Expressionismo

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El expressionismo fue un movimiento cultural de vanguarda surgido en la Alemania en los primórdios del siglo XX, que estaban más interesados en la interiorização de la creación artística del que en su exteriorização, proyectando en la obra de arte una reflexión individual y subjetiva. O sea, la obra de arte es reflexo directo del mundo interior del artista expressionista.

El expressionismo plasmou-se en un gran número de campos: artes plásticos, literatura, música, cine, teatro, baila, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, a la vez que el fauvismo francés, hecho que haría ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas "vanguardas históricas". Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogêneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó diversos artistas de tendencias variadas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impressionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expressionistas defendían un arte más personal e intuitiva, donde predominasse la visión interior del artista –la "expresión"– frente a la plasmação de la realidad –la "impresión"–.

El expressionismo acostumbra ser entendido como la deformación de la realidad para expresar más subjetivamente la naturaleza y el ser humano, dando primazia a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expressionismo es extrapolável a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se calificó de expressionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel, el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para el distinguir, escriben "expressionismo" –en minúsculas– como término genérico y "Expressionismo" –en mayúsculas– para el movimiento alemán.^[1]

El Expressionismo se distingue del Realismo por no estar interesado en la idealização de la realidad, pero en su apreensão por el sujeto. Guardia, sin embargo, con el movimiento realista, semejanzas, como una correcta visión anti"Romanticismo" del mundo.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria , el expressionismo reflejó la amargura que invadía los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania pre-bélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del periodo entre-guerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo veemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginação y de renovar los lenguajes artísticos. El expressionismo defendía la libertad individual, la primazia de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el arrebatamento y los temas prohibidos –el excitante, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentou reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expressivo de los medios plásticos, que tomaron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuína expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo hicieron reflexo de una concepción existencial libera al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y por la muerte, concepción que acostumbra calificarse de "nórdica" por asociarse al temperamento que es identificado con el estereótipo de los países del norte de la Europa. Fiel reflexo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expressionismo reveló el lado pesimista de la vida, a angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorção de la realidad visaban la impactar el espectador, llegar a su lado más emotivo.

El expressionismo no fue un movimiento homogêneo, pero de una gran diversidad estilística: hube un expressionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinsky), etc. Aunque su mayor centro de difusión fuera en la Alemania, también fue percibido en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En la Alemania se organizó expresamente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Dé Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubiera artistas no adscritos a ningún grupo. Tras la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividade que, aunque surgió como rechaza del individualismo expressionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorção formal y su coloreado intenso los hacen herederos directos de la primera generación expressionista.

En una acepção más amplia, la palabra “expressionismo” se refiere a cualquier manifestación subjetiva y psicológica de la creación humana.

Tabla de contenido 1 Definición 2 Orígenes e influencias 3 Arquitetura 3.1 Deutscher Werkbund 3.2 Escuela de Amsterdam 3.3 Arbeitsrat für Kunst 3.4 Dé Ring 3.5 Neues Bauen 4 Escultura 5 Pintura 5.1 Die Brücke 5.2 Dé Blaue Reiter 5.3 Neu Sachlichkeit 5.4 Otros artistas 5.5 El grupo de Viena 5.6 Escuela de París 5.7 Otros países 6 Literatura 6.1 Narrativa 6.2 Poesía 6.3 Teatro 7 Música 8 Ópera 9 Baila 10 Cine 11 Fotografía 12 Ver también 13 Referencias 14 Bibliografia 15 Conexión externas

Definición

La transición del siglo XIX al XX comportó numerosos cambios políticos, sociales y culturales. Por un lado, el auge político y económico de la burguesia, que vivió en las últimas décadas del siglo XIX (a Belle Époque) un momento de gran esplendor, reflejado en el modernismo, movimiento artístico puesto al servicio del lujo y de la ostentação desplegados por la nueva clase dirigente. Pero, los procesos revolucionarios acontecidos desde la Revolución Francesa (el último, en 1871, aquando la fracasada Comuna de París) y el temor a que se repitieran llevaron las clases políticas a hacer una serie de concesiones, como las reformas laboráis, los seguros sociales y el ensinamento básico obligatorio. Así, la descendida del analfabetismo comportó un aumento de los mídia y una mayor difusión de los fenómenos culturales, que adquirieron mayor alcance y mayor rapidez de difusión, surgiendo la "cultura de masas".^[2]

Por otro lado, los avances técnicos, en el terreno del arte especialmente la aparição de la fotografía y el cine, llevaron el artista a exponer la función de su trabajo, que ya no consistía en imitar la realidad, pues las nuevas técnicas lo hacían más objetivamente, fácil y reproduzível. Igualmente, las nuevas teorías científicas llevaron los artistas a cuestionar la objetividade del mundo que percibimos: la teoría de la relatividade de Einstein , la psicanálise de Freud y la subjetividade del tiempo de Bergson provocaron que el artista se alejara cada vez más de la realidad. Así, a busca de nuevos lenguajes artísticos y nuevas formas de expresión comportó la aparição de los movimientos de vanguarda , que implicaron una nueva relación del artista con el espectador: los artistas vanguardistas visaban integrar el arte con la vida, con la sociedad, hacer de su obra una expresión del inconsciente colectivo de la sociedad que representaba. A La vez, la interacción con el espectador provoca que este se envuelva en la percepção y compreensão de la obra, así como en su difusión y mercantilização, factor que llevará a un mayor auge de las galerias de arte y de los museos.^[3]

El expressionismo forma parte de las llamadas "vanguardas históricas", o sea, las acontecidas desde los primórdios del siglo XX, en el ambiente previo a la Primera Guerra Mundial, hasta el final de la Segunda Guerra Mundial (1945). Esta denominación incluye, además de eso, el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el construtivismo, el neoplasticismo, el dadaísmo, el surrealismo, etc. La vanguarda es íntimamente conectada al concepto de modernidade , caracterizado por el fin del determinismo y de la supremacia de la religión, sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en las propias capacidades del ser humano. Así, los artistas visan ponerse al frente del progreso social, expresar mediante su obra la evolución del ser humano contemporáneo.^[4]

El término "expressionismo" fue utilizado por primera vez por el pintor francés Julien-Auguste Hervé, que usó la palabra "expressionisme" para designar una serie de cuadros presentados en el Salón de los Independientes de París en 1901, en contraste con el impressionismo. El término alemán "expressionismus" fue adaptado directamente del francés –pues la expresión en alemán es ausdruck–, siendo empleada por primera vez en el catálogo de la XXII Exposición de la Secesión de Berlín en 1911, que incluía tanto obras de artistas alemanes cuanto de franceses. En la literatura fue aplicado por primera vez en 1911 por el crítico Kurt Hiller.^[5] Posteriormente, el término "expressionismo" fue difundido por el escritor Herwarth Walden, editor de la revista Dé Sturm (La tormenta), que se hizo en el principal centro difusor del expressionismo alemán. Walden aplicó inicialmente el término a todas las vanguardas surgidas entre 1910 y 1920 . Por otro lado, la aplicación del término expressionismo conectado exclusivamente al arte alemana de la vanguarda fue idea de Paul Fechter en su libro Dé Expressionismus (1914), que siguiendo las teorías de Worringer relacionó las nuevas manifestaciones artísticas como una expresión del alma colectiva alemana.^[6]

El expressionismo surgió como reacción al impressionismo: así como los impressionistas plasmavam en la pantalla una "impresión" del mundo circundante, un simple reflexo de los sentidos, los expressionistas visaban a reflejar su mundo interior, una "expresión" de sus propios sentimientos. Así, los expressionistas emplearon la línea y el color temperamental y emotivamente, con fuerte contenido simbólico. Esta reacción frente al impressionismo implicó una fuerte ruptura con el arte elaborado por la generación precedente, haciendo el expressionismo en un sinônimo del arte moderno durante los primeros años del siglo XX.^[7] El expressionismo implicó un nuevo concepto del arte, entendida como una forma de captar la existencia, de transluzir en imágenes el substrato que subjace bajo la realidad aparente, de reflejar el imutável y eterno del ser humano y la naturaleza. Así, el expressionismo fue el punto de partida de un proceso de transmutação de la realidad que cristalizó en el expressionismo abstracto y el informalismo. Los expressionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos, su estado anímico, propenso por el general a la melancolía, a la evocação, a un decadentismo de corte neorromântico. Así, el arte era una experiencia catárquica, donde se purificavam los desafogos espirituales, la angustia vital del artista.^[8]

En la gênese del expressionismo, un factor fundamental fue a rechaza del positivismo, del progreso cientificista, de la creencia en las posibilidades ilimitadas del ser humano basadas en la ciencia y la técnica. Por otro lado, comenzó un nuevo clima de pessimismo, de cepticismo, de descontente, de crítica, de pérdida de valores. Vislumbrava-si una crisis en el desarrollo humano, que efectivamente fue confirmada con el estouro de la Primera Guerra Mundial.^[9] También cabe destacarse en la Alemania a rechaza del régimen imperialista de Guilherme II por parte de una minoría intelectual, ahogada por el militarismo pangermanista del cáiser. Estos factores propiciaron un caldo de cultura en el que el expressionismo se fue gestando progresivamente, con unas primeras manifestaciones en el terreno de la literatura: Frank Wedekind denunció en sus obras la moral burguesa, frente a la cual oponía la libertad passional de los instintos; Georg Trakl evadiu-si de la realidad refugiándose en un mundo espiritual creado por el artista; Heinrich Mann fue quién más directamente denunció la sociedad guilhermina.^[10]

La aparição del expressionismo en un país como la Alemania no fue un hecho aleatorio, pero es explicado por el profundo estudio del arte durante el siglo XIX por los filósofos, artistas y teóricos alemanes, del romanticismo y las múltiples contribuciones para el campo de la estética de personajes como Wagner y Nietzsche , para la estética cultural y para la obra de autores como Konrad Fiedler ("Para juzgar obras de arte visual", 1876), Theodor Lipps ("Estética", 1903-1906) y Wilhelm Worringer ("Abstracción y empatia", 1908). Esta corriente teórica dejó una profunda marca en los artistas alemanes de finales del siglo XIX y principios del XX, centrada sobre todo en la necesidad de expresarse del artista (la "innerer Drang" o necesidad interior, principio que asumió posteriormente Kandinsky), así como la constatação de una ruptura entre el artista y el mundo exterior, el ambiente que lo envuelve, hecho que lo hace en un ser introvertido y alienado de la sociedad. También influyó el cambio acontecido en el ambiente cultural de la época, que se alejó del me gusta clásico greco-romano para admirar el arte popular, primitiva y exótica –sobre todo de la África, Oceanía y Extremo Oriente–, así como el arte medieval y la obra de artistas como Grünewald, Brueghel y El Greco.^[11]

En la Alemania, el expressionismo fue más un concepto teórico, una propuesta ideológica, del que un programa artístico colectivo, aunque se aprecia un sello estilístico común a todos sus miembros. Frente al academicismo imperante en los centros artísticos oficiales, los expressionistas se agruparon en torno a diversos centros de difusión del nuevo arte, especialmente en ciudades como Berlín, Colonia, Múnich, Hannover y Dresde . Asimismo, su trabajo difusor a través de publicaciones, galerias y exposiciones ayudaron a extender el nuevo estilo por toda Alemania y, más tarde, toda Europa.^[7] Fue un movimiento heterogêneo que, a la parte de la diversidad de sus manifestaciones, realizadas en diversos lenguajes y medios artísticos, presentó numerosas diferencias e incluso contradicciones en su seno, con gran divergencia estilística y temática entre los diversos grupos que surgieron al largo del tiempo, e incluso entre los propios artistas que los integraban. Incluso los límites cronológicos y geográficos de esta corriente son imprecisos: aunque la primera generación expressionista (Die Brücke, Dé Blaue Reiter) fue de más emblemática, la Nueva Objetividade y la exportación del movimiento a otros países implicó su continuidad el tiempo al menos hasta la Segunda Guerra Mundial; geográficamente, aunque el centro neurálgico de este estilo se situó en la Alemania, pronto se extendió por otros países europeos e inclusive del continente americano.^[12]

Tras la Primera Guerra Mundial el expressionismo pasó en la Alemania de la pintura al cine y al teatro, que utilizaban el estilo expressionista en sus decorados, pero de jeito puramente estético, desprovido de su significado original, de la subjetividade y del pungimento propios de los pintores expressionistas, que se hicieron paradójicamente en artistas malditos.^[13] Con el advento del nazismo, el expressionismo fue considerado como "arte degenerado" (Entartete Kunst), relacionándolo con el comunismo y tachando-lo de imoral y subversivo, al tiempo que consideraron que su fealdade e inferioridade artística eran un signo de la decadencia del arte moderno (el decadentismo, por su vez, fuera un movimiento artístico que tuvo cierto desarrollo). En 1937 una exposición fue organizada en el Hofgarten de Múnich con el título precisamente de Arte degenerado, visando injuriá-lo y mostrar al público la baja calidad del arte producido en la República de Weimar. Para tal fin fueron confiscadas unas 16.500 obras de diversos museos, no sólo de artistas alemanes, pero de extranjeros como Gauguin, Van Gogh, Munch, Matisse, Picasso, Braque, Chagall, etc. La mayoría de esas obras fueron vendidas posteriormente la galeristas y marchantes, sobre todo en una gran subasta celebrada en Lucerna en 1939, aunque unas 5.000 de esas obras fueron directamente destruidas en marzo de 1939, suponiendo un notable perjuicio para el arte alemana.^[14]

Después de la Segunda Guerra Mundial el expressionismo desapareció como estilo, aunque ejerciera una poderosa influencia en muchas corrientes artísticas de la segunda mitad de siglo, como el expressionismo abstracto norteamericano (Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning), el informalismo (Jean Fautrier, Jean Dubuffet), el grupo COBRA (Karel Appel, Asger Jorn, Corneille, Pierre Alechinsky) y el neoexpressionismo alemán –directamente heredero de los artistas de Die Brücke y Dé Blaue Reiter, el cual es patente en su nombre–, y artistas individuales como Francis Bacon, Antonio Saura, Bernard Buffet, Nicolas de Staël, Horst Antes, etc.^[15]

Orígenes e influencias

Aunque por expressionismo fuera conocido expresamente el movimiento artístico desarrollado en la Alemania en principios del siglo XX, muchos historiadores y críticos del arte también emplean este término más genéricamente para describir el estilo de gran variedad de artistas al largo de toda la Historia . Entendida como la deformación de la realidad para buscar una expresión más emocional y subjetiva de la naturaleza y del ser humano, el expressionismo es pues extrapolável a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se calificó de expressionista la obra de diversos autores como Hieronymus Bosch, Matthias Grünewald, Quentin Matsys, Pieter Brueghel, el Viejo, ElGreco , Francisco de Goya, Honoré Daumier, etc.^[1]

Las raíces del expressionismo se encuentran en estilos como el simbolismo y el polvos-impressionismo, así como en los Nabis y en artistas como Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Asimismo, tienen puntos de contacto con el neoimpressionismo y el fauvismo por su experimentação con el color.^[7] Los expressionistas recibieron numerosas influencias: en primer lugar a de el arte medieval, especialmente la gótica alemana. De signo religioso y carácter transcendente, el arte medieval ponía ênfase en la expresión, no en las formas: las figuras tenían poca corporeidade, perdiendo interés por la realidad, las proporciones, la perspectiva. Por otro lado, acentuaba la expresión, sobre todo en la mirada: los personajes eran simbolizas más que representadas. Así, los expressionistas se inspiraron en los principales artistas del gótico alemán, desarrollado a través de dos escuelas fundamentales: el estilo internacional (finales del siglo XIV-primera mitad del XV), representado por Conrad Soest y Stefan Lochner; y el estilo flamengo (segunda mitad del siglo XV), desarrollado por Konrad Witz, Martin Schongauer y Hans Holbein, el Viejo. También se inspiraron en la escultura gótica alemana, que destacó por su grande expressividade, con nombres como Veit Stoss y Tilman Riemenschneider. Otro punto de referencia fue Matthias Grünewald, pintor tardo-medieval que, aunque conociera las innovaciones del Renascimento, siguió en una línea personal, caracterizada por la intensidad emocional, una expressiva distorção formal y un intenso coloreado incandescente, como en su obra mestra, el Retábulo de Isenheim.^[16]

Otro de los referentes del arte expressionista fue el arte primitivo, especialmente a de la África y Oceanía, difundida desde finales del siglo XIX por los museos etnográficos. Las vanguardas artísticas encontraron en el arte primitivo una mayor libertad de expresión, originalidade, nuevas formas y materiales, una nueva concepción del volumen y del color, así como una mayor transcendência del objeto, pues en estas culturas no eran simples obras de arte, pero tenían una finalidad religiosa, mágica, totêmica, votiva, suntuária, etc. Son objetos que expresan una comunicación directa con la naturaleza y con las fuerzas espirituales, con cultos y rituais, sin ninguno de tipo de mediación o interpretación.^[17]

Pero la mayor inspiración vino del polvos-impressionismo, especialmente de la obra de tres artistas: Paul Cézanne, que comenzó un proceso de desfragmentação de la realidad en formas geométricas que terminó en el cubismo, reduciendo las formas a cilindros , conos y esferas , y disolviendo el volumen a partir de los puntos más esenciales de la composición. Colocaba el color por capas, imbricando unos colores con otras, sin necesidad de líneas, trabajando con manchas. No utilizaba la perspectiva, pero la superposição de tonos cálidos y fríos daban sensación de profundidad. En segundo lugar Paul Gauguin, que contribuyó una nueva concepción entre el plan pictórico y la profundidad del cuadro, a través de colores planos y arbitrarias, que tienen un valor simbólico y decorativo, con escenas de difícil clasificación, situadas entre la realidad y un mundo onírico y mágico. Su estancia en Tahiti provocó que su obra derivara en un correcto primitivismo, con influencia del arte de la Oceanía, reflejando el mundo interior del artista en vez de imitar la realidad. Finalmente, Vincent Van Gogh elaboraba su obra según criterios de exaltação anímica, caracterizándose por la falta de perspectiva, la inestabilidad de los objetos y colores, roçando la arbitrariedade, sin imitar la realidad, pero provêm del interior del artista. Debido a su frágil salud mental, sus obras son reflexo de su estado de ánimo, depressivo y torturado, reflejándose en obras de pinceladas sinuosas y colores violentos.^[18]

Cabe subrayar la influencia de dos artistas que los expressionistas consideraron como precedentes inmediatos: el norueguês Edvard Munch, influenciado en sus comienzos por el impressionismo y el simbolismo, pronto derivó para un estilo personal que sería fiel reflexo de su interior obsessivo y torturado, con escenas de ambiente opressivo y enigmático –centradas en el sexo, la enfermedad y la muerte –, caracterizadas por la sinuosidade de la composición y un coloreado fuerte y arbitrario. Las imágenes angustiosas y desesperadas de Munch –como en El Grito (1893), paradigma de la soledad y de la incomunicación– fueron uno de los principales puntos de arranque del expressionismo.^[19] Igual de influyente fue la obra del belga James Ensor, que recogió la gran tradición artística de su país –en especial Brueghel–, con preferencia por temas populares, traduciéndolo en escenas enigmáticas e irreverentes, de carácter absurdo y burlesco, con un senso del humor ácido y corrosivo, centrado en figuras de vagabundos, borrachos, esqueletos, máscaras y escenas de carnaval. Así, "La entrada de Cristo en Bruselas" (1888) representa la Pasión de Jesus en medio de un desfile de carnaval, obra que causó un gran escándalo en su momento.^[20]

Arquitetura

Ver artículo principal: Arquitetura expressionista

La arquitetura expressionista se desarrolló expresamente en la Alemania , Países Bajos, Austria, Checoslováquia y Dinamarca . Se caracterizó por el uso de nuevos materiales, suscitado ocasionalmente por el uso de formas biomórficas o por la ampliación de posibilidades ofrecida por la fabricación massiva de materiales de construcción como el ladrillo, el acero o el vidrio. Muchos arquitectos expressionistas combatieron en la Primera Guerra Mundial, y su experiencia, quedada con los cambios políticos y sociales producto de la Revolución Alemana de 1918-1919, terminaron en perspectivas utópicas y un programa socialista romántico. La arquitetura expressionista recibió la influencia del modernismo, sobre todo de la obra de arquitectos como Henry van de Velde, Joseph Maria Olbrich y Antoni Gaudí. De carácter fuertemente experimental y utópico, las realizaciones de los expressionistas se destacan por su monumentalidade, el empleo del ladrillo y de la composición subjetiva, que otorga a sus obras correcto aire de excentricidad.^[21]

Un contribuyente teórico a la arquitetura expressionista fue el ensayo Arquitetura de cristal (1914) de Paul Scheerbart, nb que ataca el funcionalismo por su falta de artisticidade y defiende la sustitución del ladrillo por el cristal. Así, por ejemplo, el Pabellón de Cristal de la Exposición de Colonia de 1914 , de Bruno Taut, autor que también plasmou su ideario por escrito (Arquitetura alpina, 1919).^[22] A arquitetura expressionista se desarrolló en diversos grupos, como la Deutscher Werkbund, Arbeitsrat für Kunst, Dé Ring y Neus Bauen, vinculado este último a la Nueva Objetividade; también cabe destacarse la Escuela de Amsterdam. Los principales arquitectos expressionistas fueron: Bruno Taut, Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Hans Poelzig, Hermann Finsterlin, Fritz Höger, Hans Scharoun y Rudolf Steiner.

Deutscher Werkbund

La Deutscher Werkbund (Federación alemana del trabajo) fue el primer movimiento arquitetônico relacionado al expressionismo en la Alemania. Fundada en Múnich a 9 de octubre de 1907 por Hermann Muthesius, Friedrich Naumann y Karl Schmidt, incorporó posteriormente figuras como Walter Gropius, Bruno Taut, Hans Poelzig, Peter Behrens, Theodor Fischer, Josef Hoffmann, Wilhelm Kreis, Adelbert Niemeyer y Richard Riemerschmidt. Heredera del Jugendstil y de la Sezession vienesa, e inspirada en el movimiento Arts & Crafts, su objetivo era la integración de arquitetura, industria y artesanía a través del trabajo profesional, la educación y la publicidad, así como introducir el dibujo arquitetônico en la modernidade y conferirle un carácter industrial. Las principales características del movimiento fueron el uso de nuevos materiales como el vidrio y el acero, la importancia del dibujo industrial y el funcionalismo decorativo.^[23]

La Deutscher Werkbund organizó diversas conferencias publicadas posteriormente en forma de anuários, como El arte en la industria y en el comercio (1913) y El transporte (1914). Asimismo, en 1914 celebraron una exposición en Colonia que obtuvo un gran éxito y difusión internacional, destacándose el pabellón de vidrio y acero diseñado por Bruno Taut. El éxito de la exposición provocó un grande auge del movimiento, que pasó de haber 491 miembros en 1908 a 3000 en 1929.^[24] Durante la Primera Guerra Mundial estuvo prestes a desaparecer, pero ressurgiu en 1919 después de una convención en Stuttgart, donde Hans Poelzig fue elegido presidente –sustituido en 1921 por Riemerschmidt–. Durante esos años transcurrieron varias controversias sobre se debía primar el dibujo industrial o el artístico, produciéndose diversas dissensões en el grupo.

Los años 1920 el movimiento derivó del expressionismo y de la artesanía al funcionalismo y a la industria, incorporando nuevos miembros como Ludwig Mies van dé Rohe. Una nueva revista fue editada, Die Form (1922-1934), que difundió las nuevas ideas del grupo, centradas en el aspecto social de la arquitetura y en el desarrollo urbanístico. En 1927 celebraron una nueva exposición en Stuttgart, construyendo una gran colonia de viviendas, la Weissenhofsiedlung , con dibujo de Mies van dé Rohe y edificios construidos por Gropius, Behrens, Poelzig, Taut, etc., junto a arquitectos de fuera de la Alemania como Jacobus Johannes Pieter Oude, Le Corbusier y Victor Bourgeois. Esta muestra fue uno de los puntos de partida del nuevo estilo arquitetônico que comenzaba a surgir, conocido como estilo internacional o racionalismo. La Deutscher Werkbund se disolvió en 1934 debido expresamente a la crisis económica y al nazismo. Su espíritu influyó enormemente en la Bauhaus , e inspiró la fundación de organismos parecidos en otros países, como Suiza, Austria, Suecia y Gran Bretaña.^[25]

Escuela de Amsterdam

Paralelamente a la Deutscher Werkbund alemana, entre 1915 y 1930 una notable escuela arquitetônica de carácter expressionista se desarrolló en Amsterdam (Países Bajos). Influenciados por el modernismo (expresamente Henry van de Velde y Antoni Gaudi) y por Hendrik Petrus Berlage, se inspiraron en las formas naturales, con edificios de dibujo imaginativo donde predomina el uso del ladrillo y del concreto. Sus principales miembros fueron Michel de Klerk, Piet Kramer y Johan van dé Mey, que trabajaron conjuntamente múltiples veces, contribuyendo en gran manera al desarrollo urbanístico de Amsterdam, con un estilo orgánico inspirado en la arquitetura tradicional holandesa, destacándose las superficies onduladas. Sus principales obras fueron el Scheepvaarthuis (Van dé Mei , 1911-1916) y el Eigen Haard Estate (De Klerk, 1913-1920).^[26]

Arbeitsrat für Kunst

El Arbeitsrat für Kunst (Consejo de trabajadores del arte) fue fundado en 1918 en Berlín por el arquitecto Bruno Taut y el crítico Adolf Behne. Surgido después del fin de la Primera Guerra Mundial, su objetivo era la creación de un grupo de artistas que pudiera influir en el nuevo gobierno alemán, con vistas a la regeneración de la arquitetura nacional, con un claro componente utópico. Sus obras se destacan por el uso del vidrio y del acero, así como por las formas imaginativas y cargadas de un intenso misticismo. De seguida captaron miembros provenientes de la Deutscher Werkbund, como Walter Gropius, Erich Mendelsohn, Otto Bartning y Ludwig Hilberseimer, y contaron con la colaboración de otros artistas, como los pintores Lyonel Feininger, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde y Max Pechstein, y los escultores Georg Kolbe, Rudolf Belling y Gerhard Marcks. Esta variedad es explicada porque las aspiraciones del grupo eran más políticas que artísticas, visando a influir en las decisiones del nuevo gobierno en hago al arte y a la arquitetura. Pero, después de los acontecimientos de enero de 1919 relacionados a la Aleación Espartaquista, el grupo renunció a sus fines políticos, dedicándose a organizar exposiciones. Taut dimitió como presidente, siendo sustituido por Gropius, aunque finalmente se disolvieran a 30 de mayo de 1921 .^[27]

Dé Ring

El grupo Dé Ring (El círculo) fue fundado en Berlín en 1923 por Bruno Taut, Ludwig Mies van dé Rohe, Peter Behrens, Erich Mendelsohn, Otto Bartning, Hugo Häring y varios arquitectos más, a los que se añadieron Walter Gropius, Ludwig Hilberseimer, Hans Scharoun, Ernst May, Hans y Wassili Luckhardt, Adolf Meyer, Martin Wagner, etc. Su objetivo era, así como en los movimientos precedentes, renovar la arquitetura de su época, poniendo especial ênfase en los aspectos sociales y urbanísticos, así como en el estudio de nuevos materiales y técnicas de construcción. Entre 1926 y 1930 desarrollaron un notable trabajo de construcción de viviendas sociales en Berlín, con casas que se destacan por el aproveitamento de la luz natural y su situación en zonas verdes, destacándose la Hufeisensiedlung (Colonia de la Ferradura, 1925-1930), de Taut y Wagner. Dé Ring desapareció en 1933 después del advento del nazismo.^[28]

Neues Bauen

Neues Bauen (Nuevo edificio) fue el nombre que se dio en arquitetura a la Nueva Objetividade, reacción directa a los excesos estilísticos de la arquitetura expressionista y el cambio en el estado de ánimo nacional, en el que predominava el componente social sobre el individual. Arquitectos como Bruno Taut, Erich Mendelsohn y Hans Poelzig se volvieron para el enfoque simple, funcional y práctico de la Nueva Objetividade. La Neues Bauen floreceu en el breve periodo entre la adopción del plan Dawes y el auge del nazismo, comprendiendo exposiciones públicas como el Weissenhof Estate, la amplia planificación urbana y proyectos de promociones públicas de Taut y Ernst May, y los influyentes experimentos de la Bauhaus.

Escultura

La escultura expressionista no tuvo un sello estilístico común, siendo el producto individual de varios artistas que reflejaron en su obra quiere la temática quiere la distorção formal propias del expressionismo. Se destacan especialmente tres nombres:

• Ernst Barlach: inspirado en el arte popular ruso –después de un viaje al país eslavo en 1906– y la escultura medieval alemana, así como en Brueghel y Hieronymus Bosch, sus obras tienen cierto aire caricaturesco, trabajando muy el volumen, la profundidad y la bisagra del movimiento. Desarrolló dos temáticas principales: el popular (costumbres cotidianas, escenas campesinas) y –sobre todo tras la guerra– el miedo, a angustia, el terror. No imitaba la realidad, pero creaba una realidad nueva, jugando con las líneas quebradas y los ángulos, con anatomias distanciadas del naturalismo, tendiendo a la geometrização. Trabajó preferentemente con la madera y el gesso, que ocasionalmente pasaba posteriormente al bronce. Entre sus obras se destacan:

"El fugitivo" (1920-1925), "El vengador" (1922), "La muerte en la vida" (1926), "El flautista" (1928), "El bebedor" (1933), "Vieja friorenta" (1939), etc.^[29]

• Wilhelm Lehmbruck: educado en París, su obra tiene un marcado carácter classicista, aunque deformado y estilizado, y con una fuerte carga introspetiva y emocional. Durante su formación en Düsseldorf evolucionó de un naturalismo de corte sentimental, pasando por un dramatismo barroco con influencia de Rodin , hasta un realismo influenciado por Meunier. En 1910 se instaló en París, donde acusó la influencia de Maillol . Finalmente, después de un viaje la Italia en 1912 comenzó una mayor geometrização y estilização de la anatomia, con cierta influencia medieval en el alargamento de sus figuras (Mujer arrodillada, 1911; Joven de pie, 1913).^[30]

• Käthe Kollwitz: esposa de un médico de un barrio pobre de Berlín, conoció de cerca la miseria humana, hecho que la marcó profundamente. Socialista y feminista , su obra tiene un marcado componente de reivindicación social, con esculturas, litografías y aquafortes que se destacan por su crueza: La revuelta de los tecedores (1907-1908), La guerra de los campesinos (1902-1908), Homenaje a Karl Liebknecht (1919-1920).^[31]

Los miembros de Die Brücke (Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff) también practicaron la escultura, pues su experimentação con la xilografia permitió fácilmente pasar a la talla de la madera, material que resultaba muy conveniente para su expresión intimista de la realidad, pues la grosseria y el aspecto irregular de ese material, su aspecto bruto e inacabado, incluso primitivo, traían la perfecta expresión de su concepto del ser humano y la naturaleza. Se percibe en estas obras la influencia del arte africano y oceânica, de la cual gabavam su simplicidade y su aspecto totêmico, que transcende el arte para ser objeto de comunicación transcendental.^[32]

En la década de 1920, la escultura derivó para la abstracción, siguiendo el rumbo de las últimas obras de Lehmbruck, de marcada estilização geométrica tendente a la abstracción. Así, la obra de escultores como Rudolf Belling, Oskar Schlemmer y Otto Freundlich se caracterizó pelo abandono de la figuração para una liberación formal y temática de la escultura. Pero, perdurou un correcto classicismo, influenciado por Maillol, en la obra de Georg Kolbe, dedicado especialmente al desnudado, con figuras dinámicas, en movimientos rítmicos prójimos del balé, con una actitud vitalista, alegre y saludable que fue bien recibida por los nazis. Su obra más famosa fue La Mañana, expuesta en el Pabellón de la Alemania construido por Ludwig Mies van dé Rohe para la Exposición Internacional de Barcelona de 1929 . Gerhard Marcks realizó una obra igualmente figurativa, pero más estática y de temática más expressiva y compleja, con figuras de aspecto arcaico, inspiradas en las tallas medievais. Ewald Mataré se dedicó expresamente a los animales, de formas casi abstractas, siguiendo el camino iniciado por Marc en Dar Blaue Reiter.^[33] Otros escultores expressionistas fueron Bernhard Hoetger, Ernst Oldenburg y Renée Sintenis, mientras fuera de la Alemania cabría citar el francés Antoine Bourdelle, el británico Jacob Epstein, el croata Ivan Meštrović, el español Victorio Macho, el holandés Lambertus Zijl, el polaco August Zamoyski y el finlandés Wäinö Aaltonen.

Pintura

Ver artículo principal: Pintura expressionista

La pintura se desarrolló expresamente en torno a dos grupos artísticos: Die Brücke, fundado en Dresde en 1905, y Dé Blaue Reiter, fundado en Múnich en 1911. En el polvos-guerra, el movimiento Nueva Objetividade surgió como contrapeso al individualismo expressionista defendiendo una actitud más comprometida socialmente, aunque técnica y formalmente fuera un movimiento heredero del expressionismo. Los elementos más característicos de las obras de arte expressionistas son el color, el dinamismo y el sentimiento. El fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel –justo al contrario de los impressionistas– pero, sobre todo, expresar su mundo interior. El objetivo primordial de los expressionistas era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos.

En la Alemania, el primero expressionismo fue heredero del idealismo post-romántico de Arnold Böcklin y Hans von Marées, incidiendo expresamente en el significado de la obra, y dando mayor relevancia lo diseña frente a la pincelada, así como a la composición y a la estructura del cuadro. Asimismo, fue primordial la influencia de artistas extranjeros como Munch, Gauguin, Cézanne y Van Gogh, plasmada en diversas exposiciones organizadas en Berlín (1903), Múnich (1904) y Dresde (1905).^[34]

El expressionismo se destacó por la gran cantidad de agrupaciones artísticas que surgieron en su seno, así como por las múltiples exposiciones celebradas en todo el territorio alemán entre 1910 y 1920: en 1911 la Nueva Secesión fue fundada en Berlín, cisão de la Secesión berlinesa fundada en 1898 y que presidía Max Liebermann. Su primer presidente fue Max Pechstein, e incluía la Emil Nolde y Christian Rohlfs. Más tarde, en 1913, surgió la Libre Secesión, movimiento efímero que fue eclipsado por el Herbstsalon (salón de Otoño) de 1913, promovido por Herwarth Walden, donde junto a los principales expressionistas alemanes expusieron diversos artistas cubistas y futuristas, destacándose Chagall, Léger, Delaunai, Mondrian, Archipenko, Hans Arp, Max Ernst, etc. Pero, en que pese a su calidad artística, la exposición fue un insucesso económico, por el cual la iniciativa no fue repetida.^[35]

El expressionismo tuvo una notable presencia, además de en Berlín, Múnich y Dresde, en la región de la Renânia, donde procedían Macke, Campendonk y Morgner, así como otros artistas como Heinrich Nauen, Franz Henseler, Paul Adolf Seehaus, etc. En 1902, el filántropo Karl Ernst Osthaus creó el Folkwang (Sala del pueblo) de Hagen , con el objetivo de promover el arte moderno, adquiriendo numerosas obras de artistas expressionistas así como de Gauguin, Van Gogh, Cézanne, Matisse, Munch, etc. Asimismo, en Düsseldorf un grupo de nuevos artistas fundaron a Sonderbund Westdeutscher Kunstfreunde und Künstler (Aleación especial de afeicionados al arte y artistas de la Alemania occidental), que celebró diversas exposiciones de 1909 a 1911 , cambiándose en 1912 para Colonia, donde, a pesar del éxito de esta última exposición, la aleación fue disuelta.^[36]

En el polvos-guerra surgió el Novembergruppe (Grupo de Noviembre, por la revuelta alemana de noviembre de 1918 ), fundado en Berlín a 3 de diciembre de 1918 por Max Pechstein y César Klein, visando reorganizar el arte alemana después de la guerra. Entre sus miembros figuraron pintores y escultores como Wassily Kandinsky, Paul Klee, Lyonel Feininger, Heinrich Campendonk, Otto Freundlich y Käthe Kollwitz; arquitectos como Walter Gropius, Erich Mendelsohn y Ludwig Mies van dé Rohe; compositores como Alban Berg y Kurt Weill; y el dramaturgo Bertolt Brecht. Más que un grupo con un sello estilístico común, fue una asociación de artistas con el objetivo de exponer conjuntamente, cosa que hicieron hasta su disolución con la llegada del nazismo.^[37]

Die Brücke

Ver artículo principal: Die Brücke

Die Brücke (El puente) fue fundada a 7 de junio de 1905 en Dresde, formado por cuatro estudiantes de arquitetura de la Escuela Técnica Superior de Dresde: Ernst Ludwig Kirchner, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Karl Schmidt-Rottluff. El nombre fue ideado por Schmidt-Rottluff, simbolizando a través de un puente su pretensión de establecer las bases de un arte de futuro. Posiblemente la inspiración vino de una frase de Así habló Zaratustra de Nietzsche: "La grandeza del hombre es que es un puente y no un fin".^[38] En 1906 se unieron al grupo Emil Nolde y Max Pechstein, así como el suizo Cuno Amiet y el holandés Lambertus Zijl; en 1907, el finlandés Akseli Gallen-Kallela; en 1908, Franz Nölken y el holandés Kees Van Dongen; y, en 1910, Otto Muelher y el checo Bohumil Kubište la. Bleyl se separó del grupo en 1907, cambiándose para la Silésia, donde fue profesor en la Escuela de Ingeniería Civil, abandonando la pintura. En sus comienzos, los miembros de Die Brücke trabajaron en un pequeño taller situado en la calle Berliner Straßy nº 65 de Dresde, adquirido por Heckel en 1906, que ellos mismos decoraron y mobiliaram siguiendo las directrices del grupo.^[39]

El grupo Die Brücke buscó conectar con el público en general, haciéndolo partícipe de las actividades del grupo. Concebiram la figura del "miembro passivo" que, mediante una firma anual de doce cuadros, recibían periódicamente un boletín con las actividades del grupo, así como diversas gravuras (las "Brücke-Mappen"). Con el tiempo, el número de miembros passivos ascendió a sesenta y ocho.^[40] En 1906 publicaron uno manifiesto, Programm, en el que Kirchner expresó su gana de convocar la juventud para un proyecto de arte social que transformara el futuro. Visaban influir en la sociedad a través del arte, considerándose unos profetas revolucionarios que conseguirían cambiar la sociedad de su tiempo. La intención del grupo era atraer cualquier elemento revolucionario que quisiera unirse; así lo expresaron en una carta dirigida la Nolde. Su mayor interés era destruir las viejas convenciones, así como se estaba haciendo en la Francia. Según Kirchner, no podían ponerse reglas y la inspiración debía fluir libre y dar expresión inmediata a la presiones emocionales del artista. La carga de crítica social que imprimieron a su obra valiou los ataques de la crítica conservadora que los tachou de ser un peligro para la juventud alemana.^[41]

Los artistas de Die Brücke eran influenciados por el movimiento Arts & Crafts, así como por el Jugendstil y los Nabis, y artistas como Van Gogh, Gauguin y Munch. También se inspiraron en el gótico alemán y en el arte africano, sobre todo después de los estudios realizados por Kirchner de las xilografias de Durero y del arte africano del Museo Etnológico de Dresde.^[42] También estaban interesados por la literatura rusa, especialmente Dostoievski. En 1908, después de una exposición de Matisse en Berlín, expresaron igualmente su admiración por los fauvistas, con los que compartiam la simplicidade de la composición, el maneirismo de las formas y el intenso contraste de colores. Ambos partían del polvos-impressionismo, rechazando la imitación y destacándose la autonomía del color. Pero, varían los contenidos temáticos: los expressionistas eran más angustiosos, margináis, disgustabais, y destacaban más el sexo que los fauvistas. Rechazaban el academicismo y aludían a la "libertad máxima de expresión". Más que un programa estilístico propio, su nexo era a rechaza del realismo y del impressionismo, y la suya busca de un proyecto artístico que envolviera el arte con la vida, para lo que experimentaron con diversas técnicas artísticas como el mural, la xilografia y la ebanesteria, a la parte de la pintura y de la escultura.^[43]

Die Brücke otorgó especial importancia a la obras gráficas: su principal medio de expresión fue la xilografia, técnica que permitía plasmar su concepción del arte directamente, dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, próximo al primitivismo que tanto admiraban. Estos grabados en madera presentan superficies irregulares, que no dissimulam y aprovechan expresivamente, aplicando manchas de memoria y destacándose la sinuosidade de las formas. También utilizaron la litografía , el agua-tinta y la aquaforte, que acostumbran ser de un reducido cromatismo y simplificación estilística.^[44] Die Brücke defendía la expresión directa e instintiva del impulso creador del artista, sin normas ni reglas, rechazando totalmente cualquier tipo de reglamentación académica. Como dije Kirchner: "el pintor transforma en obra de arte la concepción de su experiencia".^[45]

A los miembros de Die Brücke les interesaba un tipo de temática centrada en la vida y la naturaleza, reflejada de jeito espontânea e instintiva, por el cual sus principales temas son el desnudado –sea en interior o exterior–, así como escenas de circo y music-hall, donde encuentran la máxima intensidad que pueden extraer a la vida.^[46] Esta temática fue sintetizada en obras sobre banhistas que sus miembros realizaron preferentemente entre 1909 y 1911 en sus estancias en los lagos próximos la Dresde: Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. Son obras donde expresan un naturismo sin rodeios, un sentimiento casi panteísta de comunhão con la naturaleza, al mismo tiempo que técnicamente van depurando su paleta, en un proceso de deformación subjetiva de la forma y del color, que adquiere un significado simbólico.^[38]

En 1911 la mayoría de artistas del grupo se instalaron en Berlín, iniciando su carrera en solitario. En la capital alemana recibieron la influencia del cubismo y del futurismo, patente en la esquematização de las formas y en la utilización de tonos más fríos a partir de entonces. Su paleta se hizo más obscura y su temática más desolada, melancólica, pesimista, perdiendo el sello estilístico común que tenían en Dresde para correr caminos cada vez más divergentes, iniciando cada uno su marcha personal.^[47] Una de las mayores exposiciones en la que participaron los miembros de Die Brücke fue la Sonderbund de Colonia de 1912, donde Kirchner y Heckel recibieron además a encomienda de decorar una capela, que tuvo un gran éxito.^[48] Aun así, en 1913 aconteció la disolución formal del grupo, debido a la rechaza que provocó en sus compañeros la publicación de la historia del grupo (Crónica de la sociedad artística de Die Brücke) por parte de Kirchner, en la cual se otorgaba una especial relevancia que no fue admitida por el restante de miembros.^[49]

Los principales miembros del grupo fueron:

• Ernst Ludwig Kirchner: gran dibujante –su padre era profesor de dibujo–, desde su visita a una exposición de xilografia de Dürer en 1898 comenzó a hacer grabados en madera, material en el que también realizó tallas de influencia africana, con un acabado irregular, sin polir, destacándose los componentes sexuales. Utilizaba colores primarios, como los fauvistas, con cierta influencia de Matisse, pero con líneas quebradas, violentas –al contrario de las arredondadas de Matisse–, en ángulos cerrados, agudos. Las figuras son estilizadas, con un alargamento de influencia gótica. Desde su cambio para Berlín en 1910 realizó composiciones más esquemáticas, con líneas cortantes y zonas inacabadas, y cierta distorção formal. Progresivamente su pincelada se hizo más nerviosa, agresiva, con líneas superpuestas, composición más geométrica, con formas angulosas inspiradas en la decomposição cubista. Desde 1914 comenzó a padecer trastornos mentales y, durante la guerra, sufrió una enfermedad respiratoria, factores que influyeron en su obra. En 1937 sus trabajos fueron confiscados por los nazis, suicidándose el año siguiente.^[50]

• Erich Heckel: su obra se nutrió de la influencia directa de Van Gogh, al que conoció en 1905 en la Galeria Arnold de Dresde. Entre 1906 y 1907 realizó una serie de cuadros de composición vangoghiana, de pinceladas cortas y colores intensos –predominantemente el amarillo–, con carpeta densa. Más tarde evolucionó para temáticas más expressionistas, como el sexo, la soledad, la incomunicación, etc. También trabajó con la madera, en obras lineais, sin perspectiva, con influencia gótica y cubista. Fue uno de los expressionistas más vinculados a la corriente romántica alemana, lo que se refleja en su visión utópica de las clases margináis, por las cuales expresa un sentimiento de solidaridad y reivindicación. Desde 1909 realizó una serie de viajes por toda Europa que lo pusieron en contacto tanto con el arte antiguo cuánto con las nuevas vanguardas, especialmente el fauvismo y el cubismo, de los cuales adoptó la organización espacial y el coloreado intenso y subjetivo. En sus obras tiende a descuidar el aspecto figurativo y descriptivo de sus composiciones para resaltar el contenido emotivo y simbólico, con pinceladas densas que hacen que el color ocupe todo el espacio, sin otorgar importancia al dibujo o la composición.^[51]

• Karl Schmidt-Rottluff: en sus comienzos practicó el macropontilhismo, para pasar a un expressionismo de figuras esquemáticas y rostros cortantes, de pincelada suelta y colores intensos. Recibió cierta influencia de Picasso en su etapa azul, así como de Munch y el arte africano y, desde 1911, del cubismo, palpável en la simplificación de las formas que aplicó a sus obras desde entonces. Dotado de una grande mestria para la aquarela, sabía dosificar bien los colores y distribuir los chiaroscuros, mientras en la pintura aplicaba pinceladas densas y espesas con claro precedente en Van Gogh. También realizó tallas en madera, a veces policromada, con influencia africana –rostros alargados, ojos amendoados–.^[52]

• Emil Nolde: conectado la Die Brücke durante 1906-1907, trabajó en solitario, desconectado de tendencias –no se consideraba un expressionista, pero un "artista alemán"–. Dedicado en principio a la pintura de paisajes, temas florales y animales, sentía predileção por Rembrandt y Goya. En principios de siglo empleaba la técnica divisionista, con empaste muy grueso y pinceladas cortas, y con fuerte descarga cromática, de influencia post-impressionista. Durante su estancia en Die Brücke abandonó el proceso de imitación de la realidad, denotando en su obra una inquietud interior, una tensión vital, una crispación que se refleja en el pulso interno de la obra. Comenzó entonces los temas religiosos, centrándose en la Pasión de Jesus Cristo, con influencia de Grünewald, Brueghel y Hieronymus Bosch, con rostros desfigurados, un profundo sentimiento de angustia y una grande exaltação del color (La última cena, 1909; Pentecostes, 1909; Santa Maria Egipcíaca, 1912).^[53]

• Otto Mueller: gran admirador del arte egipcio, realizó obras sobre paisajes y desnudos con formas esquemáticas y angulosas donde se percibe la influencia de Cézanne y Picasso. Sus desnudos acostumbran situarse en paisajes naturales, evidenciando la influencia de la naturaleza exótica de Gauguin. Su dibujo es limpio y fluido, alejado del estilo áspero y gestual de los otros expressionistas, con una composición de superficies planas y suaves líneas curvas, creando una atmósfera de fantasia idílica. Sus figuras delgadas y esbeltas están inspiradas en Cranach, de cuya Vênus tenía una reproducción en su estudio. Son desnudos de grande simplicidade y naturalidade, sin trazos de provocación o sensualidade, expresando una perfeição ideal, la nostálgia de un paraíso perdido, en que el ser humano vivía en comunhão con la naturaleza.^[54]

• Max Pechstein: de formación académica, estudió Bellos Artes en Dresde. En un viaje para Italia en 1907 se entusiasmó con el arte etrusca y los mosaicos de Ravenna , mientras en su siguiente estancia en París entró en contacto con el fauvismo. En 1910 fue fundador con Nolde y Georg Tappert de la Nueva Secesión berlinesa, de la cual fue su primer presidente. En 1914 realizó un viaje por Oceanía, recibiendo cómo tantos otros artistas de la época la influencia del arte primitivo y exótico. Sus obras acostumbran ser paisajes solitarios y agrestes, generalmente de Nidden, una población de la costa báltica que era su lugar de veraneio.^[55]

Dé Blaue Reiter

Ver artículo principal: Dé Blaue Reiter

Dé Blaue Reiter (El Jinete Azul) surgió en Múnich en 1911, agrupando Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Paul Klee, Gabriele Münter, Alfred Kubin, Alexej von Jawlensky, Lyonel Feininger, Heinrich Campendonk y Marianne von Werefkin. El nombre del grupo fue escogido por Marc y Kandinsky tomando café en una terraza, después de una conversación donde coincidieron en su me gusta por los caballos y por el color azul, aunque sea de subrayar que Kandinsky ya hube pintado un cuadro con el título El Jinete Azul en 1903 (Colección Y.G. Bührlle, Zúrich).^[56] De nuevo, más que un sello estilístico común compartiam una determinada visión del arte, en la que imperava la libertad creadora del artista y la expresión personal y subjetiva de sus obras. Dé Blaue Reiter no fue una escuela ni un movimiento, pero una agrupación de artistas con inquietudes similares, centradas en un concepto del arte no como imitación, pero como expresión del interior del artista.^[57]

Dé Blaue Reiter fue una cisão del grupo Neue Künstlervereinigung München (Nueva Asociación de Artistas de Múnich), fundada en 1909, de la cual era presidente Kandinsky, y que incluía además Marc, Jawlensky, Werefkin, Kubin, Klee, Münter, los hermanos Davide y Vladimir Burliuk, Alexander Kanoldt, Adolf Erbslöh, Karl Hofer, etc. Pero, divergencias estéticas originaron lo abandono de Kandinsky, Marc, Kubin y Münter, fundando el nuevo grupo.^[58] Dé Blaue Reiter tenía pocos puntos en común con Die Brücke, coincidiendo básicamente en su oposición al impressionismo y al positivismo; sin embargo, frente a la actitud temperamental de Die Brücke, frente a su plasmação casi fisiológica de la emotividade, Dé Blaue Reiter tenía una actitud más afinada y espiritual, visando a captar la essência de la realidad a través de la purificação de los instintos. Así, en vez de utilizar la deformación física, optan por su total depuración, llegando así a la abstracción. Su poética fue definida como un expressionismo lírico, en el cual la evasión no se encaminaba para el mundo salvaje pero para el espiritual de la naturaleza y del mundo interior.^[59]

Los miembros del grupo mostraron su interés por el misticismo, el simbolismo y las formas del arte que consideraban más genuínas: el primitivo, el popular, el infantil y lo de enfermos mentales. Dé Blaue Reiter se destacó por el uso de la aquarela, frente a la gravura utilizada expresamente por Die Brücke. También cabe destacarse la importancia otorgada a la música, que acostumbra asimilarse al color, lo que facilitó la transición de un arte figurativa para una más abstracta.^[60] De igual forma, en sus ensayos teóricos mostraron su predileção por la forma abstracta, en la que veían un gran contenido simbólico y psicológico, teoría que amplió Kandinsky en su obra Del espiritual en el arte (1912), en la que busca una síntesis entre la inteligencia y la emotividade, defendiendo que el arte se comunica con nuestro espíritu interior, y que las obras artísticas pueden ser tan expressivas en cuanto a música.^[56] Kandinsky expresa un concepto místico del arte, con influencia de la teosofia y la filosofía oriental: el arte es expresión del espíritu, siendo las formas artísticas reflexo de él. Como en el mundo de las ideas de Platão , las formas y sonidos conectan con el mundo espiritual a través de la sensibilidad, de la percepção. Para Kandinsky, el arte es un lenguaje universal, accesible a cualquier ser humano. El camino de la pintura debía ser desde la pesada realidad material hasta la abstracción de la visión pura, con el color como medio, por eso desarrolló toda una compleja teoría del color: en La Pintura como arte puro (1913) sustém que la pintura es ya un ente separado, un mundo en sí aún, una nueva forma del ser, que actúa sobre el espectador a través de la vista y que provoca en él profundas experiencias espirituales.^[61]

Dé Blaue Reiter organizó diversas exposiciones: la primera fue en la Galeria Thannhäuser de Múnich, inaugurada a 18 de diciembre de 1911 con el nombre I Ausstellung dé Redaktion des Blauen Reiter (I Exposición de los Directores del Jinete Azul).^[62] Fue de más homogênea, pues había una clara influencia mutua entre todos los componentes del grupo, disipada más adelante por una mayor individualidade de todos sus miembros. Expusieron obras Macke, Kandinsky, Marc, Campendonk y Münter y, como invitados, Arnold Schönberg –compositor pero autor también de obras pictóricas–, Albert Bloch, David y Vladimir Burliuk, Robert Delaunay y el Aduanero Rousseau. La segunda exposición transcurrió en la Galeria Hans Goltz en marzo de 1912, dedicada la aquarelas y obras gráficas, confrontando el expressionismo alemán con el cubismo francés y el suprematismo ruso. La última gran exposición aconteció en 1913 en la sede de Dar Sturm en Berlín, en paralelo al primer "Salón de Otoño" celebrado en la Alemania.^[63]

Uno de los mayores cuadros del grupo fue la publicación del Almanaque (mayo de 1912), por ocasión de la exposición organizada en Colonia por el Sonderbund. Fue realizado en colaboración con el galerista Heinrich von Tannhäuser y con Hugo von Tschudi, director de los museos de Baviera . Junto la numerosas ilustraciones, recogía diversos textos de los miembros del grupo, dedicados al arte moderno y con numerosas referencias al arte primitivo y exótica. La teoría pictórica del grupo era mostrada, centrada en la importancia del color y en la pérdida de la composición realista y el carácter imitativo del arte, frente a una mayor libertad creativa y una expresión más subjetiva de la realidad. Se hablaba igualmente de los pioneros del movimiento (Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Rousseau), en el que se incluía tanto a los miembros de Die Brücke y Dé Blaue Reiter como la Matisse, Picasso y Delaunay. También se incluyó la música, con referencias la Schönberg, Webern y Berg.^[64]

Dé Blaue Reiter tuvo su final con la Primera Guerra Mundial, en la que fallecieron Marc y Macke, mientras Kandinsky tuvo que volver para Rusia. En 1924 Kandinsky y Klee, junto la Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky, fundaron Die Blaue Venga (Los Cuatro Azules) en el seno de la Bauhaus, exponiendo conjuntamente su obra por diez años.^[65]

Los principales representantes de Dar Blaue Reiter fueron:

• Wassily Kandinsky: de vocación tardía, estudió derecho, economía y política antes de pasarse a la pintura, después de visitar una exposición impressionista en 1895. Establecido en Múnich, comenzó en el Jugendstil,conjugando-lo con elementos de la tradición rusa. En 1901 fundó el grupo Phalanx, y abrió su propia escuela. Durante 1906—1909 tuvo un periodo fauvista, para pasar posteriormente al expressionismo. Desde 1908 su obra fue perdiendo el aspecto temático y figurativo para ganar en expressividade y coloreado, iniciando progresivamente el camino para la abstracción, y desde 1910 creó cuadros en los cuales la importancia de la obra residía en la forma y en el color, creando planos pictóricos por confrontação de colores.^[66] Su abstracción era abierta, con un foco en el centro, empujando con una fuerza centrífuga, derivando las líneas y manchas para fuera, con gran riqueza formal y cromática. El propio Kandinsky distinguía su obra entre "impresiones", reflexo directo de la naturaleza exterior (que sería su obra hasta 1910); "improvisações", expresión de signo interno, de carácter espontâneo y de naturaleza espiritual (abstracción expressionista, 1910-1921); y "composiciones", expresión igualmente ingresa más elaborada y formada despacio (abstracción constructiva, desde 1921).^[67]

• Franz Marc: estudiante de teologia , durante un viaje por la Europa entre 1902 y 1906 decidió hacerse pintor. Imbuído de un grande misticismo, se consideraba un pintor "expressivo", visando a expresar el suyo "yo interior". Su obra fue bastante monotemática, dedicándose expresamente a los animales, especialmente los caballos. En que pese a eso, sus tratamientos eran variados, con contrastes muy violentos de memoria, sin perspectiva lineal. Recibió la influencia de Degas –que también hizo una serie sobre caballos–, así como del cubismo órfico de Delaunay y de las atmósferas boiantes de Chagall. Para Marc, el arte era una forma de captar la essência de las cosas, lo que tradujo en una visión mística y panteísta de la naturaleza, que plasmou sobre todo en los animales, que para él tenían un significado simbólico, representando conceptos como el amor o la muerte. En sus representaciones de animales el color era igualmente simbólico, destacándose el azul, el color más espiritual. Las figuras eran simples, esquemáticas, tendiendo a la geometrização después de su contacto con el cubismo. Pero, desenganado también de los animales, comenzó como Kandinsky el camino para la abstracción, carrera que truncada con su muerte en la contienda mundial.^[68]

• August Macke: en 1906 visitó Bélgica y Holanda , donde recibió la influencia de Rembrandt –empaste grueso, contrastes acusados–; en 1907, en Londres, se entusiasmó con los pre-rafaelitas; igualmente, en 1908 en París contactó con el fauvismo. Desde entonces abandonó la tradición y renovó temáticas y coloreados, trabajando con colores claros y cálidas. Después recibiría la influencia del cubismo: restricción cromática, líneas geométricas, figuras esquematizadas, contrastes sombra-luz. Por último llegó al arte abstracto, influenciado por Kandinsky y Delaunay: hacía una abstracción racional, geométrica, con manchas lineais de memoria y composiciones basadas en planes geométricos coloreados. En sus últimas obras –después de un viaje por el norte de la África– volvió al coloreado fuerte y los contrastes exagerados, con un correcto aire surrealista. Se inspiraba en temas cotidianos, en ambientes generalmente urbanos, con un aire lírico, alegre, sereno, con colores de expresión simbólica como en Marc.^[69]

• Paul Klee: de formación musical, en 1898 pasó a la pintura, denotando cómo Kandinsky un senso pictórico de evanescência musical, tendente a la abstracción, y con un aire onírico que lo llevaría para el surrealismo.^[70] Iniciado en el Jugendstil, y con influencia de Böcklin, Redon, Van Gogh, Ensor y Kubin, visaba como este último alcanzar un estado intermédio entre la realidad y la fantasia ideal. Más tarde, después de un viaje para París en 1912 donde conoció la Picasso y Delaunay, se interesó más por el color y sus posibilidades compositivas. En un viaje para África en 1914 con Macke reafirmó su visión del color como elemento dinamizador del cuadro, que sería la base de sus composiciones, donde perdura la forma figurativa quedada con una correcta atmósfera abstracta, en curiosas combinaciones que serían uno de sus sellos estilísticos más reconhecíveis. Klee volvió a crear en su obra un mundo fantástico e irónico, próximo al de los niños o los locos, que acercará el universo de los surrealistas –con numerosos puntos de contacto entre su obra y a de Joan Miró–.^[71]

• Alexej von Jawlensky: militar ruso, abandonó su carrera para dedicarse al arte, instalándose en Múnich en 1896 con Marianne von Werefkin. En 1902 viajó para París, trabando amistad con Matisse, con quien trabajó un tiempo y con quien se inició en el coloreado fauve. Se dedicó expresamente al retrato, inspirado en los iconos del arte tradicional rusa, con figuras en actitud hierática, de gran tamaño y esquematismo compositivo. Trabajaba con grandes superficies de memoria, con un coloreado violento, delimitado por fuertes trazos negros.^[72] Durante la guerra se refugió en la Suiza, donde realizó retratos próximos del cubismo, con rostros ovales, de nariz alargada y ojos assimétricos. Más tarde, por influencia de Kandinsky, se aproximó a la abstracción, con retratos reducidos la formas geométricas, de colores intensos y cálidas.^[73]

• Lyonel Feininger: norteamericano de origen alemán, en 1888 viajó para Alemania para estudiar música, pasando posteriormente a la pintura. En sus comienzos trabajó como caricaturista para varios periódicos. Recibió la influencia del cubismo órfico de Delaunay, patente en el geometrismo de sus paisajes urbanos, de formas angulosas e inquietantes, parecidas a la del gabinete del doctor Caligari –en cuyos decoradores probablemente influyó–. Sus personajes son caricaturescas, de gran tamaño –a veces llegando a la misma altura de los edificios–, construidas por superposição de planes de memoria. Profesor de la Bauhaus de 1919 a 1933 , en 1938, a causa del nazismo, retornó para Nueva York natal.^[74]

• Gabriele Münter: estudió en Düsseldorf y Múnich, ingresando en el grupo Phalanx, en el que conoció la Kandinsky, con lo que inició una relación y pasó largas temporadas en la localidad de Murnau . Allí pintó numerosos paisajes en las cuales desvelaba una grande emotividade y un gran dominio del color, con influencia del arte popular bávara, lo que se denota en las líneas simples, colores claros y luminosas y una cuidada distribución de las masas. Recibió de Jawlensky la justaposição de manchas brillantes de memoria con nítidos contornos, que se harían en su principal sello artístico. Entre 1915 y 1927 dejó de pintar, después de su ruptura con Kandinsky.^[75]

• Heinrich Campendonk: influenciado por el cubismo órfico y el arte popular y primitiva, creó un tipo de obras de signo primitivista, con dibujo de gran rigidez, figuras hieráticas y composiciones deshierarquizadas. En sus obras tiene un papel determinante lo contraste de colores, con una pincelada heredera del impressionismo. Más tarde, por influencia de Marc, el color ganó independencia acerca del objeto, cobrando un mayor valor expressivo, y descomponiendo el espacio a la manera cubista. Superpunha los colores en capas transparentes, realizando composiciones libres en las cuales los objetos parecen boiar sobre la superficie del cuadro. Así como en Marc, su temática focou-se en un concepto idealizado de la comunhão entre el hombre y la naturaleza.^[76]

• Alfred Kubin: escritor, dibujante e ilustrador, su obra se basó en un mundo fantasmagórico de monstruos, de aspecto excitante y alucinante, reflejando su obsessão por la muerte. Influenciado por Max Klinger, trabajó expresamente como ilustrador, en dibujos en blanco y negro de aire decadentista con reminiscencias de Goya, Blake y Félicien Rops. Sus escenas se encuadraban en ambientes crepusculares, fantasmagóricos, que recuerdan igualmente la Odilon Redon, con un estilo caligráfico, a veces roçando la abstracción. Sus imágenes fantásticas, mórbidas, con referencias al sexo y la muerte, fueron precursoras del surrealismo. También fue escritor, cuya principal obra, El otro lado (1909), pudo haber influenciado sobre Kafka.^[77]

• Marianne von Werefkin: perteneciente a una familia aristocrata rusa, recibió clases de Ilya Repin en Son Petersburgo. En 1896 se cambió para Múnich con Jawlensky, con lo que hube iniciado una relación, dedicándose más a la difusión de la obra de este que a su propia. En esta ciudad creó un salón de notable fama como tertúlia artística, llegando a influir en Franz Marc a nivel teórico. En 1905, después de algunas divergencias con Jawlensky, volvió a pintar. Ese año viajó para Francia, recibiendo la influencia de los nabis y los futuristas. Sus obras son de un coloreado brillante, lleno de contrastes, con preponderância de la línea en la composición, a la cual el color queda subordinado. La temática es fuertemente simbólica, destacándose sus enigmáticos paisajes con procesiones de muertos.^[78]

Neu Sachlichkeit

Ver artículo principal: Nueva Objetividade

El grupo Neu Sachlichkeit (Nueva Objetividade) surgió después de la Primera Guerra Mundial como un movimiento de reacción frente al expressionismo, retornando a la figuração realista y a la plasmação objetiva de la realidad circundante, con una marcada componente social y reivindicativa. Desarrollado entre 1918 y 1933 , desapareció con el advento del nazismo.^[79] El ambiente de pessimismo que traje el polvos-guerra propició lo abandono por parte de algunos artistas del expressionismo más espiritual y subjetivo, de busca de nuevos lenguajes artísticos, por un arte más comprometido, más realista y objetiva, dura, directa, útil para el desarrollo de la sociedad, un arte revolucionario en su temática, aunque no en la forma.^[80] Los artistas se separaron de la abstracción, reflejando sobre el arte figurativa y rechazando toda actividad que no atendiera los problemas de la diligente realidad del polvos-guerra. Encarnaron este grupo Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann, Conrad Felixmüller, Chrístian Schad, Rudolf Schlichter, Ludwig Meidner, Karl Hofer y John Heartfield.

Frente a la introspeção psicológica del expressionismo, el individualismo de Die Brücke o el espiritualismo de Dar Blaue Reiter, la Nueva Objetividade propuso lo retorno al realismo y a la plasmação objetiva del mundo circundante, con una temática más social y comprometida políticamente. Pero, no renunciaron a los éxitos técnicos y estéticos del arte de vanguarda, como el coloreado fauvista y expressionista, la "visión simultánea" futurista o la aplicación de la fotomontagem a la pintura y a la gravura del verismo. La recuperación de la figuração fue una consecuencia común en el espacio a finales de la guerra: más allá de la Nueva Objetividade, surgió en la Francia el purismo y en la Italia la pintura metafísica, precursora del surrealismo. Pero, en la Nueva Objetividade, este realismo es más comprometido que en otros países, con obras de denuncia social que visan desmascarar la sociedad burguesa de su tiempo, denunciar el estamento político y militar que los llevó al desastre de la guerra. Aunque la Nueva Objetividade se opuso al expressionismo por ser un estilo espiritual e individualista, mantuvo por otro lado su essência formal, pues su carácter grotesco, de deformación de la realidad, de caricaturamento de la vida, se trasladó a la temática social abordada por los nuevos artistas del polvos-guerra.^[81]

La "Nueva Objetividade" surgió como rechaza del Novembergruppe, cuya falta de compromiso social rechazaban. Así, en 1921, un grupo de artistas dadaístas –entre los cuales se encontraban George Grosz, Otto Dix, Rudolf Schlichter, Hanna Höch, etc.– se presentaron como "Oposición al Grupo de Noviembre", redactando una Carta abierta a este. El término "Nueva Objetividade" fue concebido por el crítico Gustav Friedrich Hartlaub para la exposición Nueva Objetividade. Pintura alemana desde el expressionismo, celebrada en 1925 en la Kunsthalle de Mannheim . Según palabras de Hartlaub: "el objetivo es superar las mesquindades estéticas de la forma a través de una nueva objetividade nacida del disgusto para la sociedad burguesa de la explotación".^[82]

En paralelo a la Nueva Objetividade surgió el denominado "realismo mágico", nombre propuesto igualmente por Hartlaub en 1922 más difundido sobre todo por Franz Roh en su libro Post-expressionismo. Realismo mágico (1925). El realismo mágico se situó más a la derecha de la Nueva Objetividade –aunque fuera igualmente eliminado por los nazis–, y representaba una línea más personal y subjetiva que el grupo de Grosz y Dix. Frente a la violencia y dramatismo de sus coetâneos objetivos, los realistas mágicos elaboraron una obra más calmada e intemporal, más sereia y evocadora, transmisora de una quietud que visaba la pacificar los ánimos después de la guerra. Su estilo era próximo al de la pintura metafísica italiana, visando a captar la transcendência de los objetos más allá del mundo visible. Entre sus figuras se destacaron Georg Schrimpf, Alexander Kanoldt, Anton Räderscheidt, Carl Grossberg y Georg Scholz.^[83]

Los principales exponentes de la Nueva Objetividade fueron:

• George Grosz: procedente del dadaísmo, interesado por el arte popular. Mostró desde nuevo en su obra un intenso disgusto por la vida, que se hizo después de la guerra en indignación. En su obra analizó fría y metódicamente la sociedad de su tiempo, desmistificando las clases dirigentes para mostrar su lado más cruel y despótico. Cargó especialmente contra el ejército, la burguesia y el clero, en series como El rostro de la clase dominante (1921) o Ecce Homo (1927), en escenas donde predomina la violencia y el sexo. Sus personajes acostumbran ser mutilados de guerra, asesinos, suicidas, burgueses ricos y rechonchudos, prostitutas, vagabundos, etc., en figuras sucintas, silhuetadas en pocos trazos, como muñecos. Técnicamente, empleó recursos de otros estilos, como el espacio geometrizante del cubismo o la captação del movimiento del futurismo.^[84]

• Otto Dix: iniciado en el realismo tradicional, con influencia de Hodler , Cranach y Durero, en Dix la temática social, patética, directa y macabra de la Nueva Objetividade quedaba enfatizada por la representación realista y minuciosa, casi diáfana, de sus escenas urbanas, pobladas por el mismo tipo de personajes que retratava Grosz: asesinos, aleijados, prostitutas, burgueses y mendigos. Expuso fría y metódicamente los horrores de la guerra, las carniçarias y matanzas que presenciou como soldado: así, en la serie La Guerra (1924), se inspiró en la obra de Goya y de Callot .^[85]

• Max Beckmann: de formación académica y comienzos próximos del impressionismo, el horror de la guerra lo llevó, como a sus compañeros, la plasmar crudamente la realidad que lo envolvía. Acusó entonces la influencia de antiguos maestros como Grünewald, Brueghel y Hieronymus Bosch, junto la nuevas contribuciones como el cubismo, del cual tomó su concepto de espacio, que se hace en su obra en un espacio agoniante, casi claustrofóbico, en el cual las figuras tienen un aspecto de solidez escultórica, con contornos muy delimitados. En su serie El infierno (1919) hizo un retrato dramático de Berlín del polvos-guerra, con escenas de gran violencia, con personajes torturados, que berram y se retuercen de dolor.^[85]

• Conrad Felixmüller: fervente opositor de la guerra, durante la contienda asumió el arte como compromiso político. Conectado al círculo de Pfemfert, editor de la revista Die Aktion, se movió en el ambiente antimilitarista de Berlín, que rechazaba el esteticismo en el arte, defendiendo un arte comprometido y de finalidad social. Influenciado por el coloreado de Die Brücke y por la decomposição cubista, simplificó el espacio como formas angulares y quadriláteros, que él denominaba "cubismo sintético". Su temática focou-si en obreros y en las clases sociales más desfavorecidas, con un fuerte componente de denuncia.^[86]

• Chrístian Schad: miembro del grupo dadaísta de Zúrich (1915-1920), donde trabajó con papel fotográfico –sus "schadografías"–, se dedicó posteriormente al retrato, en retratos fríos y desapassionados, estrictamente objetivos, casi desumanizados, estudiando con mirada sóbria y científica los personajes que retrata, reducidas la simples objetos, sós y aisladas, sin capacidad de comunicarse.^[83]

• Ludwig Meidner: miembro del grupo Die Pathetiker (Los Patéticos) junto la Jakob Steinhardt y Richard Janthur, su principal tema fue la ciudad, el paisaje urbano, que mostró en escenas abigarradas, sin espacio, con grandes multitudes y edificios angulosos de precario equilibrio, en un ambiente opressivo, angustioso. En su serie Paisajes apocalípticas (1912-1920) retratou ciudades destruidas, que arden o estouram, en vistas panorâmicas que muestran más fríamente el horror de la guerra.^[87]

• Karl Hofer: iniciado en un correcto classicismo próximo a Hans von Marées, estudió en Roma y París, donde lo sorprendió la guerra y fue hecho prisionero durante tres años, hecho que marcó profundamente el desarrollo de su obra, con figuras atormentadas, de gestos vacilantes, en actitud estática, encuadradas en dibujos claros, de colores fríos y pincelada pulcra e impessoal. Sus figuras son solitarias, de aspecto pensativo, melancólico, denunciando la hipocresía y la locura de la vida moderna (La pareja, 1925; Hombres con antorchas, 1925; El cuarto negro, 1930).^[88]

Otros artistas

Algunos artistas no se adscreveram a ningún grupo, desarrollando de jeito personal un expressionismo fuertemente intuitivo, de diversas tendencias y estilos:

• Paula Modersohn-Becker: estudió en Bremen y Hamburgo , instalándose posteriormente en la colonia de artistas de Worpswede (1897), encuadrada entonces en un paisagismo próximo a la Escuela de Barbizon. Pero, su interés por Rembrandt y por los pintores alemanes medievais llevaron para a busca de un arte más expressiva. Influenciada por el polvos-impressionismo, así como por Nietzsche y Rilke , comenzó a emplear en sus obras colores y formas aplicados simbólicamente. En unas visitas a París entre 1900 y 1906 recibió la influencia de Cézanne, Gauguin y Maillol, combinando de un modo personal las formas tridimensionales de Cézanne y los dibujos lineais de Gauguin, expresamente en retratos y escenas maternas, así como desnudos, evocadores de una nueva concepción en la relación del cuerpo con la naturaleza.^[89]

• Lovis Corinth: formado en el impressionismo –del cual fue una de las principales figuras en la Alemania, junto la Max Liebermann y Max Slevogt–, derivó en su maturação para el expressionismo con una serie de obras de introspeção psicológica, con una temática centrada en el erótico y macabro. Después de un ataque cerebral que padeció en 1911 y que paralizó su mano derecha, aprendió a pintar con la izquierda. Aunque siguió anclado en la impresión óptica como método de creación de sus obras, cobró un creciente protagonismo la expressividade, culminando en Cristo rojo (1922), escena religiosa de notable angustia próxima a la visiones de Nolde.^[90]

• Christian Rohlfs: de formación académica, se dedicó expresamente al paisaje en estilo realista, hasta terminar en el expressionismo casi en cincuenta años de edad. El hecho determinante para el cambio pudo ser su contratación en 1901 como profesor de la escuela-museo Folkwang de Hagen , en la cual pudo contactar con las mejores obras del arte moderno internacional. Así, a partir de 1902 comenzó a aplicar el color más sistemáticamente, a la manera pontilhista, con un coloreado luminoso. Recibió más tarde la influencia de Van Gogh, con paisajes de pincelada rítmica y pastosa, en rangos onduladas, sin profundidad. Finalmente, después de una exposición de Die Brücke en el Folkwang en 1907, probó nuevas técnicas, como la xilografia y el linóleo, con acentuados contornos negros. Su temática era variada, aunque focada en temas bíblicos y de la mitologia nórdica.^[91]

• Wilhelm Morgner: alumno de Georg Tappert, pintor vinculado a la colonia de Worpswede, cuyo paisagismo lírico influyó-en el en primer lugar, evolucionó más tarde a un estilo más personal y expressivo, influenciado por el cubismo órfico, donde ganan importancia las líneas de memoria, con pinceladas pontilhistas que se justapõem formando algo parecido con un tapiz. Al acentuar el color y la línea, abandonó la profundidad, en composiciones planas en las que los objetos se sitúan en paralelo, y las figuras acostumbran sean representadas de perfil. Desde 1912 ganó importancia en su obra la temática religiosa, en composiciones casi abstractas, con líneas simples trazadas con el color.^[92]

El grupo de Viena

En Austria, los expressionistas recibieron la influencia del modernismo alemán (Jugendstil) y austríaco (Sezession), así como de los simbolistas Gustav Klimt y Ferdinand Hodler. El expressionismo austríaco se destacó por la tensión de la composición gráfica, deformando la realidad subjetivamente, con una temática expresamente erótica –representada por Schiele– o psicológica –representada por Kokoschka–.^[93] En contraste con el impressionismo y el arte académico del siglo JIX preponderante en la Austria del nuevo siglo, los nuevos artistas austríacos siguieron la estela de Klimt a la busca de una mayor expressividade, reflejando en sus obras una temática existencial de gran fondo filosófico y psicológico, focado en la vida y la muerte, la enfermedad y lo dolor, el sexo y el amor.^[94]

Sus principales representantes fueron Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Richard Gerstle, Max Oppenheimer, Albert París von Gütersloh y Herbert Boeckl, además de Alfred Kubin, miembro de Dar Blaue Reiter. Cabría destacarse la obra de dos artistas:

• Egon Schiele: discípulo de Klimt, su obra giró en una temática basada en la sexualidade, la soledad y la incomunicación, con cierto aire de voyeurismo , con obras explícitas por las cuales incluso estuvo prendido, acusado de pornografia. Dedicado expresamente al dibujo, otorgó un papel esencial a la línea, con a que basó sus composiciones, con figuras estilizadas imersas en un espacio opressivo, tenso. Volvió a crear una tipologia humana reiterativa, con un cânone alargado, esquemático, alejado del naturalismo, con colores vivos, exaltadas, destacándose el carácter lineal, el contorno.^[95]

• Oskar Kokoschka: recibió la influencia de Van Gogh y del pasado clásico, expresamente el barroco (Rembrandt) y la escuela veneziana (Tintoretto, Veronese). También estuvo conectado a la figura de Klimt, así como del arquitecto Adolf Loos. Pero, creó su propio estilo personal, visionário y atormentado, en composiciones en las cuales el espacio cobra gran protagonismo, un espacio denso, sinuoso, en el cual se viene sumergidas las figuras, que aboiam en él imersas en una corriente centrífuga que produce un movimiento espiral. Su temática acostumbraba ser el amor, la sexualidade y la muerte, dedicándose también por veces al retrato y al paisaje.^[96] Sus primeras obras tenían un estilo medieval y simbolista próximo a los Nabis o de la época azul de Picasso. Desde 1906, en que conoció la obra de Van Gogh, comenzó en un tipo de retrato de corte psicológico, que visaba a reflejar el desequilibrio emocional del retratado, con supremacia de la línea sobre el color. Sus obras más puramente expressionistas se destacan por las figuras retorcidas, de expresión torturada y apaixonamento romántico, como La esposa del viento (1914). Desde los años 1920 se dedicó más al paisaje, con un correcto aspecto barroco, de pincelada más leve y colores más brillantes.^[97]

Escuela de París

Ver artículo principal: Escuela de París

Se denomina Escuela de París a un grupo heterodoxo de artistas que trabajaron en París en el periodo entre-guerras (1905—1940), conectados a diversos estilos artísticos como el polvos-impressionismo, el expressionismo, el cubismo y el surrealismo. El término comprende una gran variedad de artistas, tanto franceses cuánto extranjeros que residían en la capital francesa en el intervalo entre las dos guerras mundiales. En aquella época, la ciudad de Sena era un fértil centro de creación y difusión artística, tanto por su ambiente político, cultural y económico, cuanto por ser el origen de diversos movimientos de vanguarda como el fauvismo y el cubismo, y lugar de residencia de grandes maestras como Picasso, Braque, Matisse, Léger, etc. También era un remarcável centro de colecionismo y de galerias de arte. La mayoría de artistas residía en los barrios de Montmartre y Montparnasse , y se caracterizaba por su vida mísera y boêmia.^[98]

En la Escuela de París hube una gran diversidad estilística, aunque la mayoría estuvieron conectados con mayor o más pequeña intensidad al expressionismo, aunque interpretado de jeito personal y heterodoxo: artistas como Amedeo Modigliani, Chaïm Soutine, Jules Pascin y Maurice Utrillo fueron conocidos como Les maudits (los malditos), por su arte boêmia y torturada, reflexo de un ambiente notâmbulo, miserable y desesperado. Por otro lado, Marc Chagall representa un expressionismo más vitalista, más dinámico y colorista, sintetizando su iconografia rusa natal con el coloreado fauvista y el espacio cubista.^[99]

Los miembros más destacados de la escuela fueron:

• Amedeo Modigliani: se instaló en Montmartre en 1906, donde se reunía en "El conejo ágil" con Picasso, Max Jacob, Apollinaire, Soutine, etc. Influenciado por el simbolismo y el maneirismo (Pontormo, Parmigianino), se dedicó expresamente al paisaje, el retrato y el desnudo, con figuras alargadas inspiradas en los maestros italianos del Cinquecento. Hedonista, buscaba la felicidad, el agradable, por el cual no le interesaba la corriente destrutiva nietzscheana del expressionismo alemán. En sus obras subrayaba con fuerza el contorno, de líneas fluidas, herederas del arabesco modernista, mientras el espacio se formaba por justaposição de planes de memoria. Sus retratos eran de grande introspeção psicológica, al que contribuía una correcta deformación y la transmisión de ese aire melancólico y desolado propio de su visión boêmia y angustiada de la vida. Se dedicó también a la escultura, con influencia de Brâncuşi , así como maneirista y africana, con obras simétricas, alargadas, frontales, prójimas a la escultura arcaica griega.^[100]

• Marc Chagall: instalado en París en 1909, realizó obras de carácter onírico, próximas a un correcto surrealismo, distorcendo la realidad a su capricho. Empleaba una gamma de memoria exaltada, principal nexo de unión con el expressionismo alemán –aunque él no se considerara expressionista–, en temas populares y religiosos, con desproporção y falta de interés por la hierarquização en la narración de los hechos. Influenciado por el fauvismo, el cubismo y el futurismo, sus escenas se encuentran en un espacio irreal, ajeno la reglas de perspectiva o escala, en un mundo en el que evoca sus recuerdos infantiles y los temas populares rusos y judíos, mezclados con el mundo de los sueños, la música y la poesía. Tomó de Delaunay la transparencia de planes y colores, así como la creación de espacio a través del color y de la simultaneidade temporal mediante la justaposição de imágenes. Entre 1914 y 1922 volvió para Rusia, donde fue comisario cultural en la Escuela de Bellos Artes de Vitebsk . De vuelta a París, evolucionó para el surrealismo.^[101]

• Georges Rouault: vinculado en principio al simbolismo –fue discípulo de Gustave Moreau– y al fauvismo, su temática de índole moral –centrada en el religioso– y su coloreado obscuro lo acercaron al expressionismo. Sus obras más emblemáticas fueron las de desnudos femeninos, con un aire amargo y desagradável, con figuras lânguidas y esbranquiçadas (Odaliscas, 1907); escenas circenses, expresamente de palhaços , con aire caricaturesco, subrayando notablemente los contornos (Cabeza de un palhaço trágico, 1904); y escenas religiosas, con dibujo más abstracto y coloreado más intenso (La Pasión, 1943). La obra de Rouault –especialmente las obras religiosas– tenía una fuerte carga de denuncia social, de increpação para las adicciones y defectos de la sociedad burguesa; incluso en una temática como la circense enfatizaba su lado más negativo y deprimente, sin concesiones cómicas o sentimentales, con un aspecto sórdido y cruel. Sentía predileção por el gouache y por la aquarela, con tonos obscuros y superficies salpicadas, en capas superpuestas de pigmentos traslúcidos, con un grafismo de líneas quebradas que enfatizaba la expressividade de la composición.^[102]

• Jules Pascin: de origen búlgara y ascendencia judaica, se instaló en París después de breves estancias en Berlín, Viena y Praga ; en 1914 se trasladó a los Estados Unidos, volviendo para París en 1928 hasta su suicidio dos años después. Su obra expresaba el desarraigo y la alienação del desterrado, así como las obsessões sexuales que marcaron desde su adolescência. En sus comienzos mostró la influencia del fauvismo y del cubismo, así como de Toulouse-Lautrec y Degas en los desnudos. Tenía una delicada técnica, con una línea finamente sugestionada y un color de tonos iridescentes, mostrando en sus desnudados un aire lânguido y evanescente.^[103]

• Chaïm Soutine: ruso de familia judaica, se instaló en París en 1911. Su personalidad violenta y autodestrutiva provocaba una relación enamorada con su obra, llevándolo muchas veces a romper sus cuadros, y reflejándose en una pincelada fuerte e incontrolada y una temática angustiosa y desolada, como en su Buey en canal (1925), inspirado en el Buey esfolado de Rembrandt. Pintor impulsivo y espontâneo, tenía una necesidad irrefreável de plasmar inmediatamente en la pantalla su emotividade interior, motivo por el cual sus obras carecen de cualquier preparación previa. Influenciado por Rembrandt, El Greco y Tintoretto, su coloreado es intenso, expresando con la dirección de las pinceladas los sentimientos del artista. Asimismo, es evidente el rasto de Van Gogh en la impulsividade del gesto pictórico, sobre todo en sus paisajes.^[104]

• Maurice Utrillo: artista boêmio y torturado, su actividad artística fue paralela a su adición al alcohol. De obra autodidacta y con cierto aspecto naïf, se dedicó expresamente al paisaje urbano, retratando magistralmente el ambiente popular del barrio de Montmartre, enfatizando su aspecto de soledad y opressão, reflejado con una técnica depurada y lineal, de cierta herencia impressionista.^[105]

Otros artistas que desarrollaron su obra en el seno de la Escuela de París fueron Lasar Segall, Emmanuel Mané-Katz, Pinchus Krémègne, Moïse Kisling, Michel Kikoïne y el japonés Tsuguharu Foujita.

Otros países

• Bélgica: el expressionismo belga fue heredero del simbolismo primitivista, acusando igualmente una fuerte influencia del pintor renascentista flamengo Pieter Brueghel, el Viejo, así como a de James Ensor, maestro de los expressionistas belgas. El primer grupo surgió en 1914 en la colonia de artistas de Sint-Martens-Latem , integrado por Albert Servaes, Gustave Van de Woestijne, Gustave De Smet, Frits Van den Berghe y Constant Permeke. Pero, la guerra dispersó el grupo: Permeke se refugió en Gran Bretaña, y De Smet y Van den Berghe en Holanda. Fuera de su ambiente recibieron numerosas influencias, expresamente del cubismo y del arte africano. Pasada la guerra, el expressionismo belga revivió con notable fuerza, sobre todo en hago a la revista Selection y a la galeria del mismo nombre, en Bruselas. Las influencias del momento fueron a de el cubismo y de la Escuela de París, plasmadas en un correcto aire monumental y un enfoque social tendente al ruralismo, con escenas costumbristas inspiradas en los clásicos flamengos. El movimiento perdurou prácticamente hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, aunque con un continuo declínio desde 1930.^[106]

• Brasil: en este país tenemos la presencia de Cândido Portinari, pintor de renombre universal. De familia pobre, estudió en la Escuela Nacional de Bellos Artes de Río de Janeiro. En 1929 viajó para Europa, estableciéndose en París después de recorrer España, la Italia e Inglaterra, para volver en 1931. Con influencia de Picasso, en su obra expresó el mundo de los pobres y desfavorecidos, de los obreros y los agricultores. Otro nombre a destacarse sería lo de Anita Malfatti, considerada la introdutora de las vanguardas europeas y norteamericanas en el Brasil. En 1910 viajó para Berlín, donde estudió con Lovis Corinth. Su obra se caracterizó por los colores violentos, en retratos, desnudos, paisajes y escenas populares. Desde 1925 abandonó el expressionismo y comenzó una carrera más convencional.^[107]

• Checoslováquia: país surgido después de la Primera Guerra Mundial con la desmembração del Imperio Austro-Húngaro, las vanguardas llegaron con retraso, lo que se tradujo en una correcta mezcla de estilos, transcurriendo un expressionismo fuertemente mezclado con el cubismo. Sus principales representantes fueron Bohumil Kubište la, Emil Filla y Antonin Procházka. La obra de Filla es una profunda reflexión sobre la guerra –quedó fuertemente pontuado por su experiencia en el campo de concentración de Buchenwald–, con una gran influencia de la pintura holandesa del siglo XVII. Procházka expresó la belleza y la poesía de los objetos mundanos, que visaba transcender extrayendo de ellos una visión idealizada pero muy descriptiva, empleando a menudo la técnica de la encáustica. Kubište la, influenciado por Van Gogh y Cézanne, fue miembro temporalmente de Die Brücke. De formación autodidacta e interesado por la filosofía y la óptica , estudió los colores y la construcción geométrica de la pintura. Su obra evolucionó desde 1911 a un estilo más influenciado por el cubismo.^[108]

• Ecuador: cabe subrayar la obra de Oswaldo Guayasamín. Estudió en la Escuela de Bellos Artes de Quito . Entre 1942 y 1943 viajó por los Estados Unidos y México , donde fue ajudante de Orozco. Un año después viajó por diversos países de la América Latina, entre ellos Perú, Brasil, Chile, Argentina y Uruguay , encontrando en todos ellos una sociedad indígena oprimida, temática que, desde entonces, apareció siempre en sus obras. En sus pinturas posteriores figurativas trató temas sociales, simplificando las formas. Su obra reflejó lo dolor y la miseria que soporta la mayor parte de la humanidad, denunciando la violencia que le tocó vivir al ser humano el siglo XX, pontuado por las guerras mundiales, los genocidios, los campos de concentración, las dictaduras, las torturas, etc. Tiene murais en Quito, Madrid (Aeropuerto de Barajas), París (Sede de la UNESCO), etc.

• España: en este país, como en la mayoría de países mediterrâneos, el expressionismo tuvo relativo éxito. Pero, fue practicado por diversos artistas aislados, destacándose la figura de José Gutiérrez Solana: su pintura reflejó una visión subjetiva, pesimista y degradada de España, similar a la de la Generación de 98. A La parte de la influencia que en él ejercieron los pintores del tenebrismo barroco, en especial Juan de Valdés Leal, tanto por su temática lúgubre y desenganada cuánto por las composiciones de acusado claro-obscuro es patente la influencia de las "Pinturas negras" de Francisco de Goya o del romántico Eugenio Lucas. En su pintura destacó la miseria de España sórdida y grotesca, mediante el uso de una pincelada densa y de trazo grueso en la formación de sus figuras. Otros artistas enmarcados con cierta intensidad en el expressionismo fueron Ignacio Zuloaga, Rafael Zabaleta, Eugenio Hermoso, Benjamín Palencia y José María López Mezquita, así como la obra tardía del pintor modernista catalán Isidre Nonell. Algunos expertos también observan cierto expressionismo en el Guernica de Picasso .^[109]

• Estados Unidos: se destacó Edward Hopper, miembro de la Escuela Ashcan, caracterizada por sus representaciones de temática social en las grandes ciudades, especialmente Nueva York. Su pintura se caracterizó por un peculiar y rebuscado juego entre luces y sombras, por la descripción de los interiores y por la representación de la soledad, que implica un aspecto de incomunicación. Otro nombre a subrayar sería lo de Max Weber, pintor de origen ruso, que estudió en el Pratt Institute de Brooklyn y en París (1905-1908), donde recibió la influencia de Cézanne. Sus primeras obras fueron de signo cubista y expressionista (Restaurante chino, 1915, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York), evolucionando desde 1917 para la abstracción, destacándose por el coloreado brillante, las distorções violentas y un fuerte tono emocional. Además de eso, los Estados Unidos acogieron numerosos artistas expressionistas que emigraron a causa del nazismo, por el cual este movimiento cobró ahí un grande auge, ejerciendo una poderosa influencia entre los nuevos artistas, el cual se vio reflejado en el surgimento del expressionismo abstracto norteamericano.

• Finlandia: se destaca la obra de Akseli Gallen-Kallela, pintor adscrito por un tiempo al grupo Die Brücke. Sus primeras pinturas estuvieron impregnadas de romanticismo, pero después de la muerte de su hija realizó trabajos más agresivos, tales como la Defensa del Sampo, La venganza de Joujahainen o La madre de Lemminkainen. Su obra focou-si en el folclore finlandés, con un senso reivindicativo de su cultura frente a la ingerência rusa. Otro importante exponente fue Tyko Sallinen: estudió arte en Helsínquia, residiendo en París entre 1909 y 1914, donde recibió la influencia del fauvismo. Su temática focou-se en el paisaje carélia y en la vida rural, con colores brillantes de trazo fuerte. Fue miembro del Novembergruppe.^[110]

• Francia: posteriormente a la Escuela de París, se desarrolló en la Francia entre 1920 y 1930 un "expressionismo francés" focado en la obra de tres artistas: Marcel Gromaire, Édouard Goerg y Amédée de La Patellière. Este grupo se vio influenciado por el cubismo, desarrollando un estilo más sóbrio y contenido que el expressionismo alemán, con múltiples puntos de contacto con la escuela flamenga. También cabe destacar la figura individual de Gen Paul, pintor autodidacta influenciado por Van Gogh y Cézanne, así como por Velázquez, Goya y El Greco. Sus obras se caracterizaron por las pinceladas gestuais, composiciones atrevidas, perspectivas forzadas, uso de diagonales y zigue-zagues, y áreas planas de memoria. Al contrario de otros expressionistas de la época, como Soutine y Rouault, sus obras están llenas de optimismo, impulsado por su pasión por la vida y su deseo de superar su deficiencia –fue herido durante la guerra–. Debido al dinamismo y el movimiento inerente en sus pinturas, algunos críticos consideran Gen Paul un precursor del expressionismo abstracto.^[111]

• Hungría: país igualmente surgido después de la Primera Guerra Mundial, se destaca la figura de Tivadar Kosztka Csontváry. Farmacéutico de profesión, a los veintisiete años comenzó en la pintura después de una visión mística que le reveló que sería un gran pintor. Desde 1890 realizó un largo viaje por el Mediterrâneo (Dalmácia, Italia y Grecia ), el norte de la África y Oriente Medio (Líbano, Palestina, Egipto y Siria ). Aunque su arte comenzara a ser reconocida, su carácter solitario, su progresiva esquizofrenia y sus delirios religiosos lo llevaron a alejarse de la sociedad. Pintó más de un centenar de imágenes, destacándose su emblemático Cedro solitario (1907). Su arte conectó con el polvos-impressionismo y el expressionismo, aunque fuera un autodidacta y su estilo sea difícilmente classificável. Pero, pasó a la Historia como uno de los más importantes pintores húngaros.

• Italia: país igualmente mediterrâneo, el expressionismo no tuvo excesiva implantación, sólo en la obra de determinados artistas individuales, generalmente influenciado por el futurismo, estilo predominante en la Italia de principios de siglo. Lorenzo Viani, de filiação anarquista, retratou en su obra la vida de las personas humildes, los pobres, los deserdados, con un lenguaje antiacadêmica, tosca, violenta, reflejando un mundo de rebelión y sufrimiento. Otone Rosai pasó por una etapa futurista para terminar en el expressionismo, reflejando en su obra motivos populares florentinos, con personajes tristes, melancólicos, concluidos en sí mismos. Mario Sironi también evolucionó desde el futurismo para reflejar desde 1920 un expressionismo focado en el paisaje urbano, en escenas de ciudades industriales que absorben el individuo, reflejado por figuras solitarias de obreros imersos en los escenarios de grandes fábricas y barrios industriales cruzados por trenes, camiones y tranvias. Scipione (pseudônimo de Gino Bronchi) creó escenas fantásticas, de corte romántico, con influencia de Van Gogh y El Greco, con una pincelada nerviosa, fluidos arabescos y perspectivas abruptas.^[112]

• México: en este país el expressionismo estuvo estrechamente conectado a la revolución, destacándose el aspecto social de la obra, generalmente en formatos de gran tamaño como el mural. Asimismo, tuvo gran importancia la temática folclórica e indigenista. El muralismo fue un estilo de vocación socio-política que enfatizaba el contenido reivindicativo de su temática, centrada en las clases pobres y desfavorecidas, con formatos monumentais de grande expressividade, trabajando sobre una superficie de concreto o sobre la fachada de un edificio. Sus máximos exponentes fueron: José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo. El expressionismo también influyó en la obra personal e inclassificável de Frida Kahlo.^[107]

• Países Bajos: en este país la pintura expressionista no se desarrolló tanto como la arquitetura, representada por la notable Escuela de Amsterdam, y fue un movimiento heterogêneo que acusó diversas influencias, aunque la principal fuera a de Van Gogh. En Bergen surgió una escuela formada por Jan Sluyters, Leyó Gestel y Charley Toorop, que de seguida se orientó para la Nueva Objetividade alemana. En 1918 el grupo De Ploeg (La Carreta) fue creado en Groninga, formado por Jan Wiegers y Hendrik Nicolaas Werkman, prójimos a Die Brücke pero con tendencia a la abstracción. Otros artistas a destacarse fueron Hermam Kruyder, prójimo a Dar Blaue Reiter y los artistas flamengos, y Hendrik Chabot, con un estilo similar la Permeke. Finalmente, cabe destacarse a Kees Van Dongen, miembro ocasional de Die Brücke, pintor proveniente del fauvismo especializado en desnudados y retratos femeninos.^[113]

• Polonia: se destaca la figura de Henryk Gotlib, pintor profundamente influenciado por Rembrandt. Vivió en París de 1923 a 1929 , participando en las exposiciones del salón de Otoño y el salón de los Independientes. Entre 1933 y 1938 realizó estancias en la Italia, Grecia y España, estableciéndose definitivamente en Londres en el comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Perteneció al grupo vanguardista polaco Formiści, que se oponía al arte académico y naturalista, con un estilo donde destacaba la deformación de la naturaleza, la subordinação de las formas, la abolición de un único punto de vista y un coloreado crudo. Otro miembro de Formiści fue Gustaw Gwozdecki, que también vivió en París (1903-1916) y Nueva York, excelente retratista que practicó la pintura a óleo, así como el dibujo, el guache y la gravura.^[114]

• Suecia: su principal representante fue la pintora Sigrid Hjertén. Estudió artesanía y dibujo en Estocolmo, graduando-si como profesora de dibujo. Pasó un tiempo en París, recibiendo la influencia de Matisse y Cézanne, lo que se demuestra en la utilización del color en contraste con unos contornos muy simplificados, esforzándose por encontrar las formas y los colores que puedan transmitir sus emociones. En 1912 realizó su primera exposición en Estocolmo, participando desde entonces en numerosas exposiciones tanto en la Suecia cuanto en el extranjero. En su obra describió el papel que desempeñaba como artista, mujer y madre, diferentes identidades en mundos diferentes. Entre 1920 y 1932 residió en París, comenzando a manifestarse su dolência esquizofrénica, lo que se denotó en su obra, con colores más obscuros y composiciones retesas, reflejando su sentimiento de angustia y abandono. De vuelta a su país, desde 1938 vivió hospitalizada.

• Suiza: en este país el expressionismo acusó la influencia de Hodler y Böcklin, dos destacados artistas de la generación anterior. El expressionismo llegó a la Suiza con un poco de retraso frente a su vecina Alemania: en 1912 se realizó una exposición en Zúrich con obras de Paul Klee, Dé Blaue Reiter, Matisse y el grupo Dé Moderne Bund, fundado en 1910 en Lucerna por Hans Arp, Walter Helbig y Oskar Lüthy. Durante la Primera Guerra Mundial muchos artistas se establecieron en Suiza, ayudando la difusión del expressionismo. Diversos grupos de artistas fueron así creados, como Röt-Blau (Rojo-Azul), fundado en 1925 por Hermann Scherer, Albert Müller, Paul Camenisch y Werner Neuhaus; Dé Schritt Weiter (El pasaje falso), fundado en Berna en 1931; Gruppe 33, surgido en Basileia en 1933; y Dreigestirn (Tríada), formado por Fritz Eduard Pauli, Ignaz Epper y Johann Robert Schürch.^[115] El principal representante del expressionismo suizo fue Paul Klee, miembro destacado de Dar Blaue Reiter, junto a Cuno Amiet, que fue miembro de Die Brücke. Amiet provinha del simbolismo –cuyo espíritu mantuvo incluso durante su etapa expressionista–; en su obra es palpável un sentimiento vitalista de aire bucólico, con un cromatismo reducido propenso a veces a la monocromia.^[116]

Literatura

La literatura expressionista se desarrolló en tres fases principales: de 1910 a 1914, de 1914 a 1918 –coincidiendo con la guerra– y de 1918 a 1925. Aparecen como temas destacados –así como en la pintura– la guerra, la urbe, el miedo, la locura, el amor, el delirio, la naturaleza, la pérdida de la identidad individual, etc. Ninguno otro movimiento hasta la fecha hube apostado de igual manera por la deformidade, la enfermedad y la locura como el motivo de sus obras. Los escritores expressionistas criticaron la sociedad burguesa de su época, el militarismo del gobierno del cáiser, la alienação del individuo en la era industrial y la represión familiar, moral y religiosa, por el cual se sentían vacíos, sós, entediados, en una profunda crisis existencial. El escritor presenta la realidad de su punto de vista interior, expresando sentimientos y emociones más del que impresiones sensitivas. Ya no se imita la realidad, no se analizan causas ni hechos, pero el autor busca la essência de las cosas, mostrando su particular visión. Así, deforman la realidad mostrando su aspecto más terrible y descarnado, adentrando-si en temáticas hasta entonces prohibidas, como la sexualidade, la enfermedad y la muerte, o enfatizando aspectos como el sinistro, el macabro, el grotesco. Formalmente, recurren a un tono épico, exaltado, patético, renunciando a la gramática y a la relaciones sintáticas lógicas, con un lenguaje preciso, crudo, concentrado. Buscan la significación interna del mundo, abstraindo-lo en una especie de romanticismo trágico que va del misticismo socializante de Werfel al absurdo existencial de Kafka. El mundo visible es una prisión que impide alcanzar la essência de las cosas; si tiene que superar las barreras del tiempo y del espacio, a la busca de la realidad más "expressiva".^[117]

Los principales precursores de la literatura expressionista fueron Georg Büchner, Frank Wedekind y el sueco August Strindberg. Büchner fue uno de los principales renovadores del drama moderno, con obras como La muerte de Danton (Dantons Tod, 1835) y Woyzeck (1836), que se destacan por la introspeção psicológica de los personajes, la reivindicación social de las clases desfavorecidas y un lenguaje entre culta y coloquial, mezclando aspectos cómicos, trágicos y satíricos . Wedekind evolucionó del naturalismo para un tipo de obra de tono expressionista, por su crítica a la burguesia, la rapidez de la acción, los reducidos diálogos y los efectos cênicos, en obras como El despertar de la Primavera (Frühlings Erwachen, 1891), El espíritu de la tierra (Erdgeist, 1895) y La caja de Pandora (Die Büchse dé Pandora, 1902). Strindberg inauguró con Camino de Damasco (Till Damaskus, 1898) la técnica estacional seguida por el drama expressionista, consistente en mostrar la acción por estaciones, periodos que determinan la vida de los personajes, en un senso circular, pues sus personajes intentam resolver sus problemas sin el lograr.^[118]

El expressionismo fue difundido por revistas como Dé Sturm y Die Aktion, así como el círculo literario Dé Neue Club, fundado en 1909 por Kurt Hilher y Erwin Loewenson, reuniéndose en el Neopathetisches Cabaret de Berlín, en el cual realizaban lecturas de poesía y daban conferencias. Más tarde Hiller, por desavenças con Loewenson, fundó el cabaré literario GNU (1911), que desempeñó el papel de plataforma para difundir la obra de nuevos escritores. Dé Sturm apareció en Berlín en 1910, editada por Herwarth Walden, siendo centro difusor del arte, la literatura y la música expressionistas, contando también con una editorial, un librería y una galeria artística. Die Aktion fue fundada en 1911 en Berlín por Franz Pfemfert, con una línea más comprometida políticamente, siendo un órgano de la izquierda alemana. Otras revistas expressionistas fueron Dé Brenner (1910-1954), Die weißen Blätter (1913-1920) y De las junge Deutschland (1918-1920).^[119]

La Primera Guerra Mundial implicó una fuerte comoção para la literatura expressionista: mientras algunos autores consideraron la guerra como una fuerza arrasadora y renovadora que acabaría con la sociedad burguesa, para otros el conflicto cobró tintes negativos, plasmando en su obra los horrores de la guerra. En el polvos-guerra, y en paralelo al movimiento de la Nueva Objetividade, la literatura adquirió mayor compromiso social y de denuncia de la sociedad burguesa y militarista que llevó la Alemania al desastre de la guerra. Las obras literarias de esta época adquirieron un aire documental, de reportaje social, perceptível en obras como La montaña mágica (1924) de Thomas Mann y Berlín Alexanderplatz (1929) de Alfred Döblin.^[120]

Narrativa

La narrativa expressionista implicó una profunda renovación acerca de la prosa tradicional, tanto temática como estilisticamente, suponiendo una contribución imprescindível al desarrollo del romance moderna tanto alemana como europea. Los autores expressionistas buscaban una nueva forma de captar la realidad, la evolución social y cultural de la era industrial. Por lo tanto, rechazaron el encadeamento argumental, la sucesión espacio-tiempo y la relación causa-efecto propios de la literatura realista de raíz positivista. Por otro lado, introdujeron la simultaneidade, quebrando la sucesión cronológica y rechazando la lógica discursiva, con un estilo que muestra pero no explica, en el que el propio autor es sólo un observador de la acción, en la cual los personajes evolucionan autónomamente. En la prosa expressionista la realidad interior es destacada sobre la exterior, la visión del protagonista, su análisis psicológico y existencial, donde los personajes exponen su situación en el mundo, su identidad, con un sentimiento de alienação que provoca conductas desordenadas, psicóticas, violentas, irreflexivas, sin lógica ni coherencia. Esta visión plasmou-si en un lenguaje dinámico, concisa, elíptica, simultánea, concentrada, sintaticamente deformada.^[121]

Existieron dos corrientes fundamentales en la prosa expressionista: una reflexiva y experimental, abstracta y subjetivizadora, representada por Carl Einstein, Gottfried Benn y Albert Ehrenstein; y otra naturalista y objetivadora, desarrollada por Alfred Döblin, Georg Heym y Kasimir Edschmid. Figura a la parte la obra personal y difícilmente classificável de Franz Kafka, que expresó en su obra el absurdo de la existencia, en romances como La metamorfose (Die Verwandlung, 1915), El proceso (Dé Prozeß, 1925), El Castillo (De las Schloß, 1926) y Amerika (Dé Verschollene, 1927). Kafka mostró mediante parábolas la soledad y alienação del ser humano moderno, su desorientação en la sociedad urbana e industrial, su inseguridad y desesperação, su impotência frente de poderes desconocidos que rige su destino. Su estilo es ilógico, descontínuo, labiríntico, con vacíos que el lector debe rellenar.^[122]

Poesía

La lírica expressionista se desarrolló notablemente los años previos a la contienda mundial, con una temática amplia y variada, centrada sobre todo en la realidad urbana, pero renovadora acerca de la poesía tradicional, asumiendo una estética del feo, el perverso, lo deforme, el grotesco, el apocalíptico, el desolado, como nueva forma de expresión del lenguaje expressionista. Los nuevos temas tratados por los poetas alemanes son la vida en la gran ciudad, la soledad y la incomunicación, la locura, la alienação, la angustia, el vacío existencial, la enfermedad y la muerte, el sexo y la premonición de la guerra. Varios de estos autores, conscientes de la decadencia de la sociedad y de su necesidad de renovación, utilizaron un lenguaje profético, idealista, utópico, un correcto messianismo que propugnava otorgar un nuevo senso a la vida, una regeneración del ser humano, una mayor fraternidade universal.

Estilisticamente, el lenguaje expressionista es concisa, penetrante, desnudada, con un tono patético y desolado, anteponiendo la expressividade a la comunicación, sin reglas lingüísticas ni sintáticas. Buscan el esencial del lenguaje, liberar la palabra, acentuando la fuerza rítmica del lenguaje mediante la deformación lingüística, la substantivação de verbos y adjetivos y la introducción de neologismos. Pero, mantienen la métrica y la rima tradicionales, siendo el soneto uno de sus principales medios de composición, aunque también recurran al ritmo libre y la estrofe polimétrica. Otro efecto del dinámico lenguaje expressionista fue el simultaneísmo, la percepção del espacio y del tiempo como algo subjetivo, heterogêneo, atomizado, inconexo, una presentación simultánea de imágenes y acontecimientos. Los principales poetas expressionistas fueron Franz Werfel, Georg Trakl, Gottfried Benn, Georg Heym, Johannes R. Beiter, Else Lasker-Schüler, Ernst Stadler y August Stramm. Asimismo, el expressionismo ejerció una gran influencia en la obra de Rainer Maria Rilke.^[123]

Teatro

El drama expressionista se opuso a la representación fidedigna de la realidad propia del naturalismo, renunciando a la imitación del mundo exterior y visando a reflejar la essência de las cosas, a través de una visión subjetiva e idealizada del ser humano. Los dramaturgos expressionistas visaban a hacer del teatro un mediador entre la filosofía y la vida, transmitan nuevos ideales, renovar la sociedad moral e ideologicamente. Para eso realizaron una profunda renovación de los recursos dramáticos y cênicos, siguiendo la plantilla estacional de Strindberg y perdiendo el concepto de espacio y tiempo, enfatizando por otro lado la evolución psicológica del personaje, que más que individuo es un símbolo, la encarnação de los ideales de liberación y superación del nuevo hombre que transformará la sociedad. Son personajes tipificados, sin personalidad propia, que encarnan determinados roles sociales, nombrados por su función: padres, madres, obreros, soldados, mendigos, jardineros, comerciantes, etc. El teatro expressionista puso ênfase en la libertad individual, en la expresión subjetiva, el irracionalismo y la temática prohibida. Su puesta en escena buscaba una atmósfera de introspeção, de investigación psicológica de la realidad. Utilizaban un lenguaje concisa, sóbria, exaltada, patética, dinámica, con tendencia al monólogo, forma idônea de mostrar el interior del personaje. También ganó importancia la gesticulação, la mímica , los silencios, los balbucios, las exclamaciones, que cumplían igualmente una función simbólica. Igual simbolismo adquirió la escenografía , otorgando especial relevancia la luz y el color, y recurriendo a la música e incluso la proyecciones cinematográficas para potenciar la obra.^[124]

El teatro fue un medio idôneo para la plasmação emocional del expressionismo, pues su carácter multiartístico, que combinaba la palabra con la imagen y la acción, era ideal para los artistas expressionistas, fuera cuál sea su especialidade. Así, además del teatro, en aquella época proliferaram los cabarés, que unían representación teatral y música, como en Die Fledermaus (El Murciélago), en Viena; Die Brille (Los Óculos), en Berlín; y Die elf Scharfrichter (Los Once Verdugos), en Múnich. En el teatro expressionista predominou la temática sexual y psicanalítica, tal vez por influencia de Freud , cuya obra La interpretación de los sueños apareció en 1900. Asimismo, los protagonistas acostumbraban sean seas angustiados, solitarios, torturados, aislados del mundo y despojados de todo tipo de convencionalismo y apariencia social. El sexo representaba violencia y frustração, la vida sufrimiento y angustia.^[125]

Los principales dramaturgos expressionistas fueron Georg Kaiser, Fritz von Unruh, Reinhard Sorge, Ernst Tolher, Walter Hasenclever, Carl Sternheim, Ernst Barlach, Hugo von Hofmannsthal y Ferdinand Bruckner. Cabe subrayar también la figura del productor y director teatral Max Reinhardt, director del Deutsches Theater, que se destacó por las innovaciones técnicas y estéticas que aplicó a la escenografía expressionista: experimentó con la iluminación, creando juegos de luces y sombras, concentrando la iluminación en una casa de campo o personaje para captar la atención del espectador, o haciendo variar la intensidad de las luces, que se entrecruzam u oponían. Su estética teatral fue adaptada posteriormente al cine, siendo uno de los trazos distintivos del cine expressionista alemán. Finalmente, cabría señalar que en el expressionismo se formaron dos figuras de gran relevancia en el teatro moderno internacional: el director Erwin Piscator, creador de una nueva forma de hacer teatro que denominó "teatro político", experimentando una forma de espectáculo didáctico que aplicó más tarde Brecht en el Berliner Ensemble. En 1927 creó su propio teatro (Piscatorbühne), en el que aplicó los principios ideológicos y cênicos del teatro político. Bertolt Brecht fue el creador del "teatro épico", así designado en contraste con el teatro dramático. Quebró con la tradición del naturalismo y del neorromantismo, transformando radicalmente tanto el senso del texto literario en cuanto a forma del espectáculo ser presentado, e intentando que el público dejara de ser un simple espectador-receptor para desarrollar un papel activo.

Música

Ver artículo principal: Música expressionista

El expressionismo otorgó mucha importancia a la música, conectada estrechamente al arte sobre todo en el grupo Dé Blaue Reiter: para estos artistas, el arte es comunicación entre individuos, por medio del alma, sin necesidad de un elemento externo. El artista tiene que ser creador de signos, sin la mediación de un lenguaje. La música expressionista, siguiendo el espíritu de las vanguardas, visaba a desconectar la música de los fenómenos objetivos externos, siendo instrumento únicamente de la actividad creadora del compositor y reflejando expresamente su estado anímico, fuera de toda regla y toda convención, tendiendo a la esquematização y a la construcciones lineais, en paralelo a la geometrização de las vanguardas pictóricas del momento.^[126]

La música expressionista buscó la creación de un nuevo lenguaje musical, liberando la música, sin tonalidade, dejando que las notas fluyeran libremente, sin intervención del compositor. En la música clásica, la armonía era basada en la cadência tônica-subdominante-dominante-tônica, sin dentro de una tonalidade suceder notas extrañas a la escala. Pero, desde Wagner, la sonoridade cobró mayor relevancia acerca de la armonía, ganando importancia las doce notas de la escala. Así, Arnold Schönberg creó el dodecafonismo, sistema basado en los doce tonos de la escala cromática –las siete notas de la escala tradicional más los cinco semítonos–,utilizados en cualquier orden, pero en series, sin repetir una nota antes de las otras sonarem. Así es evitada la polarização, la atracción a centros tonais. La serie dodecafônica es una estructura imaginária, sin tema ni ritmo. Cada serie tiene 48 combinaciones, por inversão, retrogradação o inversão de la retrogradação, y comenzando por cada nota, lo que produce una serie casi infinita de combinaciones. Podría-decirse que la destrucción de la jerarquía en la escala musical es equivalente, en la pintura, a la eliminación de la perspectiva espacial renascentista efectuada igualmente por las vanguardas pictóricas. El dodecafonismo fue seguido por el ultracromatismo, que amplió la escala musical a grados inferiores al semitono –cuartos o sextos de tono–, como en la obra de Alois Hába y Ferrúcio Busoni.^[127]

Entre los músicos expressionistas se destacaron especialmente Arnold Schönberg, Albam Berg y Anton von Webern, trio que formó la llamada Segunda Escuela de Viena:

• Arnold Schönberg: se formó cuando en Viena había un caloroso debate entre wagnerianos y brahmsianos , decantando-si deprisa por nuevas formas de expresión renovadoras del lenguaje musical. Sus primeras obras fueron un insucesso de público, como el poema sinfônico Pelleas und Melisande (1903), sobre el texto de Maeterlinck , aunque añadieron su fama entre los nuevos músicos, más afins a la vanguarda. Con la Kammersymphonie (1906) y los Lieder (1909), sobre textos de Stefan George, comenzó a acercarse al que sería su lenguaje definitivo, pontuado por la atonalidade, la assimetria rítmica y la disolución tímbrea, que terminarán en el dodecafonismo. Consiguió sus primeros éxitos con los Gurrelieder (1911) y Pierrot Lunaire (1912), a los que siguió una pausa debida a la guerra. Más adelante su obra ressurgiu con una composición ya totalmente dodecafônica: Quinteto para instrumentos de viento (1924), Tercero quarteto para corda (1927), Variaciones (1926-1928), etc.^[128]

• Anton von Webern: circunscrito la obras cuando pequeño calibre, no tuvo muy reconocimiento en vida, aunque su obra fuera profundamente vanguardista e innovadora. Más místico y decadente que Schönberg, Webern fue un músico dodecafônico profundo: así como Schönberg no serializava los ritmos, sólo la altura de los sonidos, por otro lado Webern sí, destacándose las áreas estructurales, con una música desnudada, etérea, atemporal; así como Schönberg tenía una estructura clásica bajo el sistema dodecafônico, Webern creó una música totalmente nueva, sin referencias al pasado. Webern rompió la melodía, cada nota a hacía un instrumento diferente, en una especie de pontilhismo musical, en una tentativa de serialização tímbrea, destacándose el espacio antes del tiempo. Entre sus obras se destacan Bagatelas (1913), Trio para cordas (1927), La luz de los ojos (1935) y Variaciones para piano (1936).^[129]

• Alban Berg: alumno de Schönberg entre 1904 y 1910, tenía sin embargo un concepto más amplio, complejo y articulado de la forma y del timbre que su maestro. En sus comienzos fue influenciado por Schumann, Wagner y Brahms, conservando siempre su obra un marcado tono romántico y dramático. Berg usó el dodecafonismo libremente, alterando las ortodoxas reglas que puso inicialmente Schönberg, dándole un particular color tonal. Entre sus obras se destacan las óperas Wozzeck (1925) y Lulu (1935), además de Suite lírica para quarteto de corda (1926) y Concierto para violino y orquesta (A La memoria de un ángel) (1935).^[130]

Con la Nueva Objetividade y su visión más realista y social del arte surgió el concepto de Gebrauschmusik (música utilitária), basada en el concepto de consumo de masas para elaborar obras de simple construcción y accesibles a todo el mundo. Eran obras de marcado carácter popular, influenciadas por el cabaret y el jazz, como el Balé triádico (Triadisches Ballet, 1922) de Oskar Schlemmer, que conjugava teatro, música, escenografía y coreografia . Uno de sus máximos exponentes fue Paul Hindemith, uno de los primeros compositores en crear rangos sonoros para cine, así como pequeñas piezas para afeicionados y colegiais y obras cómicas como Novedades del día (Neues vom Tage, 1929). Otro exponente fue Kurt Weill, colaborador de Brecht en diversas obras como La ópera de tres centavos (Die Dreigroschenoper, 1928), donde la música popular, de aire cabareteiro y ritmos bailáveis, contribuye para distanciar la música del drama y quebrar la ilusión cênica, acentuando su carácter de ficción.^[131]

Ópera

La ópera expressionista se desarrolló en paralelo a la nuevas vías de estudio por la música atonal ideada por Schönberg. El espíritu renovador del cambio de siglo, que llevó todos los artes a una ruptura con el pasado y a buscar un nuevo impulso creador, condujo este compositor austríaco a crear un sistema donde todas las notas tuvieran el mismo valor y la armonía fuera sustituida por la progresión de tonos. Schönberg compuso dos óperas en ese contexto: Moses und Aron (compuesta desde 1926 e inacabada) y De hoy la mañana (Von Heute auf Morgen, 1930). Pero a buen seguro la gran ópera del atonalismo fue Wozzeck (1925), de Alban Berg, basada en la obra teatral de Georg Büchner, ópera romántica mientras la temática más de compleja estructura musical, experimentando con todos los recursos musicales disponibles desde el classicismo hasta la vanguarda, del tonal al atonal, del recitativo la música, de la música popular a la música sofisticada de contraponto dissonante. Obra de fuerte expresión psicológica, al tratar de un demente angustiado por imágenes paranoicas la música se hace también demencial, expresando simbólicamente el interior de una persona desquiciada, los más profundos resquícios del inconsciente. En su segunda ópera, Lulu, basada en dos dramas de Wedekind, Berg abandonó el expressionismo atonal y cambió para el dodecafonismo.^[132]

Uno de los principales antecedentes de la ópera expressionista fue Los Marcados (Die Gezeichneten, 1918), de Franz Schreker, ópera de gran complejidad que requería una orquesta de 120 músicos. Basada en un drama renascentista italiano, era una obra de temática sombría y torturada, plenamente imersa en el espíritu deprimente del polvos-guerra. La música era innovadora, radical, de sonoridade enigmática, con una coloratura instrumental audaz y brillante. En 1927 Ernst Krenek estrenó su ópera Jonny ataca (Jonny spielt auf), que consiguió un notable éxito y fue la ópera más representada del momento. Con gran influencia del jazz, Krenek experimentó con las principales tendencias musicales de la época: neorromantismo, neoclassicismo, atonalidade, dodecafonismo, etc. Considerado como "músico degenerado", en 1938 se refugió en los Estados Unidos, al tiempo que los nazis inauguraban la exposición Entartete Musik (Música degenerada) en Düsseldorf –en paralelo a la muestra de arte degenerado, Entartete Kunst–, donde atacaban la música atonal, el jazz y las obras de músicos judíos. Otro gran éxito fue la ópera El Misterio de Heliane (De las Wunder dé Heliane, 1927), de Erich Wolfgang Korngold, obra de cierto erotismo con una esquisita partitura concebida en escala épica que crea una gran dificultad para los intérpretes. Otras óperas de este autor fueron Die Tote Stadt, Dé Ring des Polykrates y Violanta . Con la instauração del Anschluss en 1938, Korngold emigró para los Estados Unidos.

Erwin Schulhoff compuso en 1928 su ópera Flammen, versión del clásico Don Juan, con escenografía de Zdeněk Pesánek, pionero del arte cinética. Obra de corte fantástico, se percibe cierta influencia del teatro chino, en el que cabe todo el inimaginável, transcurriendo todo tipo de situaciones paradoxais y absurdas. Schulhoff abandonó así las reglas teatrales aristotélicas vigentes hasta entonces en el teatro y la ópera para un nuevo concepto de puesta en escena, que entiende el teatro como un juego, un espectáculo, una fantasia que rebosa la realidad y lleva a un mundo de sueños. Combinando diferentes estilos, Schulhoff se alejó de la tradicional ópera alemana iniciada con Wagner y culminada en el Wozzeck de Berg, acercándose por otro lado a la ópera francesa, en obras como el Pélleas et Mélisande de Debussy o el Cristóvão Colombo de Milhaud .

Berthold Goldschmidt, profesor de dirección de orquesta de la Berlin Hochschule für Musik, adaptó en 1930 "El Magnífico Cornudo" (Dé gewaltige Hanrei) de Crommelynck, estrenada en 1932, aunque su condición de judío provocó que fuera inmediatamente retirada, emigrando entonces para Gran Bretaña. Finalmente, Viktor Ullmann desarrolló su obra en el campo de concentración de Theresienstadt (Terezín), donde los nazis probaron un sistema de "ghetto plantilla" para desviar la atención del extermínio de judíos que estaban realizando. Con una gran dosis de autogobierno, los reclusos podían ejercer actividades artísticas, pudiendo así componer su ópera Dé Kaiser Von Atlantis (1944). Admirador de Schönberg y de la "atonalidade romántica" de Berg, Ullmann creó una obra de gran riqueza musical inspirada tanto en la tradición como en las principales innovaciones de la música de vanguarda, con una temática relativa a la muerte de gran tradición en la literatura musical alemana. Pero, antes de su estreno fue prohibida por las SS, que encontró cierta similaridade entre el protagonista y la figura de Hitler , y el autor fue enviado al campo de Auschwitz para su extermínio.^[133]

Baila

A baila expressionista surgió en el contexto de innovación que el nuevo espíritu vanguardista contribuyó al arte, siendo reflexo como el restante de manifestaciones artísticas de una nueva forma de entender la expresión artística. Como en el restante de disciplinas artísticas, a baila expressionista implicó una ruptura con el pasado –en este caso el ballet clásico–, buscando nuevas formas de expresión basadas en la libertad del gesto corporal, libero de las ataduras de la métrica y del ritmo, donde cobra mayor relevancia a auto-expresión corporal y la relación con el espacio. En paralelo a la reivindicación naturista que se produjo en el arte expressionista –gabán en Die Brücke–, a baila expressionista reivindicó la libertad corporal, a la vez que las nuevas teorías psicológicas de Freud influyeron en una mayor introspeção en la mente del artista, lo que se tradujo en una tentativa de la baila de expresar el interior, de liberar al ser humano de sus represiones.

A baila expressionista coincidió con Dar Blaue Reiter en su concepto espiritualista del mundo, visando a captar la essência de la realidad y transcendê-la. Rechazaban el concepto clásico de belleza, lo que se expresa en un dinamismo más abrupto y áspero que lo de la baila clásica. A la vez, aceptaban el aspecto más negativo del ser humano, lo que subjaz en su inconsciente pero que es parte indissolúvel del mismo. A baila expressionista no evitó mostrar el lado más obscuro del individuo, su fragilidade, su sufrimiento, su desamparo. Esto se traduce en una corporalidade más contraída, en una expressividade que incluye todo el cuerpo, o incluso en la preferencia por bailar descalços, lo que implica un mayor contacto con la realidad, con la naturaleza.

A La baila expressionista se la denominó también "baila abstracta", pues implicó una liberación del movimiento, alejado de la métrica y del ritmo, paralelo al abandono de la figuração por parte de la pintura, al mismo tiempo que su pretensión de expresar mediante el movimiento ideas o estados de ánimo coincidió con la expresión espiritual de la obra abstracta de Kandinsky. Pero, la presencia ineludível del cuerpo humano provocó una correcta contradicción en la denominación de una corriente "abstracta" dentro de la baila.^[134]

Uno de los máximos teóricos de la baila expressionista fue el coreógrafo Rudolf von Laban, quien creó un sistema que visaba a integrar cuerpo y alma, poniendo ênfase en la energía que emanam los cuerpos, y analizando el movimiento y su relación con el espacio. Los contribuciones de Laban permitieron a los bailarins una nueva multidirecionalidade en relación al espacio circundante, al mismo tiempo que el movimiento se liberó del ritmo, otorgando igual relevancia al silencio que a la música. Laban visaba igualmente escapar de la gravedad buscando deliberadamente la pérdida de equilibrio. Asimismo, intentó alejarse del aspecto rígido del ballet clásico promoviendo el movimiento natural y dinámico del bailarín.

La principal musa de la baila expressionista fue la bailarina Mary Wigman, quien estudió con Laban y tuvo estrechos contactos con el grupo Die Brücke, mientras, durante la Primera Guerra Mundial, se relacionó al grupo dadaísta de Zúrich. Para ella, a baila era una expresión del interior del individuo, haciendo especial insistência en la expressividade frente a la forma. Así otorgaba especial importancia a la gestualidade, conectada a menudo a la improvisação, así como al uso de máscaras para acentuar la expressividade del rostro. Sus movimientos eran libres, espontâneos, probando nuevas formas de moverse por el escenario, arrastrándose o deslizándose, o moviendo partes del cuerpo en actitud estática, como en la baila oriental. Se basaba a principio de tensión-relaxação, lo que buscaba mayor dinamismo al movimiento. Creó coreografias realizadas enteramente sin música, a la vez que se liberaba de las ataduras del espacio, que en vez de envolver y coger al bailarín se convirtió en una proyección de su movimiento, persiguiendo aquel viejo anhelo romántico de fundirse con el universo.^[135]

Tras la guerra, a baila tuvo una época de grande auge, pues el aumento de un público visando olvidar los desastres de la guerra comportó una grande proliferação de teatros y cabarés. Coreógrafos y bailarins expressionistas comenzaron a viajar por todo el mundo, difundiendo sus éxitos e ideales y ayudando el crecimiento y consolidación de la baila moderna. Pero la crisis económica y el advento del nazismo llevaron al declínio de la baila expressionista. Pero, sus contribuciones siguieron vigentes en la obra de coreógrafos como Kurt Jooss y bailarinas como Pina Bausch, llegando su influencia hasta hoy día y evidenciando la contribución esencial de la baila expressionista a la baila contemporánea.

Cine

El expressionismo no llegó al cine hasta pasada la Primera Guerra Mundial, cuando ya prácticamente hube desaparecido como corriente artística, siendo sustituida por la Nueva Objetividade. Pero, la expressividade emocional y la distorção formal del expressionismo tuvieron una perfecta traducción al lenguaje cinematográfico, sobre todo gracias a la contribución del teatro expressionista, cuyas innovaciones cênicas fueron adaptadas con gran éxito en el cine. El cine expressionista pasó por diversas etapas: del expressionismo puro –llamado a vezes "caligarismo"– pasó a un correcto neorromantismo (Murnau), y de este al realismo crítico (Pabst, Siodmak, Lúpu Pick), para terminar en el sincretismo de Lang y en el naturalismo idealista del Kammerspielfilm. Entre los principales cineastas expressionistas cabría destacarse Robert Wiene, Paul Wegener, Friedrich Wilhelm Murnau, Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Paul Leni, Josef von Sternberg, Ernst Lubitsch, Lupu Pick, Robert Siodmak, Arthur Robison y Ewald André Dupont.

El cine expressionista alemán impuso en la pantalha un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expressiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorção de decorados, maquilhagens, etc, y la conseguinte recriação de atmósferas terroríficas o, por lo menos, inquietantes. El cine expressionista se caracterizó por su recorrência al simbolismo de las formas, deliberadamente distorcidas con el apoyo de los diferentes elementos plásticos. La estética expressionista tomó las suyas temas de géneros como la fantasia y el terror, reflexo moral del angustioso desequilibrio social y político que agitó la República de Weimar aquellos años. Con fuerte influencia del romanticismo, el cine expressionista reflejó una visión del hombre característica del alma "fáustica" alemana: muestra la naturaleza dual del hombre, su fascinação por el mal, la fatalidad de la vida sujeta en la marra del destino. Podemos señalar como finalidad del cine expressionista traducirlo simbólicamente, mediante líneas, formas o volúmenes, la mentalidad de los personajes, su estado de ánimo, sus intenciones, de modo que la decoração aparezca como la traducción plástica de su drama. Este simbolismo suscitaba reacciones psíquicas aproximadamente conscientes que orientaban el espíritu del espectador.^[136]

El cine alemán contaba con una importante industria desde finales del siglo XIX, siendo Hamburgo la sede de la primera Exposición Internacional de la Industria Cinematográfica en 1908. Pero, antes de la guerra el nivel artístico de sus producciones era más bien bajo, con producciones genéricas orientadas al consumo familiar, adscritas al ambiente burguês y conservador de la sociedad guilhermina. Tan solamente a partir de 1913 comenzaron a ser realizadas producciones de mayor relieve artístico, con mayor uso de exteriores y mejores decorados, desarrollando la iluminación y el montaje. Durante la guerra la producción nacional fue potenciada, con obras tanto de género cuanto de autor, destacándose la obra de Paul Wegener, iniciador del cine fantástico, género habitualmente considerado el más típicamente expressionista. En 1917 fue creado por orden de Hindenburg –siguiendo una idea del general Ludendorff– a UF (Universum Film Aktien Gesellschaft), apoyada por el Deutsche Bank y la industria alemana, para promover el cine alemán fuera de sus fronteras.^[137] El sello UF se caracterizó por una serie de innovaciones técnicas, como la iluminación focal, los efectos especiales –como la sobreimpressão–, los movimientos de cámara –como la "cámara desencadenada"–, el dibujo de decorados, etc. Era un cine de estudio, con un marcado componente de pre-producción, que aseguraba un claro control del director sobre todo los elementos que incorriam en la película. Por otro lado, su montaje lento y pausada, sus elipses temporales, creaban una sensación de subjetividade, de introspeção psicológica y emocional.^[138]

Las primeras obras del cine expressionista se nutrieron de leyendas y antiguas narraciones de corte fantástico y misterioso, cuando no terrorífico y alucinante: El estudiante de Praga (Paul Wegener y Stellan Rye, 1913), sobre un nuevo que vende su imagen reflejada en los espejos, basada en Peter Schlemihl de Chamisso ; El Golem (Paul Wegener y Henrik Galeem, 1914), sobre un hombre de barro creado por un rabino judío; Homunculus (Otto Rippert, 1916), precursora nos contrastes en blanco y negro, los choques de luz y sombra. El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919), sobre una serie de asesinatos cometidos por un sonâmbulo, se convirtió en la obra mestra del cine expressionista, por la recriação de un ambiente opressivo y angustioso, con decorados de aspecto extrañamente anguloso y geométrico –paredes inclinadas, ventanas en forma de flecha, puertas cuneiformes, chaminés oblicuas–, iluminación de efectos dramáticos –inspirada en el teatro de Max Reinhardt–, y maquilhagem y vestuário que destacan el aire misterioso que envuelve toda la película.^[136]

Paradójicamente, Caligari fue más el final de un proceso que el comienzo de un cine expressionista, pues su carácter experimental era difícilmente assimilável por una industria que buscaba productos más comerciales. Las producciones posteriores continuaron con mayor o más pequeña intensidad la base argumental de Caligari , con historias generalmente basadas en conflictos familiares y una narración efectuada con flashbacks, y un montaje oblicuo y anacrónica, especulativa, haciendo que el espectador interprete la historia; por otro lado, perdieron el espíritu artístico de Caligari , su revolucionaria escenografía, su expressividade visual, en favor de un mayor naturalismo y plasmação más objetiva de la realidad.^[139]

Al primero expressionismo, de carácter teatral –el llamado "caligarismo"–, siguió un nuevo cine –lo de Lang, Murnau, Wegener, etc– que se inspiraba más en el romanticismo fantástico, dejando el expressionismo literario o pictórico. Estos autores buscaban una aplicación directa del expressionismo a la película, dejando los decorados artificiales e inspirándose más en la naturaleza. Así surgió el Kammerspielfilm, orientado para un estudio naturalista y psicológico de la realidad cotidiana, con personajes normales, pero tomando del expressionismo la simbología de los objetos y la estilização dramática. El Kammerspielfim era basado en un realismo poético, aplicando a una realidad imaginária un simbolismo que permite alcanzar el senso de esa realidad. Su estética se basaba en un respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, local y acción, en una grande linearidade y simplicidade argumental, que hacía innecesaria la inserción de rotulaciones explicativos, y en la sobriedade interpretativa. La simplicidade dramática y el respeto por las unidades permitían crear unas atmósferas cerradas y opressivas, en las cuales se moverían los protagonistas.

Los años 1920 acontecieron los principales éxitos del cine expressionista alemán: Ana Bolena (Lubitsch, 1920), Las tres luces (Lang, 1921), Nosferatu (Murnau, 1922), El doctor Mabuse (Lang, 1922), Sombras (Robison, 1923), Sylvester (Pick, 1923), Los Nibelungos (Lang, 1923-1924), El hombre de las figuras de cera (Leni, 1924), Las manos de Orlac (Wiene, 1924), El último (Murnau, 1924), Bajo la máscara del placer (Pabst, 1925), Tartufo (Murnau, 1925), Varieté (Dupont, 1925), Fausto (Murnau, 1926), El amor de Jeanne Nei (Pabst, 1927), Metrópoli (Lang, 1927), La caja de Pandora (Pabst, 1929), El ángel azul (Sternberg, 1930), M, el vampiro de Düsseldorf (Lang, 1931), etc.

Desde 1927, coincidiendo con la introducción del cine sonoro, una cambio de dirección en la UF comportó un nuevo rumbo para el cine alemán, de corte más comercial, visando a imitar el éxito conseguido por el cine americano producido por Hollywood. Para entonces la mayoría de directores se establecieron en Hollywood o Londres, lo que comportó el fin del cine expressionista como tal, sustituido por un cine cada vez más germanista que pronto fue instrumento de propaganda del régimen nazi. Pero, la estética expressionista se incorporó al cine moderno a través de la obra de directores como Carl Theodor Dreyer, Carol Reed, Orson Welles y Andrzej Wajda.^[140]

Fotografía

La fotografía expressionista se desarrolló expresamente durante la República de Weimar, constituyendo uno de los principales focos de la fotografía europea de vanguarda. La nueva sociedad alemana del polvos-guerra, en su afã casi utópico de regenerar el país después de los desastres de la guerra, recurrió a una técnica relativamente nueva como la fotografía para romper con la tradición burguesa y construir una nueva plantilla social basado en la colaboración entre clases sociales. La fotografía de los años 1920 sería heredera de las fotomontagens antibelicistas creados por los dadaístas durante la contienda, así como aprovecharía la experiencia de fotógrafos procedentes del este que pararon en la Alemania después de la guerra, lo que llevaría la elaboración de un tipo de fotografía de gran calidad tanto técnica cómo artística.

Asimismo, en paralelo a la Nueva Objetividade surgida después de la guerra, la fotografía se convirtió en un medio privilegiado de captar la realidad sin rodeios, sin manipulación, conjugando la estética con la precisión documental. Los fotógrafos alemanes crearon un tipo de fotografía basada en la nitidez de la imagen y de la utilización de la luz como medio expressivo, modelando las formas y destacándose las texturas. Este tipo de fotografía tuvo una importante resonancia internacional, generando movimientos paralelos como la photographie pure francesa y la straight photography norteamericano. Cabe subrayar el grande auge durante esta época de la prensa gráfica y las publicaciones, tanto de revistas como de libros ilustrados. La conjunção de fotografía y tipografia llevó la creación del llamado "foto-tipo", con un dibujo racionalista inspirado en la Bauhaus . También tomó importancia la publicación de libros y revistas especializados en fotografía y dibujo gráfico, como Dé Querschnitt, Gebrauchsgraphik y De las Deutsche Lichtbild, así como las exposiciones, como la gran muestra Film und Foto, celebrada en 1929 en Stuttgart por iniciativa del Deutscher Werkbund, de la cual surgió el ensayo de Franz Roh Foto-Auge.^[141]

El más destacado fotógrafo expressionista fue August Sander: estudiante de pintura, cambió para la fotografía, abriendo un estudio de retrato en Colonia. Se dedicó expresamente al retrato, creando un proyecto casi enciclopédico que visaba a catalogar objetivamente el alemán de la República de Weimar, retratando personajes de cualquier estamento social, partiendo de la premissa de que el individuo es fruto de las circunstancias históricas. En 1929 apareció el primero tomo del rostro de nuestro tiempo (Antlitz dé Zeit), del cual no surgieron más al ser vetado por los nazis, que no les gustaba la imagen de la Alemania captada por Sander, al que destruyeron 40.000 negativos. Los retratos de Sander eran fríos, objetivos, científicos, desapaixonados, pero por ese motivo resultaban de una gran elocuencia personal, subrayando su individualidade.^[142]

Otros destacados fotógrafos fueron: Karl Blossfeldt, profesor de forja en una escuela de artes aplicados, en 1890 comenzó en la fotografía expresamente para obtener plantillas para sus trabajos en metal, especializándose en fotografía de vegetais, recopilando su trabajo en 1928 con el título Formas originales del arte (Urformem dé Kunst). Albert Renger-Patzsch estudió química en Dresde, comenzando en la fotografía, de la cual dio clases en la Folkwangschule de Essen . Se especializó en la fotografía publicitaria, publicando varios libros sobre el mundo técnico e industrial: en 1927 publicó Die Halligen, sobre paisajes y gentes de la isla de Frísia oriental, y en 1928 El mundo es hermoso (Die Welt ist schön). Hans Finsler, especializado en naturalezas-muertas; estudió arquitetura e historia del arte, siendo profesor en Halle de 1922 a 1932. Creó en Zúrich el departamento fotográfico de la Kunst Gewerbeschule, donde se formaron numerosos fotógrafos, como Werner Bischof y René Burri. Werner Mantz estudió en la Bayerische Staatslehranstalt für Photographie de Múnich, especializándose en la fotografía de la arquitetura, ilustrando las principales construcciones del racionalismo. Entre 1937 y 1938 retratou magistralmente el mundo de los mineros en Maastricht. Willy Zielke, de origen polaco, estudió fotografía en Múnich. Se dedicó expresamente a la evolución social e industrial de la Alemania, rodando un documentário sobre el desempleo obrero (Arbeitlos, 1932), que fue prohibido por los nazis.

Ver también

• Vanguardismo
• Arte abstracto
• Arquitetura contemporánea
• Historia del cine
• Historia de la fotografía
• Post-impressionismo
• Modernismo
• Arte moderno
• Vanguarda
• Música expressionista

Referencias

• Este artículo fue inicialmente traducido del artículo de la Wikipédia en español cuyo título es expresionismo.

Bibliografia

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Conexiones externas

• HistoriaDaArte.con.br
• ArtesBR

en español

• Expressionismo. Arte(en español)

en inglés

• ArtCyclopedia (con imágenes)
• WebMuseum
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• ArtMovements
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