pintura en la rusia - Wikilingue - Encydia
La pintura en la Rusia tiene una historia bordeada por cinco fases bien distinguidas. A pesar de haber registros de que existía una tradición de pintura religiosa entre los pueblos eslavos pre-cristianos, no sobrevive cualquier ejemplo.[1] Así, se debe estudiar la pintura rusa a partir de la cristianização del Khaganato de Rus, ocurrida en torno a 860 , cuando el intercambio cultural con el Imperio Bizantino llevó para allá la tradición de la pintura de iconos . Esa tradición, toda religiosa, constituye el principal género de pintura realizado en la Rusia en todos los tiempos, ya que permanece vivo hasta hoy y su historia ya cuenta con más de mil años de práctica ininterrupta, salvo un breve eclipse a mediados del siglo XX. Sería la forma pictórica más prestigiada hasta la ocidentalização del país el siglo XVIII por Pedro, el Grande, cuando en menos de medio siglo se formó una escuela de pintura toda nueva, de carácter profano, correlacionada al fin del Barroco que se desarrollada en el resto de la Europa y que después, integrándose a la evolución general del arte europeo, asimilando una variedad de nuevas tendencias, confluiria a mediados del siglo XIX en una nueva escuela nacional. La pintura rusa tendría un otro momento de destaque y daría una importante contribución propia al arte del occidente por ocasión de la emergencia de las vanguardas en el inicio del siglo XX, cuando pintores como Kandinsky y Malevich serían los precursores del Abstracionismo. Cuando la Rusia abolió su monarquía hube nueva ruptura; cerca de una década después de la Revolución de 1917 las vanguardas fueron proscritas y los pintores fueron obligados por el Estado a continuación una estética figurativa populista, originando el estilo conocido como Realismo Socialista, que sólo perdería fuerza con la progresiva liberalización del régimen político local en el fin del siglo XX. Entonces un grupo de artistas del underground inició un movimiento de contestação de las fórmulas del arte oficial e introduciría conceptos contemporáneos en la pintura rusa, diversificando enormemente sus horizontes y abriendo otra vez el arte local para el mundo.
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La pintura de iconos
Ver artículo principal: La tradición de la pintura de iconos en la Rusia fue importada del Imperio Bizantino, que suministró al estado recién cristianizado los materiales necesarios a la liturgia, incluyendo las representaciones religiosas de santos y mártires de la religión. El centro de cultura de entonces era Kiev - hoy perteneciendo a la Ucrania - y posiblemente los primeros pintores activos en esta ciudad fueron griegos o eslavos bizantinizados, sirviendo cómo maestras para la formación de una escuela local de pintura. Naturalmente la primera producción de la que sería llamada Escuela de Kiev siguió de cerca el estilo bizantino, pero inmediatamente pasó a exhibir características propias, evidentes en la selección de colores y en la dimensión de las imágenes, así como en la expresión de las figuras, de las cuales Cristo Pantocrator, uno de las plantillas formales más importantes en esta época, fue representado con un aspecto más benevolente y humano del que en el patrón original. En 1240 Kiev fue tomada y completamente incendiada por los mongóis, y la actividad artística principal se movió para Novgorod.[2][3] En el origen de la iconografia sacra rusa una pieza en especial merece nota - la celebérrima Virgem de Vladimir, un icono de Maria con el Niño que, aunque de origen bizantina (dada de presente en el Grano-duque Yuri Dolgoruki de Kiev en torno a 1131 por el Patriarca griego Lucas Chrysoberges), luego se hizo la plantilla para un número incontável de copias y variaciones, definido una de las tipologias más populares de toda la iconografia sacra rusa y siendo hasta hoy una de las imágenes más veneradas en todo país.
Novgorod ya tenía una escuela de iconos activa el siglo XI, que cristalizó un estilo propio en torno al siglo XII, y se mantuvo en actividad hasta el siglo XVI. Escapando de la ocupación mongol de la Rusia entre los siglos XIII y XIV, se hizo el principal centro artístico del país hasta ser suplantada por Moscú. Su primera fase privilegió el icono en afresco, de los cuales los más antiguos ejemplos están en Nereditsa y en la Iglesia de Son Jorge en Staraia Ladoga. La Escuela de Novgorod produjo algunas de las más importantes pinturas de la Edad Media rusa, y lo que a distingue son la intensidad de los colores, aplicadas sin mezcla o gradações de tonos, un sombreado mínimo, el dibujo enérgico y preciso, y una preferencia por la composición clara con una simbología simple y fácilmente legible por el pueblo. El siglo XIII se nota una alteración en el estilo en dirección a una suavização en los colores, a un creciente dinamismo y espontaneidade en la composición y a un mayor predomínio aspecto gráfico sobre el pictórico. La diferencia entre Novgorod y la tradición bizantina más pura representada por Kiev también se nota en la asimilación de elementos del arte folclórica local, en el aspecto menos hierático y más humanizado de las figuras, que ya eran menos estereotipadas y se parecían a la gente rusa, y en el pasaje de suyo mire fijo y penetrante, que establecía un contacto directo con el espectador, para una expresión más soñadora, indirecta e introspectiva. Su mayor representante fue Teófanes, el Griego (c. 1330-c.1410), que se hube educado en Constantinopla y más tarde, cambiándose para Moscú, daría impulso a la Escuela de Moscú junto con otros maestros locales.[4][5][6][7]
El siglo XII también se forman otras escuelas regionales en Vladimir, Suzdal, Yaroslavl y Pskov , todas desarrollándose conectadas a la tradición bizantina. Sin embargo, el siglo XIII la invasión mongol devasta la Rusia y rompe sus lazos históricos con Bizâncio, arruinando muchos de los centros productores de iconos, salvo Novgorod y Pskov, que no fueron conquistadas, y donde la tradición de pintura de icono pudo continuar viva.[5] Aunque menos sofisticada que Novgorod, considerada su "hermana mayor", la Escuela de Pskov se distinguió por la iconografia formalista y arcaizante, por la intensa expresión emocional de sus figuras y por el uso de tonalidades de memoria diferenciadas, en especial en cuanto al verde, naranja y rojo.[8]
La Escuela de Moscú tiene sus orígenes obscurecidas por la casi completa inexistencia de ejemplos primitivos, pero se sabe que surgió aproximadamente junto con Novgorod y que cuando Teófanes allá llegó ya había significativa actividad artística. Él, junto con Andrei Rublev, aunque poseyeran estilos muy diversos, llevaron esta escuela para a su primero florecimento importante el siglo XV, acompañando la creciente influencia de Moscú sobre las otras ciudades después de la expulsão de los mongóis, haciéndose también el centro de la ortodoxia religiosa.[9][10] También a ellos se debe la definición de la iconostase como hoy a conocemos, una pared cubierta de iconos que se elevó tanto al punto de esconder completamente el altar, aislándolo de la congregação, una alteración significativa en cuanto a la plantilla del altar bizantino, y que fue introducida en las obras que realizaron en la Catedral Blagoveshchensky de Moscú en torno a 1405 .[5] Moscú sucedió la Novgorod como el principal centro productor de iconos, y allí se formaría un nuevo estilo que lanzaría las bases de la primera escuela nacional de pintura el siglo XVI. En ese periodo, que marca también el inicio de su decadencia, se destacaron Dionisius y Simon Ushakov, que renovaron la concepción del espacio pictórico, dieron atención la sutilezas cromáticas y enfatizaron el misticismo en su arte, en detrimento del aspecto dramático.[9] También se nota la influencia de la pintura occidental en el uso, especialmente visible en algunas obras de Ushakov, de un discreto chiaroscuro para acentuar la ilusión de tridimensionalidade. Otro elemento distintivo es la aparición de un retratismo profano, conocido bajo el nombre de parsuna, también influenciado por el occidente pero regido por las convenciones de la pintura religiosa.[11][12] La expulsão de los invasores posibilitó aunque la tradición de los iconos ressurgisse o iniciara en muchas otras ciudades - Tver, Suzdal, Rostov y hasta en la distante Kargopol. Entre esos centros más pequeños merece nota la Escuela de Tver, que se diferenció por el uso de exóticos tonos de azul y turquesa en una paleta más clara.[5]
A partir de meados del siglo XVI se observa en la Escuela de Moscú, que predominara sobre todas, una pérdida de contenido místico en favor de un decorativismo, y el surgimento de una preferencia por la miniatura, una diversificação en los temas sacros bajo la influencia del florescimento literario del país, y aparece en la misma ciudad la Escuela Stroganov. Fue marcada por la preferencia por la miniatura, por sus colores y su gran afinamiento y detalhamento de las imágenes, sustituyendo la monumentalidade por el virtuosismo y la emoción por la elegância decorativa. De entre sus maestros estaban Prokopiy Chirin, Nikifor e Istoma Savin. La Escuela Stroganov, cuyo nombre deriva de la rica familia Stroganov, que la patrocinaba, permaneció influyente hasta el fin del siglo XVII, cuando el arte profana patrocinada por el Estado y por la nobleza se hizo el foco de los nuevos desarrollos en la pintura.[13]
 Escuela de Kiev-Yaroslav: Grande Panagia, Galeria Tretyakov |
 Escuela de Pskov: Son Jorge, siglo XVI. Museo de Pskov |
 Escuela de Tver (?): Santa Paraskeva y escenas de su vida, siglo XVI |
 Prokopiy Chirin: Son João Batista en el desierto, c. 1620. Galeria Tretyakov |
 Hedor Zubov: Mandylion con el czar Miguel I y su hijo czar Aleixo, parsuna del siglo XVII |
 Dmitry Plekhanov y Fyodor Ignatyev: Afrescos en la Iglesia de Son João Batista en Yaroslavl, 1694-1695 |
 Autor anónimo: Santa Sofia, siglo XIX. Museo Ruso |
 Escuela de Palekh: Son João Batista, siglo XX |
Entre las últimas escuelas regionales de iconos estaba a que floreció en torno al Mosteiro de la Trindade y Son Sérgio, en Kholui, que inició sus actividades el siglo XVII y rápidamente ganó muy prestigio en el norte del país. En 1882 su producción fue organizada por la Fraternidade Alexander Nevsky en los moldes de la Academia de Artes, siendo dirigida por N. N. Kharlamov, un egresso de la Academia de Son Petersburgo. Sus formados constituyeron una asociación e iniciaron una gran producción de iconos y afrescos en diversas ciudades importantes y aún en el exterior, cuya calidad era de la más alta. Cuando el Comunismo fue implantado en la Rusia en 1917 la religión fue perseguida, muchas iglesias y mosteiros depredados o destruidos. La escuela de Kholui fue cerrada y la pintura religiosa llegó a un término en toda Rusia.[1]
Sin embargo, la afinada técnica empleada en su confecção no fue perdida. Tras algún tiempo la escuela de Kholui fue reabierta en 1943, ahora bajo la dirección de un graduado en la Academia de Leningrado, U. A. Kukuliev, transformándose en un taller de artes aplicados, centrada en la producción de miniaturas laqueadas. La rehabilitación de la Iglesia Ortodoxa en la Rusia posibilitó entonces que la pintura de iconos, después un periodo de banimento, volviera recientemente a ser practicada en la propia Kholui y otros centros como Palekh.[1]
La ocidentalização de la Rusia
Un cambio radical en los artes rusos aconteció con el ascenso al trono de Pedro, el Grande. Imbuído de altos propósitos, deseó modernizar el país y equiparar culturalmente la Rusia a la grandes naciones europeas. En este su proyecto los artes tenían especial relieve como forma de ilustrar los avances civilizatórios. Atrajo artistas extranjeros para allá, importó una cantidad de obras de arte y envió jóvenes rusos talentosos para estudiar en la Italia , Francia, Inglaterra y Holanda . Alguna tímida influencia del occidente ya existía antes, como es perceptível en los parsuna y en autores sacros como Karp Zolotaryov, que mesclou de forma original la escuela barroca ítalo-holandesa con la tradición ruso-bizantina, pero la extensión del impacto occidental en el reinado de Pedro no tuvo precedentes y determinó una adopción integral de la estética barroca en la pintura, ora casi toda vuelta a los temas profanos, sin cualquier sombra de arcaísmo bizantino pero también con pocos trazos de identidad propia. Los artistas rusos entrenados en el exterior demostraron una compreensão perfecta de los principios técnicos y estilísticos de la pintura occidental entonces practicada en el resto del continente, y produjeron resultados a la altura [2][3][4]
El primer pintor a ser educado enteramente fuera de la Rusia fue Andrei Matveev, que estudió en Flandres y en Holanda por once años antes de volver a su país. Retornando, se hizo una de las figuras de proa para la renovación de la pintura rusa.[5] Ivan Nikitin igualmente fue enviado al exterior, haciéndose alumno de Tommaso Redi en Florença, y junto con Alexei Antropov, alumno de Louis Caravaque, ilustran la transición entre la tradición de los parsuna y el retratismo típicamente occidental.[6][7]
La ocidentalização se acentúa en los reinados subsequentes, y con Catarina II, que era una francófila, amante de los artes y ávida colecionadora, y mantenía correspondencia con los iluministas, la pintura recibe un estímulo adicional con la creación del Museo Hermitage y de varios otros. En esta época el estilo transita del Barroco para el Rococó, e inmediatamente muestra señales de la introducción del Neoclassicismo, que ya florecía en la Francia. La pintura de molde occidental ya está por esta altura plenamente integrada a la cultura de las élites. Especialmente el retratismo asume una simbología de elogio de la nobleza a través de posturas y decorações típicas y un nuevo senso de equilibrio y decoro. Se desarrolla el paisagismo y el "gran estilo" de la pintura histórica comienza a tener influencia, junto con la institución de la enseñanza oficial de artes en el país a través de la fundación en Son Petersburgo de la Academia de los Tres Artes Nobles en 1757, inmediatamente renombrada por Catarina II para Academia Imperial de Artes, que permanece en actividad hasta hoy bajo el nombre de Instituto Académico de Bellos Artes, Escultura y Arquitetura de Son Petersburgo. La Academia era de hecho un departamento del gobierno incumbido de supervisar todo el sistema de arte en la Rusia, organizando la enseñanza, distribuyendo premios y bolsas de estudio, contratando maestros de fuera, creando una colección propia con obras extranjeras para ilustración de los alumnos y estimulando vigorosamente el Neoclassicismo.[8] Dmitry Levitsky, Vladimir Borovikovsky, Alexei Belsky, Ivan Argunov, Semyon Shchedrin, Anton Losenko, y principalmente Fyodor Rokotov son los mejores pintores de esa segunda generación de maestras, demuestran originalidade en relación a sus plantillas extranjeras y evidenciam el altíssimo grado de calidad a que llega en relativamente poco tiempo la pintura rusa de tradición occidental. Entre los extranjeros actuantes en la Rusia por entonces se destacan Jean-Baptiste Le Prince, Stefano Torelli, Heinrich Buchholz, Johann Baptist von Lampi, el Viejo, Pietro Rotari, Élisabeth-Louise Vigée-Le Brun, Jean-Louis Voille y Louis Caravaque.
 Alexei Antropov: Retrato de Fyodor Dubyansky, 1761, Museo Hermitage |
 Anton Losenko: A pesca milagrosa, 1762. Museo Ruso |
 Ivan Argunov: Retrato de Catarina II, 1762. Museo Ruso |
 Jean-Baptiste Le Prince: La cuna rusa, 1764-1765. Getty Museum |
 Dimitry Levitsky: Retrato de Y. N. Khruschova y de la princesa Y. N. Khovanskaya. 1773. Museo Ruso |
 Alexei Belsky: Panorama arquitetural, 1789 |
 Semyon Schendrin: Vista del Palacio Gatchina a partir del Lago Prateado, 1798 |
 Vladimir Borovikovsky: Retrato de F. A. Borovsky, 1799. |
La nueva escuela rusa
El siglo XIX se caracteriza por significativos avances estilísticos e ideológicos que llevan, tras la importación casi literal de estéticas extranjeras el siglo anterior, al establecimiento de una escuela de arte genuinamente ruso. En el inicio del siglo la Academia Imperial alcanza su apogeu bajo la dirección de Alexander Stroganov. El Neoclassicismo también entra en su fase más brillante, siendo la influencia más fuerte a de Ingres,,[1] pero inmediatamente pierde su fuerza y enseguida una serie de nuevas tendencias se suceden con rapidez - Romanticismo, Naturalismo, Realismo, Simbolismo - al largo de casi todo el siglo desarrollándose codo con codo, fertilizando unas a la otras.
Primero surge el Romanticismo, advogando una flexibilização en el cânon neoclássico, prefiriendo retratos intimistas de caracterización psicológica, paisajes mediterrâneas idílicas o escenas históricas dramáticas, y el arte en general comienza a esparcirse para círculos más alejados de la corte. Karl Briullov, Maxim Vorobiev, Silvester Shchedrin, Vasily Tropinin, Orest Kiprensky y Alexey Venetsianov son nombres principales en la transición de la plantilla neoclássico para el romántico..[2]
Entrementes una influyente porción de las clases intermédias, formada principalmente por oficiales del ejército, había tenido un choque de sensibilidad al entrar en íntimo contacto con el pueblo por ocasión de las guerras napoleônicas, había percibido su dura realidad y pudo testificar el heroísmo de los soldados. La Revolución Francesa, ocurrida pocas décadas antes, tampoco había pasado despercebida. Algo semejante ya había perturbado el país en la misma altura, en la Revuelta Pugachev de 1773-74, que hube buscado, pero sin éxito, abolir la servidumbre . Con esos cambios en la sociedad la vida de las clases inferiores se hace un tema más aceptable para el "gran arte", aunque de inicio sólo apenas tolerado por los círculos más conservadores, y por eso debía ser presentada de una forma idealizada, donde la cruda realidad de los siervos y campesinos fuera diluída y transformada en un bucolismo gentil, o en un elogio de la bravura cuando se refería a sujetos militares. También prolifera, por los mismos motivos, la llamada pintura de género, mostrando escenas domésticas de la clase burguesa.[3]
Eso contribuye para llamar la atención para la majestosa geografía del país y los tipos humanos y costumbres típicamente locales, llevando el retrato y el paisaje adquieran una ênfase gradualmente más objetiva y naturalista. Por otro lado, los temas de la historia de la Rusia, sus batallas y figuras céntricas, la vida de los antiguos boiardos, la mitologia y religiosidade populares, también son el centro de un nuevo interés que busca reconstruir visualmente la vida nacional de tiempos pasados, a través de una interpretación ya tingida por el Romanticismo y por la onda medievalista que coloreaba toda Europa.[3]
En el campo de la literatura intelectuales como Nikolay Dobrolyubov y Nikolay Chernychevsky disseminavam ideas populistas revolucionarias y decían que el arte no debería sólo reflejar la realidad, pero también explicarla y juzgarla,[4] y los pintores pasan a sentir que el arte debía servir a algo más que la afirmación de la supremacia de la clase dominante o el retrato ameno y descompromissado del cotidiano popular, y sí ser usada como instrumento de educación moral y social de un público más vasto, significando que emergía un arte de crítica social de carácter realista y que los pintores deseaban poder trabajar sin la dirección de la Academia.[3][5] Todos esos factores abren el camino para la aparição, a mediados del siglo, de un nacionalismo artístico que representa el primer momento de real originalidade en la pintura rusa desde la consolidación de las escuelas de iconos medievais. Así, el principal foco temático de la pintura más avanzada de ese periodo se desplaza para el pueblo y el paisaje ruso.
Mientras eso, la Academia Imperial permanecía atada la convenciones rígidas y prefería temáticas de la historia y mitologia clásica, paisajes italianizantes o retratos convencionales de la nobleza, continuando la tradición más rigurosa del Academismo, que ya mostraba dar señales de defasagem, aunque aún hubiera maestras de gran talento entre sus hileras, como Alexander Litovchenko, y académicos extranjeros visitantes como Franz Xaver Winterhalter y Carl Timoleon von Neff dejaran en el padres obras-primas, especialmente en el campo del retratismo. La Academia, dada su íntima conexión con el poder constituido, no podría abrazar una causa que era en essência populista y burguesa, aunque ella fuera apoyada por el influyente crítico Vladimir Stasov y entre los nuevos artistas no se percibiera descenso de calidad técnica en relación a la gran pintura oficial. Pero insatisfeitos con los rumbos en que la Academia persevera, en 1863 trece artistas, liderados por Ivan Kramskoi, a abandonan para seguir una carrera independiente, siendo entonces conocidos como Peredvizhniki (Itinerantes) y formando la Sociedad de Exposiciones Itinerantes, que tuvo enorme éxito y les franqueó un público muy más amplio.[3]
En los primeros 25 años de actividad la asociación atraería la adhesión de los principales artistas rusos, produciría más de 3 mil obras y alcanzaría un público de un millón de personas en cerca de 15 ciudades. No sólo la pintura profana fue afectada por las innovaciones de los Itinerantes. También el arte sacra de Mikhail Vrubel, Ivan Kramskoi y Nikolai Ge mostró la asimilación de sus principios. Su influencia fue tanta que obligó la propia Academia a revisar sus posiciones, abriéndose gradualmente a la nueva tendencia, a que se dio el nombre de Realismo Ideológico, y más tarde contratando algunos de sus miembros como profesores. La Sociedad luchó por un arte nacionalista que fuera también una arma en la denuncia de las injusticias sociales; fue el fulcro de las vanguardas del momento hasta que ella misma, ya conquistando la aceptación de sus ideales por la Academia, comenzara a se enrijecer, proscribiendo las experimentações más radicales del Modernismo, pero dando base para la formación subsequente del Realismo Socialista tras la Revolución Rusa de 1917. Entre sus miembros más notables estaban Ilya Repin, Arkhip Kuindzhi, Mikhail Clodt, Isaac Levitan, Nikolai Yaroshenko, Ivan Shishkin, Rafail Levitsky, Abrid Arkhipov, Viktor Vasnetsov, Nikolay Kasatkin, Vassily Maximov, Grigoriy Myasoyedov, Vasily Perov, Nikolai Bogdanov-Belsky, Illarion Pryanishnikov, Vasily Surikov, Konstantin Savitsky y Valentin Serov.[3][6][7]
_-_Volga_Boatmen_(1870-1873).jpg/120px-Ilia_Efimovich_Repin_(1844-1930)_-_Volga_Boatmen_(1870-1873).jpg) Ilya Repin: Barqueiros del Volga, 1870-73. Museo Ruso |
 Mikhail Clodt: En los campos, 1872 |
 Viktor Vasnetsov: Jinete en la encruzilhada, 1878 |
 Viktor Vasnetsov: Cristo Todo-poderoso, 1885-1896 |
 Konstantin Savitsky: Yendo para la guerra, 1888. |
 Ivan Shishkin: Lluvia en la floresta, 1891. |
 Nikolai Bogdanov-Belskiy: Lectura dominical en una escuela de vila, 1895. |
 Abrid Arkhipov: Las lavadeiras, c. 1901. Galeria Tretyakov |
Modernismo
En el inicio del siglo XX la cultura rusa se encuentra en un estado de febril efervescência, influenciada por los movimientos modernistas que acontecían en otros países. Adoptando estilos progresistas como el Simbolismo y el Impressionismo, o revendo estilos históricos en el Neoprimitivismo, Neogótico y Neo-romanticismo , artistas como Mikhail Vrubel, Alexander Benois, Leon Bakst, Konstantin Bogaevsky, Nikolay Krymov, Viktor Borisov-Musatov, Hedor Vasilyev, Pyotr Subbotin-Permyak, Natalya Nesterova, Isaac Levitan, Valentin Serov, Vasily Denisov, Konstantin Korovin, Mikhail Nesterov y Abrid Arkhipov crearon un puente entre la figuração académica y la visualidade moderna, incluyendo importantes cambios en la técnica pictórica.[1]
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A la vez, grupos importantes como Mir iskusstva (Mundo del Arte, también el nombre de la influyente revista editada por ellos) atacaban la obsolescência de los Itinerantes y el carácter antinatural de la sociedad industrial, y promovían la individualidade creativa y el espíritu Art Nouveau bajo una bandera Positivista. Y deseando hacer el arte accesible a todos, escogían materiales más baratos como el guache y la aquarela y reducían la escala de sus trabajos. El grupo inmediatamente se disolvió y fue sustituido por la Unión de Artistas Rusos, para después reaparecer con el antiguo nombre.[2]
Luego el Cubismo, Expressionismo y Futurismo también penetran en la Rusia donde, combinados a los elementos nacionalistas que ya habían aparecido poco antes, llevaron localmente a la formulação en torno a 1910 de una nueva estética que se convencionou llamar de Vanguarda Rusa, un término amplio para englobar todos esos movimientos que mantenían relaciones íntimas y mutuamente fecundas. ES en ese momento que la pintura rusa da una contribución vital al arte de todo occidente a través de las experiencias abstractas del Expressionismo abstracto, del Raionismo y del Construtivismo, cuyos mayores nombres en la pintura fueron Wassily Kandinsky (a quién se atribuye las primeras pinturas enteramente abstractas jamás producidas en el arte occidental); Mikhail Larionov y Natalia Goncharova; Vladimir Maiakovski, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova,Vladimir Tatlin, Lyubov Popova y El Lissitzky .[3]
Pero, la propuesta más arrojada en ese sentido fue a de los suprematistas, que llevaron la abstracción geométrica a extremos de simplificación en obras radicales como Cuadrado negro sobre fondo blanco, uno de los marcos del arte moderno occidental, cuyo autor fue Kazimir Malevich, líder del grupo. Otros participantes fueron Aleksandra Ekster, Olga Rozanova, Nadezhda Udaltsova, Anna Kagan, Ivan Kliun, Liubov Popova, Nikolai Suetin, Ilya Chashnik, Lazar Khidekel, Nina Genke-Meller, Ivan Puní y Ksenia Boguslavskaya. La recepción de tales obras por el grande público, para el bien y para el mal acostumbrado al arte académico o por lo menos de un modernismo moderado, no fue plácida, y Malevich expresó la decepción popular comentando que "perdieron todo lo que amaban - están en un desierto, delante de un cuadrado negro sobre fondo blanco".[4] Todos esos movimientos modernistas no obstante buscaban, más allá de una nueva sensibilidad, un arte que tuviera positiva función social, libre de las convenciones del arte burguesa, y por eso cuando eclodiu la Revolución de 1917 ellos fueron de inicio apoyados por el gobierno revolucionario a través de Anatoly Lunacharsky, que encabezaba el Comissariado Popular de Educación, y por movimientos literarios que deseaban colocar el arte a servicio del proletariado, como el Proletkult.[5][6]
Como consecuencia, los primeros diez años de la Revolución originaron un extraordinario y audacioso movimiento de vanguarda en todos los artes rusos, donde los artistas tuvieron amplia libertad de acción, el debate sobre el nuevo papel de los artes permanecía candente y la tônica fue el experimentalismo. Pero ese periodo de libertad no duró muy e inmediatamente lo soporte oficial cesó. El Partido Comunista estaba firmemente instalado en el poder, habiendo sobrevivido la tentativas de restablecimiento de la monarquía, y se consideró necesario crear nuevas reglas para el arte nacional. En 1928 todas las instituciones culturales independientes fueron cerradas, Lunacharsky fue destituido y se inició la elaboración de un nuevo programa oficial para la cultura rusa.[6]
 Viktor Borisov-Musatov: El lago, 1902. Galeria Tretyakov |
 Mikhail Vrubel: Madrepérola, 1904. Galeria Tretyakov |
.jpg/120px-Pyotr_Subbotin-Permyak._Down_the_river_(1918).jpg) Pyotr Subbotin-Permyak: Yendo por el río, 1918. |
 Alexander Shevchenko: Mujer en rojo. Museo Ruso |
 Liubov Popova: Aire+Hombre+Espacio, 1912 |
 Kazimir Malevich: Suprematismo - Jugador de fútbol en la cuarta dimensión, 1916. Stedelijk Museum |
 Wassily Kandisnly: Fuga, 1916. Fundación Beyeler |
El Realismo Socialista
Mientras los ideales revolucionarios encontraron paralelo en las innovaciones artísticas - que realmente hicieron otra revolución por sí mismas - el arte modernista encontró apoyo, pero una vez firmemente establecido el nuevo régimen ellas pasaron a ser puestas bajo sospecha por haber surgido antes de la Revolución y posiblemente también ellas serían una forma de arte decadente y burguesa. Por otro lado muchos miembros del Partido Comunista no apreciaban las estéticas modernistas, lo que en parte ecoava el rechazo de la población en general a los estilos abstractos, que pocos de hecho comprendían y por eso no tenían utilidad como ilustración doutrinária. Sintomaticamente, la última exposición de vanguarda aconteció en Leningrado entre noviembre de 1932 y mayo de 1933 . En ella Malevich mostró obras figurativas muy esquematizadas, personas privadas de rostro contra paisajes vacíos.[1]
Esa nueva política se hizo oficial en 1932 cuando Stalin promulgou el decreto "Sobre la Reconstrucción de las Organizaciones Literarias y Artísticas", y sus directrices fueron impuestas muchas veces con violencia para todos, los resistentes siendo severamente punidos.[2]
Tales restricciones ocasionaron una fuga de muchos intelectuales y artistas para otros países, y los que permanecieron fueron continuamente hostilizados mientras mantuvieron ideas independientes. Tras la II Guerra Mundial el arte del occidente fue nuevamente declarada nociva y varios pintores mandados para el exilio en la Siberia .[3] Aunque hubiera una suavização en el rigor de la ley cuando Stalin murió, hasta en la década de 1970 exposiciones de arte podían ser censuradas o desmanteladas sin aviso previo y sus obras destruidas.[4]
El propósito básico de esa nueva estética era glorificar la lucha del proletariado en dirección al progreso y la una sociedad socialista ideal. Según el Estatuto de la Unión de los Escritores Soviéticos, de 1934 , el Realismo Socialista buscaba una representación artística históricamente confiable y concreta de la realidad en su desarrollo revolucionario, debiendo tener un carácter educativo de transformación ideológica de los trabajadores en el espíritu del Socialismo. Lenin decía que su propósito era crear un tipo enteramente nuevo de ser humano, y Stalin llamaba sus practicantes de "ingenieros de almas". Maxim Gorky, en el Congreso del mismo año, hube decretado que la obra socialista debería tener cuatro características esenciales. Sería:
- Proletária, o sea relevante y compreensível para el trabajador;
- Típica, mostrando escenas del cotidiano del pueblo;
- Realista, en el sentido representacional - figurativa y verídica, y sin decair para un naturalismo
- Partidaria, apoyando los ideales del Estado y del Partido.[4]
Como el proletário era el centro de esa nueva sociedad, naturalmente se hube hecho también un objeto digno de estudio, en el que se daba continuidad a los ideales sostenidos primero por los románticos y después por los Itinerantes. A la vez, el líder de la nación también se hacía blanco de elogio y representación exaltada, junto con ambientes fabris y campesinos. Siendo ahora el Estado el único mecenas, todo artista se hacía un empleado de la máquina estatal, y la pintura, asociándose a la artes gráficos, frecuentemente fue reproducida en ancha escala en carteles propagandísticos.[4]
En términos de forma el Realismo Socialista fue todo figurativo, y en términos de carácter fue siempre optimista, pero aunque predicara la verdad histórica, sus representaciones frecuentemente son irreais, pecando por sus excesos, sea de fuerza y virilidade, sea de virtudes y nobleza de carácter, sea de alegría y contentamento. Dentro de ese espectro limitado de opciones, el estilo se hizo inmediatamente repetitivo y decaiu en calidad. Todas las formas de experimentalismo eran de inmediato censuradas como decadentes, obscenas, vulgares, formalistas, pesimistas o degeneradas, y por lo tanto, desde el principio, anti-Comunistas, justificando su proscrição.[4][5]
Entre las críticas apuntadas modernamente a ese sistema están una alegada destrucción de la cultura nacional e imposición de una cultura artificial; la abolición de los elos orgánicos entre creador y obra, sustituyéndolos por un programa apriorístico; el carácter compulsório de las elecciones temáticas; la dissociação isolacionista entre la evolución del arte occidental y el panorama ruso; y eliminación de toda espontaneidade, individualidade y serio cerceamento a la verdadera creatividad. Por encima de todo se condena la intensa represión a todo desvío de la norma, una represión que podía equivaler al exilio o a la muerte aún a causa de pequeños detalles.[6]
A pesar de las congojas significativa porción del que fue producido en arte bajo esta doctrina rigurosa alcanzó un alto nivel, tanto estético como ético y técnico. Muchos de los pintores habían sido formados en la Academia, y muchos también adhirieron a esos principios de buena gana, por encontrar resonancia en sus propuestas e ideales individuales. Entre sus representantes más típicos estaban Izaak Brodsky, Kuzma Petrov-Vodkin, Georgy Riazski, Boris Ioganson, Aleksander Gerasimov, Aleksander Moravov, Ivan Vladimirov, Boris Vladimirsky, Karp Trokhimenko, Taras Gaponenko, Aleksandr Laktionov, Pyotr Dobrynin, Alexej Nesterenko, Valentin Lisenkov, Vasili Ivanov, Vladimir Krikhatzky, Mikhail Bozhie, Vassili Saicenko y Nikolai Terpsikhorov.[6][7]
 Cartel de propaganda exaltando la educación en historia de la Revolución |
 Sé atento en tu puesto!, cartel de propaganda |
La renovación de la pintura rusa
El estilo oficial del Realismo Socialista, aunque haya continuado hasta casi el fin del siglo XX, comenzó a ser atacado incluso de dentro del Partido Comunista a partir de la muerte de Stalin en 1953. Subiendo al poder, Khrushchev inició una denuncia de la política stalinista y del culto a su personalidad, que pasaron a ser considerados prejudiciais, y los artistas que habían hecho carrera seguido sus dictámenes, como Alexander Gerasimov, autor de retratos idealizados del antiguo dictador, fueron removidos de sus posiciones oficiales. En compensación, fueron reabilitados artistas notables como Kuzma Petrov-Vodkin, que a pesar de haber trabajado para el Partido, después fuera proscrito.
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Aunque hubiera una flexibilização en la postura del gobierno y los pintores encontraran una nueva atmósfera de libertad, los avances no fueron grandes, y el Realismo Socialista continuó a ser la directriz principal para la pintura. El propio Khrushchev se envolvió personalmente en debates sobre la función del arte, pero el resultado imprevisto de eso fue que los artistas disidentes, que fueron conocidos como los Inconformistas, aún en gran medida trabajando en la obscuridade y en el aislamiento, y siguiendo líneas de trabajo diversas, se sintieron unidos en torno a un propósito común.[1]
Los Inconformistas no tenían una propuesta estética unificada, siquiera eran un grupo organizado, y el estudio del movimiento no puede ser hecho a través del estilo, que iba del figurativismo al abstracionismo, con todas las nuanças y variaciones intermédias incluido el Neoacademismo. Pero su objetivo común era desmistificar el idealismo artificial y autoritário del arte del Estado, y mostrar que su proyecto estaba lejos de espelhar la realidad. Diversos grupos de Inconformistas se formaron en Moscú, Son Petersburgo y otras ciudades, y en torno a los años 1970 el movimiento pasó a recibir una aceptación, aunque limitada, por las autoridades. Pero no había mercado para ellos y sólo una fracción mínima de sus trabajos encontraba colocación en exposiciones. Buena parte de esa producción fue salva de la destrucción o del olvido por el peligroso trabajo del colecionador norteamericano Norton Dodge, que con la ayuda de diplomáticos extranjeros y autoridades locales simpáticas, adquirió clandestinamente un grande acervo de más de 17 mil obras entre 1956 y 1986 , y lo instaló en el Museo de Arte Jane Voorhees Zimmerli de la Universidad Rutgers, en los Estados Unidos.[2][3] Algunos de los muchos Inconformistas fueron Oleg Vassiliev, Erik Bulatov, Anatoly Zverev, Vladimir Nemukhin, Vladimir Yankilevsky, Koryun Nahapetyan, Vasily Sitnikov, Evgeny Rukhin, Alexander Rappoport, Lidiya Masterkova y Koryun Nahapetyan.[1][4]
Aún los años 1970 otra tendencia surge en la escena, los Conceitualistas rusos, que trabajaban principios del Arte conceptual, contribuyendo para diversificar las abordagens, procedimientos y técnicas, así como encendiendo el debate teórico sobre arte. De entre ellos tutearon Ilya Kabakov, Andrei Monastyrsky, Komar y Melamid, Erik Bulatov y Viktor Pivovarov.[5]
Con la progresiva apertura política de la Unión Soviética los años 1980, que por fin llevó a la desestruturação de todo bloquecomunista, todo el programa de arte oficial también entró en colapso. Artistas como R.Bichuns, P.Tordia, D.Zhilinsky, Y.Shteinberg, M.Romadin, M.Leyes y V.Kalinin fueron ampliamente reconocidos, probando que el universo del arte no estva más dominado por la propaganda, pero muchos otros aprovecharon la oportunidad de emigrar. Se abrió definitivamente la Rusia para los avances contemporáneos del arte occidental y ocurrió una rápida expansión en el panorama en la pintura rusa, fenómeno que continúa hasta los días de hoy.[6][7]
 Koryun Nahapetyan: El genocidio armênio de 1915, 1985 |
 Ilya Kaverznev, 1997 |
.jpg/120px-Warm_Light_of_Evening(140x100cm).jpg) Ekaterina Moré: La cálida luz del atardecer |
 Dmitry Kouznetsov: Cielo, 1998 |
 Andrew Pavlovskiy: Botellas, 1999 |
 Nikolay Tretyakov, 2005 |
 Yuri Gorbachev, 2006 |
 Natalia Duritskaya: Avenida Sutin, 2008 |
Otras tradiciones pictóricas
Además de la pintura convencional, tratada arriba, la Rusia posee otras tradiciones pictóricas que, aunque de más pequeño relieve, también merecen nota por su riqueza, como la pintura decorativa de interiores y de mobiliario , las porcelanas y louças pintadas y otro objetos utilitários decorados. Pero de todas no se puede dejar abordar, aunque brevemente, los manuscritos iluminados y las miniaturas laqueadas, ambas perteneciendo a un universo culto, y los géneros de pintura primitiva, ingenua y folclórica , más conectadas al arte popular.
Manuscritos iluminados
Esa tradición inició en Kiev y se desarrolló paralela a la pintura de iconos, y ambas presentan muchos puntos en común en términos de estilo. A pesar de depender en gran medida del arte bizantina, están presentes también influencias anglo-normandas, carolíngias y otonianas , que allá llegaron a través de las rutas comerciales medievais entre la Rusia y el resto de la Europa.[1] El ejemplo sacro más antiguo que se preservó fue el Evangeliário de Ostromir, compuesto en torno a 1056 por el diácono Gregor y asistentes para su patrono Ostromir de Novgorod. En sus páginas con ilustraciones se percibe claramente la influencia de plantillas bizantinos, junto con una requintada caligrafia, que demuestran el elevado nivel que la cultura local ya hube alcanzado por esta altura, sólo cerca de 70 años de la introducción de la escritura en la región.[2][3]
Otras obras medievais importantes son la Miscelânea de Sviatoslav, del siglo XII, el Evangeliário Siysky, de 1339 , con diversas escenas en un estilo elegante, el Evangeliário Fyodorovsky, de 1327 , el Saltério de Kiev, de 1397 , con 303 ricas iluminuras sobre una variedad de temas sacros y profanos y figuras de animales y vegetais,[4] y el Evangeliário de Novgorod 1575y, de 1575 , con figuras de los evangelistas e iniciales decoradas.[5]
Pero también existen iluminuras de gran importancia sobre textos profanos, como la grande Crónica Radzivill, de más antigua y una de las más preciosas en su género, una narrativa ricamente decorada que trata de la historia de la Rusia entre los siglos V y XIII, producida el siglo XV.[6] Poseen bellas ilustraciones también la crónica Licevoy svod, de 1480 , con escenas de batalla, La leyenda de la derrota de Mamai, del siglo XVII, un romance histórico,[7] y el Libro de los títulos de los Czares, de 1672 , con una serie de retratos régios y decorações realizados por artistas del Kremlin el siglo XVII. La tradición de iluminuras comenzó la decair en el fin del siglo XVII con su sustitución por libros impresos, aunque ejemplares esparsos aún sean encontrados el siglo XIX.[8]
Miniaturas en laca
Las miniaturas laqueadas tiene una historia relativamente reciente, iniciada en torno al siglo XVIII en la ciudad de Fedoskino, hasta hoy un centro de producción de renombre mundial. Ese tipo de arte aplicado, que a veces es confundido con la artesanía, recibió la atención del gobierno ruso entre el siglo XIX y el XX, que organizó algunos talleres a la manera de una Academia, enviando maestras diplomados en la Academia de Son Petersburgo para dirigirla. Las miniaturas son pintadas sobre una diversidad de objetos decorativos, en su mayor parte hechos de papel machê o madera, y usando cómo pigmentos el polvo de metales preciosos y têmperas de tonos vivos, cubiertas con una capa de laca brillante y a veces enriqueciendo el acabado final con adornos de metal y piedras preciosas, que prestan a la piezas el carácter de joyas. ES una técnica minuciosa que derivó de la pintura de iconos. La temática es de más variada, incluyendo paisajes, escenas de caza, composiciones florales y retratos, copias de pinturas célebres, pero sobre todo son privilegiadas escenas ilustrando las leyendas del folclore ruso, tratadas en un estilo culto y requintado. Otros centros de producción importantes además de Fedoskino son Kholui, Zhostovo, Mstyora y Palekh.[9][10]
 Evangeliário Fyodorovsky, mostrando imagen de Son Teodoro Stratelate, c. 1327 |
 Evangeliário Siysky, 1339 |
 Folio de la Crónica Radzivill, siglo XV |
 Libro de los títulos de los Czares, capa, 1672 |
 Divinação usando guirlandas, c. 1920. Miniatura Palekh |
 La Tercera Internacional, 1927. Miniatura Palekh |
 Ivan Bakanov: Vila de Palekh, 1934. Miniatura Palekh |
 Suzdal. Miniatura Kholui |
Pintura primitiva, ingenua y folclórica
Estos géneros son de distinción un tanto difícil, pues todos se originan en artistas populares. En una definición muy esquemática, los artistas folclóricos pertenecen a una tradición relativamente estática, repitiendo plantillas formales sin variaciones drásticas al largo del tiempo. Usan técnicas tradicionales que, aún pudiendo haber significativo requinte, permanecen (o permanecían) fuera de las escuelas oficiales, sus autores en gran medida son desconocidos y sus obras datan desde los orígenes de la cultura visual rusa.
Los ingenuos huyen enteramente del arte culta creando estilos únicos y extravagantes, pero una vez encontrada una fórmula satisfactoria, esta tiende a ser repetida para todo tipo de escena. Generalmente sus obras son altamente narrativas, con una profusão de detalles, juegan colores en combinaciones inusuales y muestran tener una noción de espacio completamente diversa de los autores cultos. Especialmente en el caso ruso los ingenuos aparecen a partir del final del siglo XIX, y el advento del Comunismo tuvo fuerte impacto sobre ellos, ocasionando la creación de una infinidade de obras sobre el asunto..[1]
Ya los primitivos tienen algún conocimiento académico en arte, podían hasta antiguamente trabajar para la pequeña nobleza rural, pero, como prueban sus obras, su aproximación de las plantillas del arte erudita es peculiar por su incompetencia técnica, aunque eso no les prive de valor estético y artístico. En la Rusia los primitivos comienzan a aparecer alrededor del siglo XVIII, cuando el estilo de vida de la nobleza urbana comenzó a influenciar los nobles provincianos, la decoração de sus mansiones pasó a exigir mayor lujo e incluir pinturas de paisajes y otras obras de arte más sofisticadas, y se desarrolló un retratismo derivado de la tradición de los parsunas.[2]
Aún así es de reconocer que las interpenetrações entre ellos son muchas, haciendo problemática una caracterización definitiva, y por eso van todos aquí bajo una misma entrada. A pesar de históricamente trabajar al margen del circuito oficial, recientemente esos géneros vienen recibiendo gran atención del gobierno y de colecionadores y ya existen museos dedicados enteramente a la preservação y divulgación de sus obras.[3][4][5]
 Kiril Sivkov y asistente: Flagelação de Jesus, siglo XVIII. Museo Alexandrov |
 Pavel Bolotov: Vista del parque Bogoroditsk, 1786 |
..jpg/120px-Wedding_in_Toropets_(landlords_coming_to_the_peasants’_wedding)..jpg) Anónimo del siglo XVIII: Boda en Toropets |
 Anónimo: Cristo durmiendo con los símbolos de la Pasión, siglo XVIII |
..jpg/105px-Allegory_of_the_Victory_at_Poltava._(Apotheosis_of_Peter_I)..jpg) Anónimo: Apoteose de Pedro I, c. 1710 |
 Olivier ?: Retrato de la familia Benua, c. 1816 |
 Anónimo: A. Denisov y S. Denisov retratados con la comunidad de Vygovsk, siglo XIX |
 Anónimo: Enchente de 1824 en Son Petersburgo |
 Anónimo: Campesinos, siglo XIX |
 Pavel Kolendas: Retrato de P.P.Temerin, 1884 |
 Sofia Kalikina: La doncella Maria y su póstuma aparição a su padre, c. 1904 |
 I. Kurilev: Noche de Son João, 1920 |
