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Música electrónica (portugués europeo) o Música electrónica (portugués brasileño) (Al 1990: Música eletrónica/electrónica) es toda música que es creada o modificada a través del uso de equipamientos e instrumentos electrónicos,[1] tales como sintetizadores, gravadores digitales, ordenadores o softwares de composición . Los softwares son desarrollados de forma a facilitar la creación.
Por su historia pasó de una vertiente de la música erudita (fruto del trabajo de compositores visionários) a un elemento de la música popular, de entrada bastante relacionado al rock y posteriormente discernindo-se como un género musical propio (principalmente relacionado con la música popular en los sub-estilos considerados dançantes tales como el techno, acid, house, trance y drum 'n' bass, desarrollados a partir del auge de la música disco a finales de la década de 1970). Actualmente existen varias ramificaciones del estilo, tanto eruditas como populares.
Originalmente relutada por tener su tecnología evolucionada muy más rápidamente que su estética, sólo pasó a tener principios y tradición después de la Segunda Guerra Mundial,[1] con el trabajo de franceses en la música concreta y de alemanes en la Elektronische Musik.
Tabla de contenido
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Historia
Década de 1850 a 1940: los primeros artistas y equipamientos
La habilidad de grabar sonidos es absolutamente necesaria para la producción de música electrónica, y es certamene bastante útil. El primero precursor del fonógrafo fue inventado en 1857 cuando Leon Scott grabó por primera vez impresiones de sonido en cilindros revestidos en carbono. Dos décadas después, en 1878 Thomas A. Edison patentó el fonógrafo, que utilizaba cilindros similarmente al dispositivo de Scott. A pesar del mecanismo haber se mantenido inalterado por un tiempo, Emile Berliner desarrolló el fonógrafo en disco en 1897.[2]
Data de 1897 el más antiguo instrumento musical electroacústico. Fue una invención de Thaddeus Cahill, conocida como dinamofone o telarmónio . La máquina consistía en un dínamo eléctrico, asociados la indutores electromagnéticos capaz de producir diferentes frecuencias sonoras. Estas señales eran comandadas por un teclado y un panel de controlos y difundidos por la línea telefónica, cuyas terminales estaban equipados con amplificadores acústicos, colocados en locales públicos. Vino a verificarse que la emisión musical interfería con las llamadas telefónicas, lo que era insustentável. El instrumento tenía la capacidad de sintetizar sonidos con los timbres deseados, por solapamiento de parciales harmónicos. El sistema que permitía este desempeño hacía la máquina extremadamente compleja y de dimensiones gigantescas. El compositor Ferrucio Busoni mostró interés por la invención, potencialmente geradora de nuevos conceptos harmónicos, no teniendo sin embargo apoyado directamente el proyecto. La tecnología fue posteriormente usada para el desarrollo del órgano Hammond. Entre 1901 y 1910 , Cahill desarrolló tres versiones mayores y más complejas que el original, la primera pesando siete toneladas, y la última, por encima de doscientas. Con la caída del interés público, en 1912 la empresa de Cahill estaba falida.[3]
El teremim y el movimiento futurista
Con el final de la Primera Guerra Mundial los primeros avances fueron en el sentido de hacer los equipamientos más económicos y compactos. Una de esas invenciones fue el teremim, desprovido de teclado, munido de dos detectores de movimiento que controlaban el volumen y la altura del sonido a partir del movimiento libre de las manos del executante. Un otro ejemplo de instrumento es lo Ondas Martenot, inventado en 1928 por Maurice Martenot[4] y usado en obras como "Turangalîla" y "Trois Petites Liturgies" de Olivier Messiaen. Más tarde surgieron instrumentos polifónicos como el Givelet y el órgano Hammond, cuyos potenciales fueron inmediatamente reconocidos y explorados. El Givelet tenía la capacidad de ser programado, lo que fue más tarde anchamente ultrapasado por los sintetizadores y por los ordenadores que vendrían a surgir cerca de 25 años más tarde. Producido por Laurens Hammond a partir de la fundación de su empresa en 1929, el órgano Hammond era basado en los principios del telarmónio junto con otras tecnologías como las primeras unidades de reverberação .[5]
El movimiento futurista, iniciado en la Italia por el poeta Filippo Marinetti, rápidamente se expandió por la Europa , en la defensa de la libertad de la expresión artística, que se reveló en la música por la utilización de técnicas de producción sonora no convencionales hasta entonces, dándose valor al que es considerado "confusión". Luigi Russolo propuso, en la década de 1910, en The Art of Noises,[6] la composición musical a partir de fuentes sonoras del medio ambiente, en la búsqueda de la variedad infinita de los ruidos. El efecto práctico de esta propuesta fue la construcción de instrumentos productores de ruido como el Intonarumori. El primer concierto de la serie The Art of Noises ocurrió en 21 de abril de 1914 , y en junio conciertos similares ocurrieron en París.
El compositor francés Edgard Varèse, fue pionero en la explotación de nuevos conceptos de expresión musical. Su técnica de instrumentación revelaba uno ruptura con la escuela vigente en el Conservatório de París, quiebra esa absolutamente necesaria para la aceptación de fuentes electrónicas en la composición musical. El concepto de análisis y de "regenese" de los sonidos fue explorado por Varèse en su obra instrumental, obligándolo a utilizar los instrumentos como componentes de masas sonoras de diferentes timbres, densidades y volúmenes . Las aspiraciones de Varèse en el campo de la música electrónica fueron bloqueadas por razones financieras y por el deficiente apoyo que recibió. Las obras teóricas de Thérémin, inventor del instrumento con el mismo nombre, debruçavam-si sobre los principios analíticos en la música, de forma sistemática y científica, anticipando la metodologia de la composición de música electrónica.
En la Francia, uno de los instrumentos electrónicos más famosos son las ondas Martenot, inventadas en 1928 por Maurice Martenot, y desarrolladas para reproducir los sonidos microtonais encontrados en la música hindu. Después de demostración por Maurice en París, compositores comenzaron a utilizar el instrumento. Ya el trautônio también fue inventado en 1928, y en 1940 Richard Strauss lo utilizó.
Esa nueva clase de instrumentos microtonais por naturaleza fue adoptada lentamente por los compositores, pero, a partir del inicio de la década de 1930, hube un aumento sustancial de nuevos trabajos incorporando esos y otros instrumentos electrónicos.
Nuevos equipamientos magnéticos
Darius Milhaud y Percy Grainger utilizaron la capacidad de grabación y reproducción en vinil para deformar sonidos grabados a través de la variación de la velocidad de lectura. Hindemith se interesó especialmente por la capacidad de reproducir los sonidos de los instrumentos acústicos electrónicamente, idea que Varèse consiguió contornar. En la década de 1930, los principales avances fueron en los sistemas de grabación . Tras intentado un sistema de grabación óptica, se reveló más vantajosa la grabación en soporte magnético. El mayor avance ocurrió en la Alemania en 1935, con la invención del magnetofone, que utilizaba cintas plásticas impregnadas de partículas de hierro . La cinta magnética no permitía sin embargo la visualización por medio de gráficos del sonido, desvantagem que tuvo poca importancia. Hasta 1945, las principales líneas de desarrollo fueron en la concepción del sonido musical, en el interés por los principios de la acústica, que permitieron el avance en el campo de la música electrónica.
Década de 1940 y 1950: música concreta y Elektronische Musik
La Segunda Guerra Mundial forzó el desarrollo tecnológico a varios niveles que, cesado el fuego, se reveló determinante en el progreso de la música electrónica. El clima de reconstrucción económica proporcionó incentivos de varias instituciones, sobre todo de las emisoras de radio, que disponían de estudios bien equipados. En 1946, el ENIAC fue inventado, el primer ordenador en el sentido moderno de la palabra. En París y Colonia se establecieron dos diferentes corrientes en la música electroacústica[7] que duraron toda la segunda mitad del siglo XX: respectivamente la corriente de la música concreta y la Elektronische Musik.
A partir del fin de la década de 1950 el término música eletroacústica comienza a ser adoptado. Él designa la música de instrumentos acústicos grabados, cuyas grabaciones pueden ser manipuladas, combinadas, montadas y superpuestas.[7]
Desarrollos de los franceses
El grupo francés fue resultado de la iniciativa de Pierre Schaeffer, ingeniero electrotécnico, creador del concepto de música concreta, así llamada por partir de la grabación y transformación en estudio de objetos sonoros (sonidos del ambiente, de los ruidos a los instrumentos musicales) rechazando la utilización de instrumentos electrónicos. Ellos fueron responsables por las primeras mixagens.[8] En la misma época, Paul Boisselet realizaba experimentos con osciladores electrónicos. Las primeras composiciones de Schaeffer, que incluían la manipulación sonora por medio de la variación de la velocidad o del sentido de lectura de las grabaciones, tenían un efecto musical débil, incoherente por su naturaleza fragmentária. En 1948 fue presentada pida Etude aux chemins de fer,[9] y el año siguiente, Variations sur une flûte mexicaine, otra obra de la música concreta. Más tarde, con la mejoría de la tecnología y en asociación con el compositor Pierre Henry y el ingeniero Jacques Poullin, fundando en 1958 el Groupe de Recherches Musicales, surgieron las primeras composiciones de resultado satisfactorio: Symphonie pour un homme seul,[10] primera sinfonia de música concreta,[9] y la ópera Orpheé 51, esta última utilizando aparatos como el Morphophone y los Phonogènes, que operaban sobre grabaciones en cinta magnética.
Curso de Verano de Darmstadt
Como resultado del desacuerdo generado entre franceses y alemanes , en el curso de Verano de Darmstadt (1951), Schaeffer publicó el ensayo Esquisse d’un solfège concret que vino a reafirmar y sistematizar sus ideas en el panorama de entonces. Sus estudios lo llevaron a la publicación, en 1966, de Traité des objets musicaux, con base de los estudios preliminares de Esquisse d’un solfège concret. En ese trabajo, Schaeffer estableció 33 criterios de clasificación divididos por las tres dimensiones fundamentales del fenómeno sonoro – el plan harmónico, el plan dinámico y el plan melódico – que permitían 54 mil combinaciones distinguidas.
A pesar de los estudios profundizados que efectuó, Schaeffer no consiguió más del que meras conexiones pasajeras con compositores como Boulez, Messiaen, Milhaud, Varèse y Stockhausen , estos tal vez desencorajados por los resultados sonoros poco afinados. A medida que técnicas de procesamiento electrónico se hacían más aceptas, los principios de la música concreta perdían prosperidad. La conjuntura forzó Schaeffer al cambio para uno perspectiva más universal - experiences musicales – lo que llevó a la aproximación al concepto de la Elektronische Musik. En el inicio de los años 1960, Henry fundaba su propio estudio, Xenakis comenzaba ya a utilizar los ordenadores, dos ejemplos entre las muchas otras líneas de innovación, llegando así al fin el monopolio de Schaeffer.
En el curso de Darmstadt los científicos Robert Beyer y Meyer-Eppler presentaron trabajos sobre la síntesis sonora electrónica que despertaron el interés de algunos de los compositores presentes, entre ellos Herbert Eimert. Los tres hombres formaron una asociación informal que, con el apoyo del director técnico de la Radio de Colonia, fue pionera en la creación de estudio de música electrónica en la Alemania. Las primeras experiencias musicales, presentadas en París, datan de 1952 y revelan la utilización de técnicas de serialismo integral, en la secuencia del desarrollo post Segunda Escuela de Viena. Los procesos de composición seriais fueron motor del desarrollo de la síntesis electrónica, con el intuito de poder manipular, individualmente, cada una de las propiedades de los sonidos, distanciándolos así de su origen primitivo. La gran cuestión se ponía: "será que los sonidos electrónicos, mientras fuente universal de material sonoro, pueden generar un sistema estruturador coherente correspondiente al tonalismo?" La respuesta estaría en un estudio más profundizado de la síntesis sonora, con base en los conocimientos matemáticos de la acústica musical. Fue consensual que el generador de señales era el instrumento más adecuado como fuente del material electrónico. Produce sonidos sinusoidales (simples) que, solapados, forman todos los otros sonidos. Otros aparatos fueron utilizados, más allá del generador de señales: generadores de ruidos, el monocórdio, y el melocórdio - un instrumento con la capacidad de producir Klangemodelle (sonidos formados por el solapamiento de determinadas frecuencias).
Desarrollos de Stockhausen
El estudio fue ampliamente divulgado en la comunidad musical. Stockhausen fue uno de los compositores que estableció una larga conexión con el estudio. Allá, realizó muchas de sus obras, entre ellas los Studier I e II. Utilizó en esos estudios herramientas como el cálculo de frecuencias con base en relaciones harmónicas, el serialismo de intensidades y duraciones, el eco y la reverberação , la inversão sonora o a note mixtur. La técnica de la note mixtur se basa en el solapamiento de sonidos sinosoidais que no presentan relaciones harmónicas con un sonido fundamental. En la producción del efecto de reverberação, se utilizaban inicialmente cámaras de reverberação donde el sonido era emitido y regravado. Cayeron en desuso por el espacio que ocupaban y fueron sustituidas por métodos más simples. Para la modulação de los sonidos eran emplees filtros afinados para ciertos centros de frecuencias, que permitían favorecer o empobrecer el sonido en un correcto campo de harmónicos. Kontakte (1950-1960) es una de las obras más importantes de Stockhausen, que combina sonidos electrónicos con la ejecución, en tiempo real, de partes para piano y percusión .
En 1956, el músico compuso Gesang dé Jünglinge, el primer trabajo de grande porte del estudio de Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. La obra es citada como inaugural de la música eletroacústica.[7] Paralelamente, un desarrollo tecnológico importante fue la invención del sintetizador Clavivox por Raymond Scott y auxílio de Robert Moog.
Erase-record-replay
La tecnología erase-record-replay desarrollada inicialmente para la producción de eco, fue ahí explorada de otras formas, en la creación de loops , por ejemplo. Otra de las características importantes en la obra es la utilización de la espacialização, a través de la colocación altifalantes de forma conveniente en el espacio de ejecución. Otros compositores, tales como Brün, Hambräus, Heiss, Kagel, Koenig, Ligeti y Pousseur contribuyeron para la extensa producción del estudio de Colonia. Estos creadores de electronische musik, constituyeron la faz opuesta a la corriente francesa de la música concreta, complementándose en el desarrollo de la electroacústica hasta meados de la década de 1960.
Música computacional
Surge el concepto de la música computacional, generada o compuesta como el auxílio de un ordenador. ES también un ramo de estudio que examina tanto la teoría en cuanto a aplicación de tecnologías en el área de música. Mucho del trabajo en esa área está en la relación entre la teoría musical y la matemática . La primera composición de ordenador fue generada en la Australia por Geoff Hill en el ordenador CSIRAC[11]. Posteriormente, Lejaren Hiller usó un ordenador en la década de 1950 para producir trabajos que eran entonces ejecutados por músicos convencionales. Él es el compositor de la Suite Illiac (1956), la primera enteramente automática y programada.[12] El trabajo de Max Mathews en los Laboratorios Bell resultaron en el influyente programa de ordenador MUSIC I. Pierre Barbaud, que ya había propuesto en 1950 la introducción de la matemática en la composición musical, fundó el grupo de música algorítmica en 1958 junto con Roger Blanchard.[13]
Expansión mundial
A partir de la década de 1950, diversos grupos de investigación de ese nuevo ramo de música fomentado por franceses y alemanes estaban siendo abiertos por el mundo.[1][14] El laboratorio de música experimental de la Universidad de Colúmbia, Estados Unidos (1953), el estudio experimental de Herman Scherchen en la Suiza (1954), un estudio de música experimental en el Japón (1954), el Studio di Fonologia de la italiana RAI (1955), un estudio de música experimental en la Polonia (1957). La intensificación de las investigaciones resultó en nuevos instrumentos, como un sintetizador controlado por una cinta de papel perforado, comenzando a era de los sintetizadores.
Década de 1960 y 1970: sintetizadores personales y la música popular
Debido a la complejidad en componer con un sintetizador u ordenador, la mayoría de los compositores continuaba a explorar la música electrónica usando lo música concreta aún en la década de 1960. Pero como tal estilo no era mono, algunos compositores iniciaron investigaciones para mejorar la tecnología en ese sentido, llevando a tres equipos independientes buscando el desarrollo del primero sintetizador personal.
El primero de esos sintetizadores fue el Buchla, aparecido en 1963, producto del trabajo del compositor Morton Subotnick. Otro sintetizador fue el creado por Robert Moog,[15] siendo lo primero a usar un teclado al estilo de piano . En 1964 Moog invitó el compositor Herb Deutsch para visitar su estudio en Trumansburg. Moog ya había encontrado-si con Deutsch un año antes, oído su música, y decido seguir la sugerencia del compositor para la construcción de módulos para música electrónica. En la época de visita de Deutsch, Moog ya había creado prototipos de osciladores controlados, equipamiento que Deutsch usó por un tiempo, y posteriormente Moog creó un filtro controlado por voltagem. Moog entonces fue convidade para la Convención AES en Nueva York en el cual presentó el artículo "Electronic Music Modules" y vendió su primero sintetizador al coreógrafo Alwin Nikolais.
En 1964, Stockhausen compuso Mikrophonie I para tam-tam, micrófonos de mano, filtros y potenciômetros. El año siguiente fue compuesta Mikrophonie II para coro órgano Hammond y moduladores.
Adopción por la música popular
A pesar de la música electrónica haber comenzado en las ramificaciones de la composición clásica, después de algunos años ella fue adoptada por la cultura popular. Uno de los primer ejemplos es el tema para televisión del seriado Doctor Who, en 1963.
A finales de la década de 1960 Wendy Carlos popularizou la música de sintetizador con los dos notables álbumes, Switched-On Bach y The Well-Tempered Synthesizer, que reprodujeron piezas de J. S. Bach usando el Moog.[16] El equipamiento generaba solamente uno nota por vez, entonces para generar la composición Carlos tuvo que solapar las grabaciones en un amplio trabajo de estudio. Las primeras máquinas también eran bastante inestables, y perdían la afinação con facilidad. A pesar de eso, muchos músicos como Keith Emerson del Emerson Lake and Palmer comenzaron a usar los equipamientos, inclusive en turnê. El teremim, que es extremadamente difícil de ser ejecutado, fue también usado en la música popular. El teremim eléctrico fue usado en "Good Vibrations" del The Beach Boys, el mellotron fue usado en "Strawberry Fields Forever" del The Beatles y el pedal de volumen fue usado en "Yes It Is".
En cuanto la tecnología evolucionó y los sintetizadores se hicieron más baratos, fueron siendo adoptados por varias bandas de rock,[17] tales como The Silver Apples y Pink Floyd, usando los equipamientos como sustitutos al órgano.
Krautrock y jazz fusion
En la década de 1970 el estilo electrónico fue revolucionado por la banda alemana Kraftwerk, que usó la electrónica y robótica para simbolizar la alienação entonces actual del mundo en relación la tecnología . Otras bandas contemporáneas y contemporáneas que también incorporaron el sonido electrónico a la música popular y principalmente al rock incluyen Tangerine Dream, Can, Neu! y Popol Vuh. Tal movimiento acabó siendo pejorativamente llamado por la prensa inglesa de la época como krautrock (una referencia al apelido sauerkraut de los alemanes, que significa chucrute, un prato tradicional de aquel país), pero acabó siendo acepto por el tiempo debido a la gran influencia de tales bandas.
Algunos pianistas de jazz como Herbie Hancock, Chick Corea, Joe Zawinul (Weather Report) y Jan Hammer (Mahavishnu Orchestra) comenzaron a usar los sintetizadores en grabaciones de jazz fusion entre 1972 y 1974 . Las grabaciones I Sing the Body Electric de Weather Report y Crossings de Herbie Hancock usaron sintetizadores para efectos de sonido en contraste de solamente un sustituto al piano.
La composición para Forbidden Planet, por Louis and Bebe Barron, fue completamente compuesta usando el teremim[18] en 1956. En cuanto los sonidos electrónicos se hicieron más populares en las composiciones, otras películas de ficción científica como Blade Runner y Alien pasaron a depender en el efecto de ambiente formado por tales instrumentos.
Década de 1980 a 2000: la música electrónica para el grande público
A finales de la década de 1970 e inicio de la década de 1980 hube gran interés en la innovación en instrumentos de música electrónica, ampliamente por la sustitución de los sintetizadores analógicos por versiones digitales, además de los primeros samplers. En la época los samplers eran, tal cual los primeros sintetizadores, espaçosos y caros, pero a mediados de la década de 1980 fueron desarrollados para hacerse más disponibles a los músicos.
Similarmente a los samplers, la música electrónica fue ampliamente difundida a partir de la década de 1980 a través de la popularização de los ordenadores personales. A partir de entonces era posible emular las funcionalidades de instrumentos musicales o de sintetizadores a través de la creación, manipulación y presentación virtual de sonido. Se percibió que diferentes equipamientos no conseguían comunicarse entre sí debido a la diferencias en sus tecnologías. Para solucionar el problema fue creado el MIDI, un protocolo de comunicación destinado la comunicación, control y sincronización de informaciones de aúdio entre dispositivos como teclados, sintetizadores y procesadores de sonido.[19] Concebido en 1980, propuesto para padronização en 1981 e introducido de hecho en agosto de 1983 (versión 1.0), el MIDI se hizo uno de los patrones más notables de la industria de la informática y actualmente es acepto en la mayoría de los equipamientos de aúdio e instrumentos musicales electrónicos. El advento de esa tecnología permitió que un simple mando activara cualquier dispositivo del estudio remotamente y en sincronia, respondiendo en consonancia con las condiciones predeterminadas por el compositor.
Electro y música industrial
Los nuevos tipos de sonidos electrónicos contribuyeron para la formación de la música industrial, comenzada por grupos como Throbbing Gristle en 1975, Wavestar y Cabaret Voltaire. Artistas como Nine Inch Nails en 1989, KMFDM y Severed Heads usaron las innovaciones de la música concreta y aplicaron a la música baile y rock . Durante ese tiempo, artistas de dub como Tackhead grabaron composiciones con plantillas de la música industrial que pavimentaram el interés la bandas como Meat Beat Manifiesto y productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister. Destaque especial para el surgimento del synth pop (la música pop tocada con el predomínio de sintetizadores) en esa época, que reveló Mega bandas de reconocimiento mundial e influencia enorme dentro de la música electrónica como Alphaville, Depeche Mode, NewOrder , Information Society, La-Ha e inmediatamente después, Pet Shop Boys y Erasure .
Aún durante el comienzo de la década de 1980 se desarrolló en Detroit el electro, una forma de hip hop mezclada con el timbre de los sintetizadores analógicos (usando varias referencias de Kraftwerk ), basado ampliamente en las cajas de ritmos como el Roland TR-808. Aunque sea más asociado con el hip hop y usado en el breakdance de la época, el electro es considerado una forma de música electrónica. El estilo fue rescatado los años 2000 con el electroclash pero decaiu por la gran influencia de nuevos estilos de música electrónica tales como el house.
Música electrónica dançante
El estilo pasó entonces de una mera herramienta para los músicos diversificen y desarrollen nuevos sonidos y timbres musicales apoyándose en otros estilos musicales para ganar una escena propia. Con el éxito de la música disco, que alcanzó su auge entre 1977 y 1979 en parte debido a la película de 1977 "Saturday Night Fever", la década de 1980 y décadas siguientes en la música electrónica fueron marcadas por el surgimento de la música electrónica dançante, llevando al desarrollo de nuevas ramificaciones como el techno, el house y el trance. La música electrónica se hace a partir de entonces, además de un estilo musical, un estilo de vida marcado por las raves (eventos sociales de elevación de conciencia basados en música electrónica[20]) y por los DJs (músicos que utilizan instrumentos musicales electrónicos para ejecutar composiciones).
El desarrollo del techno en Detroit y house music en Chicago en la década de 1980, además del acid house en Reino Unido en el inicio de la década de 1990 aceleraron el desarrollo y la aceptación de la música electrónica en la industria de la música, introduciendo la música electrónica dançante a la casas nocturnas. La composición electrónica puede seriar ritmos más rápidos y precisos que los creados por la percusión tradicional, además de ofrecer la posibilidad de mezclas y adición de otros elementos como instrumentos musicales tradicionales y vocales . El estilo se desarrolló de tamaña manera a hacerse comercialmente accesible que aún artistas pop llegaron a componer usando el estilo, como en los álbumes Believe de la cantante Cher y Ray of Light de la cantante Madonna. Destaque para los álbumes Music sea the Masses de Depeche Mode y Power, Corruption and Lies de New Order , que se hicieron álbumes llaves en el desarrollo de la música electrónica en general.
- Raves
Un elemento importante para el desarrollo de la música electrónica dançante fue el desarrollo de las raves. Tales fiestas de música electrónica comenzaron como una reacción a la tendencias de la música popular, la cultura de casas nocturnas y lo radio comercial. Su objetivo primordial era la interacción entre personas y elevación de la conciencia (una fuga de la realidad) a través de diversas formas de arte. La música electrónica tuvo papel fundamental en tales fiestas en la medida en que proporciona a través de las batidas repetitivas y progresivas un efecto hipnótico en los participantes, potencializado por la utilización de entorpecentes. A partir del desarrollo del estilo electrónico en la década de 1980 fueron promovidos eventos en regiones rurales destinados la reunión de personas, baila y utilización de ecstasy . De forma análoga, el movimiento hippie de la década de 1960 predicaba la reunión de las personas y la utilización de drogas (especialmente el LSD) como forma de elevación de conciencia. Aún con la reacción negativa de la mídia en relación a tal cultura el estilo fue desarrollándose, resultando en un estilo de vida para los participantes. Otros géneros musicales presentes en raves incluyen el drum and bass y la música ambiente. A partir del final de la década de 1990 el término cayó en desuso por sus participantes en la Europa debido a la massificação y desvirtualização del uso.
- Acid y drum and bass
El acid house fue un estilo derivado de la house music llevado para Reino Unido a finales de la década de 1980 para hacerse parte integrante de la cultura local de raves . Fue ampliamente dependiente del sintetizador y sequenciador Roland TB-303, lo que hacía su sonido bastante característico. El acid fue una de las mayores influencias para la creación del drum and bass (originalmente conocido como jungle hasta alrededor de 1995 ), un estilo de música electrónica dançante caracterizado por la batida rápida y pesada ("sequía") de la batiría, con la presencia marcante del bajo. Uno de los mayores divulgadores del estilo fue el DJ británico Goldie.[21] Otro DJ relevante al drum and bass es el brasileño Marky, un icono de la música electrónica en el país. Siendo considerado un renovador del estilo a finales de la década de 1990, Marky también es reconocido en Reino Unido, tierra natal del jungle.
- Trance
Otra vertiente de la música electrónica dançante es el trance. A pesar de sus orígenes daten desde la década de 1970 con artistas como Klaus Schulze, fue a partir de artistas de acid house que acabó ganando una escena propia, con la escena techno de la Alemania en el inicio de la década de 1990; Frankfurt es generalmente referenciada como la cuna del estilo. En el mismo periodo se desarrollaba en Goa, India, otro movimiento de la escena electrónica basado en el EBM, el Goa trance, influenciado por la cultura de la India y por la música psicadélica de la década de 1960. El género fue migrado para la Europa en Londres, desarrollándose de forma la ramificar-se en el que actualmente se llama EuroTrance. A partir de la década de 1990, el desarrollo para un trance melódico y comercial posee como exponentes compositores como Paul Oakenfold, Paul van Dyk y Tiesto . Tales artistas fueron haciéndose cada vez más aceitos comercialmente, lo que originó el EuroTrance.
Sub-géneros
Crítica
- Validez del movimiento musical
Hay discordia entre la validez de la música electrónica. Algunos músicos consideran el arte de la música sólo aquella que pueda traer sentimientos de una forma no sistemática a través de instrumentos musicales manipulados físicamente. Para ellos, el proceso de manipulación de rangos de música anteriores (envolviendo elementos como muestras de sonido y mixagem) no constituye un proceso válido de creación de música, solamente de copia. Tales músicos generalmente concuerdan en cuanto a validez de artistas de música electrónica asociada a la música erudita, de artistas como Karlheinz Stockhausen y Wendy Carlos; a pesar de utilizar instrumentos electrónicos, su proceso de composición era manual en su mayoría. Sin embargo, para obras como Switched-OnBach , Wendy Carlos tuvo que solapar grabaciones de sintetizador por limitaciones técnicas del equipamiento, en un trabajo claro de manipulación de rango.
Otras corrientes afirman que justamente el hecho de alterar el estado de la mente a través de la estimulación no solamente de los oídos, pero también de las batidas del corazón y de la respiración, hacen la música electrónica una forma única de creación y apreciación de la música. Para ellos, el proceso de creación musical también envuelve la manipulación de sonido, y el producto final de la iteración entre elementos ya existentes no constituye una copia, pero sí una composición nueva, diferente.
De hecho, muchos estilos recientes de música electrónica dançante (como el EuroTrance) poseen como base la creación de un ambiente en el cual el ouvinte entre en estado de transe, usando como base la alteración del estado del cuerpo a través de las batidas secuenciales. Para eso son envueltos aspectos adicionales a la música, como presentaciones artísticas como pirofagia y circo .
- Significado de música electrónica
Por definición, música electrónica es toda músicacreada a través del uso de equipamientos e instrumentos electrónicos. Entretando, a partir de la grande popularização de la música electrónica dançante a partir de la década de 1980, esta pasó a ser considerada para ella y el público en general como siendo música electrónica.
Sin embargo actualmente, varios artista, encorporaram la musica eletronica en sus producciones, como ejemplos tenemos, Black Eyed Peas, Britney Spears, Beyonce entre otros.
Notas
- ↑ a b c Sadie 1994, p.634-5
- ↑ Russcol 1972, p. 67
- ↑ Weidenaar 1995.
- ↑ Massin 1997, p. 1165
- ↑ Russcol 1972, p. 70
- ↑ Luigi Russolo. The Art of Noises (en inglés). Página visitada en 31 de marzo de 2007 .
- ↑ a b c Massin 1997, p. 1166
- ↑ Massin 1997, p. 1168
- ↑ a b Massin 1997, p. 1167
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- ↑ CSSE (27 de abril de 2006 ). CSIRAC > Music > Introduction (en inglés). Universidad de Melbourne. Página visitada en 11 de octubre de 2007 .
- ↑ Massin 1997, p. 1179
- ↑ Massin 1997, p. 1180
- ↑ Massin 1997, pp. 1178-9
- ↑ Robert Moog and Moog Synthesisers (en inglés). Página visitada en 31 de marzo de 2007 .
- ↑ Wendy Carlos (en portugués). Página visitada en 31 de marzo de 2007 .
- ↑ Jerry Fielden (2000). The influence of Electronic Music in Rock Music, 1967-76; Keith Emerson, Jimi Hendrix, Pink Floyd and others (en inglés). Página visitada en 31 de marzo de 2007 .
- ↑ Forbidden Planet (en inglés). MovieDiva (2001). Página visitada en 31 de marzo de 2007 .
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- ↑ Tony Marcus. The War is Over (en inglés). Página visitada en 31 de marzo de 2007 .
Referencias generales
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