asimilan las grandes corrientes universalistas. Algunos de ellos son Gregory Lomayesva, que se vale de la herencia hispano-americana y Hopi para volver a crear ícones religiosos y abstracciones; Tommy Wayne Cannon, activo hasta los años 70 con un estilo entre el Pop y el Realismo, y Fritz Scholder, con sus irónicos retratos de indios.

Una forma de pintura popular importante en tiempos recientes es a de el graffiti, asociado a la música Hip-hop y al underground, pero que desde los años 70 viene recibiendo atención de instituciones oficiales y críticos de arte. Enfrentó periodos de represión los años 80 y 90 pero entró bajo el foco de la mídia principalmente a través del trabajo de Keith Haring, Richard Hambleton y Jean-Michel Basquiat. Ressurgiu cuando la IBM lanzó una campaña en 2001 apelando a los graffiteiros para realizar una serie de obras sobre el tema "Peace, Love, and Linux". Aún así era aún una actividad ilegal, y muchos de los participantes fueron prendidos por vandalismo. En 2005 el Museo del Brooklyn realizó una exposición donde a curadora Charlotta Kotik manifestaba la esperanza de que el status de ese arte fuera rediscutido. A la vez un ejecutivo del Williamsburg Art and Historic Center afirmó que la práctica del graffiti tiene las características de una revolución, y por eso naturalmente se deba esperar obstáculos, pero lo reconocía como una expresión legítima de los que no poseen otros canales de comunicación artística. Las autoridades aún tienden a considerarlo una contravenção, y por eso su situación dentro del circuito artístico regular es incierta, a pesar de ser una práctica disseminada por todas las grandes ciudades. Otros nombres son David Choe, Crayone, Josh MacPhee, Tracy 168 y el grupo TATS CRUDO ^[25][26].

Antonia Gerstacker: Gotcha Red Hot Punk, 2006	Kathleen Kucka Building las nature 2007.jpg Kathleen Kucka: Haciendo como la naturaleza, 2007	Larry Alexander: Tía Ira Mae	Tony Robbin artwork.JPG Tony Robbin: Pintura, 2006-7
The American Indian by Fritz Scholder.jpg Fritz Scholder: El indio americano, 1970. National Museum of the American Indian	Gregory Lomayesva: Madonna y el Niño	Estoria Street Tunnel graffiti 13.jpg Brooke Novak: Graffiti en Atlanta	Error al crear miniatura: convert: unable to open image `//home/admin/wikilingue/big/images/6/67/Kahlo.jpg': No such file or directory. convert: missing an image filename `//home/admin/wikilingue/big/images/thumb/6/67/Kahlo.jpg/90px-Kahlo.jpg'. Patrice Raunet Hollywood: Viva la vida, 2006. Graffiti en Los Angeles

Referencias

Ver también

• Pintura
• Historia de la pintura
• Cultura de los Estados Unidos
• Pintores de los Estados Unidos de la América
• Museos de los Estados Unidos de la América

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2. REDIRECT Predefinição:Pintura de la América del Norte