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La palabra Fotografía viene del griego φως [fós] ("luz"), y γραφις [grafis] ("estilo", "pincel") o γραφη grafê, y significa "diseñar con luz y contraste"..[1]
Por definición,[2] fotografía es, esencialmente, la técnica de creación de imágenes por medio de exposición luminosa, fijando esta en una superficie sensible.[3] La primera fotografía reconocida remonta al año de 1826 y es atribuida al francés Joseph Nicéphore Niépce. Pero, la invención de la fotografía no es obra de un sólo autor, pero un proceso de acúmulo de avances por parte de muchas personas, trabajando juntas o en paralelo al largo de muchos años. Si por un lado los principios fundamentales de la fotografía se establecieron hay décadas y, desde la introducción de la película fotográfico coloreado, casi no sufrieron cambios, por otro, los avances tecnológicos tienen sistemáticamente posibilitado mejorías en la calidad de las imágenes producidas, agilização de las etapas del proceso de producción y la reducción de costes, popularizando el uso de la fotografía.
Actualmente, la introducción de la tecnología digital ha modificado drásticamente los paradigmas que norteiam el mundo de la fotografía. Los equipamientos, a la vez que son ofrecidos a precios cada vez más pequeñas, disponibilizam al usuario medio recursos cada vez más sofisticados, así como mayor calidad de imagen y facilidad de uso. La simplificación de los procesos de captação, armazenagem, impresión y reproducción de imágenes proporcionados intrínsecamente por el ambiente digital, aliada a la facilidad de integración con los recursos de la informática, como organización en álbumes, incorporación de imágenes en documentos y distribución veía Internet, han ampliado y democratizado el uso de la imagen fotográfica en las más diversas aplicaciones. La incorporación de la cámara fotográfica a los aparatos de telefonía móvil tienen definitivamente llevado la fotografía al cotidiano particular del individuo.
De esa forma, la fotografía, a medida que se hace una experiencia cada vez más personal, deberá ampliar, a través de los diversos perfiles de fotógrafos amadores o profesionales, el ya amplio espectro de significado de la experiencia de conservarse un momento en una imagen.
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Historia
La fotografía no es la obra final de un único creador.[4][5] Al largo de la historia, diversas personas fueron agregando conceptos y procesos que dieron origen a la fotografía como a conocemos. El más antiguo de estos conceptos fue lo de la cámara oscura, descrita por el napolitano Giovanni Baptista Della Puerta, ya en 1558, y conocida por Leonardo de la Vinci[6] que a usaba, como otros artistas el siglo XVI para esbozar pinturas.
El científico italiano Angelo Sala, en 1604, percibió que un compuesto de plata oscurecía al Sol, suponiendo que ese efecto fuera producido por el calor. Fue entonces que, Johann Heinrich Schulze haciendo experiencias con ácido nítrico, plata y gesso en 1724, determinó que era la plata halógena, convertida en plata metálica, y no el calor, que provocaba el escurecimento.
La primera fotografía reconocida es una imagen producida en 1826 por el francés Joseph Nicéphore Niépce, en una placa de estanho cubierta con un derivado de petróleo fotossensível llamado Betume de la Judeia. La imagen fue producida con una cámara, siendo exigidas cerca de ocho horas de exposición a la luz solar. Nièpce llamó el proceso de "heliografia", gravura con la luz del Sol. Paralelamente, otro francés, Daguerre, producía con una cámara oscura efectos visuales en un espectáculo denominado "Diorama". Daguerre y Niépce intercambiaron correspondencia durante algunos años, viniendo finalmente a firmar sociedad.
Después de la muerte de Nièpce, Daguerre desarrolló un proceso con vapor de mercúrio que reducía el tiempo de revelación de horas para minutos. El proceso fue denominado daguerreotipia. Daguerre describió su proceso a la Academia de Ciencias y Bellos Artes, en la Francia e inmediatamente después requirió la patente de su invento en la Inglaterra . La popularização de los daguerreótipos, dio origen a la especulaciones sobre el "fin de la pintura", inspirando el Impressionismo.[7]
El británico William Fox Talbot,[8] que ya efectuaba investigaciones con papeles fotossensíveis, al tomar conocimiento de los avances de Daguerre, en 1839, decidió apresurar la presentación de sus trabajos a la Royal Institution y a la Royal Society, buscando garantizar los derechos sobre sus invenciones. Talbot desarrolló un diferente proceso denominado calotipo, usando hojas de papel cubiertas con cloreto de plata, que posteriormente eran colocadas en contacto con otro papel, produciendo la imagen positiva. Este proceso es muy parecido con el proceso fotográfico en uso hoy, pues también produce un negativo que puede ser reutilizado para producir varias imágenes positivas. A La época, Hippolyte Bayard también desarrolló un método de fotografía. Sin embargo, por tardar a lo anuncias, no pudo más ser reconocido como su inventor.[9]
En el Brasil, el francés radicado en Campinas, São Paulo, Hércules Florence consiguió resultados superiores a los de Daguerre, pues desarrolló negativos.[10] Pero, a pesar de las tentativas de disseminação de su invento, al cual denominó "Photographie" - fue el legítimo inventor de la palabra - no obtuvo reconocimiento a la época.[11] Su vida y obra sólo fueron debidamente rescatadas en 1976 por Boris Kossoy.[12]
La fotografía entonces popularizou-se como producto de consumo a partir de 1888 con la introducción de la cámara tipo "féretro" y por la película en rodillos substituíveis creados por George Eastman.[13]
Desde entonces, el mercado fotográfico ha experimentado una creciente evolución tecnológica, como el establecimiento de la película coloreada como normalizada y el foco automático, o exposición automática. Esas innovaciones indudablemente facilitan la captação de la imagen, mejoran la calidad de reproducción o la rapidez del procesamiento, pero muy poco fue alterado en los principios básicos de la fotografía.[14]
El gran cambio reciente, producida a partir del final del siglo XX, fue la digitalización de los sistemas fotográficos. La fotografía digital cambió paradigmas en el mundo de la fotografía, minimizando costes, reduciendo etapas, acelerando procesos y facilitando la producción, manipulación, almacenamiento y transmisión de imágenes por el mundo. El aperfeiçoamento de la tecnología de reproducción de imágenes digitales ha quebrado barreras de restricción en relación a este sistema por sectores que aún prestigiam la tradicional película, y así, irreversivelmente ampliando el dominio de la fotografía digital.[15]
Procesos fotográficos
Fotografía en negro y blanco
Ver artículo principal: La fotografía nació en negro y blanco, más precisamente como el negro sobre el blanco, en el inicio del siglo XIX.[16] Desde las primeras formas de fotografía que se popularizaram, como el daguerreótipo - aproximadamente en la década de 1823 - hasta a las películas negro y blanco actuales, hube mucha evolución técnica y disminución de los costes. Las películas actuales tienen una gran gamma de tonalidade, superior incluso a los coloreados, resultando en fotos muy ricas en detalles. Por eso, las fotos hechas con películas PB son superiores las fotos coloreadas convertidas en PB.
Medio tono
Las fotografías en negro y blanco se destacan por la riqueza de tonalidades; la fotografía coloreada no tiene el mismo alcance dinámico.
En la fotografía P&B se acostumbra utilizar la luz y la sombra de forma más proeminente para crear efectos estéticos - hay quienes prefiera fotografiar sólo en película negra y blanco, aún con la mayor facilidad y más pequeño coste del equipamiento digital. Los sensores de las cámaras digitales aún poseen alcance dinámico muy más pequeño del que la fotografía P&B y aún de la coloreada, estando más próximo al slide.
Fotografía coloreada
La fotografía coloreada[17] fue explorada durante el siglo XIX y los experimentos iniciales en colores no pudieron fijar la fotografía, ni prevenir el color de atenuación. Durante la mitad de aquel siglo las emulsões disponibles aún no eran totalmente capaces de ser sensibilizadas por el color verde o por la roja - a total sensibilidad el color rojo sólo fue obtenida con éxito total en el comienzo del siglo XX. La primera fotografía coloreada permanente fue quitada en 1861 por el físico James Clerk Maxwell. La primera película coloreada, el Autocromo, solamente llegó al mercado el año de 1907 y era basado en puntos tingidos de extracto de patata.
La primera película coloreada moderno, el Kodachrome, fue introducido en 1935 basado en tres emulsões coloreadas. La mayoría de las películas coloreadas modernos, excepto el Kodachrome, son basados en la tecnología desarrollada por la Agfacolor en 1936. La película coloreada instantáneo fue introducido por la Polaroid en 1963.
La fotografía coloreada puede formar imágenes como una transparencia positiva, planeada para uso en projetor de slides (diapositivos) o en negativos coloreados, planeado para uso de ampliaciones coloreadas positivas en papel de revestimiento especial. El último es actualmente la forma más común de película fotográfico coloreado (no digital), debido a la introducción del equipamiento de foto impresión automático.
Fotografía digital
Fotografía digital es la fotografía quitada con una cámara digital o determinados plantillas de teléfono celular, resultando en un archivo de ordenador que puede ser editado, impreso, enviado por email o almacenado en websites o CD-ROMs .
La fotografía tradicional era un fardo considerable para los fotógrafos que trabajaban en localidades distantes - como correspondientes de órganos de prensa - sin acceso a la instalaciones de producción. Con el aumento de la competición con la televisión, hube un aumento en la urgencia para transferirse imágenes a los periódicos más rápidamente.
Fotógrafos en localidades remotas cargarían un minilaboratório fotográfico con ellos, y algunos medios de transmitir sus imágenes por la línea telefónica. En 1990, la Kodak lanzó el DCS 100, la primera cámara digital comercialmente disponible. Su coste impidió el uso en fotoperiodismo y en aplicaciones profesionales, pero la fotografía digital surgió en este momento.
En 10 años, las cámaras digitales se hicieron productos de consumo, y están, de modo irreversível, sustituyendo gradualmente sus equivalentes tradicionales en muchas aplicaciones, pues el precio de los componentes electrónicos cae y la calidad de la imagen mejora.
La Kodak anunció en enero de 2004 el fin de la producción de la cámaras reutilizables de 35 milímetros después del término de aquel año. Sin embargo, la fotografía "líquida" irá perdurar, pues los amadores dedicados y artistas calificados preservan el uso de materiales y técnicas tradicionales.
Funcionamiento
En la fotografía digital, la luz sensibiliza un sensor, llamado de CCD o CMOS , que por su parte convierte la luz en un código electrónico digital, una matriz de números digitales (cuadro con el valor de los colores de todos los píxeles de la imagen), que será almacenado en una tarjeta de memoria. Típicamente, el contenido de esta memoria será más tarde transferido para un ordenador. Ya es posible también transferir los datos directamente para una impresora generar una imagen en papel, sin el uso de un ordenador. Una vez transferida para fuera de la tarjeta de memoria, este podrá ser borrado y reutilizado.
Álbumes virtuales
Con la popularização de la fotografía digital, surgieron páginas de la Internet especializadas en almacenar fotografías. De ese modo, sus imágenes pueden ser vistas por cualquier persona del planeta que acesse la red. Ellas quedan organizadas por carpetas y pueden ser separadas por asuntos la libre elección.
Los álbumes virtuales pueden ser usados con varios propósitos, abajo están listados algunos ejemplos de estos:
- Portfólio: muy usado por fotógrafos amadores/profesionales para mostrar sus trabajos.
- Almacenamiento: Quién no desea ocupar espacio en su HD puede usar el álbum para almacenar sus fotografías.
- Negocios: Otros usan los álbumes para vender sus trabajos fotográficos.
Equipamientos
Cámara
La fotografía se estabiliza como proceso industrial el siglo XX articulando una cámara o cámara oscura, como dispositivo formador de la imagen y un modo de grabación de la imagen luminosa – una superficie fotossensível, que puede ser película fotográfico, el papel fotográfico o, en el caso de la fotografía digital, un sensor digital CCD/CMOS que transforma la luz en un mapa de impulsos eléctricos, que serán almacenados como información en una tarjeta digital de almacenamiento. En ese proceso queda evidente la relación entre la fotografía y sus procesos análogos. Por ejemplo, la fotocopia o máquina xerográfica, forma imágenes permanentes, pero usa la transferencia de cargas eléctricas estáticas en el lugar de la película fotográfico. De eso provém el término eletrofotografia. En la raiografia , divulgada por Man Ray en 1922, imágenes son producidas por las sombras de objetos en el papel fotográfico, sin el uso de cámara. Y se pueden colocar objetos directamente del digitalizador (scanner) para producir figuras electrónicamente.
Fotógrafos controlan la cámara al exponer el material fotosensível a la luz, lo que se altera qualitativa y cuantitativamente según las posibilidades de cada aparato. Los controles son generalmente inter-relacionados. Por ejemplo, la exposición varía según la apertura (que determina la cantidad de luz) multiplicado por la velocidad del obturador (que determina un tiempo de exposición), lo que varía el tono de la foto, la profundidad de campo fotográfico y el grado de corte temporal de la plantilla fotografiada. Diferentes distancias focales de las lentes permiten variar la conformação de la profundidad de la imagen, así como su ángulo.
Los controles de las cámaras pueden incluir:
- Foco
- Apertura de las lentes
- Tiempo de exposición (o velocidad de apertura del obturador)
- Distancia focal de las objetivas fijas: (teleobjetiva, normal o grande-angular), o variables (zoom)
- Sensibilidad de la película
- Fotômetro
Lentes/Objetivas
Para entender un poco de objetivas, una de 24mm equivale a un campo de visión de 75 grados, y una objetiva de 300mm equivale a un campo de visión de 12 grados. Con la lente ojo de pez de 6mm, 8mm o 12mm, el fotógrafo incluye un campo de visión de más de 190 grados. Una 500mm (aquellas que se ven en juegos de fútbol, por ejemplo) consigue fotografiar sólo el guardia-redes del otro lado del campo de fútbol. O sea, las lentes con valores inferiores a 50mm son consideradas grandes angulares, y con valores por encima de 150mm son consideradas teleobjetivas.
La relación que se tiene para considerarse una objetiva como grande angular o teleobjectivas, viene de la comparación del tamaño de la objetiva con la diagonal de la película utilizada. Las objetivas en torno a 43 mm son consideradas normales, por posibilitar en el área de la película una imagen con las características y un campo de visión semejante al ojo humano.
Película
Entre 2006 y 2007, las ventas de cámaras fotográficas digitales crecieron 5% en los EUA, mientras las de cámaras con película cayeron en misma cantidad.[15] La despeito del irreversível y creciente dominio de la imagen digital en el mundo de la fotografía, la película fotográfico aún ocupa, por variados motivos, un espacio cautivo en el trabajo de muchos profesionales y aficcionados que promete a esa mídia una sobrevida asegurada de varios años.[18]
Control de la imagen
Velocidad del obturador
El tiempo durante el cual el obturador permanece abierto determina la cantidad de luz que llega a la película. Al seleccionar una velocidad del obturador, se verifica si la cámara está suficientemente firme. Mientras más firme esté, más baja podrá ser la velocidad del obturador utilizada. Aún un movimiento minúsculo durante la exposición podrá hacer con que toda la imagen quede temblada. Usar un tripé es la única manera de garantizar el éxito de una fotografía que exija un tiempo de exposición largo. Con una teleobjectiva, la inestabilidad de la cámara es más notable del que con una grande-angular, por eso, cuánto mayor sea la objetiva, mayor será la velocidad de obturador necesaria. Además de "congelar" la acción, la velocidad del obturador permite crear efectos que sugieren movimientos, o efectos especiales con el zoom.
Efecto de Panning
Ni siempre es necesario usar una velocidad del obturador tan alta. Muchas veces puede acompañarse el movimiento mientras se dispara, para el compensar, se usa una técnica llamada "panning".
Congelamento
La velocidad del obturador desempeña un papel importante en la transformación de motivos en movimiento en una imagen estática. Mientras menos tiempo el obturador permanezca abierto, menos el motivo se moverá dentro del enquadramento y más nítido quedará. Por eso se utiliza una mayor velocidad al fotografiar un motivo en movimiento, como un caballo a correr. Hay aún otros factores a considerar. Primero, la velocidad real del motivo no indica necesariamente la rapidez con que la imagen irá a cambiar en el visor. Si un motivo dirigirse directamente para la cámara o alejársese de ella, la imagen cambiará más lentamente del que se él pasar perpendicularmente, y será necesaria menos velocidad del obturador para "congelar" el movimiento. Un movimiento en diagonal en el enquadramento necesitará de una velocidad de obturador intermédia. El tamaño de la imagen también es importante: un tren visto como un punto en el horizonte no parecerá moverse tan deprisa como una papoila oscilando en una brisa suave enfrente de la objetiva. Cuánto mayor la distancia focal y más próximo al motivo, mayor la velocidad del obturador.
Sugerencias profesionales
- Si tenciona ampliar la fotografía para el tamaño de un poster, cualquier movimiento del motivo será muy más perceptível del que se a utilizar en formato miniatura en una página web.
- Acordarse de que hay movimiento en que muchas escenas que a la primera vista parecen estáticas: personas a pasar en una foto de arquitectura, pájaros a volar en un paisaje y árboles que se vergam al viento. Podrá ser necesario aumentar la velocidad del obturador para compensar.
- Una velocidad del obturador que congele un movimiento por completo podrá no dar los mejores resultados. Muchas veces hay un mérito artístico al sugerir velocidad, dejando que el motivo cree un desfoque en la película.
Usos de la fotografía
La fotografía puede ser clasificada como tecnología de confecção de imágenes y atrae el interés de científicos y artistas desde su comienzo. Los científicos usaron su capacidad para hacer grabaciones precisas, como Eadweard Muybridge en su estudio de la locomoção humana y animal (1887). Artistas igualmente se interesaron por este aspecto, y también intentaron explorar otros caminos además de la representación fotomecânica de la realidad, como el movimiento pictural. Las fuerzas armadas, la policía y fuerzas de seguridad usan la fotografía para vigilancia, identificación y almacenamiento de datos.
Fotografías aéreas eran utilizadas para levantamiento del uso de la tierra y planificación de una determinada región.
La Fotografía en el cotidiano y en la vida
La fotografía puede ser utilizada en el proceso de investigación del cotidiano de nuestros estudiantes, a fin de que mediante las imágenes obtenidas de la escuela, de la familia, de la vizinhança, de la ciudad y de las cosas que los cercan, ellos sean orientados, a través de una metodologia específica, para análisis y estudio de esos "momentos documentados" y sus correlaciones históricas, sociales, geográficas, étnicas y económicas; en la educación, la simple disponibilidad del aparato tecnológico no significa facilitar el proceso enseñanza-aprendizaje. ES preciso que el profesor alíe los recursos tecnológicos con sus conocimientos y estrategias de enseñanza, visando alcanzar un objetivo: el conocimiento real de la imagen suministrada a través de la fotografía
Fotoperiodismo
El fotoperiodismo llena una función bien determinada y tiene características propias. El impacto es elemento fundamental. La información es imprescindível.
ES en la fotografía de prensa, un brazo de la fotografía documental, que se da un gran papel de la fotografía de información, el fotoperiodismo. ES en el fotoperiodismo que la fotografía puede exhibir toda su capacidad de transmitir informaciones. Y esas informaciones pueden ser pasadas, con belleza, por el simple enquadramento que el fotógrafo tiene la posibilidad de hacer. Nada acontece hoy en las comunicaciones impresas sin lo endoso de la fotografía.
Existen, básicamente, cuatro géneros de fotografía jornalistica:
- Las fotografías sociales: En esa categoría están incluidas la fotografía política, de economía y negocios y las fotografías de hechos generales de los acontecimientos de la ciudad, del estado y del país, incluyendo la fotografía de tragedia.
- Las fotografías de deporte: En esa categoría, la cantidad de informaciones es el más importante y lo que influye en su publicación.
- Las fotografías culturales: Ese tipo de fotografía, tiene como función llamar la atención para la noticia antes de ella ser leída y en eso la fotografía es única. En este item podemos colocar un grande según grupo, la deportiva, pues en el fotoperiodismo lo que más vende después de la policía es el deporte.
- Las fotografías policiales: muchos, casi todos los periódicos exploran del sensacionalismo para mostrar accidentes con muerte, margináis en flagrante, para vender más periódicos y hacer una media con los subscriptores. Se puede decir que hay una rivalidade entre los periódicos para ver cuál aquel que muestra la escena más chocante en un asalto, muerte, accidente de grande vulto.
Fotografía en estudio
Una de las ventajas de un estudio grande, es permitir una mayor distancia entre el motivo y el fondo. En condiciones con poco espacio, es difícil iluminar los dos separadamente, y hay el peligro de las sombras del motivo se formen sobre el fondo. Iluminando el fondo independientemente, él puede ser transformado de centenares maneras. Déle una iluminación gradual, iluminando la parte superior y la parte inferior de maneras diferentes. En alternativa, proyecte formas o colores sobre el fondo, colocando sobre las luces máscaras (llamadas gobos) o acetatos coloreados. Los rodillos de papel blanco o negro son los fondos más utilizados y los más versátiles. Los rodillos pueden ser suspensos del alto de la pared de un estudio, y después estirados hasta bajo y extendidos sobre el suelo del estudio, creando una curvatura de forma a que la junção de la pared con el suelo no sea visible en las fotografías. La medida que el papel se va estropeando o sujando, se corta esa parte y se estira más papel de rodillo Hay una gran variedad de fondos a la venta en las tiendas de la especialidade, pero sepa que los fondos simples muchas veces resultan mejor, una vez que no desvían la atención, y porque en un estudio pequeño ni siempre es posible desfocar las formas más elaboradas que el fondo pueda haber.
Fotografía como arte
La discusión sobre se la fotografía es arte o no es larga y envuelve una diversidad de opiniones.[19]
En consonancia con Barthes,[20] muchos no a consideran arte, por ser fácilmente producida y reproducida, pero su verdadera alma está en interpretar la realidad, no sólo copiarla. En ella hay una serie de símbolos organizados por el artista y el receptor los interpreta y los completa con más símbolos de su repertório.
Hacer fotografía no es sólo apretar el disparador. Tiene que haber sensibilidad, registrando un momento único, singular. El fotógrafo vuelve a crear el mundo externo a través de la realidad estética.
En un mundo dominado por la comunicación visual, la fotografía sólo viene para añadir, puede ser o no arte, todo depende del contexto, del momento, de los iconos envueltos en la imagen. Cabe al observador interpretar la imagen, añadir a ella su repertório y sentimiento.
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Fotografiar es colocar en la misma línea de asesta la cabeza, el ojo y el corazón. |  |
Fotógrafo
Fotógrafo es la persona que quita fotografía, usando una cámara. ES generalmente considerado un artista, pues hace su producto (la foto) con la misma dedicación y de la misma forma que cualquier otro artista visual.[21]
Forma parte de la cultura brasileña la figura del Fotógrafo Lame-lame, profesional que quedaba en las plazas quitando fotos comercialmente, cuando adquirir una máquina fotográfica era algo muy difícil debido a su alto valor comercial.
Amadores y profesionales
Cuando un determinado autor de fotografías basa gran parte de su rendimiento en esta actividad, se dice ser un fotógrafo profesional.
Por veces, el adjetivo profesional es usado erróneamente en la fotografía para valorar una determinada imagen fotográfica o pericia de un autor. En la realidad, la calidad de la fotografía ni siempre está relacionada con el hecho de su autor ser o no profesional. Muchos amadores realizan con regularidad imágenes más bien sucedidas que muchos profesionales.
En la realidad "profesional" se refiere sólo a la profesión del autor, y no a la calidad del trabajo. A la vez que un profesional puede realizar un trabajo apenas hecho, se puede entender mejor, adelante en el parte de "arte".
El adjetivo amador, cuando atribuido a un fotógrafo, puede tener un significado muy vasto. Personas que sólo fotografían su familia y vida, para uso personal, se consideran fotógrafas amadores. Otros fotógrafos amadores llegan a publicar libros, realizar exposiciones y dedican una vida entera al estudio de la fotografía.
Especializaciones del fotógrafo
Una vez que en la actualidad la fotografía sirve un vasto campo de asuntos y objetivos, fueron creadas especializaciones. El fotógrafo se especializa para mejor dominar la técnica de un determinado tipo de fotografía o asunto. Las especializaciones más conocidas son la foto reportaje (de eventos sociales), moda, el fotoperiodismo, el paisaje, el retrato y la publicitaria (arte de la fotografía de objetos en estudio).
Formación de un fotógrafo
La formación en fotografía en una escuela de arte puede realizarse a través de un curso de fotografía o de varias disciplinas de fotografía integradas en cursos de arte, design, pintura, multimedia, cine, periodismo y etc. Normalmente estos cursos están orientados para el ejercicio de la fotografía mientras arte.
En una escuela profesional, la formación en fotografía está más orientada para el ejercicio de la fotografía mientras profesión comercial.
Essência de la fotografía
La discusión sobre el uso de la Fotografía es precedido por la tentativa de comprender su imagen, lo que ocurre desde su desarrollo por diversos fotógrafos al largo del siglo XIX (como afirma Geoffrey Batchen). Su carácter artístico evidente constituye un entrave a su uso por las ciencias sociales, mientras su carácter científico a hizo una especie de subalterna en el campo del arte, características que parecen revertirse en la segunda mitad del siglo veinte, en la medida en que el estudio de ese medio se profundizó, las ciencias sociales se abrieron para la impossibilidade de completa objetividade, y el campo del arte pasó la lidar fuertemente con la idea, en oposición a una ênfase en la forma artística.
Los estudios históricos sobre la Foto inician alrededor de cien años después de su invención. Ya los estudios teóricos sobre la Fotografía parecen iniciar en el polvos-guerra, y la principal teoría usada para caracterizar la Fotografía advém del campo de la semiótica, o sea, declina de la Semiologia de Saussure .
En una lectura estricta de la obra de Charles Sanders Peirce, definidora del campo de la semiótica, la Fotografía se definiría a partir de las tres categorías de signo , que existen en una orden de peso y dependencia unas de las otras : el icono, que es una representación qualitativa de un objeto - por ejemplo, por analogía (es el caso de la imagen fotográfica), el índice, que caracteriza un signo que se refiere al significante por la causalidade o por la contiguidade (a veces diferenciado como índex, como en la lectura de Umberto Eco), y el símbolo, cuya relación con el significante es arbitraria y definida por una convención (es el caso de una bandera de un país, por ejemplo).
Ora, los estudios iniciales de la Fotografía, así como los artistas al largo del siglo XIX Y XX se preocupaban con el problema de la iconicidade de la Fotografía, es decir, el potencial de su imagen y el carácter de su realismo. La primera señal de problematização de esa modalidad de discurso está en la obra de Walter Benjamin, cuyo texto "La obra de arte en la era de su reprodutibilidade técnica", revela una preocupación con la modificación de la recepción de la Fotografía y del cine en relación a los medios tradicionales del arte, estudio pionero y extremadamente influyente que lleva ejemplares inéditos, como el problema de la aura (lo que a diferencia del arte clásico) así como lo de la multiplicación maciza de la imagen.
ES en la obra de Roland Barthes que vemos un segundo momento de la tentativa de tratar de la Fotografía como medio. La obra de Barthes pasa por la construcción del estruturalismo, y su lectura de la obra de Peirce. Pero el universo de Barthes no se resume al universo del signo: su gran libro sobre Fotografía, "Cámara Clara", posee un punto de vista fenomenológico (que refiere la Foto al noema, concepto de la fenomenologia de Husserl), así como utiliza elementos de la psicanálise lacaniana. Al largo de la obra de Barthes, la Foto es leída en una llave dialógica característica del estruturalismo, implicando la creación de conceptos tales como conotação y denotação , o aún obtuso y el obvio, hasta el desarrollo del par studium/punctum, que no son más polos entre los cuales la Fotografía existe, pero estados de la Fotografía: como studium, la Fotografía se exhibe como objeto indiferente de estudio, mientras la expresión punctum define la instauração de un fenómeno en el cual sujeto y foto se afectan.
Uno de los legados de la lectura de Barthes sobre la fotografía es la percepção de la importancia del concepto de "indice", que es desarrollado posteriormente en las obras de Rosalind Krauss (en "El Fotográfico", y en "La originalidade de la Vanguarda"), de Jean-Marie Schaeffer ("La imagen precaria"), y Philippe Dubois ("El Acto Fotográfico"). Tal relación no sólo ha sido utilizada en el campo del arte, como indica Krauss, pero viene permitiendo el uso de la Fotografía de modo creciente en las ciencias sociales.
Memoria y Afecto
En la fotografía se encuentra la ausencia, el recuerdo, la criba de los que se aman, las personas que ya fallecieron, las que desaparecieron.
Para algunas personas, fotografiar es un acto prazeroso, de estar figurando o imitando algo que existe. Ya para otras, es la necesidad de prolongar el contacto, la proximidad, el deseo de que el vínculo persista.
Strelczenia, 2001, apud Debray (1986, p. 60) señala que la imagen nace de la muerte, como negação de la nada y para prolongar la vida, de tal forma que entre el representado y su representación haya una transferencia de alma. La imagen no es una simple metáfora del desaparecido, pero sí "una metonímia real, una prolongación sublimado, pero aún físico de su carne".
La foto hace que las personas acuerden de su pasado y que queden conscientes de quién son. El conocimiento del real y la essência de identidad individual dependen de la memoria. La memoria vincula el pasado al presente, ella ayuda a representar lo que ocurrió el tiempo, porque uniendo el antes con el ahora tenemos la capacidad de ver la transformación y de alguna manera descifre lo que vendrá.
La fotografía captura un instante, pone en evidencia un momento, o sea, el tiempo que no para de correr y de tener transformaciones. Al mirar una fotografía es importante valorar el salto entre el momento en que el objeto fue clicado y el presente en que se contempla la imagen, sin embargo la ocasión fotografiada es capaz de contener el antes y después.
Se confía, por lo tanto, en la capacidad de la cámara fotográfica para guardar los instantes que se consideran valiosos. Quitar fotografías ayuda a combatir el nada, el olvido. Para recordar es necesario retener ciertos fragmentos de la experiencia y olvidar el resto. Son más los instantes que se pierden que los que podemos conservar. Según Strelczenia (2001), "La memoria se premia recordando, haciendo memorável; si castiga con el olvido ".
Se fotografía para recordar, porque los acontecimientos terminan y las fotografías permanecen, sin embargo no sabemos si esos momentos fueron significativos en sí mismos o se hicieron memoráveis por haber sido fotografiados.
La memoria es constitutiva de la condición humana: desde siempre el hombre tiene se ocupado en producir señales que permanezcan más además del futuro, que sirvan de marca de la propia existencia y que le den sentido. La fotografía trae consigo más de aquello del que se ve. Ella no solamente capta imágenes del mundo, pero puede registrar el "gesto revelador, la expresión que todo resume, la vida que el movimiento acompaña, pero que una imagen rígida destruye al seccionar el tiempo, si no escogemos la fracción esencial imperceptível" (CORTÁZAR, 1986,p. 30)
Todo ese campo de interpretación que la fotografía permite parte de varios factores, ingredientes que actúan profundamente (ni siempre visibles) en el significado de la imagen. Según Lucia Santaella y Winfried Nöth (2001), esos elementos son: el fotógrafo, como agente; el fotógrafo, la máquina y el mundo, o sea, el acto fotográfico, la fenomenologia de ese acto; la máquina como medio; la fotografía en sí; la relación de la foto con el referente; la distribución fotográfica, es decir, su reproducción; la recepción de la foto, el acto de verla.
ES en el ensayo fotográfico que la persona busca la emoción, algo que ella nunca haya sentido. La fotografía es capaz de herir, de conmover o animar una persona. Para cada uno ella ofrece un tipo de afecto. En la composición de significado de la foto, según Barthes (1984), hay tres factores principales: el fotógrafo (operator), el objeto (spectrum) y el observador (spectator). El fotógrafo lanza su mirar sobre el asunto, él lo contamina y hace las fotos según su punto de vista. El objeto (o plantilla) se modifica en el frente de una lente, simulando una cosa que no es. En el caso del observador, él genera más un campo de significado, lanzando todo su repertório y alterando más una vez la imagen.
Barthes (1984, p. 45) observa aún la presencia de dos elementos en la fotografía, aquello que el fotógrafo quise transmitir es llamado de studium, o sea, es el obvio, aquello que es intencional. Ya cuando hay un detalle que no fue pre-producido por el autor, recibe el nombre de punctum. Ese último genera otro significado para el observador, hiere, atraviesa, menea con su interpretación.
Reconocer el studium es fatalmente encontrar las intenciones del fotógrafo, entrar en armonía con ellas, las apruebas, dicuti-las en mí aún, pues la cultura (con que tiene a ver el studium) es un contrato hecho entre los creadores y los consumidores. (…) A ese segundo elemento que viene a contrariar el studium llamaré entonces punctum. De esa vez, no soy yo que voy lo buscas, es él que parte de la escena, como una flecha, y viene me transpassar (BARTHES, 1984, p. 48).
Por medio de las fotografías se descubre la capacidad de obtener capas enteras y de emociones que están escondidas en la memoria. También se puede descubrir y obtener nuevas significaciones que en aquellos momentos no estaban explícitas.
Las imágenes son aparentemente silenciosas. Siempre, sin embargo, provocan y conducen a una infinidade de discursos en torno a ellas.
Referencias
- ↑ Photography Just What Dones It Mean?
- ↑ Nuevo Diccionario Aurélio
- ↑ photography, still
- ↑ www.fotoserumos.com/histfoto Surgimento de la fotografía (en portugués)
- ↑ www.cotianet.com.br Historia y evolución (en portugués)
- ↑ Kodak: Historia de la fotografía La cámara oscura, el principio de la fotografía
- ↑ Kodak: Historia de la fotografía "La química, en auxílio a la fotografía"
- ↑ www.fujifilm.com.br/comunidad/historia_de la_fotografía El principio del negativo (en portugués)
- ↑ Kodak: Historia de la fotografía Fox - Talbot: un noble aperfeiçoando la fotografía
- ↑ FujiFilm Brasil Historia de la Fotografía
- ↑ Kodak: Historia de la fotografía Hercules Florence - El descubrimiento aislado de la fotografía en el Brasil
- ↑ Hércules Florence (1804-1879)
- ↑ Kodak: Historia de la fotografía Fotografía para todos
- ↑ Breve Historia de la Fotografía
- ↑ a b Digital imaging: the death of film?
- ↑ www.dsc.ufcg.edu.br La fotografía en negro y blanco (en portugués)
- ↑ www.dsc.ufcg.edu.br La fotografía coloreada (en portugués)
- ↑ Film vs. digital
- ↑ PBS American Photography: Art.
- ↑ (1984, p. 21)
- ↑ www.fotoserumos.com Nace una profesión (en portugués)
Bibliografia
- BERNIER, Jules. 200 asuntos fotograficos. 1. ed. São Paulo: Iris, 1970. 168 p.
- BUSSELLE, Michael. Todo sobre fotografía. São Paulo: Círculo del Libro, 1988. 224 p.
- GURAN, Milton. Lenguaje fotográfica e información. 3. ed. Río de Janeiro: Gamma Hijo, 2002. 119 p.
- HEDGECOE, John. Guía completo de fotografía. São Paulo: Martins Fontes, 1996-2001. 224 p.
- HUMBERTO, Luis. Fotografía, la poética del banal. Brasilia: Universidad de Brasilia, 2000. 105 p.
- LIMA, Ivan. Fotoperiodismo brasileño: Realidad y lenguaje. 1. ed. Río de Janeiro: Fotografía Brasileña, 1989. 90 p.
- MOURA, Edgar. 50 años luz, cámara y acción. 2. ed. São Paulo: SENAC, 2001. 444 p.
- ROUILLÉ, André. La fotografía entre documento y arte contemporáneo. São Paulo; SENAC. 2009.
- SOUSA, Jorge Pedro. Una historia crítica del fotoperiodismo occidental. Chapecó: Argos, 2004. 255 p.
- KOSSOY, Boris. Fotografía e Historia, São Paulo: Ateliê Editorial, 2003. ISBN 85-7480-060-0
- KUBRUSLY, CLáudio A., Lo que es Fotografía, Colección Primeros Pasos, São Paulo: Brasiliense, 1982
Ver también
Conexiones externas
- Guía de las fotografías
- Un Mirar por la Historia de la Fotografía en el Brasil.
- De la Pintura Rupestre a la Fotografía
pcd:Fotografie
