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| Leonardo de la Vinci | |
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 Probable autorretrato de Leonardo de la Vinci, cerca de 1512 a 1515.[nb 1] |
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| Nacimiento | 15 de abril de 1452. Anchiano, Italia |
| Muerte | 2 de mayo de 1519 (67 años) Amboise, Francia |
| Nacionalidad |  Italiano[nb 2] |
| Ocupación | Tuteó en diversas áreas, como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, matemático, fisiólogo, químico, botânico, geólogo, cartógrafo, físico, mecánico, inventor, anatomista, escritor, poeta y músico. |
| Escuela/tradición | Ateliê de Verrocchio / Pintura Italiana |
| Movimiento estético | Alto Renascimento |
| Principales trabajos | Mona Lisa La Última Cena La Virgem de las Rocas Hombre Vitruviano |
| Firma | Archivo:De la Vinci autograph.png |
Leonardo di ser Piero de la Vinci (
? pron.; Vinci, 15 de abril de 1452 – Amboise, 2 de mayo de 1519 ) fue un polímata italiano, una de las figuras más importantes del Alto Renascimento, que se destacó como científico, matemático, ingeniero, inventor, anatomista, pintor, escultor, arquitecto, botânico, poeta y músico .[1][2][3] ES aún conocido como el precursor de la aviación y de la balística.[1] Leonardo frecuentemente fue descrito como el arquétipo del hombre del Renascimento, alguien cuya curiosidad insaciável era igualada sólo por su capacidad de invención.[4] ES considerado uno de los mayores pintores de todos los tiempos, y como posiblemente la persona dotada de talentos más diversos a haber vivido.[5] Según la historiadora de arte Helen Gardner, la profundidad y el alcance de sus intereses no tuvieron precedentes y su mente y personalidad parecen sobre-humanos para nodos, y el hombre en sí [nos parece] misterioso y distante.[4]
Nacido como hijo ilegítimo de un notario, Piero de la Vinci, y de una campesina, Caterina, en Vinci, en la región de la Florença, fue educado en el ateliê del renomado pintor florentino, Verrocchio. Pasó la mayor parte del inicio de su vida profesional a servicio de Ludovico Sforza (Ludovico il Vivo), en Milán; trabajó posteriormente en Roma, Bolonia y Venecia , y pasó sus últimos días en la Francia , en una casa que le fue regalada por el rey Francisco I.
Leonardo era, su tiempo, como hasta hoy, conocido principalmente como pintor.[5] Dos de sus obras, la Mona Lisa y La Última Cena, están entre las pinturas más famosas, más reproducidas y más parodiadas de todos los tiempos, y su fama se compara sólo a la Creación de Adão, de Michelangelo .[4] El dibujo del Hombre Vitruviano, hecho por Leonardo, también es tenido como un icono cultural,[6] es fue reproducido por todas las partes, desde el euro hasta camisetas. Cerca de quince de sus pinturas sobrevivieron hasta los días de hoy; el número pequeño se debe a sus experiencias constantes - y frecuentemente desastrosas - con nuevas técnicas, además de su procrastinação crónica.[nb 3] Aun así, estas pocas obras, juntamente con sus cuadernos de anotaciones - que contienen dibujos, diagramas científicos, y sus pensamientos sobre la naturaleza de la pintura - forman una contribución a la futuras generaciones de artistas que sólo puede ser rivalizada a la de su contemporáneo, Michelangelo.[nb 4]
Leonardo es reverenciado por su engenhosidade tecnológica;[5] concibió ideas mucho al frente de su tiempo, como un helicóptero, un tanque de guerra, el uso de la energía solar, una calculadora, el casco doble en las embarcaciones, y una teoría rudimentar de las placas tectônicas.[8] Un número relativamente pequeño de sus proyectos llegó a ser construido durante su vida (muchos ni aún eran factíveis).[nb 5] pero algunas de sus invenciones más pequeñas, como una bobina automática, y un aparato que prueba la resistencia a la tracción de un hilo, entraron sin crédito alguno para el mundo de la industria.[nb 6] Cómo científico, fue responsable por gran avance del conocimiento en los campos de la anatomia, de la ingeniería civil, de la óptica y de la hidrodinámica.[9]
Leonardo de la Vinci es considerado por varios el mayor genio de la historia, debido a su multiplicidade de talentos para ciencias y artes, su engenhosidade y creatividad, además de sus obras polémicas. En un estudio realizado en 1926 su QI fue estimado en cerca de 180.[10][11]
Biografía
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De tiempos en tiempos, el Cielo nos envía alguien que no es sólo humano, pero también divino, de modo que a través de su espíritu y de la superioridade de su inteligencia, podamos alcanzar el Cielo. |
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Genealogía
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Nació un nieto mío, hijo de Ser Piero (…) Su nombre fue 'Lionardo' |
— Antonio de la Vinci[12]
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Leonardo nació en 15 de abril de 1452, "en la tercera hora de la noche",[nb 7] de un sábado,[nb 8] en el vilarejo de Anchiano , en la comuna italiana de Vinci , en la Toscana , situada en el valle del río Arno, dentro del territorio dominado a la época por Florença.[14] Era hijo ilegítimo de Messer Piero Fruosino di Antonio de la Vinci, un notario florentino, y Caterina,[15][16] una campesina[13][17] que puede haber sido una esclava oriunda de Oriente Medio.[nb 9][18] Leonardo no tenía un sobrenome en el sentido actual; "de la Vinci" significa simplemente "de Vinci ": su nombre completo de bautismo era "Leonardo di ser Piero de la Vinci", que significaba "Leonardo, (hijo) de (Mes)ser[19] Piero de Vinci".[14] El propio Leonardo de la Vinci firmaba sus trabajos simplemente como Leonardo o Io Leonardo ("Yo, Leonardo"); presume-si que él no usó el nombre del padre a causa del estado ilegítimo.
Infancia, 1452–1466
Poco se sabe de la infancia de Leonardo. Probablemente pasó sus primeros cuatro o cinco años en el vilarejo de Anchiano , y tras la boda de su madre con Accattabriga del Vaca, se cambió para la casa de la familia de su padre: su abuelo, Antonio, y tío, Francesco, en la pequeña ciudad de Vinci.[nb 10] Su padre se casó con una joven de dieciséis años llamada Albiera di Giovanni Amadori,[12] que amó Leonardo, que la llamaba de madrinha, sin embargo, murió muy pronto sin hijos -y Leonardo testificaría de más tres bodas de su padre Piero. La muerte del abuelo de Leonardo, a quién muy estimaba, también fue alrededor de ese periodo.[1][20] En su vida adulta, Leonardo sólo se recordaría de dos incidentes de su infancia, uno de ellos, tenía como presagio:
Me parece que siempre fui destinado a interesarme muy profundamente por falcões, pues me acuerdo como una de mis primeras recordações que, cuando estaba en la cuna, un falcão descendió sobre mí y abrió mi boca con la cauda, y me batió muchas veces entre los labios con ella.[12][20]
El segundo ocurrió mientras él exploraba las montañas de la región, y tras vagar por alguna distancia entre las rocas proyectadas arriba, llegué a la boca de una inmensa caverna, delante de la cual me quedei por algún tiempo estupefacto, pues ignoraba su existencia (…) y después de quedar allí algún tiempo, de repente despertaron dentro de mí dos emociones - miedo y deseo - miedo de la oscura y ameaçadora caverna, deseo de ver se habría alguna cosa maravillosa allá dentro.[12][20]
La infancia y juventud de Leonardo fueron tema de diversas conjunturas históricas.[21] Giorgio Vasari, biógrafo del siglo XVI que escribió sobre los pintores del Renascimento, cuenta como un campesino local habría pedido a Ser Piero que mandara su hijo pintar un cuadro en una placa redonda o escudo. Leonardo respondió con una pintura de serpientes soltando fuego -o aún un dragón- tan terrible y aún así tan sorprendente que Ser Piero decidió vender para un negociante de arte florentino que, por su parte, a vendió al Duque de Milán. Mientras eso, con el logro de la venta, Ser Piero compró una placa, decorada con un corazón penetrado por una flecha, que él dio al campesino.[22]
Ateliê de Verrocchio, 1466–1476
En su adolescência, Leonardo fue fuertemente influenciado por dos grandes personalidades de la época, Lourenço de Médici y el gran artista Andrea del Verrocchio.
En 1466, con catorce años, Leonardo pasó a ser aprendiz de uno de los más bien-sucedidos artistas de su tiempo, Andrea di Cione, conocido como Verrocchio (Ojo verdadero).[12] El ateliê de Verrocchio estaba en el centro de las corrientes intelectuales de Florença, lo que garantizó al joven Leonardo una educación en las ciencias humanas. Otros pintores famosos que pasaron por un aprendizado en este mismo ateliê fueron Ghirlandaio, Perugino, Botticelli y Lorenzo di Credi.[20][23] Leonardo fue expuesto desde pronto a una vasta gamma de técnicas, y tuvo la oportunidad de aprender dibujo técnico, química, metalurgia, mecánica, carpintaria, a trabajar con materiales como cuero y metal , hacer moldes, además de las técnicas artísticas de dibujo, pintura, escultura y modelado.[24][25][26]
Buena parte de la producción de pinturas del ateliê de Verrocchio era hecha por sus operarios. En consonancia con Vasari, Leonardo colaboró con Verrocchio en su El Bautismo de Cristo, pintando el joven ángel de la izquierda, que coge la túnica de Jesus de manera tan superior a su propio maestro que Verrocchio habría decidido nunca más pintar.[22] Esto probablemente es una exageración; pero un examen atento de la pintura muestra que existen diversos retoques hechos sobre la têmpera utilizando la nueva técnica de pintura a óleo, como el escenario, las rocas que pueden ser vistas al fondo y buena parte de la figura del propio Jesus, todas testigos de la mano de Leonardo.[17]
El propio Leonardo puede haber sido la plantilla para dos obras de Verrocchio, incluyendo la estatua de bronce de David , en el Bargello, y el Arcanjo en Tobias y el Ángel.[17]
En 1472, con veinte años de edad, Leonardo se calificó para el cargo de maestro en la Guilda de Son Lucas, una guilda de artistas y doctores en medicina,[nb 11] sin embargo aún tras su padre haber montado su propio ateliê, su conexión con Verrocchio permaneció tanta que él continuó a colaborar con él.[20] A los pocos, las personas de la corte pasan a hacer encomiendas directamente a Leonardo. Su obra más antigua a ser datada es un dibujo en pena y tinta del valle del Arno, hecho en 5 de agosto de 1473 .[nb 12][23]
Vida profesional, 1476–1513
En 1476, Leonardo de la Vinci, juntamente con tres alumnos más del ateliê de Verrocchio, fueron acusados de sodomia ;[nb 13] según la acusación referente a Leonardo, él habría tenido relaciones homosexuales con Jacopo Saltarelli, un joven de 17 años muy popular a la época en Florença como prostituto.[12] Delante, sin embargo, de la falta de pruebas concretas que confirmaran semejante acusación, Leonardo fue absuelto.[28] A partir de esta fecha hasta 1478 no existen registros ni de obras suyas ni de su paradero,[29] aunque se acostumbra presumir que Leonardo haya estado en el ateliê, en Florença, entre 1476 y 1481.[17] En 1478 le fue encomendada la pintura de un retábulo para la Capela de Son Bernardo, y la Adoração de los Magos, en 1481, para los monjes de San Donato la Scopeto. Esta importante comisión fue interrumpida con la ida de Leonardo para Milán.
En 1482 Leonardo, que en consonancia con Vasari era un músico muy talentoso,[30] creó una lira de plata , con la forma de la cabeza de un caballo. Lourenço de Médici, dicho "il Magnifico", grande humanista, envió Leonardo, a portar la lira como un presente, Milán, para selar la paz con Ludovico Sforza (dicho il Vivo, "el Mouro"), Duque de Milán no oficial.[31] Fue en esta época que Leonardo de la Vinci escribió una carta la Ludovico, citada frecuentemente, en la cual él describe las cosas diversas y maravillosas que él conseguía realizar en el campo de la ingeniería, e informando su señor que él también podía pintar.[23][32]
Leonardo continuó a trabajar en Milán, entre 1482 y 1499. Recibió a encomienda de pintar la Virgem de los Rochedos para la Confraria de la Inmaculada Conceição, y la Última Cena para el mosteiro de Santa Maria delle Grazie.[20] Mientras vivía en Milán, entre 1493 y 1495, Leonardo listó una mujer, llamada Caterina, entre sus dependientes, en sus declaraciones de impuesto de renta. Cuando ella murió, en 1495, la lista de los gastos con el funeral sugiere que ella puede haber sido su madre.[20][33]
Trabajó en diversos proyectos para Ludovico, incluyendo lo preparo de coches alegóricos y desfiles para ocasiones especiales, el proyecto de una cúpula para la Catedral de Milán, y una plantilla de un inmenso monumento equestre para Francesco Sforza, el antecesor de Ludovico. Setenta toneladas de bronce fueron separadas para su confecção; el monumento permaneció inacabado por diversos años, lo que no fue común en la carrera de Leonardo. En 1492 una plantilla de argila fue terminado; él era mayor, en tamaño, que las dos únicas estatuas equestres del Renascimento, la estatua de Gattemelata, en Pádua, y a de Bartolomeo Colleoni, de Verrocchio, en Venecia, y quedó conocido como el "Gran Cavallo".[23][34]
Leonardo comenzó a hacer los proyectos detallados para su fundición;[23]Michelangelo, sin embargo, sugirió, de manera indelicada, que Leonardo sería incapaz de hacerlo.[20] En noviembre de 1494 Ludovico usó el bronce para fabricar cañones, visando defender la ciudad de la invasión de Carlos VIII de la Francia.[23]
En el inicio de la Segunda Guerra Italiana, en 1499, las tropas invasoras francesas de Luís XII sucesor de Carlos VIII, se utilizaron de la plantilla de argila del Gran Cavallo como blanco para practicar tiro. Con la deposição de Ludovico Sforza, Leonardo, juntamente con su asistente, Salai, y su amigo, el matemático Luca Pacioli, abandonó Milán y huyó para Venecia, pasando por Mântua, siendo que en Venecia fue empleado como arquitecto e ingeniero militar, planeando métodos de defender la ciudad de un ataque naval.[17][20]
Al retornar para Florença, en 1500, fue recibido, juntamente con su familia y criadagem, por los monjes servitas del mosteiro de Santissima Annunziata, donde tenía a su disposición un ateliê. Fue allí que, en consonancia con Vasari, él creó el dibujo de la Virgem, el Niño, Sant'Ana y Son João Batista - una obra que conquistó tanta admiración que hombres y mujeres, jóvenes y viejos venían a verla, masivamente, como se estuvieran frecuentando un gran festival.[22][nb 14]
En 1502 Leonardo pasó a trabajar para César Bórgia, hijo de Papa Alexandre VI, tuteando como arquitecto e ingeniero militar, y viajando por toda la Italia con su patrono;[17] es en ese viaje que conoce Nicolau Maquiavel. Retornó a la Florença, donde volvió a formar parte de la Guilda de Son Lucas, en 18 de octubre de 1503 ; recibió a encomienda de un retrato: la Mona Lisa, y pasó los dos años siguientes diseñando y pintando un grande mural de la Batalla de Anghiari para la Signoria,[17] mientras Michelangelo fue responsable por la pieza que la acompañaba, La Batalla de Cascina.[nb 15] Aún en Florença, en 1504, formó parte de un comité formado para transferir, contra la gana del propio autor, Michelangelo, la célebre estatua del Davi.[37]
En 1506 retornó Milán. Muchos de sus pupilos y seguidores más importantes, en el campo de la pintura, o lo conocieron o trabajaron con él en aquella ciudad,[20] incluyendo Bernardino Luini, Giovanni Antonio Boltraffio y Marco D'Oggione.[nb 16] Su padre murió en 1504, y como resultado, en 1507 Leonardo tuvo que volver a la Florença para resolver con sus hermanos los problemas decurrentes de la herencia y de las propiedades paternas. El año siguiente retornó para Milán sobre solicitud del gobernador francés Charles d'Amboise, para resolver problemas de trabajos inconclusos, donde pasó a vivir en su propia casa, en la región de la Puerta Orientale, en la paróquia de Santa Babila.[17]. Después de mercenarios suizos expulsen los franceses en 1512, Massimiliano Sforza hijo de Ludovico, asciende al poder, y Leonardo queda sin patrono. El año siguiente es invitado por Giuliano de' Médici hijo del il Magnifico, para viajar para Roma, que está sobre el control del Papa León X, un Médici.[12]
Vejez, 1513-1519
De septiembre de 1513 a 1516 Leonardo pasó la mayor parte de su tiempo viviendo en el Belvedere, en Vaticano, en Roma, periodo durante el cual Rafael y Michelangelo también estaban en actividad.[17] En octubre de 1515 , Francisco I de la Francia reconquistou Milán;[38] Leonardo estaba presente en el encuentro entre Francisco I y el Papa León X, en 19 de diciembre, ocurrido en Bolonia.[20][39][40]
Fue de Francisco que Leonardo recibió a encomienda de construir un león mecánico, que pudiera caminar para el frente, y abrir su pecho, revelando un ramalhete de lírios .[22][nb 17] En 1516 pasó a trabajar directamente a servicio de Francisco, y le fue concedido el solar de Clos Lucé,[nb 18] próximo a la residencia del rey, en el Castillo de Amboise. Fue aquí que él pasó los tres últimos años de su vida, acompañado por su amigo y aprendiz, el conde Francesco Melzi, y sostenido por una pensión de totalizada 10.000 escudos.[17]
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LEONARDUS VINCIUS: QUID PLURA? DIVINUM INGENIUM, DIVINA MANUS, EMORI IN SINU REGIO MERUERE. VIRTUS ET FORTUNA HOC MONUMENTUM CONTINGERE GRAVISSIMIS IMPENSIS CURAVERUNT |
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Leonardo murió en Clos Lucé, en 2 de mayo de 1519 . Francisco había si hecho un gran amigo; y Vasari relata que el rey cogía la cabeza de Leonardo en sus brazos cuando este murió - aunque la historia, amada por los franceses y retratada en pinturas románticas de artistas como Ingres y Angelica Kauffmann, pueden ser más leyenda del que realidad.[nb 20]
Vasari también cuenta que, sus últimos días, Leonardo habría pedido que un padre le fuera traído, para que se confesara y recibiera la extrema unção.[22] En consonancia con lo que pidió en su testamento, sesenta mendigos siguieron su cortejo. Fue enterrado en la Capela de Saint-Hubert, en el Castillo de Amboise. Melzi fue el principal heredero e inventariante, y recibió, además de todo el dinero de Leonardo, todos sus cuadernos, herramientas, su biblioteca y sus objetos personales. Leonardo también se acordó de su antiguo pupilo y compañero, Salai, y de su creado, Battista di Vilussis; cada uno recibió una mitad de las viñas de Leonardo, siendo que de Salai se hicieron posesiones las pinturas que acompañaban el maestro desde entonces.[16] Sus hermanos también recibieron tierras, y su creada recibió un manto negro de bueno material, con los rebordes de piel.[42]
Cerca de veinte años después de la muerte de Leonardo, el rey Francisco habría hablado, según el escultor Benvenuto Cellini: "Nunca nació en el mundo otro hombre que supiera tanto cuánto Leonardo, ni tanto [por sus conocimientos] de pintura, escultura y arquitetura, pero por él haber sido un grande filósofo."[43]
Relacionamentos e influencias
Florença - contexto social y artístico de Leonardo
Ver artículo principal: Leonardo comenzó su aprendizado con Verrocchio en 1466, el año en que murió el maestro del propio Verrocchio, el grande escultor Donatello. El pintor Uccello, cuyas experiencias con la perspectiva influenciarían el desarrollo de la pintura de paisaje, ya era un hombre de edad muy avanzada, y los pintores Piero della Francesca y Fra Filippo Lippi, el escultor Luca della Robbia, y el arquitecto y escritor Alberti ya estaban en sus sesenta años de edad. Entre los artistas más bien sucedidos de la generación siguiente estaban, además del propio profesor de Leonardo, Verrocchio, Antonio Pollaiuolo y el escultor Mino de Fiesole, cuyos bustos realistas son hasta hoy las evidencias más confiables de la apariencia real del padre de Lourenço de Médici, Piero, y de su tío, Giovanni.[44][45][46]
Leonardo pasó su juventud en una Florença decorada por las obras de estos artistas, y por los contemporáneos de Donatello, como Masaccio - cuyos afrescos figurativos estaban imbuídos de realismo y emoción, o de Ghiberti , cuyas Puertas del Paraíso, folheadas a oro, mostraban el arte de la combinación de composiciones figurativas complejas con fondos arquitetônicos ricamente detallados. Piero della Francesca hizo un estudio detallado de la perspectiva, y fue el primer pintor a hacer un estudio científico de la luz. Estos estudios, juntamente con el Trattato de Leone Battista Alberti, tendrían un efecto profundo en los artistas más jóvenes, y especialmente en las propias observaciones y obras de Leonardo.[44][45][46]
La Expulsão del Jardín del Éden, de Massaccio, mostrando Adão y Eva desnudos y transtornados, abandonando el Jardín del Éden, creó una imagen tremendamente expressiva de la forma humana, representada en tres dimensiones a través del uso de luz y sombra - algo que sería desarrollado en las obras de Leonardo a punto de influenciar la historia de la pintura a partir de entonces. Las influencias humanistas del Davi de Donatello pueden ser vistas en las pinturas de la vejez de Leonardo, en especial lo Son João Batista.[44]
Una tradición recurrente en Florença era a de pequeños retábulos retratando la Virgem y el Niño. Muchas eran hechas en têmpera o terracota vitrificada, por los ateliês de Filippo Lippi, Verrocchio y de la prolífica familia della Robbia.[44] Las primeras madonas de Leonardo, como La Virgem del Cravo y Virgem Benois siguieron en esta tradición, aunque mostraran diferencias idiossincráticas, especialmente en el caso de la Virgem Benois, en la cual la Virgem está retratada en un ángulo oblicuo al espacio del cuadro, con el Niño Jesus en un ángulo opuesto. El mismo tema reaparecería en diversas pinturas posteriores de Leonardo, como La Virgem y el Niño con Santa Ana.[20]
Leonardo fue contemporáneo de Botticelli , Ghirlandaio y Perugino , aunque fueran un poco más viejos que él. Habría conocido todos en el ateliê de Verrocchio, con quien ellos tenían conexiones, y en la Academia de los Médici.[20] Botticelli era especialmente preferido por la familia Médici, y su éxito como pintor era prácticamente garantizado. Ghirlandaio y Perugino eran prolíficos, y también gestionaban grandes ateliês; fueron responsables por comisiones realizadas con cualificación, para patronos satisfechos, que apreciaban la habilidad de Ghirlandaio de retratar los ciudadanos ricos de Florença en grandes afrescos religiosos, y la habilidad de Perugino en crear multitudes de santos y ángeles de inescapável dulzura e inocencia.[44]
Estos tres estaban entre los que fueron comissionados para pintar las paredes de la Capela Sistina, en Vaticano, obra que había sido iniciada por Perugino en 1479. Leonardo no formó parte de esta comisión de prestigio; su primera encomienda significante, la Adoração de los Magos, para los monjes de Scopeto, nunca fue terminada.[20]
En 1476, durante el periodo en que Leonardo estuvo conectado al ateliê de Verrocchio, el pintor flamengo Hugo van dé Goes llegó en Florença, trayendo el Retábulo de Portinari y las nuevas técnicas de pintura del Norte de la Europa que afectarían profundamente los pintores florentinos del periodo. En 1479 el pintor siciliano Antonello de la Messina, que trabajaba exclusivamente con óleos, viajó para el norte, en dirección a Venecia , donde el principal pintor de la ciudad, Giovanni Bellini, también hube adoptado la técnica de la pintura a óleo, transformándola rápidamente en la técnica preferida del local. Leonardo también visitaría Venecia algún tiempo después.[46]
Como dos arquitectos contemporáneos, Bramante y Antonio de la Sangallo, el Viejo, Leonardo experimentó con proyectos para iglesias planeadas centralmente, diversas de las cuales aparecen en sus diarios, tanto en plantas cuanto vistas - aunque ninguno de estos proyectos haya llegado a ser puesto en práctica.[44][47]
Los contemporáneos políticos de Leonardo fueron Lourenço de Médici (il Magnifico), tres años más viejos que él, y su popular hermano más nuevo, Giuliano, muerto en la Congiura di Pazzi de 1478 . Ludovico Sforza (il Vivo), que gobernó Milán entre 1479 y 1499 , periodo durante el cual Leonardo fue enviado como embajador en nombre de la corte de los Médici, también tenía aproximadamente la misma edad.[44][45]
Juntamente con Alberti, Leonardo pasó a frecuentar el hogar de los Médici, y a través de ellos conoció filósofos humanistas como Marsilio Ficino, proponente del neoplatonismo, Cristoforo Landino, autor de comentarios sobre los escritos de la Antiguidade Clásica, y João Argyropoulos, profesor de griego y traductor de las obras de Aristóteles . Otro contemporáneo de Leonardo que también tuvo su nombre asociado a la Academia de los Médici fue el joven y brillante poeta y filósofo Pico della Mirandola.[46][48] Leonardo escribió más tarde, en el margen de uno de sus diarios: "Los Médici me hicieron, y los Médici me destruyeron." Aunque haya sido a través de Lourenço que Leonardo recibiría importantes trabajos en Milán, no se sabe lo que él quise decir exactamente con este comentario críptico.[20]
Aunque acostumbren ser agrupados como los tres gigantes del Alto Renascimento, Leonardo, Michelangelo y Rafael no pertenecieron a la misma generación. Leonardo tenía veintitrés años cuando Michelangelo nació, y treinta y uno en el nacimiento de Rafael, este último tuvo una vida corta, muriendo en 1520, el año después de la muerte de Leonardo; ya Michelangelo continuó creando por 45 años más.[45][46]
Vida personal
Al largo de la vida de Leonardo, su extraordinario poder de inventividade, su "espectacular belleza física", "gracia infinita", "gran fuerza y generosidade", "espíritu régio y tremendo alcance mental", como fueron descritos por Vasari,[22] atrajeron la curiosidad de aquellos que lo cercaban. Diversos autores especularon sobre los varios aspectos de la personalidad de Leonardo; uno de ellos, su adopción de éticas y prácticas personales, que pueden ser ocasionadas de su creciente admiración por la naturaleza y sus criaturas, como puede ser exemplificado por su vegetarianismo y el hábito, descrito también por Vasari, de comprar pájaros engaiolados y liberarlos.[22][49][nb 21]
Leonardo tuvo muchos amigos que se hicieron profesionales renomados en sus campos, o que son célebres hasta hoy por su importancia histórica. Entre ellos está el matemático Luca Pacioli, con quien él colaboró en un libro en la década de 1490, así como Franchinus Gaffurius e Isabella d'Este, la grande dama del Renascimento.[50] Con la excepción de esta última, Leonardo parece no haber se relacionado íntimamente con mujeres. Isabella fue retratada por él durante un viaje que los llevó la Mântua ; el retrato habría sido usado como borrador para una pintura, que no existe más.[20]
Además de sus amistades, Leonardo mantenía su vida privada en secreto. Su sexualidade fue blanco frecuente de estudios, análisis y especulaciones. Esta tendencia ya se inició en medio del siglo XV, y tomó nuevo ímpeto los siglos XIX y XX, especialmente a partir de Sigmund Freud.[51]
Asistentes y pupilos
Los relacionamentos más íntimos de Leonardo fueron con sus dos pupilos, Gian Giacomo Caprotti de la Oreno, apelidado Salai o il Salaino ("pequeño diablo" en la gíria de la época), que entró para su convivencia familiar en 1490. Tras sólo un año, Leonardo hizo una lista de sus contravenções, llamándolo de "un ladrón, un mentiroso, teimoso, y glutão", tras él haber robado dinero y objetos de valor en por lo menos cinco ocasiones, y gastar una fortuna en ropas.[52] Aun así, sus primeros años, los cuadernos de Leonardo contienen diversas pinturas del estudiante, que permaneció como parte de la familia de Leonardo por los treinta años siguientes.[17] Salai también hizo una serie de pinturas, bajo el nombre de Andrea Salai; aunque Vasari haya alegado que Leonardo "le enseñó muy sobre pintura",[22] su obra es generalmente considerada como teniendo un mérito artístico más pequeño del que otros pupilos de Leonardo, como Marco d'Oggione y Boltraffio . En 1515 Salai pintó una versión desnuda de la Mona Lisa, conocida como Mona Vanna.[53] El propio Salai era propietario de la Mona Lisa en la ocasión de su muerte, en 1525, y en su testamento ella fue estimada en 505 liras, un valor excepcionalmente alto para un pequeño retrato.[54]
En 1506 Leonardo acogió otro pupilo, el conde Francesco Melzi, hijo de un aristocrata de la Lombardia. Melzi, estudiante predilecto de Leonardo, viajó con el tutor para la Francia, donde estuvo a su lado durante todo el fin de su vida.[20] Con la muerte de Leonardo, Melzi heredó las colecciones, manuscritos y obras artísticas y científicas de Leonardo, patrimonio que él administró fielmente a partir de entonces.
Obra artística
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Cuando oímos las campanas, oímos aquello que ya traemos en nodos mismos como plantilla. Soy de la opinión que no se deberá despreciar aquel que mirar atentamente para las manchas de la pared, para los carbones sobre la parrilla, para las nubes, o para la correnteza del agua, descubriendo, así, cosas maravillosas. El genio del pintor hay-de se apossar de todas esas cosas para crear composiciones diversas: lucha de hombres y de animales, paisajes, monstruos, demonios y otras cosas fantásticas. Todo, finalmente, servirá para engrandecer el artista. |
— Leonardo de la Vinci
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Introducción
A pesar del reciente interés y admiración por Leonardo cómo científica e inventor, durante más de cuatrocientos años su enorme fama se apoyó en sus hechos como pintor y en un puñado de obras, autenticadas o atribuidas a él, que han sido vistas desde entonces como algunas de las obras-primas supremas ya creadas por el hombre.[55]
Estas pinturas quedaron famosas por una serie de calidades que fueron muy imitadas por estudiantes y discutidas extensivamente por conocedores y críticos. Entre algunas de estas calidades que hacen la obra de Leonardo única están las técnicas innovadoras que él usó en la aplicación de la tinta, su conocimiento detallado de anatomia , luz, botânica y geología , su interés en la fisiognomonia y en la manera por el cual los humanos registran emociones en sus expresiones y gestos, su uso innovador de la forma humana en composiciones figurativas, y el uso de la graduação sutil de la tonalidade. Todas estas calidades se encuentran reunidas en sus obras más famosas, como la Mona Lisa, La Última Cena y la Virgem de los Rochedos.[56]
La Última Cena (L'ultima escena o Cenacolo ), en Milán, es una de las más conocidas pinturas atribuidas a de la Vinci, expuesta en el refeitório del convento de Santa Maria delle Grazie y tema céntrico de la obra El Código de la Vinci de Dan Brown, así como la Mona Lisa (también conocida como LaGioconda , expuesta en el museo del Louvre, en París).
Leonardo no fue un pintor prolífico, pero fue el más prolífico dibujante (projetista), manteniendo diarios llenos de pequeños borradores y dibujos detallados registrando todas las cosas que le llamaban atención. Juntamente con los diarios, existen diversos estudios de pinturas , algunos de los cuales pueden ser identificados como preparaciones para trabajos específicos como La Adoração de los Magos, la Virgem de los Rochedos y La Última Cena.[57] Su dibujo más antiguo, es el Valle del Arno (1473), que ostenta las montañas tan frecuentes en sus obras.[20][57]
Entre sus dibujos más famosos está el Hombre Vitruviano, un estudio de las proporciones del cuerpo humano, y la Cabeza de Ángel, esbozo de Uriel en La Virgem de los Rochedos, en el Louvre, y un gran dibujo en giz, La Virgem, el Niño, Sant'Ana y Son João Batista, en la National Gallery en Londres.[57] Este dibujo emplea efecto sutil del sfumato, técnica de sombreamento presente en Mona Lisa. Se piensa que Leonardo nunca hizo una pintura a partir de él, pero hay una notable semejanza con la pintura La Virgem y el Niño con Santa Ana, actualmente en el Louvre.[17]
Otros dibujos de interés incluyen numerosos estudios generalmente referidos como "caricaturas", porque, aunque exagerados, parecen ser basados en observación de plantillas vivas, como Cabezas Grotescas. Vasari refiere que, si Leonardo encontrarse personas con personalidad interesante, él iría a acompañarlas el día todo observando.[22] Existen numerosos estudios de bellos jóvenes, muchas veces asociados la Salai, con su rara y muy admirada belleza facial, el entonces llamado "perfil griego". Otros estudios muy detallados son los de roupagens, un buen ejemplo es el macabro Retrato de Bernardo di Bandino Baroncelli ejecutado, en que con desapaixonada integridad Leonardo describe las vistes del participante de la Congiura di Pazzi.[57]
Primeras obras
En Florença, 1466-1482
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Il bono pittore ha de la dipingere due cose principali, cioè l'homo e il concetto della mente suya. Il primo è facile, il secondo difficile perché s'ha a figurare con gesti y mueva delle membra. |
— Leonardo de la Vinci[nb 22]
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Leonardo de la Vinci nació en el seno de una familia cuyas posesiones equivalían a la riqueza de las familias que hoy llamamos clase-media, instruida y altruista. Joven, Leonardo reveló desde pronto una aptitud genial para el dibujo, área en que, técnicamente, más se destacó, por lo menos en su carrera prematura.
Segundo, Giorgio Vasari, su familia, amiga íntima de la familia de Verrocchio, tenía un estrecho contacto con el arte florentina. Messer Piero, padre de De la Vinci, llevó un día algunos de los trabajos de Leonardo al ateliê del pintor, cuestionándolo sobre el eventual talento de Leonardo y se merecería la pena invertir en el joven. Verrocchio quedó espantado con la habilidad de Leonardo y, listamente, aceptó el joven en su estudio.
Los trabajos prematuros de Leonardo se resumían, de hecho, a dibujos , esboços a carbón , tinta nanquim o aguada. Aunque solamente se conozca un retrato masculino a óleo en su obra, el pintor exploró con ênfase el retrato de la virilidade masculina, un interés que se revela aún este tiempo de aprendiz. Uno de sus trabajos más intrigantes de este inicio de carrera es Retrato de Bernardo di Baroncelli ejecutado, ya en el estudio de Verrocchio, la pena y tinta, realizado la plumilla de aparo sobre papel preparado, que concluye el mayor registro diseñado, realizado en 29 de diciembre de 1479 . Se trata del retrato de un cadáver, un participante de la Congiura di Pazzi, ejecutado por el asesinato de Giuliano de' Medici.[58] En la inscripción en el tope del papel, Leonardo describe el vestuário del ejecutado, incluyendo los colores con su típica escritura invertida.[nb 23][60] En el margen inferior derecha del trabajo aparece aún una cabeza. Referencia notable para su trabajo es la facilidad y el dominio del trazo, que revelaría más tarde en el pincel. Dos otras pinturas parecen datar de este su periodo en el ateliê de Verrocchio, ambas Anunciações. Una es pequeña, con 59 centímetros por 14; es una predella, destinada a adornar la base de una composición mayor - en este caso, una pintura de Lorenzo di Credi de la cual ella fue separada. La otra es una obra muy mayor, con 2 metros y 17 centímetros.[17] En ambas Anunciações Leonardo se utilizó de un arreglo formal (como en las célebres pinturas de Fra Angelico sobre el mismo asunto), de la Virgem Maria sentada o arrodillada a la derecha del cuadro, con un ángel de perfil aproximándose por la izquierda, con las alas eretas y portando un lírio en un escenario abierto, con un rico juego de perspectiva lineal.[nb 24] Aunque haya sido atribuido anteriormente la Ghirlandaio , la mayor de las dos obras es considerada de manera unánime los días de hoy como siendo de Leonardo.[63]
En la menor de las pinturas Maria desvía sus ojos, y dobla sus manos, en un gesto que simbolizaba la submissão a la gana de Dios; en la otra, sin embargo, Maria no está ni un poco submissa. La bella joven, interrumpida en su lectura por este inesperado mensajero, coloca un dedo en su Biblia para marcar el lugar donde paró y levanta su otra mano en un gesto formal de saudação o sorpresa.[44] Esta joven tranquila parece aceptar su papel como la Madre de Dios, no con resignación, pero con confianza. En esta pintura el joven Leonardo presenta la faz humanista de la Virgem Maria, reconociendo el papel de la humanidad en la encarnação de Dios.[64]
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Una serie de estudios meticulosos lo llevó a concretizar trabajos como La Anunciação o la futura Virgem del Cravo. El estudio de roupagens de los personajes de las obras son uno de los marcos de su recorrido artístico, concebidos con una primazia notable. Basándose en esculturas o plantillas de madera o terracota , cubiertos por panejamentos y joyas - algo en voga, para no haber que pagar cortesãs para posar para sí - Leonardo desarrolló sus cualificaciones en el dibujo y sabiéndolo bien, en su Trattato della Pittura, aconseja los artistas a practicar el dibujo a través del estudio de relieves y esculturas.[nb 25] Estos estudios, de entrada puestos en práctica por el artista, prepararon un genio sagaz y un maestro inconfundible. El humanista Paolo Giovio y Vasari refieren constantemente en sus obras, la perfeição del joven artista en sus dibujos, ya en su inicio como artista. Vasari refiere aunque «los dibujos de De la Vinci son tan perfectos y relatan tan incansável busca por nuevos detalles, con un esfuerzo de imaginação soberbo, que difícilmente los consiguen igualar.»
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La naturaleza benigna providenciou de modo que en cualquier parte usted encuentra algo para aprender. |
— Leonardo de la Vinci
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En esta época Leonardo desarrolló un vitium (en la acepção portuguesa, una «obsessão») por la perfeição de las obras y desarrolló inmensamente su técnica, que lo llevó a crear otras inéditas, como el sfumato, hoy conocido a través de la Mona Lisa. Tal exigencia para consigo propio llevaría a la inconclusão de diversos trabajos, pues en cuanto los iniciaba los ponía de lado, tal era la rapidez y eficacia con que aprendía nuevas técnicas.
Al tiempo que realizaba sus famosos estudios de roupagens, Leonardo concretizó varios dibujos y estudios a partir de la naturaleza. Estos son tipificados por el trabajo que produjo aún mientras aprendiz, así como una de las primeras obras datadas constantes entre la colección de la Galeria de los Uffizi, actualmente. En la esquina superior del Valle del Arno apunta, en su acostumbrada escritura invertida, «el día de Santa Maria del Milagro de la Nieve,[nb 26] 5 de agosto de 1473 ».[27]
Estudio la pena y tinta sobre uno soporte preparatório casi invisible, muestra la vista sobre un valle con montes y escarpas de ambos lados, abriendo en el fondo una escasa visibilidad del mar. La vista podrá ser del camino entre Vinci y Pistoia y, probablemente, habrá sido esbozado a lápiz al aire libre inloco , y después completada la pena y tinta en el ateliê. En el inicio del siglo XX, Woldemar von Seidlitz comprendió las fortificaciones de Papiano en las murallas y torres en una colina a la izquierda de la composición. La importancia de este dibujo no se refleja sólo en el hecho de haber sido hecho por Leonardo, pero sí, en figurar cómo uno de los primeros dibujos autónomos de paisajes de toda la Historia del Arte.
Estos estudios de la naturaleza y de plantillas vivas eran puestos en práctica en sus obras pintadas, como en el Bautismo de Cristo, donde, finalmente, pintó el ángel que coge a la vestimentas de Cristo , que es de lejos, muy mejor y elegante que las figuras pintadas por Verrocchio y Botticelli , y el paisaje de sutis transiciones de tonos cromáticos, con increíbles efectos de la luz, desfocando contornos de montañas y colinas distantes, fundiéndolas a una neblina luminosa -efecto obtenido por el empleo prematuro del óleo en su obra artística-, una evocação al dibujo del Valle del Arno y antecipação del fondo de Mona Lisa.[50]
Vida profesional, 1476–1513
Dando inicio la carrera profesional de artista, el retrato de una joven fue encomendado directamente a Leonardo, marcante, posee una fuerte presencia iconográfica y una austera amargura.
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Cosa bellissima |
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Prematuramente prometida de Luigi di Bernardo di Lapo Niccolini, la juventud de Ginevra, hija de Amerigo Benci, un banquero,[66] y possívelmente deseada del embajador de Venecia , Bernardo Bembo alcanzó la eternidad con esta pintura, encomendada probablemente por el último,[50] aunque sea sugerido que la encomienda haya sido hecha por la familia de la joven en conmemoración de su boda.
La pintura inicialmente mayor, sufrió daños, y propietarios posteriores probablemente a comprimieron[65][66] con un corte de cerca de nueve centímetros en su parte inferior. Tal suposición es sostenida por la pintura del reverso, y por un dibujo preparatório de manos, que sería de la misma joven. El dibujo se encuentra en la Royal Library, Castillo de Windsor.[50]
La criptografia
Algunos historiadores y especialistas concluyen que Leonardo me gustaba mucho de distorcer cosas como en uno quiebra-cabeza. Muchos creen que su escritura invertida era un código que protegía sus esboços contra espías. Según Bruce Peterson, de la RYP Australia Major Projects, Leonardo de la Vinci escribía así porque era canhoto[67] y no quería borrar los textos que creaba febrilmente. Ya historiadores creen que esta escritura era una señal de que Leonardo de la Vinci tenía dislexia, pues escribía de forma embaralhada y ás veces me gustaba formar anagramas. |
Se ha cuenta de que el nombre de la joven y lo de la pintura forman un juego iconográfico de palabras .[65] Atrás de la bella joven, surge una juniperus. La palabra italiana que define este árbol es ginepro, significando genebra o zimbro .[65] Pero, el significado renascentista del árbol era la pureza y la castidad.[66] Esta idea es reforzada por la frase inscrita en el reverso de la pintura, en la cual está pintado un pergaminho con louros y una palma, ambos en torno a un pequeño ramo de zimbro . En el pergaminho hay los siguientes digas: La belleza adorna la virtud[65](VIRTUTEM FORMA DECORAT).[50]
La expresión facial de la joven es el más intrigante en la pintura . Mirando el espectador sin encarar, la incertidumbre de sus sentimientos intriga los especialistas; no se sabe se está cansada, triste, serena, zangada, o sea, un rol de sentimientos inacabáveis que la expresión facial le atribuye. Una joven que oculta el íntimo, modesta, ausente de joyas,[66] tiene como mayor adorno la propia belleza natural como el paisaje que la cerca, lo que podría justificar la inscripción del reverso.
Obras de la década de 1480
- El alta Renascença[nb 28]
En la década de 1480 recibió tres importantes encomiendas y comenzó otro trabajo aún, cuyo tema abrió una rotura en términos de composición . Infelizmente, dos de esos tres trabajos nunca fueron acabados (debido su partida para Milán) y el tercero llevó tanto tiempo, que se hizo blanco de largas negociaciones al largo de su ejecución y pago. Una de estas pinturas es Son Jerônimo en el Desierto. Esta pintura es asociada con un periodo difícil de la vida de Leonardo, y coincide con señales de melancolía encontrados en su diario: "Creí que estaba aprendiendo a vivir; estaba sólo aprendiendo a morir."[20] La composición de la pintura huye a la prácticas costumeiras de la época;[71] Son Jerônimo, como un penitente, ocupa el centro de la figura, levemente inclinado diagonalmente, y visto casi que de cima. Su forma, al arrodillarse, adquiere un contorno trapezoide, con un brazo estirado al reborde exterior de la pintura, y suyo mire volcado para la dirección opuesta; algunos estudiosos apuntan en la obra conexiones con los estudios anatómicos de Leonardo.[nb 29][38] De la Vinci se sirvió de una plantilla de madera y pano para concebir la figura del santo, como se hacía en la altura. Para el poder pintar en esta posición, la cabeza de Leonardo se colocaba a la misma altura que el medio de la tíbia de la plantilla, pintándolo en la diagonal. Por toda la extensión del cuadro está su símbolo, un gran león cuyo cuerpo y cauda forman una espiral doble al largo de la base del espacio de la pintura. Otra característica que se destaca es el escenario incompleto, de rocas escarpadas, contra el cual la figura está delineada.
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Otra composición un tanto cuánto atrevida, los elementos paisagísticos y el drama personal resuenan en la obra de arte inacabada: La Adoração de los Magos, encomienda de los monjes de San Donato la Scopeto. ES una composición muy compleja sobre cerca de 250 cm de anchura y largura de una placa de madera . Para este trabajo el artista esbozó varios dibujos y numerosos trabajos y estudios preparatórios, incluyendo un detalle de una perspectiva lineal de las ruinas de un edificio clásico. Pero en 1482 Leonardo salió con destino a Milán por órdenes de Lourenço de Médici, en tributo a Ludovico Sforza, el mouro, y la pintura y todo el trabajo que había tenido fue abandonada.[17][63]
En Milán, 1482-1499
En Milán, el primer registro de Leonardo de la Vinci es un contrato de una Confraria religiosa intitulada Inmaculada Conceição, datado de 25 de Abril de 1483 , para la pintura de un retábulo para abrilhantar el altar de la capela de Son Francisco, el Grande.[16] El resultado sería el tercero más importante trabajo pictórico del artista, La Virgem de los Rochedos.
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Que tu orgullo y objetivo consistan en poner en tu trabajo algo que se asemeje a un milagro. |
— Leonardo de la Vinci[72]
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A encomienda era la ejecución de pinturas con la ayuda de los imãos Ambrogio y Evangelista de Predis, para un grande y complejo altar, ya construido anteriormente por Giacomo de la Maiano.[16][38] Leonardo, encargado del panel céntrico, escogió pintar un enfático momento de la infancia de Cristo , cuando el pequeño João Baptista, con la protección del ángel Uriel, conoció la Sagrada Familia en una cueva del Egipto, escena de la tradición cristiana de los libros apócrifos y de una Florença dejada para tras, de incontables leyendas sobre Son João Batista.[76][77] En este escenario rochoso que evoca a un paseo de infancia del artista al Monte Ceceri (próximo al territorio florentino),[50], João reconoce y adora Jesus como Cristo. La pintura muestra una misteriosa belleza como las monas figuras arrodilladas en adoração en torno al Niño Jesus, en un paisaje salvaje de caída de rocas y un valle de aguas azules, y coincide con la abandonada Adoração de los Magos debido a su naturalismo y contraste de luz y sombra (chiaroscuro),[50] aquí distintamente visible. La pintura solemnemente declara la riqueza del conocimiento estilístico del traje y de su representación, a juzgar por la concepción notable del vestuário de Uriel (que compite con la simple túnica enegrecida azul de la Virgem), impresa en una figura sóbria e imponente, que pierde lugar en la segunda versión donde asume otra pose, de esta hecha más sencilla, cedente a una nueva Virgem vestida de un manto de azul brillante, suavizando el escenario áspero[50] y contrastando con la representación de la primera versión. A pesar de las avantajadas medidas, cerca de 200 por 120 cm (la segunda versión existente cerca de 190 por 120 cm), la pintura de la Virgem en las Piedras no es tan compleja en cuanto a encomienda de los monjes de Son Donato, constando en escena solamente cuatro figuras en vez de cerca de cincuenta - cuya forma conjunta completa una pirámide triangular - en un paisaje rochosa, en vez de detalles arquitetônicos. Eventualmente, la pintura fue acabada. De hecho, dos versiones de esta pintura fueron hechas, una entregue la Confraria religiosa y la otra llevada para la Francia por el propio Leonardo.[17][23]
Se cree que la versión del Louvre sea la primera de las versiones, pintada entre 1483-1486, o más cedo.[78] La segunda versión, pertecente la National Gallery desde 1880, fue vendida por la iglesia en 1781, y,ciertamente, en 1785 se hizo posesión de Gavin Hamilton, que la llevó para la Inglaterra, donde pasó por varias colecciones.[78] En esta versión es probable la participación de otros artistas como Ambrogio de Pedris, y, de cierto modo, aún tratándose de una pintura más madura, su naturalismo pierde lugar para un idealismo muy mayor del que lo de la versión anterior.[50]
Actualmente, existe la especulación de otra versión[74](Versión Cheramy), en que Leonardo haya participado, cronológicamente anterior la versión de Londres .
| Arquitetura militar
Durante su periodo en Milán con Ludovico Sforza, Leonardo proyectó varios edificios con armas de guerra y refuerzos. Su habilidad para arquitetura militar contribuyó para su fama entre los Sforza. Entre sus más formidáveis proyectos militares está una escalera para uso en una torre fortificada. El proyecto incluía cuatro rampas independientes de otras. Así, los soldados podían subir y descender de 4 pisos sin esbarrar en grupos de soldados que iban en dirección contraria. En 1502, Leonardo proyectó un foso interesante. Él escondió una torre cilíndrica debaixo d'agua con un techo levemente inclinado que salía un poco de la superficie del agua. Los defensores que estuvieran dentro de la torre podrían disparar sus armas a través de la superficie del agua. Feno mojado cubría el techo de la torre contra los daños causados por los disparos. Leonardo proyectó también un castillo con sistema triple de seguridad. Uno de las esquinas de esa construcción tenía dos fortificaciones: la primera se extendía hasta la esquina del fuerte y la otra se extendía sobre parte de la pared externa. |
Gravámenes en la Corte
Entre 1487 y 1490 Leonardo asume una posición de destaque en la corte milanesa. Su trabajo no se resumía a pintar, y entre otras cosas, también era responsable por la organización de festividades, trabajo que íntimamente no lo contentaba;[12] trabajó varios años en la realización de una estatua equestre para el antecesor de Ludovico, Francesco Sforza, que nunca concluyó y en la edificação de estructuras defensivas, como arquitecto militar del duque. Leonardo también participó de la decoração de cuartos y apartamentos de la corte (siendo solamente parte de la Salla delle Asse trabajada alrededor de 1498 , lo que restó de este gravamen), y en la decoração del refeitório de los padres dominicanos de Santa Maria delle Grazie(1495-1498).[16] ES en esta época de grandes hechos que incontables retratos de mujeres íntimamente conectadas a su patrono son realizados, entre ellos el retrato de una joven muy admirada en la corte, cuyo resultado sería una mezcla del lenguaje iconográfica de Ginevra de' Benci y el naturalismo de la Virgem de los Rochedos.
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El más bello dibujo del mundo. |
— Bernard Berenson[50]
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Entre sus obras acabadas ocupa una posición de destaque un retrato de una señora de la aristocracia, que coge en las manos un arminho: el retrato de Cecília Gallerani, mundialmente conocido como Dama con Arminho. Pintado alrededor de 1488 , el cuadro concentra todas las innovaciones de Leonardo en la época: la representación del rostro volcado en una posición de tres-cuartos, el gesto de la mano,[nb 31] la definición de la forma por la luz y la representación del movimiento interrumpido[79] visando una estructura helicoidal.[50] Cecília parece reaccionar a la presencia de alguien fuera de la pintura, en un movimiento de giros de cabeza y tronco, el arminho de tamaño un tanto exagerado, le repite el gesto, la mano curvada elegantemente corresponde, por su parte, al movimiento del animal, creando un sintonia entre plantilla y el arminho.
De hecho, el lenguaje iconográfica utilizada por Leonardo en esta obra -que nos remite a una pintura de su fase inicial, la Ginevra de' Benci-, hizo con que permanecieran varios misterios en relación al simbolismo del arminho. Se cree que el arminho es una alusión al apelido de la joven aristocrata,[50] visto que el sonido de «Gallerani» es remanescente de la acepção griega para arminho, «galée». Noutra vertiente, el animal es considerado una señal de pureza, pues, se creía, el arminho prefería morir en una cacería, del que refugiarse en alguna toca, para no sujar su manto blanco.[16][80] Sin embargo, la razón más probable es la tercera, o sea, la alusión a Ludovico Sforza.[50] A joven era la amante de elección de Ludovico y, a partir de meados de 1488 , este comenzó a usar el arminho como uno de sus emblemas. Así Ludovico, bajo la simbólica forma de animal, surge en el regaço de la joven, bien penteado y acariciado por las manos de su amante. Existen pruebas documentáis de que el cuadro perteneció la retratada.
Obras de la década de 1490
- Retratos de Perfil
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El Retrato de Mujer de Perfil (c. 1493-1495), trata del retrato de la esposa de Ludovico Sforza, Beatriz d'Este. Pintado, probablemente, por Ambrogio de Pedris, con la calidad del trazo de la cabeza de la retratada sugiriendo, según Martin Kemp, profesor emérito de investigación en historia del arte en la Universidad de Oxford, que Leonardo haya participado de la pintura, responsabilizándose por las bases del dibujo.[16] La atribución es reforzada de forma recíproca con la atribución de un cuadro a que, inicialmente, fue dada origen alemana, del siglo XIX, pero que fue, en 2009, atribuido a Leonardo.[81] Se trata de un retrato de mujer igualmente de perfil y con características semejantes al retrato de Cecília Gallerani, que fue identificado gracias a una impresión digital y análisis científicos. Inicialmente denominado Mujer de Perfil con Vestido de la Renascença, fue renombrado de La Bella Principessa por Kemp, que identificó la retratada como Bianca Sforza, hija de Ludovico Sforza y su amante Bernardina de Corradis. Los miembros de la familia Sforza siempre fueron retratados en perfil, en contraste con las amantes de Ludovico que no eran.
Alrededor de este periodo se datan dos más retratos atribuidos al artista, el inacabado Retrato de un Músico, su único retrato pictórico masculino y La Belle Ferronière, retrato de Lucrezia Crivelli, amante de Ludovico, concluyendo un ciclo de retratos femeninos en la corte milanesa.
Hay una referencia documentada de una encomienda, posiblemente del duque Ludovico Sforza, presente en una lista que instruía uno de sus operarios, Marchesino Stanga, con tareas que le exigían atención. Una de las tareas era que
apresure Leonardo, el florentino, a terminar el trabajo en el refeitório delle Grazie, que él comenzó, para que se ocupe enseguida del otro salón del refeitório delle Grazie; y que los contratos que él firmó con su mano sean cumplidos, pues lo obligan a terminar el trabajo dentro del tiempo que será quedado con él - Ludovico Sforza[16]
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Las manos y los brazos, en todas sus acciones, deben exhibir la intención de la mente que los mueve, hasta cuando sea posible, porque, por medio de ellos, quién tenga un buen juicio mostrará intenciones mentales en todos sus movimientos. | — Leonardo de la Vinci[50]
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La pintura más famosa de Leonardo, de la década de 1490, es La Última Cena (1495-1498), pintada en el refeitório de los padres dominicanos de Santa Maria delle Grazie en Milán. ES una obra fundamental de la historia del Arte. La pintura presenta la última cena, partilhada por Jesus con sus discípulos, antes de su captura y ejecución. Muestra el momento específico en que Jesus, en consonancia con el relato bíblico, habría dicho a los apóstolos que uno de ellos lo traicionaría. Leonardo muestra la consternação que esta afirmación provocó entre los doce seguidores de Jesus.[23] Lo romancista Matteo Bandello observó Leonardo trabajando en la obra, y escribió que
Por diversas ocasiones, presenciei Leonardo dirigirse luego por la mañana para dedicarse a la pintura de La Última Cena. Acostumbraba permanecer allí, desde el nacer del sol hasta el atardecer, sin dejar los pincéis descansen de sus manos, pintando siempre, sin comer ni beber. Después, por tres o cuatro días, no volvía a tocar en el trabajo" - Matteo Bandello[50]
Esto, en consonancia con Vasari, estaba además de la compreensão del prior, que lo atormentó hasta que Leonardo pidiera la intervención de Ludovico. Vasari describe como Leonardo, atormentado con la duda de su capacidad de retratar los rostros de Cristo y del traidor Judas, dije al duque que sería gracias a usar el propio prior como su plantilla.[22][nb 32]
Cuando terminada, la pintura fue aclamada como una obra-prima del dibujo y de la caracterización,[22] sin embargo rápidamente se deterioró, hasta tal punto que, cien años tras su término, la obra fue descrita por un observador suyo como "completamente arruinada".[17] Leonardo, en vez de usar la técnica más confiable del afresco, se utilizó de la têmpera sobre una superficie hecha básicamente de gesso - lo que resultó en un material sujeto al moho y la esfarelar-se.[17] A pesar de eso, la pintura continúa a ser una de las obras de arte más reproducidas de todos los tiempos, e incontáveis copias suyas son hechas comúnmente, de las maneras más variadas - de alfombras la camafeus .
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Explota en Milán la Segunda Guerra Italiana (1499–1504), y Ludovico Sforza es depuesto. Después de la destrucción de su plantilla en argila para el Gran Cavallo por las tropas francesas, Leonardo siéntese fuertemente motivado a abandonar la ciudad. Acompañado de Salai y su amigo Luca Pacioli parte, pasando por Mântua y después Venecia, siendo ahí empleado como ingeniero y arquitecto militar, y, el año siguiente, va para Florença.[17][20]
Obras de la década de 1500
Retorno la Florença, 1500-1506
En Florença están documentadas una o dos pequeñas pinturas de la Virgem con el Niño, trabajadas por Leonardo y su ateliê, alrededor de 1501 [16] en una carta de Pietro de la Novellara para Isabella d'Este, la grande dama del Renascimento protectora de los artes en Mântua.[50][85] La pintura de la Virgem del Huso -como en el caso de la Virgem de los Rochedos con más de una versión-, se destinaba al secretario de Estado francés Florimond Robertet, siéndole entregue, probablemente, una de sus versiones en 1507, en Blois.[86]
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Que tu trabajo sea perfecto para que, aún tras tu muerte, él permanezca. |
— Leonardo de la Vinci[72]
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Atribuidas al ateliê de Leonardo como copias de un original perdido, o instrucionadas por el maestro. |
La Virgem del Huso retrata una escena de un fuerte vínculo entre madre e hijo -un amor maternal que se repetiría en pinturas como La virgem y el niño con Santa Ana-, lo que lleva a creer que la pintura fuera destinada la devoção privada.[86] El nombre de la obra se basa en el huso de significado ambíguo presente en la pintura.
Al largo de los tiempos, varios críticos han atribuido diversas interpretaciones al huso, pero el más correcto es aunque represente una cruz, pero simplemente, de forma simbólica.
De hecho, las enormes inteligencia y creatividad de Leonardo le permitían tratar todos los asuntos que le provocaban algún interés recurriendo a símbolos . Si quiera representar una cruz, especialistas apuntan dos hipótesis, siendo de más probable la segunda. Muchos creem, basándose en las copias existentes, que el Niño asesta el huso (simbólicamente, la cruz) con una devoção perplexa, reforzada por la expresión de su mirar, que parece agradado con el objeto que tiene en mano. Sin embargo, en segunda hipótesis está la idea de que el Niño juguetea con el huso con alegría, lo que sería considerado una heresia en la altura en que fue pintada, si este represente una cruz. La imagen de Jesus jugueteando con la cruz no sería acepta por la conservadora sociedad, y menos aún por la Iglesia y por el Tribunal Inquisidor, lo que reforzaría los fines de devoção privada.
Actualmente, existen dos versiones asociadas a Leonardo,[86] pero las atribuciones no son unánimes. ES probable que las pinturas sean copias del original de Leonardo, de autoría de los pupilos del artista, con o sin el auxílio del maestro.
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Imagen culminante de la poética de de la Vinci |
— Pietro C. Marani[50]
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Entre las obras realizadas por Leonardo en la década de 1500 está un pequeño retrato, conocido como Mona Lisa o La Gioconda , "la risonha". La pintura es famosa principalmente por la sonrisa elusivo en el rostro de la retratada, y por la calidad misteriosa, posiblemente provocada por el hecho de que el artista sombreó sutilmente las esquinas de su boca y ojos, para que la naturaleza exacta de la sonrisa no pudiera ser determinada. Este sombreado peculiar, por el cual la obra es conocida, vino a ser llamado de sfumato ("esfumaçado"). Vasari, que se cree haber conocido la pintura sólo por su reputación, dije que su "sonrisa era tan agradable que parecía ser divino, en vez de humano; y aquellos que lo vuelcan quedaron espantados al descubrir que él parecía tan vivo cuanto el original".[22][nb 33]
Otra característica observada en esta obra es el vestido sin adornos (una manera de evitar que el espectador no tenga su atención desviada de los ojos y de las manos de la retratada), el escenario de fondo, dramático, en el cual el mundo parece estar en el estado de flujo continuo, con una coloração controlada, y la naturaleza extremadamente suave de la técnica de pintura, que emplea tintas a óleo aplicadas como se fueran têmpera, y mezcladas de tal manera en la superficie que las pinceladas no pueden ser percibidas.[nb 34] Vasari expresó la opinión de que la manera con que Leonardo hizo la pintura haría aún "el más confiante de los maestros (…) desesperarse y desanimar."[22] El estado perfecto de conservación en que la pintura se encuentra, y el hecho de que no existen otras señales de reparaciones relevantes o pinturas solapadas es extremadamente raro en una pintura de esta edad.[17]
La identidad de la plantilla es motivo de controversias, se cree que sea Lisa del Giocondo (Lisa Gherardini), mujer de un comerciante florentino, Francesco del Giocondo, con base en notas escritas de Agostino Vespucci de 1503 en un libro impreso de Cícero, de 1477 (parte del acervo de libros datados de la primera fase de la prensa), encontradas en la Biblioteca de la Universidad de Heidelberg, confirmando la afirmación de Vasari, que identificó la pintura como "Monalisa" en su publicación en 1550, en referencia a la Lisa del Giocondo. Se descubrió también que Lisa había sido madre recientemente, y el retrato fue realizado posiblemente en conmemoración de la reciente maternidad.[89][90] Esta teoría es reforzada por el descubrimiento de un fino véu negro -utilizado por las aristocratas toscanas durante, y algunos meses después de la gestação-, durante investigaciones del Centro de Investigación y Restablecimiento de los Museos de la Francia (C2RMF) y el Consejo Nacional de Investigaciones del Canadá (NRC), cuando la pintura fue sometida al examen en infrarrojo.[91] Lillian Schwartz, científico de los Laboratorios Bell, sugiere que la Mona Lisa es, en la verdad, un autorretrato de Leonardo, sin embargo, vestido de mujer. Esta teoría se basa en el estudio del análisis digital de las características faciales del rostro de Leonardo y los trazos de la plantilla. Comparando un auto retrato de Leonardo con la mujer del cuadro, se verifica que las características de los rostros se alinean perfectamente. Esa hipótesis gana ênfase en El Código de la Vinci, best seller de Dan Brown.
En 1506, el entonces gobernador francés del ducado de Milán, Charles d'Amboise, solicitó al gobierno de Florença el permiso para el viaje de Leonardo a Milán , para resolver el problema de trabajos pendientes. El permiso concedido era de tres meses, sin embargo, el artista acabó permaneciendo en la ciudad más tiempo del que el previsto.[50]
Retorno Milán, 1506-1513
No se sabe al correcto la naturaleza del origen del trabajo inacabado, es sugerido tratarse de la Virgem de los Rochedos versión de Londres , en que, en una sentencia judicial datada de 27 de abril, era cobrada la finalización de la pintura a Leonardo y Ambrogio de Pedris.[50] Posiblemente, la pintura inicial trataba de una escena de adoração al Niño Jesus, ya que exámenes en infrarrojo realizados en 2005 revelaron una pintura diferente oculta, por bajo de la versión visible,[92] sin embargo, Leonardo retomó la composición de la anterior Virgem de los Rochedos de 1483 , con leves alteraciones, y figuras mayores y más monumentais del que la versión anterior. El factor de la ejecución de la misma pintura es blanco de controversias, pero se sabe que la versión de Londres fue a entregue, de hecho, la confraria, aún probablemente, aún inacabada, y la anterior quedó en mano de Leonardo.
Leonardo tuvo una extraña carrera, de no cumplimiento de plazos, de encomiendas inconcluídas o aún jamás entregues, lo que resultaba en clientes insatisfeitos y frecuentes cobros.[3][16] De estos trabajos inacabados, parece existir un importante que retoma las posiciones oblicuas de pinturas anteriores como Son Jerônimo en el Desierto, y cuyo origen no es necesariamente de una encomienda.
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Haga siempre sus figuras de tal modo que el tronco no esté orientado en la misma dirección de la cabeza. Deje el movimiento de la cabeza y de los brazos ser suave y agradable, valiéndose de diferentes giros y torsores. |
— Leonardo de la Vinci[50]
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En esa nueva pintura, la coroação de los muchos dibujos y esboços del tema,[16] abordado por el artista en diversas ocasiones como en La Virgem, el Niño, Sant'Ana y Son João Batista,[50] Leonardo emplea nuevamente el sutil efecto del sfumato. La pintura retrata a Virgem Maria (cuyo manto parece evocar la igualmente oblicua Virgem Benois, una de sus primeras Madonas), su hijo Jesus y su madre Santa Ana, abuela de Jesus , en una escena privada e intimista. Lo que hace esta pintura inusual es que hay dos figuras posicionadas oblicuamente, solapadas. Maria está sentada en la rodilla de su madre, Santa Ana. Ella se inclina para frente para coger el niño Jesus que juguetea (un tanto groseramente) con un cordero, señal de su propio y vindouro sacrificio.[23] Esa pintura copiada muchas veces, fue influencia para Michelangelo, Rafael y Andrea del Sarto,[17] y a través de ellos Pontormo y Correggio . En la composición, Leonardo muestra novedades que serán adoptadas principalmente por los pintores venezianos Tintoretto y Veronese .
Esa pintura así como Mona Lisa acompañaría Leonardo desde entonces, sin embargo debido a problemas, quedó por concluir.
Últimas obras
En 1512, Massimiliano Sforza, hijo de Ludovico toma posesión del ducado de Milán, después de la expulsão de las tropas francesas de Luís XII, y Leonardo se vio sin patrono. En 1513, el hijo de Lourenço il Magnifico, Giuliano de' Médici, el entonces jefe del estado de Florença , hizo una invitación para Leonardo viaje a Roma, que estaba sobre el control de su hermano más viejo, Giovanni (João), ahora Papa León X.[12]
En Roma, 1513-1516
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Los Médici me hicieron, y los Médici me destruyeron |
— Leonardo de la Vinci
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En 1513, Leonardo está hospedado en el Palacio del Belvedere, en Vaticano, donde residiría hasta 1516, época en que su rival Michelângelo y Rafael eran activos en Roma.[12][17] Leonardo entonces siéntese envuelto en crecientes problemas resultantes de su alejamiento de la corte -incluyendo intrigas con Michelângelo-, y después es acusado y punido por el papado debido a sus estudios anatómicos, siendo proíbido de continuar sus estudios por posibles irregularidades sacrílegas, siendo que de su patrono, Giuliano no hube ninguna intervención.[12] Sus últimas pinturas datan de este periodo en que el avance de un problema de bisagra en una de las manos lo hace a los pocos perder las fuerzas, siendo que después de ese periodo no pinta más.[1] Sus últimas pinturas son Son João Batista en que nuevamente emplea el sutil efecto del Sfumato, Leda y el Cisne su único nú, hoy perdido, y debido a flaqueza de su mano, estaba incapaz de dar continuidad la Virgem y el Niño con Santa Ana, que lleva consigo, juntamente de otras pinturas como Mona Lisa para la Francia en 1516, donde viviría sus últimos años acompañado de Salai y Francesco Melzi, su pupilo preferido.
Leonardo el observador, científico e inventor
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Él fue un hombre que despertó pronto demasiado en la oscuridad, mientras los otros continuaban a dormir | |
Introducción
El Humanismo Renascentista no veía polaridades mutuamente exclusivas entre las ciencias y los artes, siendo los estudio de Leonardo, en ciencias e ingeniería, tan impresionantes e innovadores como su trabajo artístico, grabados en cuadernos compuestos por cerca de 13.000 páginas de notas y dibujos que funden arte y filosofía natural (precursora de la ciencia moderna). Estas notas fueron hechas y mantenidas cotidianamente durante toda la vida de Leonardo y sus viajes, como él hizo en sus observaciones continuas del mundo a su redor.[23]
Los cuadernos son, en su mayoría, escritos de forma invertida. La razón puede haber sido más una oportunidad práctica, del que por razones de sigilo como muchas veces es sugerido. Siendo Leonardo probablemente canhoto, es posible que le era más fácil escribir de la derecha para la izquierda.[67]
Sus anotaciones y dibujos muestran una enorme gamma de intereses y preocupaciones, algunas tan proscribáis como las listas de compras y las personas que le debían dinero, y otras tan intrigantes como dibujos de alas y zapatos para caminar sobre el agua. Hay composiciones de pinturas , estudios de detalles y panejamentos, estudios de rostros y gestos, de animales, bebés, dissecações, estudio de plantas , formaciones rochosas, piscinas de hidromassagem, máquinas de guerra , helicópteros y arquitetura .[23]
Esas páginas de cuadernos originalmente sueltas, de diferentes tamaños, distribuidas después de su muerte, encontraron camino en colecciones importantes, como la Royal Library del Castillo de Windsor, el Museo del Louvre, la Biblioteca Nacional de España, el Museo Victoria y Alberto, la Biblioteca Ambrosiana de Milán , que detiene los dozes volúmenes Codex Atlanticus, y la Biblioteca Británica en Londres, que disponibilizou de forma on-line una selección a partir de su cuaderno BL Arundel MS 263.[94] El Codex Leicester es la única gran obra científica de Leonardo en mano privadas. ES propiedad de Bill Gates, y es exhibido una vez por año en diferentes ciudades por el mundo.
Los estudios de Leonardo Parecen haber sido destinados la publicación, porque muchas de las hojas tienen una forma y orden que facilitan a la misma. En muchos casos, un único tópico, por ejemplo, el corazón o el feto humano, es abordado en detalles en palabras e imágenes, en una única hoja.[95] El porquê ellos no fueron publicados durante la vida de Leonardo es desconocido.[23]
Estudios científicos
Hombre Vitruviano
Datado del año 1490, un estudio de las proporciones humanas basado en el tratado recién-redescoberto del arquitecto romano Vitruvius. Leonardo debruçou-si sobre lo que fue llamado el Hombre Vitruviano, lo que acabó haciéndose uno de sus trabajos más famosos y un símbolo del espíritu renascentista. El dibujo reproduce la anatomia humana conduciendo eventualmente al designio del primer robot conocido en la historia que vino a ser llamado del Robot de Leonardo. |
Leonardo intentó entender los fenómenos y describiendo en detalle extremo, y no enfatizó experiencias o explicaciones teóricas. Al largo de su vida, planeó una enciclopédia basado en dibujos detallados de todo. Como no dominaba el latim y la matemática , Leonardo de la Vinci científico era ignorado por los estudiosos contemporáneos, como evoca su famosa frase uomo senza lettere, en que claramente se refiere la tales limitaciones. En la década de 1490 , estudió matemática con su amigo, el matemático Luca Pacioli y preparó una serie de gravuras -incluyendo el Hombre Vitruviano- para ilustrar el libro de Pacioli , De Divina Proportioni, publicado en 1509.[23]
Parece que a partir del contenido de sus diarios estaba planeando una serie de tratados que serían publicados en una variedad de asuntos. Un tratado coherente sobre la anatomia fue dicho haber sido observado durante la visita del cardenal secretario Louis D'Aragon, en 1517.[96] Aspectos de su trabajo sobre los estudios de anatomia, luz y de paisaje fueron montados para la publicación por su pupilo Francesco Melzi y, finalmente publicado como Trattato della Pittura de Leonardo de la Vinci, póstumamente en la Francia y en la Italia en 1651, y en la Alemania en 1724,[97] con gravuras basadas en dibujos del pintor clásico Nicolas Poussin. Según Arara, el tratado, que en la Francia fue publicado en sesenta y dos ediciones en cincuenta años, ocasionó que Leonardo fuera visto como el precursor del pensamiento académico francés sobre el arte.[23]
Un análisis reciente y exaustiva de Leonardo cómo científico por Frtijof Capra[98] defiende que Leonardo era un tipo fundamentalmente diferente de científicos como Galileu, Newton y otros científicos que lo siguieron. Su experimentação siguió claro, abordagens con métodos científicos, y juntamente su teorização e hipotética vuelta los artes, particularmente en la pintura, lo hicieron Leonardo único e integrado, en que puntos de vista holísticos de la ciencia, hacen de él un precursor de los modernos sistemas teóricos y complejas escuelas de pensamiento.
Anatomia
La formación de Leonardo de la anatomia del cuerpo humano se inició con su aprendizado en el ateliê de Andrea del Verrocchio, su maestro insistía que todos los alumnos debían aprender anatomia. Como artista, él rápidamente se hizo maestro de la anatomia topográfica, realizando muchos estudios de músculos , tendões y otras características anatómicas visibles.
Como un artista de éxito, él recibió el permiso para dissecar cadáveres humanos en el Hospital de Santa Maria Nuova, en Florença y más tarde en el hospital de Milán y Roma . Entre 1510 y 1511 , colaboró en sus estudios el médico Marcantonio della Torre, y juntos elaboraron un trabajo teórico sobre la anatomia, en que Leonardo hizo más de 200 dibujos. Fue publicado sólo en 1680 (161 años después de su muerte), integrando el Trattato della Pittura.[23][57]
Leonardo diseñó muchos estudios sobre el esqueleto humano y sus partes, así como los músculos y nervios, el corazón y el sistema vascular, los órganos sexuales, y otros órganos internos. Él hizo uno de los primeros dibujos científicos de un feto en el útero.[57] Cómo artista, Leonardo observó y registró cuidadosamente los efectos de la edad y de la emoción humana sobre la fisiologia , estudiando en particular los efectos de la rabia. Él también diseñó muchas figuras importantes que tenían deformidades faciales o señales de enfermedad.[23][57]
Él también estudió y diseñó la anatomia de animales diversos, así como, dissecando vacas, aves, monos, osos y rãs, y comparaba sus dibujos en su estructura anatómica con lo de los seres humanos. Él también hizo una serie de estudios de caballos.
Ingeniería e invenciones
Durante su vida, Leonardo era valorado como un ingeniero. En una carta la Ludovico, il Vivo, afirmó ser capaz de crear todos los tipos de máquinas, tanto para la protección de una ciudad, cuanto para lo cerco. Cuando él huyó para Venecia en 1499, encontró empleo como ingeniero y arquitecto militar y concibió un sistema de barricadas móviles para proteger la ciudad de un ataque naval. Él también tenía un esquema para desviar el flujo del río Arno, un proyecto en el cual también trabajó Nicolau Maquiavel.[99][100] Los cuadernos de Leonardo incluyen un vasto número de invenciones, algunos de posible construcción, otros imposibles. Ellos incluyen instrumentos musicales, bombas hidráulicas, cañones, entre otros.[20][23]
En 1502 Leonardo de la Vinci produjo un dibujo de un puente como parte de un proyecto de ingeniería civil para Sultão Bayezid II de Istambul . Nunca fue construida, pero la visión de Leonardo fue resucitada en 2001 cuando un puente más pequeño, basada en el proyecto de él, fue construida en la Noruega .[101] En 17 de mayo de 2006 , el gobierno turco decidió construir el puente de Leonardo para medir el Cuerno de Oro.[102]
Por mayor parte de su vida, Leonardo fue fascinado por el fenómeno de vuelo, produciendo muchos estudios detallados del vuelo de los pájaros, incluyendo su Codex sobre el Vuelo de los Pájaros de 1505 , así como planos para varias máquinas voadoras,[23] intentó aplicar sus estudios para los prototipos que diseñó, el primero bautizado de SWAN DI VOLO (Cisne voador), según especialistas es de 1510 , inclusive un helicóptero movido por cuatro hombres, y un planeador cuya viabilidade ya fue probada.[103]
Leonardo, el mito
En vida, la fama de Leonardo fue tamaña que el rey de la Francia lo llevó como un trofeo, lo manteniendo en la vejez, y lo había prendido en los brazos cuando murió. El interés por Leonardo nunca afrouxou. Las multitudes aún hacen filas para ver sus obras más famosas, su dibujo más famoso, hoy es estampa de camisetas y escritores, como Vasari, continúan la maravilhar-si con su genio y especular sobre su vida privada y, particularmente, sobre lo que una persona tan inteligente realmente creía íntimamente.[23]
Giorgio Vasari, en la edición ampliada de Le vite de' più eccellenti pittori, scultori y architettori, 1568,[104] presenta su capítulo sobre Leonardo de la Vinci con las siguientes palabras:
En el curso natural de los acontecimientos, muchos hombres y mujeres nacen con talentos notables, pero, ocasionalmente, de una manera que transcende la naturaleza, una única persona es maravillosamente dotada por el cielo con la belleza, gracia y talento en abundancia tal que él deja los otros hombres para tras, todas sus acciones parecen inspiradas y, en la verdad todo lo que hace claramente viene de Dios y no de la habilidad humana. Todos reconocen que eso era verdad en Leonardo de la Vinci, un artista de belleza física excepcional, que mostró infinita gracia en todo que él hizo y que cultivó su genio tan brillante que todos los problemas que estudió, él resolvió fácilmente.
La admiración por Leonardo continuó comandada a partir de pintores, críticos e historiadores, reflejada en muchas otros homenajes escritos. Baldassare Castiglione, autor de Il Cortegiano ("El Cortesão"), escribió en 1528: (...)Otro de los mayores pintores en ese mundo mira para bajo sobre este arte en que él es inigualável(...),[105] mientras el biógrafo conocido como "Anónimo Gaddiano", escribe en 1540: Su genio era tan raro y universal, que se puede decir que la naturaleza hizo un milagro en su nombre(...).[106]
El siglo XIX traje una admiración especial por el genio de Leonardo, haciendo con que Henry Fuseli escribirse en 1801: Tal fue el alvorecer del arte moderno, cuando Leonardo de la Vinci quebró adelante con un esplendor que alejara la excelência anterior: formada por todos los elementos que constituyen la essência del genio(...)[107] Es decir ecoado por A. Y. Río, que escribió en 1861: Él se elevó por encima de todos los otros artistas con la fuerza y la nobleza de sus talentos.[108]
Alrededor del siglo XIX, los cuadernos de Leonardo ya eran conocidos, así como sus pinturas. Hippolyte Taine escribió en 1866: No puede haber en el mundo un ejemplo de otro genio tan universal, tan incapaz de cumplimiento, tan lleno de deseo para el infinito, tan naturalmente afinado, tanto al frente de su siglo, y los siglos siguientes.[109]
El famoso historiador de arte Bernard Berenson escribió en 1896: Leonardo es el artista, uno de los cuales se puede decir perfecto literalmente: nada del que tocó se transformó, si no en una cosa de belleza eterna. Quiere sea la sección transversal de un crânio, la estructura de una hierba dañina, o un estudio de músculos, él, con su sentimiento de línea y de luz y sombra, siempre transformó eso en vida, comunicando valores.[110]
El interés por el genio de Leonardo continuó inabalável; especialistas estudian y traducen sus escritos, analizan sus pinturas con técnicas científicas, discuten sobre atribuciones y buscan por trabajos que nunca fueron encontrados.[111] Liana Bortolon, escribiendo en 1967, dije: A causa de la multiplicidade de intereses que le incentivó a buscar cada campo del conocimiento(...) Leonardo puede ser considerado, muy justamente, haber sido un genio universal por excelência, y con todas las implicações inerentes a ese inquietante término. El hombre es como un incômodo hoy, enfrentado como el genio, como era el siglo XVI, cinco siglos se pasaron, pero continuamos a ver Leonardo con temor.[20]
Ver también
- Vida personal de Leonardo de la Vinci
- Controversia sobre la sexualidade de Leonardo de la Vinci
- Ciencia y creaciones de Leonardo de la Vinci
- Lista de pinturas de Leonardo de la Vinci
- Trattato della Pittura
- Leonardeschi
Notas
- ↑ Ese dibujo en giz, es ampliamente (aunque no universalmente) acepto como un original autorretrato. La principal razón para la hesitação en aceptarlo como un retrato de Leonardo es que el retrata, aparentemente, más viejo, con una edad jamás alcanzada por Leonardo. Pero es posible que él haya diseñado a sí aún deliberadamente anciano, específicamente para su retrato como Platão en La Escuela de Atenas, afresco de Rafael .
- ↑ A mediados del siglo XV, la Italia no era propiamente un país, siendo formada por pequeños reinos y ciudades-Estado , cada cuál con su propio soberano, moneda, leyes y ejércitos. Esas ciudades se desarrollaban no solamente comercialmente, pero también culturalmente, visando se hagan centros culturales y ejemplos, y, así, alcanzar la inmortalidad.[1]
- ↑ Existen 15 obras de arte significativas que son creditadas, tanto entera, como parcialmente, a Leonardo por la mayoría de los historiadores del arte. Este número es formado, principalmente, por pinturas realizadas sobre madera, pero, también incluyen un mural, un dibujo grande hecho en papel y dos obras que estaban en estágios iniciales de suyo preparo. Existen diversas otras obras que fueron atribuidas a Leonardo, sin la unanimidad de los académicos.
- ↑ Según el crítico de arte británico, Jonathan Jones, antiguo juez del Premio Turner, autorides florentinas habrían ocasionado una competición entre Leonardo y Michelangelo, evento que, según él, es de conocimiento de los historiadores, aunque poco discutido. En su libro The Lost Batles: Leonardo, Michelangelo and the artistic duel that defined renaissance discute como la posible competición se desenrolou en torno a los afrescos de La Batalla de Anghiari y La Batalla de Cascina, de Leonardo y Michelangelo, respectivamente, y, a pesar de ambos queden inconclusos, como Michelangelo habría ganado la competición en 1506 -lo que más tarde podría tener resultado en su participación en la Capela Sistina. El autor cree que la historia haya compensado la derrota de Leonardo, lo que fue muy reforzado el siglo XIX, con la redescoberta de sus cuadernos y junto su genialidade.[7]
- ↑ Técnicas científicas modernas como la metalurgia y la ingeniería aún estaban en su infancia durante el Renascimento,
- ↑ Diversas de las invenciones más prácticas de Leonardo son exhibidas como plantillas de trabajo en el Museo de Vinci.
- ↑ La tercera hora de la noche era 10:30 pm, tres horas tras decirse la Ave Maria.[13]
- ↑ El llamado tiempo italiano la primera hora iniciaba con el poner-del-sol; las horas eran numeradas de 1 a 24. Esa forma de contar las horas poseía la ventaja de mostrar fácilmente cuántas horas aún restaban sin la necesidad del uso de luz artificial. Fue introducida en la Italia durante el siglo XIV y fue de uso común hasta el medio del siglo XVIII, o aún hasta el medio del siglo XIX en algunas regiones.
- ↑ En consonancia con Alessandro Vezzosi, director del Museo Leonardo, en Vinci, existen pruebas de que Piero sería propietario de una esclava de Oriente Medio llamada Caterina, y que le habría dado un hijo llamado Leonardo. La afirmación de que Leonardo tendría sangre de Oriente Medio fue corroborada por la reconstrucción de una de sus impresiones digitales, como relatada por Marta Falconi, periodista de la Associated Press, "Experts Reconstruct Leonardo Fingerprint", Fox News, 12 de diciembre de 2001
- ↑ Este posible acontecimiento de la creación de Leonardo por Caterina en su infancia, es la base de estudios como el realizado por Sigmund Freud, en que afirma que, Leonardo era homosexual.[12]
- ↑ Que Leonardo habría se juntado a la guilda incluso antes de este periodo puede ser deducido de registros de pagos hechos a la Compagnia di San Luca en el libro de registros de la compañía, el Libro Rosso A, 1472-1520 (Accademia di Belle Arti).[17]
- ↑ Esta obra está actualmente en la colección de los Uffizi, Dibujo n.º 8P.
- ↑ Actos homosexuales eran ilegales en la Florença de la época.
- ↑ En 2005, el ateliê fue redescoberto durante las obras de restablecimiento de un edificio ocupado por 100 años por el Departamento de Geografía Militar.[35]
- ↑ Las dos obras se perdieron con el tiempo; la pintura de Michelangelo es conocida sólo a través de una copia de Aristotole de la Sangallo, 1542.[36] La pintura de Leonardo es conocida hoy día sólo por sus borradores preparatórios y por diversas copias hechas de la sección céntrica - de las cuales de más conocida, y probablemente a menos fiel a la original, es a de Peter Paul Rubens.[17]
- ↑ D'Oggione es conocido en parte por sus copias contemporáneas de la Última Cena.
- ↑ No se sabe para que ocasiones el león mecánico habría sido construido, sin embargo se cree que él haya sido usado para saludar el rey en su entrada en Lyon, y tal vez haya sido usado también en las negociaciones de paz entre el rey francés y el papa, en Bolonia. Una recriação del león, a partir de especulaciones, fue hecha y está en exibição en el Museo de Bolonia.[41]
- ↑ Clos Lucé, también conocido como Cloux, es actualmente un museo público.
- ↑ "Leonardo de la Vinci, que más puedo decir? Su genio divino y su mano divina le mereció expirar sobre el pecho de un rey. La virtud y la fortuna velan, premio a los grandes gastos, en este monumento que le correnponde." - Vasari.
- ↑ El día de la muerte de Leonardo, uno edito real fue proclamado en Saint-Germain-en-Laye, a dos días de viaje de Clos Lucé; esto normalmente es tenido en prenda de que el rey Francisco estaría presente en el lado del lecho de muerte del artista. White, sin embargo, indica en Leonardo: The First Scientist que lo edito no fue firmado por el propio rey.
- ↑ El historiador Edward McCurdy, citado en el libro Jaulas Vacías, del filósofo y profesor emérito Tom Regan, menciona: "la mera idea de permitir el sufrimiento innecesario y, más aún, de matar, era abominável para él". Según los relatos verificados por Regan, el inventor adoptó una dieta vegetariana en la infancia, por razón de evidentes éticas personales. Leonardo habría atacado la práctica del consumo de carne con las siguientes palabras: "Rey de los animales - es como el humano describe a sí aún - yo te llamaría Rey de las Bestias, siendo tú la mayor de todas - porque las ayudas sólo para que ellas te den sus hijos, para el bien de tu goela, la cual transformaste en un túmulo para todos los animales."
- ↑ Un buen pintor tiene dos principales objetos para pintar: el hombre y la intención de su alma; el primero es fácil, el segundo es más difícil, pues él tiene que representarlo por las actitudes y movimiento de los miembros. - Leonardo de la Vinci.[50]
- ↑ Descripción del vestuário de Bernardo di Baroncelli por Leonardo de la Vinci: "Una pequeña touca color de bronce. Una parelha de sarja negra. Un justilho negro, forrado, y el collar cubierto con veludo pontilhado negro y rojo. Un casaco azul forrado con pieles de raposas. Mangas negras. Bernardo di Baroncelli."[59]
- ↑ El descubrimiento de la perspectiva lineal el siglo XV, facilitó a los artistas la representación de distancias en superficies planas; los ángulos como paredes siguen la líneas con un único punto de convergencia llamado de punto de fuga,[61] obteniéndose así, un sutil efecto tridimensional. Para pintores como Albrecht Dürer, exemplifica Nicolau Sevcenko, la expresión perspectiva significa "ver a través", y complementa: esa impresión inédita de mirarse para una pared pintada y parecer que se ve más allá de ella, como si allí hubiera sido abierta una ventana para un otro espacio, el espacio pictórico, era el principal efecto buscado por los nuevos artistas. La pintura tradicional, gótica o bizantina, prácticamente se restringía al plan bidimensional de las paredes, produciendo a lo sumo un efecto decorativo. El nuevo estilo artístico multiplicaba el espacio de los interiores y, con la preocupación de dar a la personas, objetos y paisajes retratados la apariencia más natural posible, parecía multiplicar la propia vida.[62]
- ↑ Los ensayos escultóricos de la década de 1470 eran principalmente ejecutados en terracota, Leonardo los utilizaba como plantilla para sus obras pictóricas, eso explica el volumen presente en algunas pinturas de ese periodo, como la Virgem del Cravo.
- ↑ Nuestra Señora de las Nieves.
- ↑ "Hombre sin estudios", es una auto declaración de Leonardo, utilizada possívelmente para designar sus propias limitaciones o intereses; siendo comparable al "Sólo sé que nada sé" de Sócrates .
- ↑ El alta Renascença cronológicamente engloba los años finales del Quattrocento y las primeras décadas del Cinquecento, siendo delimitada aproximadamente por las obras de madurez de Leonardo de la Vinci (a partir de c. 1480) y el Saqueo de Roma en 1527. ES la fase de culminação del Renascimento, que se disipa, apenas es alcanzada, pero su reconocimiento es importante porque aquí se cristalizan ideales que caracterizan todo el movimiento renascentista: el Humanismo, la noción de autonomía del arte, la emancipação del artista de su condición de artesano y equiparação al científico y al erudito, la búsqueda por la fidelidad a la naturaleza, y el concepto de genio, tan perfectamente encarnado en De la Vinci, Rafael y Michelangelo , y si el pasaje de la Edad Media para la Edad Moderna no estaba aún completa, por lo menos estaba asegurada sin retorno posible. Eventos como el descubrimiento de la América y la Reforma Protestante, y técnicas como la prensa de tipos móviles, transforman la cultura y la visión de mundo de los europeos, al tiempo que la atención de toda la Europa se vuelve para la Italia y sus progresos y las grandes potencias de la Francia, España y Alemania desean su reparto, haciendo de ella un campo de batallas y pilhagens, y con eso esparciendo su arte e influencia por una vasta región del continente.[68][69][70]
- ↑ En ese periodo las pinturas de De la Vinci revelan un conocimiento y una desenvoltura excepcionales en su vertiente anatómica, resultado de sus inmensos e incansáveis estudios en el ámbito asunto y, por eso se hace maestro en esa ciencia.
- ↑ La Virgem de los Rochedos (por veces llamada de Madona de los Rochedos), es el título utilizado para designar un conjunto de dos pinturas de composiciones casi idénticas, que fueron, por lo menos en su mayor parte, pintadas por Leonardo de la Vinci. Estas versiones están actualmente en el Museo del Louvre, París y National Gallery, Londres.
- ↑ Desde lo abandono del retrato de perfil, pintores se hicieron particularmente atentos a los gestos de las manos.
- ↑ Leonardo buscaba por rostros ideales para la caracterización de Jesus y su traidor.
- ↑ Si Vasari vio o no la Mona Lisa es motivo de controversias; la opinión de que él no habría visto la pintura se basa principalmente en el hecho de que él describe la Mona Lisa con cejas. Daniel Arara, en Leonardo de la Vinci, discute la posibilidad de que Leonardo podría haber pintado el retrato con cejas, y haberlas removido posteriormente (cejas estaban "fuera de moda" a mediados del siglo XVI).[23] El análisis de la pintura hecha a través de exámenes en aparatos de alta resolución, por Pascal Cotte, reveló que la Mona Lisa, de hecho, tuvo cejas y cílios , que fueron removidos más tarde.[88]
- ↑ Jack Wasserman menciona el "tratamiento inimitável de las superficies" de esta pintura.[38]
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Conexiones externas
- Informaciones sobre un cuadro de reciente atribución (en portugués)
- Informaciones sobre La Virgem del Rochedo (en inglés)
- Biografía resumida de Leonardo (en portugués)
- Apontamentos sobre La Virgem del Rochedo (en portugués)
- Web sobre invenciones de Leonardo (en portugués)
- Apontamentos de Leonardo de la Vinci (en inglés) en el Proyecto Gutenberg
- Web sobre Leonardo de la Vinci (en inglés) en el Museo Nacional de Italia de Ciencia y Tecnología
- Dibujos de sus inventos (en portugués)
- Galeria de Leonardo de la Vinci (en inglés)
- Documentos iconográficos (en portugués)
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