Música de los Estados Unidos de la América
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La música de los Estados Unidos refleja la población multi-étnica a través de una gama de estilos diversos. Rock and roll, blues, country, rhythm and blues, jazz, pop, techno, y hip hop están entre los géneros musicales del país más reconocidos internacionalmente. Los Estados Unidos poseen la mayor industria musical del mundo y su música es oída en todo el mundo. Desde el comienzo del siglo XX, algunas formas de música popular americana han ganado audiencia global.[1]
Los pueblos nativos fueron los primeros habitantes de los Estados Unidos y tocaron su primera música. Comenzando el siglo XVII, inmigrantes de Reino Unido]], Irlanda, España, Alemania y Francia comenzaron a llegar en gran número, trayendo consigo nuevos estilos e instrumentos. Esclavos africanos trajeron tradiciones musicales y cada lleva de inmigrantes contribuyó para la miscigenação.
Mucho de la moderna música popular tiene sus raíces conectadas a la música negra americana (con influencia del blues) y al crecimiento de la música gospel los años 1920 del siglo pasado. La base afro-americana de la música popular utilizó elementos venidos de la música europea e indígena. Los Estados Unidos tuvieron también influencia de las tradiciones musicales y de la producción musical en la Ucrania, Irlanda, Escocia, Polonia, América latina y en las comunidades judaicas, entre otras.
Muchas ciudades americanas tienen un escenario musical vibrante y, en cada una, estilos regionales florecen. Juntamente con grandes centros musicales como Seattle, Nueva York, Minneapolis, Chicago, Nashville, Austin y Los Angeles, muchas ciudades más pequeñas han producido destacados estilos musicales. El "Cajun" (en inglés, Cajun), la música de la Lousiana, la Música havaiana, el Bluegrass, la música antigua del Sudeste de los Estados Unidos son algunos ejemplos de su diversidad musical.
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Características
La música de los Estados Unidos puede ser caracterizada por el uso de sincopação assimétrica y ritmos, largos, melodías irregulares, que se dice que "reflectem la gran apertura de la geografía (el paisaje americano)" y del "sentimiento de libertad personal característica de vida americana.[2] Algunos aspectos distinguidos de la música americana, como el call-y-respuesta-tipo, son derivados de las técnicas e instrumentos africanos.
En toda la parte posterior de la historia americana, y en tiempos modernos, la relación entre la música americana y europea ha sido un tema discutido entre los estudiosos de la música americana. Algunos han instado para la adopción de más puramente técnicas y estilos europeos, que por veces son percibidos como más elegantes y refinados, mientras otros han empujado por un sentimiento de nacionalismo musical que celebra distintamente los estilos americanos. Música clásica moderna estudioso John Warthen Struble ha contrastado americanos y europeos, concluyendo que la música de los Estados Unidos es inherentemente distinguidas porque los Estados Unidos no tuvo siglos de evolución musical como una nación. En vez de eso, la música de los Estados Unidos es a de decenas o centenares de indígenas y grupos de inmigrantes, siendo que todas desarrolladas en gran medida regionales aislamiento hasta la Guerra Civil Americana, cuando personas de todo el país fueron reunidas en unidades del ejército, comercio estilos musicales y prácticas." Struble consideradas las baladas de la Guerra Civil "la primera música folclórica americana discernível con funcionalidades que pueden ser considerados inéditos para la América: la primera sonoridade [americana] musical, como regional estilo distinguido de cualquier derivado de otro país.[3]
La Guerra Civil, y el periodo siguiente, vuelcan un florescimento general del arte americano, literatura y música. Conjuntos amadores musicales de esta época pueden ser visto como el nacimiento de la música popular americana. El autor musical David Ewen describe estas primeras bandas amadoras como combinar "la profundidad y el drama de clásicos con undemanding técnica, evitando complexidade en favor de expresión directa. Si fuera música vocal, la expresión sería en Inglés, a pesar de la snobs que declararon Inglés unsingable un idioma. De cierta forma, era parte de todo el despertar de la América que aconteció tras la Guerra Civil, una vez que, pintores americanos, escritores y 'grave' compositores abordados temas específicamente americano.[4] Durante este periodo, las raíces del blues, gospel, jazz y sertanejo tomaron forma; el siglo XX, estos se hicieron el núcleo de la música popular americana, lo que más evolucionaron en el sentido de los estilos y ritmos como el blues, rock and roll y música hip hop.
Identidad social
La Música se relaciona con varios aspectos sociales y culturales de los Estados Unidos: la estructura social americana, aspectos étnicos y raciales, religiosos, lingüísticos, de género, así como aspectos sexuales. Sin embargo, la relación entre la música y la raza tal vez sea de más determinante. El desarrollo de la música negra en los Estados Unidos, independientemente de la África y de la Europa, ha sido un tema constante en el estudio de la historia de la música americana. Existen pocos registros de la era colonial, cuando estilos, canciones e instrumentos de la África occidental se mesclaram en el caldeirão de la esclavitud.
Por meados del siglo XIX, una tradición folclórica distintamente afro-americana era bien conocida y difundida, y técnicas musicales afro-americanas, instrumentos y las imágenes se hicieron una parte del mainstream americano a través de la música espiritual, shows de menestréis y músicas de esclavos.[5] El estilo musical afro-americano se hizo parte integrante de la música americana popular a través de blues, jazz, ritmo y blues, y entonces rock and roll, soul y música hip hop, todos estos estilos fueron consumidos por los americanos de todas las razas, pero fueron creados en el estilo afro-americano y expresiones idiomáticas antes de eventualmente hacerse común en el desempeño y consumo en toda la raza líneas. En contrapartida, música sertaneja provém de ambos Europeo y Africano, así como nativo americano y havaiano, tradiciones y aún hay muy ha sido entendida como una forma de música de blancas.[6]
La situación económica y social distingue la producción y el consumo de la música americana, con las clases más altas patrocinando la música clásica y la música rural y étnica generalmente conectada a los más pobres. Sin embargo, esa división no es absoluta, siendo más aparente del que real;[7] la música country, por ejemplo, es un género comercial destinado al "llamamiento a la identidad de la clase trabajadora, mientras sus ouvintes pueden o no ser trabajadores de hecho".[8]
La música country se relaciona también con la identidad geográfica, siendo rural en su origen y función; otros géneros, como R&B y el hip hop son tenidos cómo urbanos.[9]
Para la mayor parte de la historia americana, hacer música se hizo una "actividad efeminada".[10] El siglo XIX, piano y canto amador fueron considerados adecuados para las mujeres de clase media-alta, que fueron, sin embargo, muchas veces barradas de orquestas y sinfonias. Las mujeres también fueron una parte importante en el comienzo de la performance de la música popular, aunque grabadas tradiciones se hacen más rápidamente dominado por los hombres. La mayoría de los géneros de la música popualr dominados por hombres incluye artistas y músicos también, muchas veces en un nicho atractivo principalmente para mujeres, tales como gangsta rap y heavy metal.[11]
Diversidad
Los Estados Unidos es bien conocido por ser un "caldeirão" de músicas, con influencia de varias partes del mundo y creando nuevos estilos culturales distinguidos de los otros. Aunque los aspectos de la música americana tengan un origen específicas, el origen de culturas particulares de músicas es problemática, debido a la constante evolución de la música americana de trasplantar técnicas, instrumentos y géneros. Elementos de Músicas extranjeras llegaron a los Estados Unidos tanto por los canales formales de patrocínio de eventos educacionales y de evangelismo por individuos y grupos, cuanto por procesos formales, como en el incidente de trasplante de la música africana a través de la esclavitud, y de la música irlandesa, por la inmigración. Las músicas americanas más distinguidas son resultado de las mezclas culturales y de los contactos más próximos. La esclavitud, por ejemplo, mezcló personas de incontables tribus en las zonas habitacionales resultando en una tradición musical partilhada que fue enriquecida con elementos de músicas y técnicas indígenas, latinas y europeas. La ética, religión y razas diversificadas Americana produjeron varios géneros de Francés-Africano, como Louisiana Creoles; nativas, como las músicas europeas y mexicanas unidas, y otros estilos como las músicas havaianas.
El proceso de trasplante de música entre culturas no es redime de críticas. El renascimento del folk meados del siglo XX, por ejemplo, se apropió de músicas rurales de diversos pueblos, en parte para promover ciertas causas políticas, lo que ha causado algunos a cuestionar si el proceso provocó el "comercial comercialización de otros pueblos" canciones… y al inevitable diluição de la media en la apropriação musical. La cuestión de la apropriação cultural también ha sido una parte importante de las relaciones raciales en los Estados Unidos. El uso de técnicas musicales afro-americanas, imágenes y conceptos en música popular en gran medida por blancos y para los americanos ha sido difundida por lo menos desde meados del siglo XIX canciones de Stephen Foster y con el aumento de trovador shows. La industria fonográfica americana ha intentado activamente para popularizar executantes blancos de música afro-americana, porque ellos son más saborosos y de integrar la clase media americana. Este proceso ha producido tales varió estrellas como Benny Goodman, Eminem y Elvis Presley, así como estilos populares como Blue eyed soul y rockabilly.[12]
Música Folk
La música folk en los Estados Unidos es variável a través de los numerosos grupos étnicos. Las tribus americanas nativas tocan cada una su propia variación de música folk, la mayoría de ella espiritual en la naturaleza. La música afro-americana incluye el blues y el gospel, descendientes de la música del oeste de la África traída para la américa por esclavos y mezclada con la música del oeste europeo. Durante a era colonial, los estilos e instrumentos ingleses, franceses y españoles fueron traídos apra las américas. En el inicio del siglo XX, los Estados Unidos se hicieron un gran centro para la folk music de todo el mundo, incluyendo la polka, los ucrânianos y los polacos fiddling, Ashkenazi judías klezmer y varios tipos de música latina.
Los americanos nativos tocaron la primera folk music en el que es hoy los Estados Unidos, usando una ancha variedade de estilos y técnicas. Algunas semejanzas son próximas del universal entre la música americana nativa tradicional, sin embargo, especialmente la falta de armonía y polifonia, y el uso de vocales y figuras melódicas descendientes. Instrumentaciones tradicionales usan la flauta y muchos tipos de instrumento de percusión, como batiría, rattles y shakers.[13] Desde que el contacto entre europeos y africanos se estableció, la música folk americana nativa ha crecido en nuevas direcciones, viniendo a fundirse en estilos diferentes como bailas de folk europeo y música Tejano. La música moderna americana nativa puede ser mejor conocida por la junção con el powwow y pan-tribal en el cual bailas de estilo tradicional y músicas son performadas.[14]
Las trece colonias de los Estados Unidos original formaban possessões inglesas, y la culutura anglo se hizo una gran fundación para la música folk y popular americana. Muchas músicas folk americanas son idénticas a la músicas británicas en arreglo, pero con nuevas letras, a veces como parodia de la música original. Músicas anglo-americanas son también caracterizadas como poseyendo menos tono pentatônico, menos acompanhamento proeminente (pero con uso más pesado de drones) y más melodías en escala mayor.[15] La música anglo-americana tradicional también incluye una variedade de broadside ballads, estórias humoradas y tall tales, y músicas de desastres ocurriendo en la mineração, batida de navíos y asesinatos. Héroes legendários como Joe Magarac, John Henry y Jesse James son parte de muchas músicas. Bailas folk de origen británico incluyen la square baile, descendidente de la quadrilha, quedada con la innovación americana de un caller instruyendo los dançarinos.[16] La sociedad religiosa comunitaria conocida como los Shakers emigraron de la Inglaterra durante el siglo XVIII y desarrollaron su propio estilo de baila folk. Sus músicas más antiguas pueden ser datadaas de vuelta a los modelos de músicas folk británica. Otras sociedades religiosas establecieron su propia cultura musical en el inicio de la historia americana, como la música de Amish, la sociedad harmônica, y de la Ephrata Cloister en la Pennsylvania.[17]
Los ancestrais de la población afro-americana fueron traídos a los Estados Unidos como esclavos, trabajando primariamente en las plantaciones del sur. Ellos fueron de centenares de tribus a través del oeste de la África, y trajeron ciertos traços de la música del oeste africano incluyendo vocales llamada y respuesta y música rítmica compleja,[18] como también a batidas síncope y acentos variabais.[19] La música de la África foca en canto y baila rítmicos traídos para el Nuevo Mundo, y adónde se hizo parte de una cultura folk distinguida que ayudó los africanos la "retener la continuidad con su pasado a través de la música". Los primeros esclavos en los Estados Unidos cantaban músicas de trabajo, gritos de campo[20] y, siguiendo la cristianização, himnos. El siglo XIX, un grande avivamento de fervor religioso contagiou las personas a través del país, especialmente en el sur. Himnos protestantes escritos en la mayor parte por pregadores de la Nueva Inglaterra se hizo parte de los encuentros campestres mantenidos entre cristianos devotos a través del sur. Cuando negros comenzaron a cantar versiones adaptadas de estos himnos, fueron llamados de espirituales negros. Fue de esta raíz, de músicas espirituales, músicas de trabajo y cantos de campo, que el blues, jazz y el gospel se desarrollaron.
Blues y música espiritual
Las músicas espirituales eran, primariamente, expresiones de fe religiosa, cantadas por esclavas en las plantaciones del Sur.[21] A mediados del siglo XVI la música espiritual se expandiu en el sur de los Estados Unidos de la América. En 1871 Universidad Fisk se hizo la casa de Jubilee Singers, un grupo pionero que hizo la música espiritual popular en todo el país. En imitación a este grupo, surgieron quartetos evangélicos, seguida por el aumento de la diversificação con el rápido levantamiento del siglo XX de jackleg y pregadores cantantes, de donde vino la popularidad de la música evangélica
El Blues es una combinación de músicas africanas trabajadas, canciones y gritos del campo.[22] Esto se desarrolló en el sur rural en la primera década del siglo XX. Las más importantes características del blues es el uso de la escala azul, con un bemol o tercero indeterminado, como también lo lamento del canto lírico; aunque ambos elementos hayan existido en la música folclórica afro-americana principalmente el siglo XX, la forma codificada del blues moderno (como la estructura AAB) no existió hasta el inicio del siglo XX.[23]
Otras comunidades inmigrantes
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Los Estados Unidos es un caldeirão consistiendo de numerosos grupos étnicos. Muchas de estas personas han mantenido viva sus tradiciones folclóricas de sus tierras natal, muchas veces produciendo distintivamente estilos americanos de música extranjera. Algunas nacionalidades han producido escenarios locales en regiones del país adónde ellos tiene se aglomerado, como la música cabo-verdiana en la Nueva Inglaterra,[24] música armeniana en California]],[25] la italiana y la música ucraniana en Nueva Iork.[26]
Los Crioulos son una comunidad con una variedade de ancestrais no-anglo, la mayoría descendiente de personas que vivieron en Louisiana antes de ser comprada por los EUA. Los Cajuns son un grupo de Francófones que llegaron en Louisiana tras dejar Acadia en el Canadá.[27] La ciudad de New Orleans (Louisiana), siendo una puerto mayor, tuteó como una caldeirão para personas de todo la bacia caribeana. El resultado es un set diverso y sincrético de estilos de Cajun y Música crioula.
España y subsiguientemente México controlaron mucho del que es ahora el oeste de los Estados Unidos hasta la Guerra México-Americana, incluyendo el estado entero de Tejas. Después que Tejas se juntó a los Estados Unidos, los nativos Tejanos viviendo en el estado comenzaron culturalmente a desarrollar separadamente de sus vecinos al sur, y permanecieron culturalmente distinguidos de otros texanos. El principal para la evolución de la música tejano fue la mezcla de formas tradicionales mexicanas como el mariachi y el corrido, y estilos continentales europeos introducidos por colonizadores alemanas y checos a finales del siglo XIX.[28] En particular, el acordeon fue adoptado por los músicos del folclore Tejano en la volcada del siglo XX, haciéndose un instrumento popular para músicos amadores en Tejas y Norte de México.
Música clásica
La música clásica europea fue para los Estados Unidos junto con los primeros colonos. Las músicas clásicas de la Europa surgieron con las tradicionales músicas artísticas, eclesiásticas y de conciertos musicales. Las normas céntricas en esa tradición se desarrollaron alrededor de 1550 y 1825, si centralizando en el que era conocido como el periodo de entrenamiento común. Muchos compositores clásicos Americanas se cuidaron de trabajar en buena parte de los modelos Europeos hasta el siglo XIX. Cuando Antonín Dvořák, un compositor checo proeminente, visitó los Estados Unidos de 1892 hasta 1895, interagiu con la idea que la música americana clásica precisa de modelos originales, sin imitaciones de los compositores europeos; Él ayudó a inspirar compositores americanos a crear estilos distinguidos de músicas americanas. Con el comienzo del siglo XX, muchos compositores americanos colocaron elementos en sus trabajos, colocando músicas del tipo Jazz y Blues para la música nativa americana.
Música clásica antigua
Durante a era colonial, dos campos diferentes fueron considerados músicas clásicas. Una era de compositores amadores que comenzaban con simples estilos que eran sofisticados con el tiempo. La otra tradición colonial fue de ciudades medio-atlânticas como Filadélfia y Baltimore, que produjeron un gran número de compositores promissores que trabajaron bien con el modelo europeo. Esos cantantes son de mayor origen inglés que trabajaban específicamente en un estilo de compositores promissores ingleses durante los días.
La música europea clásica fue para los Estados Unidos durante a era colonial. Muchos de esos compositores americanos de ese periodo trabajaron exclusivamente con modelos de la Europa, entre otros, como William Billings, Supply Belcher y Justin Morgan, conocida también como Primera Nueva Escuela Inglesa, desarrollando un estilo diferente de los modelos europeos. De entre los compositores, Billings fue el más bien acordado; Él influenció muy como el fundador de la iglesia de coro, a usar una flauta y el primero a introducir violoncelo en los servicios de la iglesia. Mucho de esos cantantes amadores hube desarrollado nuevas formas de músicas usadas por amadores, y usando frecuentemente métodos harmônicos que fueron considerados bizarros por la música padrão contemporánea en la Europa. Esos estilos de los compositores fueron intocados por la influencia de los estilos Europeos contemporáneos, usando escalas modales o pentatônicas o melodías y evitando las reglas europeas de la armonía.
En pleno siglo XIX, la América produjo varios compositores como Anthony Philip Heinrich, quienes compuso idiossincráticas y músicas intencionalmente músicas de estilo "Americano" y fue el primer compositor a escribir una orquesta sinfônica. Muchos compositores, siendo más famosos William Henry Fry y George Frederick Bristow soportaron la idea de un estilo clásico Americano, aunque sus obras fueran de mucha orientación europea. Fue John Knowles Paine, sin embargo, que se hizo el primer compositor americano a ser acepto en la Europa.
Louis Moreau Gottschalk es uno de los compositores más bien acordado del siglo XIX, dicho por el historiador músico Richard Crawford. La música de Gottschalk reflejó una mezcla cultural de su ciudad natal, Nueva Orleans, que fue el hogar de una variedade de músicas Latinas, del Caribe, Afro-Americanas y Criolas. Él era bien reconocido como un pianista talentoso en su vida, y también era conocido como un compositor que fuera muy admirado, aún con poca performance.
Siglo XX
La escena clásica musical de Nueva York incluyó Charles Griffes, original de Elmira que comenzó a publicar sus materiales más innovadores en 1914. Sus primeras colaboraciones fueron las tentativas de uso de temas musicales no-occidentales. A compositor mejor conocido de Nueva York fue George Gershwin. Gershwin fue un compositor con Tin Pan Alley y los teatros Broadway. Sus obras fueron fuertemente influenciados por el jazz, o mejor, los precursores de jazz que eran vigentes durante su tiempo. Gershwin's work made American classical music viva focused, and attracted an unheard of amount of international attention. Gershwin hizo el trabajo de la americana de música clásica más focalizada, y atrajo un inédito de la cantidad de atención internacional. Tras Gershwin, el primero gran compositor fue Aaron Copland de Brooklyn, que utilizó elementos de la música folclórica americana, pero que sin embargo, continuaba la técnica y los europeos en forma. Más tarde, él se volcó para el balé y, enseguida, música serial. Charles Ives fue uno de los primeros compositores clásicos americanos de gran importancia internacional, produciendo una música en el estilo americano singularmente, sin embargo su música era desconocida aún después de su muerte, en 1954.
Tiempos después compositores del siglo XX, como John Cage, John Corigliano y Steve Reich, utilizaron técnicas modernistas y minimalistas. Reich descubrió la técnica conocida como reducción progresiva, en la cual se comenzaban dos actividades musicales simultáneamente y eran repetidas, gradualmente fuera de sincronia, con un sentimiento de desarrollo natural de la música. Reich era también muy interesado en música no-occidentales, incorporando músicas de ritmo africano en sus composiciones. Los compositores e intérpretes recientes eran fuertemente influenciados por las obras minimalistas de Philip Glass, un nativo de Baltimore basado fuera de Nueva York, y Meredith Monk, entre otros.
Música popular
Los Estados Unidos ha producido varios músicos populares y compositores en el mundo contemporáneo. Comenzando con el surgimento de la música grabada, músicos estadunidenses han continuado a liderar el campo de la música popular, cuyas "todas contribucioneshechas por americanos a la cultura mundial… fueron recibidas de corazón por el mundo entero".[29] La mayoría de las historias de la música popular comenzaron con el ragtime americano o Tin Pan Alley; otros, pero, tracejam la música popular de vuelta a la Renascença Europea y a través de formatos Standard, baladas y otras tradiciones populares.[30] Otros autores típicamente miran en esboços de música popular, tracejando la música popular estadunidense a la spritiuals, shows de menestréis y vaudeville, o las músicas patrióticas de la Guerra Civil.
Canciones populares antiguas
Las músicas patrióticas de la revolución americana constituyeron el primer tipo de música popular enmedio principal. Esto incluyó "The Liberty Tree", por Thomas Paine. Designadas de forma barata como periódicos, las músicas patrióticas antiguas se esparcieron a través de las colonias y fueron cantadas en las casas y en reuniones públicas.[31] Músicas con Pífaro fueron especialmente celebradas y tocadas en los campos de batalla durante la revolución americana. De más duradera de estas músicas con pífaro es "Yankee Doodle", menos mal conocida hoy. La melodía data de vuelta a 1755 y fue cantada por ambas tropas americanas y británicas.[32] Canciones patrióticas fueron en su mayoría basadas en melodías inglesas, con nuevas letras adicionadas para denunciar el colonialismo británico; otros, sin embargo, usaron melodías de la Irlanda, Escocia u otros lugares, o no utilizaron una melodía familiar. La música "Hail Columbia" fue un trabajo mayor[33] esto permaneció un himno no oficial hasta la adopción de "The Star-Spangled Banner". Mucho de esta antigua música americana continúa viva en la Arpa cristiana.
Durante la Guerra Civil, cuando soldados a través del país se unieron, los ramos multifaces de la música americana comenzaron a fortalecerse uno al otro, un proceso que fue ayudado por la creciente industria de carretera de hierro y otros desarrollos tecnológicos que hicieron más fácil el viaje y la comunicación. Unidades del ejército incluían individuos de todas las partes del país, y ellos rápidamente intercambiaban canciones, instrumentos y técnicas. La guerra fue un ímpeto para la creación de músicas americanas distinguidas que se hicieron y permanecieron ampliamente populares.[3] Las más importantes músicas populares de la era de la Guerra Civil incluían "Dixie", escritura por Daniel Decatur Emmett. La música, originalmente titulada "Dixie's Land", fue hecha a finales de un show de menestrel; esto se esparció para Nueva Orleans primero, adónde fue publicada y se hizo "una de los mayores éxitos musicales del periodo pre-Guerra Civil".[34] En adição la músicas populares patrióticas, a era de la Guerra Civil también produjo un gran cuerpo de pedazos de brass band.[35]
Siguiendo la Guerra Civil, minstrel demuestra hacerse la primera forma expresión de música americana distinguida. El show de minstrel fue una forma indígena de entretenimiento americano consistiendo en deslices cómicos, actos variados, baila y música, generalmente tocada por personas blancas en blackface. Los shows Minstrel usaron elementos afro-americanos en performances musicales, pero solamente en formas amplificadas; estórias en los shows describieron los negros como naturalmente nacidos esclavos y bobos, antes eventualmente haciéndose asociados con el abolicionismo.[36] El show minstrel fue inventado por Dan Emmett y el Virginia Minstrels.[37] Los shows Minstrel produjeron los primeros memoráveis compositores populares en la historia de la música americana: Thomas D. Rice, Dan Emmett, y, el más famoso, Stephen Foster. Tras la popularidad de los shows minstrel caer, coon songs, un fenómeno similar, se hizo popular.
El compositor John Philip Sousa es estrictamente asociado con el más popular cambio en la música popular americana sólo antes del cambio del siglo. De entrada el maestro de la Banda de la Marina de los Estados Unidos, Sousa escribió marcas militares como "Stars and Stripes Forever" que reflejaron su "nostalgia pelo [suyo] hogar y país", dando la melodía un "impulso de carácter viril".[38]
En el inicio del siglo XX, el teatro musical americano fue uno fuente mayor para músicas populares, muchas de las cuales influenciaron el blues, jazz, country, y otros estilos existentes de música popular. El centro de desarrollo para este estilo fue en Nueva York, adónde el teatro de la Broadway se hizo entre los más renomados locales de eventos en la ciudad. Compositores teatrales y líricos como los hermanos George y Ira Gershwin crearon un estilo único de teatro americano que usó el discurso y la música vernacular. Músicos retratavam músicas populares y rápidamente ritmaram enredos que muchas veces hablaban sobre amor y romance.[39]
Blues y gospel
El blues es un género de música afro-americana que es base para muchas de las modernas músicas populares americanas. El blues puede ser visto como parte de un seguimento de estilos musicales como country, jazz, ragtime, y gospel; aunque cada género posea diferentes formas, sus orígenes fueron muchos veces distinguidas. Formas más antiguas del blues se desarrollaron entorno del Delta en el Mississipi a finales del siglo XIX e inicio del siglo XX. La música más antigua que se parecía con el blues fue primariamente la música vocal de la llamada-y-respuesta, sin armonía o acompanhamentos y sin cualquier estructura formal musical. Esclavos y sus descendientes crearon el blues adaptando los gritos del campo, haciéndolas ardientes músicas suelo.[40] Cuando mezclado con la espiritual cristiana, canciones de iglesias afro-americanas y encuentros de reavivamento, el blues se hizo la base de la música gospel. El gospel moderno comenzó en las iglesias afro-americanas los años 1920s, en la forma de adoradores proclamando su fe en el improviso, muchas veces en la forma musical (testificando). Compositores como Thomas A. Dorsey compusieron canciones gospel que usaban elementos del blues y jazz en himnos tradicionales y canciones espirituales.[41]
El Ragtime fue un estilo de música basado en el piano, usando ritmos síncopes y cromatismo.[23] Fue primariamente una forma de música baile utilizando el walking bass, y es generalmente compuesto en la forma-sonata. Ragtime es una forma refinada y desarrollada de la baila afro-americana cakewalk, mixada con estilos que comprenden de las marchas europeas[42] y canciones populares como los jigs y otras bailas tocadas por muchas bandas afro-americanas en ciudades del norte durante el final del siglo XIX. El más famoso músico y compositor de ragtime fue Scott Joplin, conocido por sus trabajos como "Maple Leaf Rag".[43]
[[Fichero:Bessiesmith.jpg|thumb|left|150px|Cantante de blues [[Bessie Smith[[" El blues se hizo parte de la música popular americana los años 1920s, cuando las cantantes de blues clásico femenino como Bessie Smith quedaron populares. A la vez, gravadoras lanzaron el campo de la música instantânea, que tenía como blanco en la mayoría el blues en las audiencias afro-americanas. El más famoso de estos actos inspiró mucho del posterior desarrollo popular del blues y géneros derivados, incluyendo el legendário artista de blues delta Robert Johnson y el artista de blues piedmont Blind Willie McTell. Por el final de los años 1940s, sin embargo, el blues puro fue solamente una más pequeña parte de la música popular, habiendo sido relevado por estilos como rhythm & blues y el nascente estilo rock and roll. Algunos estilos de blues con pianos eléctricos, como el boogie-woogie, retuvo una ancha audiencia. Un estilo de gospel con blues también se hizo popular en el escenario principal de la América los años 1950s, liderado por el cantante Mahalia Jackson.[44] El género del blues experimentó los mayores reavivamentos los años de 1950 con los artistas de Chicago blues]] como Muddy Waters y Little Walter y también los años 1960s en la iminência de la invasión británica y reavivamento de la música folk americana cuando hombres del blues country como Mississipi John Hurt y el Reverendo Gary Davis fueron redescobertos. Los artistas de blues originários de este periodo tuvieron tremenda influencia en músicos del rock como Chuck Berry los años de 1950, y también en las escenas del blues británico y blues-rock de los años 1960 y 70s, incluyendo entre otros Eric Clapton en la Inglaterra y Johnny Winter en Tejas.
Jazz
El Jazz es un tipo de música caracterizada por las notas swung y blue, vocales que llamada y respuesta, poliritmos y improvisação. Aunque originalmente un tipo de música dançante, el jazz ha sido una parte mayor de música popular, y tiene también se hecho un elemento mayor de la música clásica del oeste. El jazz tiene raíces en la expresión cultural y musical del oeste africano, y en tradiciones musicales afro-americanas incluyendo el blues y ragtime, como también la música de banda militar europea.[45] El jazz en el inicio fue próximamente relacionado al ragtime, con el cual puede ser distinguido por el uso de improvisação rítmica más intrincada. Las más antiguas bandas de jazz adoptaron mucho del vocabulário del blues, incluyendo notas bent y blue, además de "growls" y smears instrumentais de otra forma no usados en instrumentos europeos. Las raíces del jazz vinieron de la ciudad de Nueva Orleans, populada por Cajuns y crioulos negros, que combinaron la cultura franco-canadiense de los Cajuns con su propio estilo de música el siglo XIX. Grandes bandas de crioulos que tocaron en funerales y paradas se hicieron una gran base del jazz antiguo, el cual esparció de Nueva Orleans para Chicago y otros centros urbanos del norte.
Aunque el jazz haya alcanzado una popularidad limitada, fue Louis Armstrong que se hizo una de las primeras estrellas populares y una gran fuerza en el desarrollo del jazz, junto con su amigo pianista Earl Hines. Armstrong, Hines y sus compañeros fueron improvisadores, capaces de crear numerosas variaciones en una única melodía. Armstrong también popularizou el scat, una técnica vocal de improvisação en la cual las vogáveis son cantadas. Armstrong e Hines fueron influyentes en el surgimento de un tipo de jazz big band pop llamado swing. El swing es caracterizado por una sección de ritmo fuerte, usualmente consistiendo de un Contrabaixo y tambores, tiempo medio a rápido, y aparatos de ritmo como la nota swung, la cual es común en la mayoría del jazz. El swing es primariamente una fusión del jazz de 1930 con elementos del blues y Tin Pan Alley.[43] El swing usó bandas mayores que otros tipos de jazz, llevando la líderes de banda a hacer arreglos que desencorajavam la improvisação, previamente una parte integral del jazz. El swing se hizo una parte mayor de la baila afro-americana, y vino a ser acompañado por una baila popular llamada de swing.
El jazz influenció muchos artistas de todos los principales estilos de las posteriores músicas populares, aunque el propio jazz nunca más haya sido una parte mayor de la música popular americana como durante a era swing. La escena del jazz americano del final del siglo XX, sin embargo, produjo algunas estrellas populares, como Miles Davis. En la mitad del siglo XX, el jazz se dividió en varios subgêneros, comenzando con el bebop. El bebop es una forma de jazz caracterizado por tiempos rápidos, improvisação basada en estructura harmônica en vez de melodía, y el uso del trítono. El bebop fue desarrollado en el inicio y mitad de los años 1940, después desarrollándose en estilos como el bop hard y free jazz. Innovadores en el estilo incluyen Charlie Parker y Dizzy Gillespie, que surgieron de pequeños clubes de jazz en Nueva York.[46]
Música Country
La música country es primariamente una fusión del blues afro-americano y del espiritual con la música folk apalachiana, adaptada para las audiencias pop y popularizada en el comienzo de los años 1920. El origen del country es en la música folk rural del sur, la cual fue primariamente irlandesa y británica, con músicas africanas y europeas continentales.[47] Las melodías anglo-celticas, la música baile, y las baladas fueron los más antiguos predecesores del país moderno, conocida como música caipira. Los antiguos caipiras también cogieron prestado elementos del blues y atrajeron más características de las músicas pop del siglo XIX como la música caipira se desenrolou en un género comercial eventualmente conocido como country y western y entonces simplemente country.[48] Los instrumentos más antiguos del country giran entorno del derivado europeo del violino y el derivado de la África banjo, con el violão adicionado después.[49] Instrumentos de corda con el ukulele y el violão steel se hizo normal debido a la popularidad de los grupos de música havaiana en el inicio del siglo XX.[50]
Las raíces de la música country comercial son generalmente trazadas de 1927, cuando el cazador de talento musical Ralph Peer grabó Jimmie Rodgers y La Familia Carter.[51] El éxito popular fue muy limitado, aunque una pequeña demanda esporeasse alguna grabación comercial. Tras la Segunda Guerra Mundial, hube un creciente interés en estilos especializados como la música country, produciendo algunas pocas estrellas pop.[52] El músico country más influyente de la era fue Hank Williams, un cantante de country mezclado con blues en Alabama.[44] Él continúa reconocido como uno de los mayores compositores y músicos, visto como un "poeta del folk" con un "honky-tonk swagger" y "simpatía de la clase trabajadora".[53] A través de la década la rusticidade del honky tonk gradualmente eroded así como el sonido Nashville creció más orientado para el pop. Los productores como Chet Atkins crearon el sonido Nashville quitando los elementos del hillbilly de la instrumentación y usando instrumentos más suaves y técnicas de producción avanzadas. Eventualmente, la mayoría de las grabaciones de Nashville fue en este estilo, el cual comenzó a incorporar cordas y vocales de coro.[54]
Por la parte del inicio de los años 1960, sin embargo, el sonido Nashville tenía se hecho comprendida como muy diluída por muy más músicos tradicionalistas y fans, resultando en un número de escenas locales como el sonido Lubbock y el sonido Bakersfield. Algunos músicos retuvieron la popularidad, sin embargo, como el duradero ícone cultural Johnny Cash.[55] El sonido Bakersfield comenzó en la mitad hasta el final de los años 1950 cuando músicos como Wynn Stewart y Buck Owens comenzaron a usar elementos del swing western y del rock, como el breakbeat, en su música.[56] Los años 1960, músicos como Merle Haggard popularizaram el sonido. En el inicio de los años 1970, Haggard también fue parte del country outlaw, junto con cantantes y compositores como Willie Nelson y Waylon Jennings.[46] Lo country outlaw fue orientado por el rock y su letra focava en las experiencias criminales de los músicos, en contraste con el country leve de los cantantes del sonido Nashville.[57] En la mitad de los años 1980, las paradas de la música country fueron dominadas por cantantes pop, al tiempo que un reavivamento nascente del estilo honky tonk con lo elevación de músicos como Dwight Yoakam. Los años 1980 también vuelcan el desarrollo de músicos de country alternativo como Uncle Tupelo, que se oponía al estilo inclinado al pop de la escena principal del país. En el inicio del año 2000, el country orientado al pop continuó entre los músicos que más vendían en los Estados Unidos, especialmente Garth Brooks.[58]
R&B y soul
R&B es una abreviatura de rhythm and blues. ES un estilo que surgió entre los años 1930 y 40. La R&B antigua consistía de anchas unidades de ritmo "si confrontando atrás de cantantes de blues que tenían que gritar para ser oídos sobre el sonido y batida de varios instrumentos eléctricos y las secciones de ritmo".[59] La R&B no fue extensivamente grabado y promovido porque las gravadoras sentían que él no era apropiado para la mayoría de las audiencias, especialmente los blancos de clase media, a causa de las letras sugestivas y ritmos.[60] Los líderes de banda como Louis Jordan innovaron el sonido de la antigua R&B, usando una banda con uno pequeña sección de campana y proeminente instrumentación rítmica. Por el final de los años 1940s, ellos tuvieron varios hits, y ayudaron la pavimentar el camino para contemporários como Wynonie Harris y John Lee Hooker. Muchas de las más populares músicas de R&B no fueron performadas en el estilo alegre de Jordan y sus contemporáneos; aunque ellos hayan sido tocados por músicos blancos como Pat Boone en un estilo más palatável del escenario principal, lo que se transformó en pop hits.[61] A finales de los años 1950s, sin embargo, hube una onda de estilos populares como el blues-rock negro y de músicos de R&B influenciados por el country como Chuck Berry ganando fama sin precedentes entre los ouvintes blancos.[62]
La música soul es una combinación de ritmo y blues y gospel, la cual comenzó a finales de los años 1950s en los Estados Unidos. ES caracterizada por el uso de instrumentos utilizados en el gospel, con una grande ênfase en vocalistas y el uso de temas seculares. Las grabaciones de los años 1950s de Ray Charles, Sam Cooke, y James Brown fueron comumente consideradas el inicio del soul. La Motown Record Corporation de Detroit se hizo altamente bien sucedida durante el inicio y mitad de los años 1960s a través del lanzamiento de grabaciones de soul con influencias pop pesadas para hacerlas palatáveis para la audiencia blanca, permitiendo que artistas negros fueran más fácilmente aceitos por la audiencia blanca.[63]
El soul puro fue popularizado por Otis Redding y otros artistas de la Stax Records en Memphis, Tennessee. A finales de los años 1960s, la artista de la Atlantic Aretha Franklin había emergido como de más popular artista soul femenina en el country.[64] También por este tiempo, el soul tenía se esparcido en varios géneros,[65] influenciados por rock psicodélico y otros estilos. La levadura social y político de los años 1960s inspiraron artistas como Marvin Gaye y Curtis Mayfield a lanzar álbumes con severas críticas sociales, mientras otra variedade se hizo más inclinada a la música dançante, evolucionando para el funk. Durante los años 1970s algunas bandas altamente bien sucedidas y comerciales como The El'Jays y Hall & Oates alcanzaron el éxito en el escenario principal con estilos como Philly soul y blue-eyed soul. Por el final de los años 1970s, el soul, funk, rock y la mayoría de los géneros fueron dominados por franjas influenciadas pela disco, un tipo de música baile popular. Con la introducción de influencias de la música eletro y el funk a finales de los años 1970s e inicio de los 1980s, la música soul se hizo menos natural y si más producida, resultando en un género de música que fue más una vez llamado R&B, usualmente distinguido de ritmos antiguos y del blues por la identidad como R&B contemporánea.
La primeras estrellas de la R&B contemporánea surgieron los años 1980s, con el cantante influenciado por el funk Prince, la estrella del pop baile Michael Jackson, y uno onda de vocalistas femeninas como Tina Turner y Whitney Houston.[58] Lo Hip hop vino a influenciar la R&B contemporánea a finales de los años 1980s, primero en un estilo llamado new jack swing y entonces en una serie relacionada de subgêneros llamados hip hop soul y neo soul. El new jack swing fue un tipo de música vocal, a veces presentando versos con rap y caja de ritmos.[44] Lo hip hop soul y neo soul se desarrollaron después, los años 1990s, la forma anterior era una mezcla de R&B con batidas hip hop y las imágenes y temas del gangsta rap, mientras los posteriores fueron más experimentáis, edgier y generalmente una más pequeña combinación con el estilo de vocal del soul con batidas hip hop del escenario principal de los años 1960s y 70s con versos ocasionáis de rap. Los años 2000s la R&B contemporánea produjo muchos de los mayores pop stars, incluyendo Mariah Carey,Destiny's Child, Usher, Jennifer Lopez y Beyoncé considerada la Reina de la R&B.
Rock, metal y punk
El rock and roll es un tipo de música popular, desarrollada fuera del country, blues y R&B. Los EUA también son conocidos por haber diversas bandas de Rock como The Doors, Bon Jovi, Nirvana, Kiss, Red Hot Chili Peppers, Metallica, Guns n' Roses, Ramones, Aerosmith, Beach Boys, Dream Theater, R.Y.M., Van Halen, The Eagles y muchas otras. Los orígenes del rock'n roll y antiguas influencias ha sido debatidas arduamente, y son objeto de mucho estudio. Aunque directamente conectado a la tradición del blues, el rock tomó elementos de la técnica de la música afro-caribenha y de la música latina.[66] El rock fue un estilo urbano, formado en las áreas adónde poblaciones diversas resultaron en las mezclas de los géneros afro-americanos, latinos y europeos pasando por el blues y el country hasta la polka y el zydeco.[67] El rock'n roll entró primero para la música popular a través del estilo llamado rockabilly, el cual fundió el sonido nascente con elementos del country. El rock'n roll tocado por negros tuvo previamente éxito limitado en el escenario principal de la música, pero fue el músico blanco Elvis Presley que primero apeló para la audiencia del medio principal con un estilo black música, haciéndose uno de los músicos que más vendió discos en la historia, y traje el rock'n roll para audiencias a través del mundo.[68]
Los años 1960s vuelcan muchos cambios importantes en la música popular, especialmente el rock. Muchas de estos cambios tomaron lugar a través de la invasión británica donde bandas como los The Beatles, The Who, The Rolling Stones, y después Led Zeppelin se hicieron inmensamente populares y tuvieron un efecto profundo en la cultura y música americana. Estos cambios incluyeron el movimiento de músicas profesionalmente compuestas para el cantante-compositor, y la comprensión de la música popular como arte, en vez de una forma de comercio o puro entretenimiento.[69] Estos cambios llevaron al surgimento de movimientos musicales conectados a fines políticos, como los Derechos Civiles y la oposición a la guerra del Vietnan. El rock fue un precursor para este cambio. En el inicio de los años 1960s, el rock se dividió en varios subgêneros, comenzando con el surf music. El surf fue un género con el uso de violão caracterizado por un sonido distorcido, asociado con la cultura nueva del surf del Sur de California.[70] Inspirado por el foco en la letra del surf, los The Beach Boys comenzaron a grabar en 1961 con un sonido elaborado, harmônico y pop.[71] En cuanto su fama aumentó, el compositor de los 'The Beach Boys' Brian Wilson experimentó con nuevas técnicas de estudio y se asoció con la contracultura. La contracultura fue un movimiento que abrazó el activismo político, y fue conectado a la subcultura hippie. Los hippies fueron asociados con el folk rock, el country rock, y el rock psicodélico. El folk y el country rock fueron asociados con el crecimiento de la música folk policizada, liderado por Pete Seeger y otros, especialmente en la escena musical de Vila Greenwich]] en Nueva York. El folk rock entró en el escenario principal en medio de los años 1960s, cuando el cantante-compositor Bob Dylan comenzó su carrera. Él fue seguido por un número de bandas de country-rock y cantantes/compositores soft, y folky. El rock psicodélico fue un tipo de rock basado en guitarras eléctricas, estrictamente asociado con la ciudad de Son Francisco. Aunque la Jefferson Airplane haya sido la única banda local a tener un hit nacional, el Grateful Dead, una Jam band de country y bluegrass se hizo un ícone de la contracultura psicodélica, asociada con los hippies, el LSD y otros símbolos de esta era.[72]
Siguiendo las turbulentas cambios musicales, políticas y sociales de los años 1960s e inicio de los 1970s, la música rock se diversificou. Lo que era formalmente un género discreto conocido como rock'n roll evolucionó en una categoría llamada simplemente de música rock, lo que vino a incluir estilos diversos como el heavy metal y el punk rock. Durante los años 1970s la mayoría de estos estilos evolucionaron en la escena de la música underground, mientras las audiencias principales comenzaron la década con una onda de cantantes-compositores que causó las letras profundamente emocionales y personales del folk rock de los años 1960s. El mismo periodo vio el crecimiento de las bombásticas bandas de rock arena , grupos de Southern rock y estrellas jóvenes de soft rock. Comenzando a finales de los años 1970s, el cantante y compositor de rock Bruce Springsteen se hizo una gran estrella, con músicas densas, letras inescrutáveis que celebraban los pobres y la clase trabajadora.[58]
El Punk fue una forma de rock rebelde que comenzó los años 1970s, y era barulhento, agresivo y a veces muy simple. El Punk comenzó como una reacción contra las músicas populares del periodo, especialmente el disco y arena rock. Bandas americanas en el campo incluían, de más famosa, Ramones y el Talking Heads, los últimos tocando un estilo más vanguardista que fue estrictamente asociado con el punk antes de evolucionar para el New Wave del escenario principal.[58] Otros grandes actores incluían el Blondie, Patti Smith y la Television. Los años 1980s algunos fans de punk y bandas se hicieron desiludidos con la popularidad creciente del estilo, resultando en un estilo aún más agresivo llamado hardcore punk. El hardcore fue una forma de punk raro, consistiendo de uno músicas cortas, rápidas, e intensas que hablaban con la juventud descontente, con tantas bandas influyentes como los Bad Brains, y los Dead Kennedys. El hardcore comenzó en metrópolis como Washington, D.J.C., aunque las mayores ciudades americanas tuvieran sus propios escenarios musicales los años 1980s.[73] El hardcore, el punk, y el garage rock fueron las raíces del alternative rock, un grupo diverso de subgêneros del rock que fueron explícitamente opuestos la música del escenario principal, y aquel surgió de los estilos punk y post-punk. En los Estados Unidos, muchas ciudades desarrollaron escenas de rock alternativo, incluyendo Mineápolis y Seattle.[74] La escena local de Seattle produjo el grunge, un estilo dark e inspirado por el hardcore, rock psicodélico, y el rock alternativo.[75] Con la adição de un elemento más melódico al son de bandas como Nirvana y Pearl Jam, el grunge quedó muy popular a través de los Estados Unidos[76] in 1991.
El heavy metal es caracterizado por ritmos agresivos, guitarras eléctricas amplificadas y ditorcidas, letras grandiosas e instrumentación virtuosa. El origen del heavy metal comienza en bandas hard rock que cogieron el blues y el rock y crearon un sonido más pesado centrado en torno a guitarras eléctricas y batirías. La mayoría de los pioneros del género fueron británicos; la primera mayoría de las bandas estadunidenses surgieron en el comienzo de los años 1970s, como Blue Öyster Cult y Aerosmith. El heavy metal permaneció, pero, un gran fenómeno underground. Durante los 1980s surgió la primera porción de bandas de estilo pop-metal, que dominó las listas de bandas más populares por varios años, saliendo la banda Quiet Riot y entrando bandas como Mötley Crüe y Ratt; esto fue el glam metal, una fusión del hard rock y pop con un espíritu ronco y de visual aestético influenciado por glam. Algunas de estas bandas, como Bon Jovi, se hicieron estrellas internacionales. La banda Guns N' Roses llegó a la fama en el fin de la década con una imagen que fue la reacción contra el glam metal aestético. Por el medio de los años 1980, el heavy metal había variado en muchas direcciones diferentes que fans, gravadoras y fanzines crearon numerosos nuevos sub-géneros. Los Estados Unidos quedó especialmente conocido por uno de esos sub-géneros, el thrash metal, que fue innovado por bandas como Anthrax, Megadeth, Metallica y Slayer, con Metallica siendo lo más sucesivo comercialmente.
Hip hop
Lo Hip hop es un movimiento cultural, del cual la música es una parte. La música Hip hop en la mayoría es compuesta por dos partes: el rap, el habla rápida, vocales altamente rítmicos y vocales; el DJ y/o la producción, se utiliza el sampling, a instrumentación, el turntablism o a través del beatbox, la producción de sonidos musicales a través de tonos vocales.[77] Lo Hip hop surgió en el inicio de los años 1970s en el Bronx, Nueva York. El inmigrante jamaicano DJ Kool Herc es ampliamente considerado como el progenitor del hip hop; él traje consigo de la Jamáica la práctica del toasting a través de los ritmos de músicas populares. Los MCs originalmente surgieron para introducir el soul, funk y músicas R&B que los DJs tocaban, y para mantener la multitud animada y bailando; a través del tiempo, los DJs comenzaron a aislar el break de la percusión de las músicas (cuando el ritmo es más fuerte), produciendo una batida repetida que los MCs utilizaban en el rap. En el comienzo de los años 1980, habían músicas populares de hip hop, y el escenario de las celebridades, como LL Cool J, ganaron reconocimiento en el escenario principal. Otros músicos experimentaron con letras polítizadas y sociales, o fundieron el hip hop con el jazz, heavy metal, techno, funk y el soul. Nuevos estilos aparecieron en la parte final de los años 1980, como el hip hop alternativo y la íntimamente relacionada fusión jazz rap, de la cual fueron pioneros los rappers como De La Soul.
Los grupos Public Enemy y N.W.A. hicieron el máximo para traer la atención nacional para el hip hop, comenzando a finales de los años 1980; los anteriores lo hicieron también con letras incendiárias y cargadas de política, mientras los últimos se hicieron el primer ejemplo proeminente de rap gangsta. El gangsta rap es un tipo de hip hop, principalmente caracterizado por un foco en letras machistas, fisicalidade y una peligrosa imagen criminal.[78] Aunque el origen del rap gangsta puede ser trazada de vuelta al estilo del Schoolly D de Filadelfia y del Ice-T de la Costa Oeste en la mitad de los años 1980, el estilo creció y vino a ser aplicado en muchas regiones diferentes en el país, para rappers de Nueva York, como Notorious B.I.G, y también rappers en la Costa Oeste, como Too Short y N.W.A. La distintiva escena del rap de la costa oeste creó en el inicio de los años 1990 el sonido G-funk, el cual fue páreo de las letras del rap gangsta con un sonido fino y obscuro, a veces de los samples del funk samples los años 1980; los mejores conocidos proponentes fueron los rappers 2Pac, Dr. Dre y Snoop Dogg. El rap gangsta continuó a ejercer una presencia mayor en la música popular americana a través del final de los años 1990 y por el siglo XXI, especialmente tras la revelación del rapper Eminem.
Otros estilos
La industria fonográfica americana es dominada por grandes empresas que producen, comercializan y distribuyen ciertos tipos de música. Generalmente, estas empresas no producen, o producen sólo en cantidades muy limitadas, grabaciones en estilos que no despiertan el interés del grande público. Pequeñas empresas muchas veces llenan el vacío, ofreciendo una amplia variedade de grabaciones en estilos que van de polca la perejil. Muchas pequeñas industrias musicales son construidas en torno a un núcleo de fans, que puede ser en gran medida basado en una región, como la música Tejana o música del Hawaii, o pueden estar muy dispersos, como a para la audiencia judaica klezmer.
El nicho de industria singular es basado en la música latina. La música latina ha influenciado a tiempos la música popular americana, y fue una parte especialmente crucial del desarrollo del jazz. Estilos latinos pop modernos incluyen una amplia variedade de géneros importados a través de la América Latina, incluyendo el cumbia colombiano, el reggaeton puerto riquenho y el corrido mexicano. La música popular latina en los Estados Unidos comenzó con una onda de bandas baile los años 1930s y 50s. Los estilos más populares incluyen la conga, el rumba y el mambo. Los años 1950s Perez Prado hizo el cha-cha-cha famoso, y el surgimento del jazz afro-cubano que abrió muchos oídos para la música harmônica, melódica, y posibilidades ritmicas de música latina. La forma americana más famosa de música latina, sin embargo, fue el perejil. El perejil incorporó muchos estilos y variaciones; el término puede ser usado para describir la mayoría de las formas de géneros derivados de Cuba. Más específicamente, sin embargo, el perejil se refiere al estilo particular que fue desarrollado por el medio de los años 1970s por grupos de Nueva York e inmigrantes cubanos y puerto riquenhos, y descendientes estilísticos como el perejil romantica de los años 1980s.[79] Los ritmos del perejil son complicados, con varios arreglos siendo tocados simultáneamente. El ritmo de la forma de la clave es la base de las músicas de perejil y es usado por músicos como un ritmo común de fondo para sus propias frases.[80]
Los Estados Unidos también tuvieron un gran papel en el desarrollo de la música electrónica, particularmente house music y techno.
Políticas y leyes
El gobierno de los Estados Unidos regula la industria de la música, cumpliendo las leyes de propiedad intelectual y promoviendo y coleccionando ciertos tipos de música. En la Ley de Derecho Autoral, obras musicales, incluyendo grabaciones y composiciones, son protegidas como propiedad intelectual, luego que sean fijados de una forma palpável. Los trabajos con derechos de autor son registrados y muchas veces en la Biblioteca del Congreso, que mantiene una colección de material. Además de eso, la Biblioteca del Congreso ha buscado activamente materias cultura y musicalmente significativos desde el inicio del siglo XX, tales como, enviando investigadores para grabar música folclórica. Estos incluyen los investigadores pioneros en la canción folclórica americana, como el coleccionador Alan Lomax, cuyo trabajo ayudó a inspirar las raíces de su renascimento, a mediados del siglo XX. El Gobierno federal también financia la Donación Nacional para los Artes y la para las Humanidades, que conceden subsidios para músicos y otros artistas, el Smithsonian Institution, que realiza investigaciones y programas educacionales, y la Cooperación de Radiodifusão Pública, que financia, sin fines lucrativos, organismos de radiodifusão televisiva.[81]
La música ha afectado desde hace unos tiempos la política de los Estados Unidos. Los partidos y movimientos políticos utilizan frecuentemente la canción y la música para comunicar sus ideales y valores, así como para proporcionar entretenimiento en funciones políticas. La campaña presidencial de William Henry Harrison fue el primero a beneficiar grandemente de la música, después de lo que se hizo norma práctica para los principales candidatos para uso público de canciones para crear entusiasmo. En las décadas más recientes, los políticos muchas veces escogen una canción, algunas de las cuales se hicieron emblemáticas, como la canción "Happy Days Are Here Again", por ejemplo, que ha sido asociada con el Partido Democrático, debido a la campaña de 1932 de Franklin D. Roosevelt. Desde la década de 1950, sin embargo, la música ha disminuido en importancia en la política y fue sustituida por las campañas televisivas con poca o ninguna música. Ciertas formas de música se hicieron más estrechamente asociadas a la políticas de protesta, especialmente en la década de 1960. Estrellas del gospel, como Mahalia Jackson, se hicieron importantes figuras del Derechos Civiles, mientras el pueblo americano ayudó a difundir la contracultura de la década de 1960 y la oposición a la Guerra del Vietnam.[82]
Industria y economía
La industria de la música americana posee un vasto "territorio", comprendiendo de compañías de estaciones de radio y orquestas comunitarias. El logro total de la industria musical llega a la cerca de los $40 bilhões mundialmente y $12 bilhões en los Estados Unidos.[83] La mayoría de las mayores gravadoras es basada en los Estados Unidos; ellas son representadas por la Recording Indrustry Association of America (RIAA). Las mayores gravadoras producen material de artistas que firmaron a una gravadora normal de ellas, a una marca generalmente asociada con un género particular o productor musical. Compañías de grabación también pueden promover y comercializar sus artistas, a través de propagandas, performances en público y conciertos, además de aparições en la televisión. Las gravadoras también pueden estar asociadas con otras compañías de mídia musical, que producen un producto relacionado a la música popular. Estas incluyen canales de televisión como MTV, revistas como Rolling Stone y estaciones de radio. Recientemente, la industria musical ha enfrentado un periodo torturante, debido a los downloads de músicas incluso licenciadas, más conocida como pirataria; varios músicos y la RIAA ha buscado medios de punir fans que bajan músicas licenciadas ilegalmente.[84]
Estaciones de radio en los Estados Unidos generalmente transmiten música popular. Cada estación de radio posee un formato o una categoría de músicas para ser tocada; estos son generalmente semejantes a la clasificación general ordinaria, pero no igual. Varias estaciones de radio en los Estados Unidos tienen como propietarios y obreros habitantes estadunidenses, y que pueden ofrecer una lista eclética de músicas; otras estaciones tienen como propietario grandes compañías como Clear Channel, y generalmente son basados en una pequeña y repetitiva playlist. Ventas comerciales de grabaciones son vigiladas por la revista Billboard, que compila un número de paradas musicales para los variados campos de venta de grabaciones. El Billboard Hot 100 es la mayor parada de música pop para singles, una grabación que consiste de una gran porción de músicas; grabaciones de pop más largas, como álbumes, son vigiladas por la Billboard 200.[85] A pesar de la música grabada ser común en hogares americanos, buena parte del logro de la industria musical viene de un número más pequeño de devotos; por ejemplo, 62% de las ventas de álbumes vienen de menos del 25% de la audiencia que compra músicas.[86] Ventas totales de CDs en los Estados Unidos llegó a la marca de 705 millones de unidades vendidas en 2005, y ventas de singles inmediatamente abajo de tres millones.[87]
A pesar de la mayor parte de las gravadoras dominen la industria musical estadunidense, una industria musical independiente (música indie) también existe. Música indie es, generalmente, basada solamente en el territorio de la gravadora local con ninguna o limitada distribución para fuera de una pequeña región. A veces, artistas graban en una gravadora indie y ganan prestigio el suficiente para ser contratados por grandes gravadoras; otros escogen permanecer con las gravadoras indie por toda su carrera. Música indie puede estar en estilos generalmente semejantes a la música mainstream, pero es encontrado frecuentemente inacessível, incomum o que no agrada la muchas personas. Músicos de música indie generalmente lanzan algunas o todas sus músicas por la Internet para fans y otros para bajar y escucharlas.[84] En adicional a artistas de varios tipos que usan de gravadoras, existen numeroso campos de profissionalismo musical en los Estados Unidos, muchos de ellos los cuales raramente graban algo, incluyendo orquestas comunitarias, bandas y cantantes para bodas y pequeños eventos, cantantes de salón y DJs de boates. La American Federation of Musicians es el mayor sindicato para músicos profesionales. Pero, solamente 15% de los miembros de tal sindicato poseen una carrera musical estable.[88]
Educación
La música es una parte importante de la educación en los Estados Unidos, y es una parte de la mayoría o todas los sistemas escolares en el país. La educación musical es generalmente obligatoria los primeros años de las escuelas públicas, y eletiva los últimos años.[89] Las escuelas generalmente ofrecen clases de canto, la mayoría de corales, e instrumentos en la forma de una gran banda escolar. La música puede también ser parte de producciones teatrales realizadas por los departamentos de drama de las escuelas. Muchas escuelas públicas y privadas ha sostenido clubes musicales y grupos, mucho comumente incluyendo la banda de marcha que toca durante los juegos deportivos de la escuela de enseñanza media, algo que comenzó con la gran popularidad de la Banda de Sousa los años 1880s y 1890s.
La enseñanza superior en el campo de la música en los Estados Unidos es en la mayor parte basada entorno de grandes universidades, aunque existan importantes academias más pequeñas de música y conservatórios. Departamentos de música de las universidades pueden subsidiar bandas derivadas de las bandas de marcha que sean una parte importante del eventos de deporte del colegio, prominentemente poseyendo músicas de luchas, a grupos de barbershop, glee clubs, jazz ensembles y sinfonias, y poden adicionalmente subsidiar programas sociales de música, como al traer músicos extranjeros hasta el área de conciertos. Universidades pueden también tener un departamento de musicologia, y hacer investigación en muchos estilos de música.
La enseñanza de música
El estudio de la música en las escuelas de los Estados Unidos incluye trabajar con una música relacionada con la clase social, racial, étnica e identidad religiosa, género y sexualidade, como también con estudios de historia de la música, musicologia y otros tópicos. El estudio académico de la música americana puede ser trazado de vuelta al final del siglo XIX, cuando investigadores como Alice Fletcher y Francis La Flesche estudiaron la música de las personas de Omaha, trabajando para el Bureau de Etnologia Americana y el Museo Peabody de Arqueología y Etnologia. Los años 1890s y hasta el inicio del siglo XX, grabaciones musicales fueron hechas entre indígenas, hispánicos, afro-americanos y anglo-americanos de los Estados Unidos. Muchos trabajaron para la Biblioteca del Congreso, primero bajo el liderazgo de Oscar Sonneck, jefe de la División de Música de la Biblioteca.[90] Estos investigadores incluían Robert W. Gordon, fundador del Archivo de Música Folk Americana, y John y Alan Lomax; Alan Lomax fue el más proeminente de varios colecionadores de músicas folk que ayudó a inspirar el reavivamento raíz de la cultura folk americana.[91]
El inicio del siglo XX el análisis escolar de la música americana tendía a interpretar tradiciones clásicas derivadas de la europa como de más valiosa a ser estudiada, con el folk, la religiosa y la música traditional de las personas comunes denegridas como clase baja y de poca valía artística o social. La historia de la música americana fue comparada con la larga memoria histórica de las naciones europeas, y se creyó que quería, llevar los escritores como el compositor Arthur Farwell la ponderar que tipos de tradiciones musicales podrían nacer de la cultura americana, en su Music in America de 1915. En 1930, Our American Music de John Tasker Howard se hizo un análisis básico, focando anchamente en música de concierto compuesta en los Estados Unidos.[92] Desde el análisis del musicologista Charles Seeger en la mitad del siglo XX, la historia de la música americana muchas veces ha sido descrita como íntimamente relacionada con percepções de raza y ancestrais. Bajo esa visión, el fondo racial y étnico diverso de los Estados Unidos promovió un senso de separación musical entre razas, mientras continúa promoviendo una constante aculturação, como elementos de músicas europeas, africanas e indígenas cambiaron entre los campos.[93] A America's Music, from the Pilgrims te lo the Present de Gilbert Chase, fue el primer trabajo mayor que examinó la música de todo el Estados Unidos, y reconoció las tradiciones folclóricas como más significantes culturamente que la música clásica. El análisis de Chase de una identidad musical diversa americana ha permanecido una visión dominante entre los establecimientos académicos.[92] Hasta los años 1960s y 70s, sin embargo, la mayoría de los estudiosos de la música en los Estados Unidos continuaron a estudiar la música europea, limitándose solamente a correctos campos de la música americana, especialmente estilos clásicos y líricos derivados de la europa, y ás veces el jazz afro-americano. Musicologistas más modernos ha estudiado asuntos que van desde la identidad musical nacional la identidad de estilos y técnicas individuales de comunidades específicas un tiempo particular de la historia americana.[93] Estudios recientes de la música americana incluyen el Music in the New World de Charles Hamm en 1983, y America's Musical Life de Richard Crawford en 2001.[94]
Festivales
| "Jingle Bells" | |
| Archivo:Jingle Bells.ogg | |
| "Oh Holy Night" | |
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Música es una parte importante de los varios festivos americanos, teniendo, especialmente, un importante papel en la conmemoración del Natal. La Música del festivo incluye tanto músicas religiosas como "Oh Holy Night" como músicas seculares, como "Jingle Bells". Las canciones patrióticas, como el himno nacional, "The Star-Spangled Banner", son una parte importante de las celebraciones del Día de la Independencia. La música también desempeña un papel en muchas fiestas regionales que no se conmemoran nacionalmente, siendo de más famosa a Mardi Gras, con música, baila y un desfile, festival de Nueva Orleães, Louisiana.
Los Estados Unidos son el hogar de incontables festivales de música, mostrando varios estilos que van desde el jazz al blues, del indie rock al heavy metal. Algunos festivales son estrictamente de ámbito local, incluyendo los artistas con poca o ninguna reputación nacional, y generalmente son organizados por fiscales locales. Las grandes empresas tienen sus festivales de música, como el Lollapalooza y Ozzfest, que llaman multitudes.
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Bibliografia
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Ver también
Conexiones externas
- American Federation of Musicians (en inglés)
- American Guild of Music (en inglés)
- American Music Preservation (en inglés)
- Music Business Journal (en inglés)
- Music Publisher's Association (en inglés)
- Music Library Association (en inglés)
- REDIRECT Predefinição:Estados Unidos/Tópicos
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