Música clásica

Música clásica

música clásica - Wikilingue - Encydia

 Nota: Este artículo es sobre el género musical también conocido como "música erudita". Para periodo de la historia de la música el siglo XVIII conocido como classicismo, vea Periodo clásico (música).

Música clásica o música erudita es el nombre dado a la principal variedad de música producida o enraizada en las tradiciones de la música secular y litúrgica occidental, que comprende un periodo amplio que va aproximadamente del siglo IX hasta el presente,^[1] y sigue cânones preestabelecidos en el transcurrir de la historia de la música. Las normas céntricas de esta tradición fueron codificadas entre 1550 y 1900 , intervalo de tiempo conocido como el periodo de la práctica común.

Según el Diccionario Grove de Música, música erudita es música que es fruto de la erudição y no de las prácticas folclóricas y populares. El término es aplicado a toda una variedad de músicas de diferentes culturas, y que es usado para indicar cualquier música que no pertenezca a la tradiciones folclóricas o populares.^[2]

La música europea se distingue de otras formas de música, no-europeas o populares , principalmente, por su sistema de notação en partituras, en uso desde el siglo XVI.^[3] El sistema occidental de partituras es utilizado por los compositores para prescribir, a quienes ejecuta la obra, la altura , la velocidad , la métrica , el ritmo y la exacta manera de ejecutarse una pieza musical. Esto deja menos espacio para prácticas como la improvisação y la ornamentação ad libitum, que son oídas frecuentemente en músicas no europeas (ver música clásica de la India y música tradicional japonesa) y populares.^[4][5] Lo gusto del público por la apreciación de la música formal de este género viene entrando en declínio desde el fin del siglo XX, marcadamente en los países anglófonos.^[6] Este periodo vio la música clásica quedar para tras del inmenso éxito comercial de la música popular, aunque el número de CDs vendidos no sea el único indicador de la popularidad del género.^[7] Opuesto a los términos música popular, música folclórica o música oriental, el término "música clásica" comprende una serie de estilos musicales, desde intricadas técnicas composicionais (como la fuga)^[8] hasta simple entretenimiento (operetas).^[9][10] El término sólo apareció originalmente en el inicio del siglo XIX, en una tentativa de se "canonizar" el periodo que va de Bach hasta Beethoven como una era de oro.^[11] En la lengua inglesa, la primera referencia al término fue registrada por el Oxford English Dictionary, en cerca de 1836.^[12][1] Hoy día, el término "clásico" se aplica a los dos usos: "música clásica" en el sentido que alude a la música escrita "modelar," "ejemplar," o sea, "de más alta calidad", y, stricto sensu, para referirse a la música del classicismo, que comprende el final del siglo XVIII y parte del siglo XIX.^[13]

Tabla de contenido 1 Características 1.1 Instrumentación 1.2 Forma y técnicas de ejecución 1.3 Complejidad 1.4 Sociedad 1.5 La atmósfera de los conciertos 1.6 Interpretación de las obras 2 Historia 2.1 Raíces 2.2 Periodo antiguo 2.3 Periodo de la práctica común 2.3.1 Periodo barroco 2.3.2 Periodo clásico 2.3.3 Periodo romántico 2.4 Periodos moderno y contemporáneo 3 Relacionamento con la música popular 4 Papel de la música erudita en la educación 5 Referencias 6 Bibliografia 7 Ver también 7.1 Hayamos asociados 7.2 Géneros musicales asociados 8 Conexión externas

Características

Debido a la forma extremadamente diversificada de formas, estilos, géneros y periodos históricos que generalmente son descritos por el término "música clásica", es una tarea compleja listar características que puedan ser atribuidas a todas las obras de este tipo de música. Existen, sin embargo, características que la música clásica ha y que pocos (o incluso ningún otro) tipo de música presenta.

Instrumentación

La música clásica frecuentemente se distingue por el amplio uso que hace de instrumentos musicales de diferentes timbres y tonalidades, creando un sonido profundo y rico. Los diferentes movimientos de la música clásica fueron afectados principalmente por la invención y modificación de estos instrumentos al largo del tiempo. Aunque la música clásica no tenga un "conjunto" de instrumentos necesarios para que ciertos patrones de su ejecución sean llenados, los compositores escriben sus obras teniendo en mente diferentes conjuntos instrumentais:

• orquestas: Una orquesta comporta todas las familias instrumentais acústicas: las cordas (violino, viola, violoncelo y contrabaixo), las maderas (flauta, oboé, clarineta, fagote, trompa etc.), los metales (trompete, trombone, tuba) y la percusión (tímpano, gongo, xilofone etc.). Saxofone y violão eventualmente también participan de una orquesta, además de pianos, órganos y celestas..^[14] Para las orquestas son escritas las sinfonias. Cuando se destaca un instrumento de la orquesta que será la voz principal, para el cual la melodía fue compuesta, se trata de un concierto.Aún destacándose un instrumento o conjunto de instrumentos en los conciertos, la orquesta toda puede estar presente. Las orquestas también realizan los acompanhamentos de las óperas. Las óperas son compuestas para la voz humana. La voz puede ser clasificada de la misma manera que los instrumentos, observándose la extenção de notas alcanzada por ella. Las voces más agudas son llamadas "Sopranos", las voces más graves son los "bajo", que alcanzan las notas más graves.^[14]

Los instrumentos usados en la música clásica fueron, en gran medida, inventados antes de meados del siglo XIX (frecuentemente muy antes de eso), y su uso fue codificado los siglos XVII y XIX; consisten de todos los instrumentos típicamente encontrados en una orquesta, acrescidos de otros como el piano, el cravo y el órgano.

Ver artículo principal: Orquesta

• Conjunto de sopros: Formada por los sopros de metal
• orquesta de cámara: Formada predominantemente por instrumentos de corda, pudiendo tener en algunas formaciones la presencia de algunos sopros de madera.^[15]

Ver artículo principal: Orquesta de cámara

• Instrumentos eléctricos: Algunos instrumentos eléctricos como la guitarra eléctrica aparecen ocasionalmente en la música clásica de los siglos XX y XXI. Tanto músicos clásicos como populares experimentaron, en las últimas décadas el uso de instrumentos electrónicos, el sintetizador, técnicas eléctricas y digitales como el uso de samplers y efectos generados por ordenadores, además de instrumentos pertenecientes a otras culturas, como el gamelan.

Ninguno de los instrumentos categorizados como bajo existían hasta el Renascimento. En la música medieval los instrumentos se dividían en dos categorías: instrumentos de volumen más alto, utilizados al aire libre o en iglesias, y los instrumentos más silenciosos, usados internamente. Diversos de los instrumentos asociados hoy día con la música popular acostumbraban tener un papel importante en la música clásica arcaica, tales como gaitas de fole, vihuelas, hurdy-gurdies y algunas maderas. Por otro lado, instrumentos como el violão, que eran asociados principalmente a la música popular, ganaron destaque en la música clásica al largo de los siglos XIX y XX.

Aunque el temperamento igual haya pasado gradualmente a ser acepto como el temperamento dominante durante el siglo XIX, diferentes temperamentos fueron usados, históricamente, en las músicas de los periodos más arcaicos.^[16][17] Por ejemplo, la música del Renascimento Inglés frecuentemente es ejecutada en el temperamento mesotônico. Los instrumentos de teclado casi todos partilham la misma disposición de las teclas (llamado frecuentemente de 'teclado de piano'), aunque sean casi siempre tocados con técnicas diferentes en consonancia con cada instrumento.

Forma y técnicas de ejecución

Mientras la mayor parte de los estilos de música popular utilice el formato de canciones , la música clásica utiliza otras formas como el concierto, la sinfonia , la ópera , la música de baila, la suíte , el estudio, el poema sinfônico, entre otros.

Los compositores clásicos frecuentemente aspiran instilar en su obra uno compleja relación entre su contenido afetivo (emocional) y los medios intelectuales usados para obtener este contenido. Muchas de las obras más apreciadas de la música clásica utilizan el desarrollo musical, proceso por el cual un motivo o idea musical es repetido en diferentes contextos, o en formatos y formas alterados. Los géneros clásicos como la forma sonata y la fuga emplean formas rigurosas de desarrollo musical.

El deseo de la parte de los compositores de la música clásica de obtener grandes hechos técnicos al componer su música, partilhado por los músicos del estilo, que se deparam con metas similares de dominio técnico, es demostrado por la cantidad proporcionalmente alta de tiempo que dedican la instrucción y estudio, comparado a los músicos "populares", y por el gran número de escuelas secundarias, incluyendo conservatórios, dedicados al estudio y enseñanza de la música clásica. El único otro género de música, en el Occidente, que presenta oportunidades comparables de educación secundaria es el jazz.

Complejidad

La performance del repertório de música clásica frecuentemente exige un nivel significativo de dominio técnico por parte del músico; la proficiência en la lectura a la primera vista y en la ejecución en conjunto, la compreensão minuciosa de los principios tonais y armónicos , el conocimiento de la práctica de performance y una familiaridade con el idioma estilístico y musical inerente a determinado periodo, compositor y obra musical están entre las aptitudes más esenciales para un músico con entrenamiento clásico. Obras del repertório clásico frecuentemente exhiben una complejidad artística a través del uso del desarrollo temático, del fraseado, de la modulação, de los periodos, secciones y movimientos . El análisis musical de una composición tiene como meta alcanzar una mayor compreensão de esta obra, llevando a una audición más plena de significado, y con mayor apreciación, del estilo de un compositor.

Sociedad

Frecuentemente tenida como opulenta, o representante de la sociedad afinada, la música clásica generalmente nunca fue popular con la sociedad proletária. Sin embargo, la tradicional percepção de que sólo las clases más abastadas tienen acceso y aprecian la música clásica, o incluso que la música clásica representa esta sociedad de clases altas, es cada vez más vista como incorrecta, visto que diversos de los músicos clásicos en actividad tienen origen en la clase media^[18] y que los frequentadores de conciertos y compradores de CDs del género no pertenecen necesariamente a la clases más altas. Incluso en el periodo clásico, las óperas bufas de Mozart , como Così fan tutte, eran popular entre las capas más comunes de la sociedad.

La música clásica es también frecuentemente retratada en la cultura pop como música de fondo para películas, programas de televisión y anuncios publicitarios; como resultado de esto, la mayor parte de las personas en el Occidente regularmente - muchas veces de manera desavisada - escucha piezas de música clásica. Se puede, así, argumentar que los niveles relativamente bajos de vendagem de las grabaciones de música clásica no son un bueno indicador de su popularidad real. En tiempos más recientes la asociación de ciertas piezas clásicas con algunos eventos relevantes llevó la breves aumentos en el interés por determinados géneros clásicos. Un buen ejemplo de esto fue la elección de la ária "Nessun dorma", de la ópera Turandot, de Giacomo Puccini, como música-tema de la Copa del Mundo de 1990, lo que llevó a un notable aumento en el interés popular por la ópera y, en particular, por las árias cantadas por tenores, lo que eventualmente llevó a los conciertos y álbumes de gran éxito de los Tres Tenores.

La atmósfera de los conciertos

Esta página o sección fue marcada para revisión, debido a inconsistências y/o datos de fiabilidad duvidosa y/o no presentar fuentes. (desde septiembre de 2009) Si tiene algún conocimiento sobre el tema, por favor verifique y mejore la consistencia y el rigor de este artículo. Considere contacte uno de los usuarios participantes del Portal de la Música Erudita.

Para nodos, hoy acostumbrados con una atmósfera solemne y silenciosa en los conciertos, es difícil creer que en los teatros italianos de los siglos XVII y XVIII, la plateia asistía a la óperas y conciertos en verdadero caos, conversando, provocándose e incluso jantando durante las presentaciones! Toda la confusión sólo paraba cuando el grande solista de la noche se presentaba, como, en la época de los Castrati, acontecía cuando un gran nombre como Cafarelli o Farinelli presentaba una de sus grandes árias del repertório.

Otra característica del público erudito es la exigencia que se tiene con relación a los intérpretes - pudiendo ser hasta vaiados en presentaciones - pero también la devoção que demuestran a aquellos que no carecen de calidad - numerosos son los "Bravíssimos!" a estos artistas.

La atmósfera del concierto siempre estará íntimamente conectada a la naturaleza de la música presentada - tal vez sea leve como una comedia de Rossini o tensa como las aventuras del Peer Gynt de Edward Grieg. El público erudito, como cualquier público de cualquier estilo de música, conecta mucho sus sentimientos a aquello que escucha.

Hoy también se tiene un contacto menos frío del artista-público. Hoy es común el maestro o el solista se dirijan a su plateia, del mismo jeito que se perdió la costumbre de usar traje social en estos conciertos - estas actitudes tiene, como principal objetivo, hacer con que la población toda vuelva a tener más contacto con la música erudita y pierda el prejuicio de que la música erudita sea "pesada" o para ricos.

Y cada vez más frecuentemente, surgen los espectáculos que pretenden desmitificar ese lado "esnobe". Los conciertos Promenade, en la Inglaterra ; la Folle Journée en la Francia (en Nantes); la "Fiesta de la Música" en Portugal, en el Centro Cultural de Belén, son iniciativas que marcan la democratización de un género musical que hace, a buen seguro, parte del patrimonio cultural de la humanidad.

Interpretación de las obras

Esta página o sección fue marcada para revisión, debido a inconsistências y/o datos de fiabilidad duvidosa y/o no presentar fuentes. (desde diciembre de 2009) Si tiene algún conocimiento sobre el tema, por favor verifique y mejore la consistencia y el rigor de este artículo. Considere contacte uno de los usuarios participantes del Portal de la Música Erudita.

^{[carece de fuentes?]}

La transmisión escrita, juntamente con el profundo respeto guardado a la obras clásicas, tienen implicações relevantes en la interpretación musical. Se espera, de una forma razonable, que los intérpretes ejecuten la obra en consonancia con las intenciones originales del compositor. Intenciones esas que, generalmente, están explicitadas en los más pormenorizados detalles, en la propia partitura. De hecho, cualquier desvío a aquella que es considerada la intención original del compositor puede ser considerada, por determinado grupo de melómanos más conservadores, como una traición a la pureza de una obra de arte que debe ser respetada a todo el coste. A este nivel encontramos los intérpretes y maestros más "técnicos", que se "limitan" a ejecutar escrupulosamente las indicaciones de la partitura. Como casi todo lo que envuelve lo gusto estético, hay quien concuerde y quién discorde. Un ejemplo de maestro que defendía ese género de ejecución de las obras musicales fue Arturo Toscanini, muchas veces apelidado de "frío" por algunos ouvintes que prefieren las interpretaciones más personales, que añaden algo a la obra original. El pianista Glenn Gould es un ejemplo claro del intérprete-autor, que, por una nueva abordagem de las obras eruditas, acabó por contribuir con su capacidad y maestria musical para la creación de algo nuevo, pero desviante de los patrones tradicionales. Acontece, sin embargo, que así como hay compositores que felicitan los intérpretes por mejorar sus creaciones, para allá del que para ellos era imaginável, otros, como Maurice Ravel, cuando oyó, en 1930, la conducción de su "Bolero" por Toscanini, quedan agastados. Ravel habrá dicho la Toscanini, que fue antes mencionado como ejemplo del maestro perfeccionista, que lo que hube oído era interesante… Pero no era su Bolero. Toscanini había acelerado los tiempos, especialmente en el final, lo que iba totalmente contra las intenciones de Ravel.

Ese respeto casi religioso a la intenciones originales del compositor llevaron aún a la creación de piezas musicales que casi parecen, o son mismo, reflexiones sobre el poder del compositor sobre los intérpretes - las más extravagantes exigencias de algunos autores son respetadas. Sin embargo, es correcto que el intérprete tiene una importancia extrema en la música erudita - o como un transmisor fiel de la partitura o como un segundo autor de la obra - aunque poco o nada sepan, formalmente, sobre composición. Algunos teóricos, como Umberto Eco en su ensayo "La Obra Abierta" (Opera aprieta), llaman la atención para la irrepetibilidade de cualquier ejecución musical. Aún los más fieles executores de la composición no tocan el mismo tramo, de la misma forma, dos veces, lo que lleva a la apologia de la recriação del reportório erudito y de la improvisação, para la cual la música erudita contemporánea continúa poco sensible, al contrario de ciertos géneros como el jazz en el cual la improvisação tiene lugar céntrico.

Durante la época barroca, la improvisação era muy común. Interpretaciones recientes de las obras pertenecientes a ese periodo pretenden hacer revivir la práctica de la improvisação, tal como era hecha en esa fase de la historia de la música. Durante el periodo clásico, Mozart y Beethoven improvisaban, por ejemplo, las cadenzas de sus conciertos para piano, cuando eran ellos mismos los solistas - dando menos libertad si el pianista fuera cualquier otro; razón para decir que no dejaban su reputación en mano ajenas.

Otra polémica que acostumbra existir como consecuencia de la veneración de la obra original del compositor tiene a ver con la utilización o no de instrumentos de la época de la composición de la obra, en las interpretaciones modernas de las piezas musicales más antiguas. Algunos intérpretes y conductores, como Jordi Savall, tienen una abordagem más historicista: se pretende tocar la obra en las mismas condiciones en que fue creada, aunque los instrumentos actuales sean perfectamente idóneos, o superiores, en términos técnicos. Otros, como el ya citado Glenn Gould, no se preocupan al adaptar o aún mejorar obras eruditas escrituras para un instrumento, tocándolas noutro, más moderno. En ese último caso está la interpretación en piano de obras escritas para cravo, por Johann Sebastian Bach.

Historia

Ver también: Historia de la música

Las principales divisiones cronológicas de la música clásica son: el periodo de la música antigua, que incluye la música medieval (476 – 1400) y la renascentista (1400 – 1600), el periodo de la práctica común, que incluye los periodos barroco (1600 – 1750), clásico (1730 – 1820) y romántico (1815 – 1910), y los periodos moderno y contemporáneo, que incluyen la música clásica del siglo XX (1900 – 2000) y la música clásica contemporánea (1975 – presente).

Las fechas son generalizaciones, ya que los periodos frecuentemente se solapan, y las categorías son un tanto arbitrarias. El uso, por ejemplo, del contraponto y de la fuga, considerados característico del periodo barroco, fue continuado por Haydn, que es clasificado como un compositor típico del periodo clásico. Beethoven, que frecuentemente es descrito como el fundador del periodo romántico, y Brahms , que es clasificado como un romántico, también usaban el contraponto y la fuga - sin embargo otras características de sus obras definieron esta categorização.

El prefijo neo es utilizado para describir una obra hecha el siglo XX o contemporánea sin embargo compuesta en el estilo de un periodo anterior, como clásico o romántico. El balé Pulcinella, de Stravinsky , por ejemplo, es una composición neoclássica porque es estilisticamente semejante la obras del periodo clásico.

Raíces

Ver artículo principal: Música de la Antiguidade

Las raíces de la música clásica occidental están en la música litúrgica cristiana, aunque haya influencias que datan de la Grecia Antigua; el desarrollo de determinadas tonalidades y escalas ya había sido establecido por antiguos griegos como Aristoxeno y Pitágoras .,^[19] Pitágoras creó un sistema de afinação, y ayudó la codificar la notação musical en uso en la época. Antiguos instrumentos usados en la Grecia, como el aulos (un instrumento de palheta ) y la lira (semejante a una pequeña arpa) llevaron al eventual desarrollo de los instrumentos usados actualmente en las orquestas clásicas occidentales.^[20] Este periodo en la historia de la música, que va hasta la caída del Imperio Romano (476 d.J.C.), es llamado de música de la Antiguidade; poco restó del periodo, sin embargo, en términos de evidencias musicales, y su mayor parte vino del mundo griego.

Periodo antiguo

Ver artículo principal: Música antigua

El periodo medieval incluye la música hecha a partir de la caída de Roma hasta alrededor de 1400 . La esquina monofônico, también conocido como esquina gregoriano, fue la forma dominante hasta cerca de 1100 .^[21] La música polifônica (con múltiples voces) se desarrolló en la segunda mitad de la Edad Media y al largo del Renascimento, periodo en que se desarrollaron las formas más sofisticadas, como los motetos. El periodo renascentista, que duró aproximadamente de 1400 a 1600, fue caracterizado por el uso cada vez mayor de la instrumentación, de líneas melódicas que se entrelaçam, y de los primeros instrumentos descritos como bajos. A baila como forma de evento social se hizo cada vez más difundida, y por consecuencia formas musicales pertinentes a acompañar estas ocasiones pasaron a ser padronizadas.

Fue en este periodo que la anotación de la notas en una pauta y otros elementos de la notação musical comenzaron a tomar forma.^[22] Este hecho hizo posible la criba de la composición de una pieza de música de su transmisión; sin la música escrita, la transmisión era oral, y estaba sujeta la cambios cada vez que era retransmitida. Con una partitura, una obra musical podía ser ejecutada en toda su integridad sin la necesidad de la presencia del compositor.^[23] La invención de la prensa de tipos móviles, el siglo XV, tuvo grandes consecuencias en la conservación y transmisión de la música hecha a partir de este periodo.^[24]

Entre los intrumentos de corda típicos del periodo antiguo están el arpa , el alaúde, la viela y el saltério, mientras instrumentos de soplo incluían la familia de la flauta (incluyendo la flauta dulce), la charamela (un miembro antiguo de la familia del oboé), el trompete y la gaita de foles. Algunos órganos existían, sin embargo estaban en su mayoría restrictos la iglesias , aunque existieran variantes razonablemente portátiles.^[25] Posteriormente, al fin del periodo, comenzaron a surgieron versiones antiguas de los instrumentos de teclado , como el clavicórdio y el cravo. Instrumentos de corda como a viola de la gamba también comenzaron a aparecer el siglo XVI, juntamente con una amplia gamma de instrumentos de metales y maderas. La impresión permitió la padronização de las descripciones y de las especificaciones de estos instrumentos, juntamente con una mayor difusión de las instrucciones de su uso.^[26]

En términos de características musicales, durante el periodo de la llamada música renascentista, el siglo XIII, se comienza la repetición de melodías enteras y surge la notação métrica, abandonándose los ritmos medievais. En sustitución al sistema modal surgen las tonalidades mayores y más pequeñas. Surge el cromatismo y se aumenta el uso de instrumentación. uno de los principales estilos de la época fue el madrigal.

Periodo de la práctica común

El llamado periodo de la práctica común ocurrió cuando la mayor parte de las ideas que pautam la música clásica occidental tomó forma, fue padronizada y codificada. Se inició con el periodo barroco, que va aproximadamente de 1600 hasta la mitad del siglo XVIII; se siguió el periodo clásico, que terminó aproximadamente en 1820, con el advento del periodo romántico, que recorrió todo el siglo XIX y terminó alrededor de 1910.

Periodo barroco

Ver artículo principal: Música barroca

La música barroca se caracteriza por el uso de complejos contrapontos tonais y por el uso de una línea continua de bajo. Los inicios de la forma sonata fueron establecidos en la canzona , así como una noción más formal de tema y variaciones. Las tonalidades mayor y menor también tomaron forma como medio de administrar la dissonância y el cromatismo en la música.^[27]

Durante el periodo, la música tocada en instrumentos de teclado, como el cravo y el órgano se hicieron gradualmente más populares, y la familia de instrumentos de corda del violino asumió la forma por la cual es conocida hoy. La ópera , una forma de drama musical sobre el escenario, comenzó a diferenciarse de las otras formas musicales y dramáticas, y otras formas vocales como la cantata y el oratório también se hicieron más comunes.^[28] Grupos instrumentais pasaron a quedar cada vez más diversificados, y sus formaciones fueron se padronizando; surgieron los grandes grupos de músicos, las primeras orquestas, y la música de cámara, compuesta para grupos más pequeños de instrumentos, donde cada parte era ejecutada por un instrumento individual, en el lugar de un grupo de instrumentos semejantes. El concierto, como vehículo para una performance suelo acompañada de una orquesta, se hizo extremadamente difundido - aunque la relación entre solista y orquesta aún fuera relativamente simple. Las teorías en torno al temperamento igual comenzaron a ser puestas en práctica, en la medida en que posibilitaban una amplitud mayor de posibilidades cromáticas en instrumentos de teclado de difícil afinação. El temperamento igual posibilitó, por ejemplo, la composición del Cravo Bien Revenido, de Johann Sebastian Bach.^[29]

Periodo clásico

Ver artículo principal: Periodo clásico (música)

El periodo clásico, que va de cerca de 1750 a 1820 , estableció muchas de las normas de composición, presentación y estilo del género. Fue durante este periodo que el piano se hizo el principal instrumento de teclado. Las fuerzas básicas necesarias para una orquesta se hicieron razonablemente padronizadas (aunque vinieran a crecer a medida que el potencial de una gamma mayor de instrumentos pasó a ser desarrollado los siglos siguientes). La música de cámara creció y pasó a comprender grupos con 8 o hasta 10 músicos, en serenatas. La ópera continuó su desarrollo, con estilos regionales evolucionando paralelamente en la Italia , en la Francia y en los países de habla alemana, y la ópera-bufa , o ópera cómica, conquistó mayor popularidad. La sinfonia despontou como forma musical, y el concierto fue desarrollado hasta hacerse un vehículo para demostraciones de virtuosismo técnico de los instrumentistas. Las orquestas dispensaron el cravo (que formaba parte del tradicional continúo, en el estilo barroco) y pasaron a ser regidas por el primero-violino (conocido como el spalla).^[30]

Instrumentos de soplo se hicieron más refinados durante el periodo clásico. Mientras instrumentos de palheta doble como el oboé y el fagote eran razonablemente padronizados en el barroco, la familia de la clarineta, de palheta simple, no eran utilizados a menudo hasta que Mozart ampliara su papel en los contextos orquestáis, de cámara y de concierto.

El Classicismo en la música es caracterizado por la claridad, simetria y equilibrio, su periodo coincidió con el Iluminismo, que enfatizaba la razón y la lógica .

Como ya fue dicho, la "música clásica", propiamente dicha, corresponde a un periodo de la historia de la música, también referido como Classicismo vienense. Algunos autores prefieren escribir, para evitar confusiones, música Clásica (con la C mayúscula) para referirse la música Erudita compuesta en el periodo del Classicismo.

Periodo romántico

Ver artículo principal: Periodo romántico (música)

La música del periodo romántico, que va aproximadamente de la segunda década del siglo XIX al inicio del siglo XX, se caracterizó por una atención cada vez mayor a una línea melódica extensa, así como elementos expressivos y emotivos, paralelando el Romanticismo en las otras formas de arte. Las formas musicales comenzaron a distanciarse de los moldes usados en la era clásica (aún aquellos que ya habían sido codificados), y surgen piezas en forma libre como nocturnos, fantasias y prelúdios, al tiempo que las ideas preconcebidas acerca de la exposición y del desarrollo de estos temas pasaron a ser minimizadas o aún ignoradas.,^[31] p. 200</ref> La música se hizo más cromática, dissonante, con tonalidades más coloreadas y un aumento en las tensiones (en lo que concierne a la normas aceptas por las formas anteriores) envolviendo las armaduras tonais.^[32] La canción de arte (o Lied ) amadureceu en este periodo, así como las proporciones épicas de la grand opéra, que culminaron con el Ciclo de los Aneis, de Richard Wagner.^[33]

El siglo XIX, las instituciones musicales salieron del control de los patronos ricos, a medida que los compositores y músicos podían construir vidas independientes de la nobleza. Un creciente interés por la música por parte de las clases medias por toda la Europa occidental incentivó la creación de organizaciones dedicadas a la enseñanza, performance y preservação de la música. El piano, que alcanzó su forma actual en este periodo (gracias, en parte, a los avances industriales de la metalurgia) se hizo inmensamente popular entre esas clases media, y la demanda por el instrumento hizo surgir un gran número de fabricantes del instrumento. Muchas orquestas sinfônicas datan de este periodo;^[34] algunos músicos y compositores de la época se hicieron verdaderas estrellas en sus respectivos campos, y algunos, como Franz Liszt y Niccolò Paganini, llegaban aún a serlo en ambos.^[35]

La familia de instrumentos utilizada en la música clásica, especialmente por las orquestas, creció. Un número mayor de instrumentos de percusión apareció, y los metales asumieron papeis de mayor relevancia, a medida que la introducción de las válvulas rotativas aumentó la amplitud de notas que podían alcanzar. El tamaño de la orquesta, que era compuesta típicamente por 40 músicos durante el periodo clásico, fue expandido, llegando de más de 100 individuos.^[36] La Sinfonia de los Mil, de Gustav Mahler (1906), por ejemplo, ya fue ejecutada por una orquesta con más de 150 instrumentistas, y un coro de más de 400 cantantes.

Las ideas e instituciones culturales europeas pasaron a continuación la expansión colonial para diferentes partes del mundo. Hube un aumento, especialmente a finales del periodo, de las ideas nacionalistas en la música (ecoando, en algunos casos, los sentimientos políticos de la época); compositores como Edvard Grieg, Nikolai Rimsky-Korsakov y Antonín Dvorák ecoaram la música tradicional de sus patrias en sus composiciones.^[37]

Periodos moderno y contemporáneo

Ver artículo principal: Música clásica del siglo XX

El periodo moderno se inició con la música impressionista, de 1910 a 1920 , dominada por compositores franceses (en oposición al dominio existente hasta entonces de los alemanes en el arte y, principalmente, en la música). Compositores impressionistas como Erik Satie, Claude Debussy y Maurice Ravel usaban escalas pentatônicas, un fraseado largo y ondulante, y ritmos libres. El modernismo (1905 - 1985) marcó un periodo en el cual diversos compositores rechazaron determinados valores del periodo de la práctica común, tales como la tonalidade, la melodía, la instrumentación y la estructura tradicionales. Compositores, académicos y músicos desarrollaron extensiones de la teoría y de la técnica musical. La música clásica del siglo XX engloba una amplia variedad de estilos post-románticos, incluye los estilos de composición del romántico tardío, expressionista, modernista y post-modernista , y la música de vanguarda. El término "música contemporánea" acostumbra ser utilizado para describir la música compuesta en el fin del siglo XX hasta los días de hoy.

Relacionamento con la música popular

Este anexiono o sección no cita ninguna fuente o referencia (desde diciembre de 2009). Ayude a mejorar este artículo providenciando fuentes fiables e independientes, insertándolas en el cuerpo del texto o en notas de rodapé. Encuentre fuentes: Google — noticias, libros, académico — Scirus

La relación entre la música erudita y la música popular es una cuestión polémica (principalmente el valor estético de cada una). Los adeptos de la música erudita reclaman que este género constituye arte (y, por eso es menos vulgarizada) mientras que la música popular es mero entretenimiento (lo que implica un público más numeroso). Pero, muchas piezas musicales de la llamada música pop, del rock u otro género denominado "ligero" son, reconhecidamente, piezas de elevado valor artístico (y, curiosamente, llamadas también de "clásicos", como la música de los Beatles, Genesis, de Jacques Brel, Edith Piaf y Billie Holiday, mientras que algunas piezas de música erudita se hacen datadas, consideradas de malo me gusta (consoante las épocas, pudiendo más tarde ser recuperadas, o no) o, aún, se hagan populares, al sean incluidas en películas o anuncios publicitarios, por ejemplo. Casi toda la gente conoce y llega a trautear algunas melodías de música erudita, aún sin saber quién fue el compositor. ES común, por ejemplo, asociar árias de ópera con momentos deportivos (en el fútbol, por ejemplo, en que la ária "Nessun dorma" de la Turandot es explorada hasta a la exaustão).

Se puede argumentar que la música erudita, en gran medida, pero ni siempre, tiene como característica una mayor complejidad. Más específicamente, la música erudita envuelve un mayor número de modulações (cambio de la tónica), recurre menos a la repetición de tramos sustanciales de la pieza musical (en la música popular el refrão es común), además de recurrir a un uso más vasto de las frases musicales, que no son limitadas por una extensión conveniente para su popularidad entre el público (o sea, que permita a la música "entrar en el oído" o sea, en la memoria ). En la música erudita, el minimalismo va contra estas tendencias que se acabaron de aplicar. Sin embargo, es normal que la música erudita permita la ejecución de obras más vastas en términos de duración (variando de media hora a tres horas), usualmente hendidas en partes más pequeñas (los "movimientos"). También aquí existen excepciones: las miniaturas, las bagatelas y las canciones (cómo las de Schubert).

La música popular puede sin embargo ser bastante compleja en diferentes dimensiones. El jazz puede hacer uso de una complejidad rítmica que no acontece en una ancha mayoría de obras clásicas. La música popular puede recurrir también a despiertes complejos que destoariam (o no, pero, en todo el caso son poco usados) en una pieza erudita. La verdad es que aquello a que se llama de música erudita es un campo de una vastidão enorme, difícil de espartilhar en una o noutra regla.

La elección de los instrumentos utilizados para la ejecución de las obras también puede diferir mucho. En la música erudita se utilizan instrumentos acústicos, no eléctricos, y que fueron, en su mayoría, inventados antes de meados del siglo XIX, o muy antes de eso. Consisten, esencialmente, en los instrumentos que forman parte de una orquesta, en conjunto con algunos instrumentos solistas (el piano, el arpa , el órgano…). En la música popular (por lo menos en la moderna), la guitarra eléctrica eléctrica tiene un gran protagonismo, mientras que casi no existe su uso por parte de compositores de música erudita, aún por parte de los compositores contemporáneos. Sin embargo, los dos géneros van experimentando instrumentos electrónicos y eléctricos (como el sintetizador, la banda magnética…) así como instrumentos de otras culturas hasta ahora alejadas de la tradición musical occidental (como el conjunto de instrumentos de percusión orientales llamados de gamelan).

Otra especulación interesante es sepa si las piezas de música popular continuarán a ser oídas, al largo del tiempo, permaneciendo tanto cuánto las piezas de música erudita. Mientras que estas permanecían debido a su naturaleza escrita, la música popular (así como las interpretaciones individuales de las obras clásicas) tiene hoy a su disposición los registros grabados en soporte de calidad. Si es correcto que algunas piezas de música popular que eran éxitos enormes hay pocos años atrás ya están prácticamente olvidados, la verdad es que también muchas piezas musicales dichas eruditas dejan de formar parte del repertório de las orquestas, reapareciendo puntualmente, cuando algún intérprete las "descubre". Los adeptos de la música erudita pueden creer que su género tiende más para la intemporalidade. Sin embargo, muchos artistas populares podrán permanecer y ganar el estatuto de músicos de culto. Aunque cuando alguien oye música popular relativamente antigua (de algunas décadas atrás) se utilice más la expresión "nostalgia" por algo pasado, que no pertenencia al presente; sentimiento que raramente se encuentra entre los adeptos de la música erudita. Sólo el tiempo podrá demostrar cual la música que permanecerá. Erudita o popular, la calidad de cada una estará siempre sujeta a la evaluación subjectiva de los ouvintes del futuro.

Papel de la música erudita en la educación

Este anexiono o sección no cita ninguna fuente o referencia (desde diciembre de 2009). Ayude a mejorar este artículo providenciando fuentes fiables e independientes, insertándolas en el cuerpo del texto o en notas de rodapé. Encuentre fuentes: Google — noticias, libros, académico — Scirus

Al largo de la historia de la civilización occidental, las familias más abastadas tenían frecuentemente la preocupación de que sus hijos fueran instruidos en la música erudita desde pronto. Un aprendizaje precoce de interpretación musical abre camino a estudios más serios en edades más avanzadas. ES casi imposible aprender a tocar, a un nivel profesional, algunos instrumentos, como el violino, si no fuera desde tierna edad. Otros padres quieren que los hijos aprendan música por razones de estatuto social (las niñas aprendían a tocar piano, el siglo XIX - lo que hacía, casi, parte del dote) o para incutir auto-disciplina. Existen estudios que parecen comprobar una mejoría en el rendimiento académico de los niños que aprenden música. Otros consideran que conocer las grandes obras de la música erudita es una obligación cultural, formando parte de la llamada "cultura general" más o menos elevada, pero generalmente valorada en términos sociales.

Diversos compositores eruditos presentaron abordagens para la educación musical. El alemán Carl Orff propuso el instrumental Orff, un método para que niños pudieran aprender música. Tal método usa formas rudimentares de actividades diarias para jóvenes, como cantar en grupo, practicar rimas y tocar instrumentos de percusión. ES basado ampliamente en la improvisação y en construcciones tonais originales para que la persona gane confianza e interés en el proceso de pensar creativamente.

Referencias

Bibliografia

• Lebrecht, Norman. When the Music Stops: Managers, Maestros and the Corporate Murder of Classical Music.  Simon & Schuster, 1996. ISBN 978-0-671-01025-6
• Grout, Donald J.. La History of Western Music.  Norton, 1973. ISBN 0-393-09416-2
• Grout, Donald J.. La History of Western Music.  Norton, 1988. ISBN 978-0-393-95627-6
• Swafford, Ene. The Vintage Guide te lo Classical Music.  Nueva York: Vintage Books, 1992. ISBN 0-679-72805-8
• Sadie, Stanley, Jorge Zahar Ed., Diccionario Grove de música: edición concisa, Río de Janeiro: 1994. ISBN ISBN 85-7110-301-1

Ver también

• Lista de compositores de música erudita

Hayamos asociados

Géneros musicales asociados

Conexiones externas

La Wikipédia posee lo Portal de la Música Erudita

• Classical Composers Database (en inglés) compositores de música clásica de todos los periodos y de diversos países, con biografías y listas de obras
• MusicWeb International (en inglés) artículos sobre compositores, críticas de CDs, libros, conciertos
• Grabaciones históricas de música clásica de British Library Sound Archive (en inglés)

• Portal Música