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Nota: Para otros significados de Arte, vea 
Arte (Latín Ars, significando técnica y/o habilidad ) generalmente es entendida como la actividad humana conectada la manifestaciones de orden estética, hecha por artistas a partir de percepção, emociones e ideas, con el objetivo de estimular esos ejemplares de conciencia en uno o más espectadores, dando un significado único y diferente para cada obra de arte.
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Definiciones
La definición de arte varía en consonancia con la época y la cultura. Puede ser separada o no en arte rupestre, como es entendida hoy en la civilización occidental, de la artesanía, de la ciencia, de la religión y de la técnica en el sentido tecnológico.
Así, entre los pueblos dichos primitivos, el arte, la religión y la ciencia estaban juntas en la figura del xamã, que era artista (músico, actor, poeta, etc.), sacerdote y médico. Originalmente, el arte podría ser entendida como el producto o proceso en que el conocimiento es usado para realizar determinadas habilidades.
Este era el sentido que los griegos, en la época clásica (siglo V a.C.), entendían el arte: no existía la palabra arte en el sentido que empleamos hoy, y sí "tekné", de la cual se originó la palabra "técnica" en las lenguas neo-latinas. Para ellos, había el arte, o técnica, de hacerse esculturas, pinturas, zapatos o navíos. En este sentido, es la acepção aún hoy usada en el término artes marciais.
En el sentido moderno, también podemos incluir el término arte como la actividad artística o el producto de la actividad artística. Tradicionalmente, el término arte fue utilizado para referirse a cualquier pericia o maestria, un concepto que terminó durante el periodo romántico, cuando arte pasó a ser visto como "una facultad especial de la mente humana para ser clasificada en medio de la religión y de la ciencia".
El arte existe desde que hay indicios del ser humano en la Tierra. Al largo del tiempo, la función del arte ha sido vista como un medio de espelhar nuestro mundo (naturalismo), para decorar el día-a-día y para explicar y describir la historia y los diversos eus que existen dentro de un sólo ser (como puede ser visto en la literatura ), y para ayudar a explorar el mundo y el propio hombre. Estilo es la forma como la obra artística se muestra, mientras que Estética es el ramo de la Filosofía que explora el arte como fundamento.
Una obra artística sólo se hace conocida cuando algo a hace quedar delante de uno de los sentidos del ser humano. Los avances tecnológicos contribuyen de una forma colossal para crear accesibilidad entre la persona que desea disfrutar del arte y el propio arte. La persona y la obra se unen entonces, por diversos medios, como los radios (para la música), los museos (para pinturas, esculturas y manuscritos ), y la televisión , que tal vez sea, entre esos itens citados, lo que más capacidad tiene para llevar la obra artística a un número grande de interesados, por utilizar diversos sentidos (visión, audición) y por utilizar también satélite. La propia Internet es fuente de transmisión entre la obra y el interesado, con webs (que distribuyen Y-books y por softwares especializados en conectar el ordenador del usuario a una red con diversos otros ordenadores.
Sin embargo, exploradores, comerciantes, vendedores y artistas de público (palhaços, malabaristas, actor, etc.) también acostumbran presentar al público las obras, en los más diversos lugares, en consonancia con sus funciones. La arqueología transmite ideas de otras culturas; la fotografía es una forma de arte y está accesible por todas las esquinas del mundo; y también por almanaques, enciclopédias y volúmenes en general es posible conocer el arte y su historia. El arte está por todas las esquinas, pues no se restringe sólo en una escultura o pintura, pero también en música, cine y baila .
El ser que hace arte es definido como el artista. El artista hace arte según sus sentimientos, sus ganas, su conocimiento, sus ideas, su creatividad y su imaginação, lo que deja claro que cada obra de arte es una forma de interpretación de la vida.
La inspiración sería el estado de conciencia que el artista alcanza, en el cual ve la percepção, la razón y emoción se encuentran combinados de forma parte para realizar suyas mejores obras. Sería el insight de algunas teorías de la psicología.
Ernst Gombrich, famoso historiador de arte, afirmó que nada existe realmente a que se pueda dar el nombre de Arte. Existen solamente artistas.
Arte es un fenómeno cultural. Reglas absolutas sobre arte no sobreviven al tiempo, pero en cada época, diferentes grupos (o cada individuo) escogen como deben comprender ese fenómeno.
Arte puede ser sinônimo de belleza , o de una belleza transcendente. De esa forma, el término pasa a tener un carácter subjetivo, cualquier cosa puede ser llamada de arte , desde que alguien a considere así, no necesitando ser limitada a la producción hecha por un artista. Como fue mencionado, la tendencia es considerar el término arte sólo relacionado, directamente, a la producción de los artes plásticos.
Los historiadores de arte buscan determinar los periodos que emplean cierto estilo estético, denominándolos por 'movimientos artísticos'. El arte registra las ideas y los ideales de las culturas y etnias, siendo así, importante para la compreensão de la historia del Hombre y del mundo.
Formas artísticas pueden extrapolar la realidad, exagerar cosas aceptas o simplemente crear nuevas formas de observarse la realidad.
En algunas sociedades, las personas consideran que el arte pertenencia a la persona que la creó. Generalmente consideran que el artista usó su talento intrínseco en su creación. Esa visión (generalmente de la mayor parte de la cultura occidental) reza que un trabajo artístico es propiedad del artista. Otra manera de pensarse sobre talento es cómo se fuera un don individual del artista. Los pueblos judíos, cristianos y musulmanes poseen esta visión sobre el arte.
Otras sociedades consideran que el trabajo artístico pertenencia a la comunidad. El pensamiento es llevado en consonancia con la convicción de que la comunidad dio al artista el capital social para su trabajo. En esa visión, la sociedad es un colectivo que produce el arte a través del artista, que a pesar de no poseer la propiedad del arte, es visto con importancia para su concepción. Existen contradicciones en cuanto a la honra o al me gusta por el arte, indicando así el tipo de moral que la sociedad ejerce.
También puede ser definida, más genéricamente, como el campo del conocimiento humano relacionado a la creación y crítica de obras que evocan la vivencia e interpretación sensorial, emocional e intelectual de la vida en todos sus aspectos.La verdadera essencia del arte y a de el artista poder transformar la realidad en consonancia con sus ideales y pensamientos.
Utilidad
Una de las características del arte es la dificultad que se tiene en conferirle utilidad. Muchas veces esta dificultad en encontrar utilidad para el arte mascara prejuicios contra el arte y los artistas.
Lo que debe ser acordado es que el arte no posee utilidad, en el sentido pragmatista e imediatista de servir para un fin además de él mismo. Así, un cuadro no "sirve" para otra cosa, como un dibujo técnico, como una planta de ingeniería, por ejemplo, sirve para que se construya una máquina. Pero eso no quiere decir que el arte no tenga una función.
El arte posee la función transcendente, o sea, manchas de tinta sobre una pantalla o palabras escritas sobre un papel simbolizan estados de conciencia humana, comprendiendo percepção, emoción y razón (según Charles S. Peirce, fundador de la semiótica). Esa sería la principal función del arte.
El arte también es usada por terapeutas, psicoterapeutas y psicólogos clínicos como terapia. Nise de la Silveira fue una importante psiquiatra brasileña, alumna de Carl Jung, que utilizó con éxito en sus pacientes, a partir de 1944, el arte a partir de la terapia ocupacional. Gracias a este trabajo, fundó el Museo del Inconsciente, en 1952, en el Río de Janeiro.
Paul McCartney, exBeatle, dice que la música es capaz de curar. Él afirmó que en una de sus visitas a un hospital que realiza tratatamento de autistas , estos respondían cuando se dedilhava algo en el violão. Se sabe que las personas víctimas de autismo responden muy poco a estímulos externos, en consonancia con el grado de autismo.
El arte puede traer indicios sobre la vida, la Historia y las costumbres de un pueblo, inclusive de los pueblos y naciones ya extintos. Así, conocemos varias civilizaciones por medio de su arte, como la egipcia, griega antigua y muchas otras. La Historia del Arte es la disciplina que estudia las manifestaciones artísticas de la humanidad a través de los siglos.
Grafite y otros tipos de arte callejero son gráficos e imágenes pintadas por spray. Son vistos por el público en paredes de edificios, en autobuses, trenes, puentes y, normalmente sin permiso del gobierno. Este tipo de arte forma parte de diversas culturas juveniles. En los EUA, en la cultura hip-hop, son comumemente usadas para la expresión de opiniones sobre política, y otras veces traen mensajes de paz, de amor y unión.
El arte, como cualquier otra manifestación cultural humana, puede ser utilizada para la cohesión social, reafirmando valores, o criticándolos.
Así, el arte es utilizado como instrumento de moraliza ção, doutrinação política e ideológica, así como herramienta en la educación en varios campos del conocimiento, desde la enseñanza básica hasta el entrenamiento de operarios en empresas. Según la sistematização de conocimiento artístico y fisiológico sobre el funcionamiento del cerebro realizado por Betty Edwards, principalmente a partir de su obra Diseñando con el lado derecho del cerebro, las habilidades artísticas son regidas por el lado derecho del cerebro, y la lógica y otras habilidades conectadas a la racionalidade son regidas por el lado izquierdo. La utilización del arte como herramienta pedagógica sería una forma de utilizar los dos lados del cerebro, de forma complementaria para un aprendizado más eficaz.
Las obras de arte también pueden hacer críticas a una sociedad. Les Misérables, de Victor Hugo, es un ejemplo de obra literaria que critica la sociedad francesa del inicio del siglo XIX. La obra del pintor español Goya, Los fuzilamentos de 3 de mayo es otro ejemplo de eso.
La interpretación de la obra depende del observador. Por lo tanto, inversamente la propia subjetividade del arte demuestra su importancia en el sentido de facilitar el cambio y discusión de ideas rivales, o para prestar un contexto social en que diferentes grupos de personas puedan reunir y mezclarse.
Formas, géneros, mídias, y estilos
Ver artículo principal: Los artes creativos son muchas veces hendidas en más categorías específicas, tales como artes decorativas, artes plásticos, artes del espectáculo, o literatura . Así, por ejemplo, pintura es una forma de arte visual, y la poesía es una forma de arte literario.
Una forma de arte es una forma específica de expresión artística para tomar, es un término más específico del que arte en general, pero menos específico del género.
Algunos ejemplos incluyen:
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Las mídias (medios) para una obra de arte ser contruída son las más diversas. Se necesita de materiales propicios para ella ser realizada por el artista. Así, por ejemplo, piedra y bronce son dos mídias capaces de contruir una obra de arte, como, en el caso, una escultura. La música y la poesía usan el sonido, la pintura usa tintas, pantallas, colores, óleo.
Un género artístico es el conjunto de convenciones y estilos dentro de una forma de arte y mídia. Por ejemplo, el Cine posee una gamma de géneros: películas occidentales, películas de horror, comedia, romance. ES así también en la literatura. En la música, hay centenares de géneros musicales, que varían de región, cultura y etc., y van desde rock, hasta Mpb. En la pintura, las corrientes de artistas (como el Naturalismo), incluyen paisaje o cotidiano (calles, personas en sus actividades diarias, etc.).
Las estructuras compositivas de una obra (arreglo de formas, colores, ritmo, texturas, y líneas) son las estructuras que expresarán las ideas y las emociones que la obra pasar, según los ojos del espectador. Delante de un cuadro, cada espectador tendrá una sensación, en consonancia con su disposición, sus conocimientos y sus gostos.
Imagínese que usted es un crítico de arte cuya misión consiste en comparar los significados que usted encuentra en una amplia gamma de diferentes trabajos artísticos. Como usted irá a ejecutar su misión? Una manera de comenzar el trabajo es separar, por grupos, que tipo de mídia se usa en cada trabajo artístico: es un vídeo?, es a través del sonido?, es por la escritura?, y así por delante. Los materiales de un arte son tan importantes en cuanto a arte en sí; un ejemplo es una escultura que fue realizada con bronce: ella no tiene la misma estética de una escultura que fuera realizada a la piedra, aunque la forma sea la misma. Así, otro ejemplo es una música que utiliza guitarras eléctricas: el sonido de esta música no será el mismo de una música que sólo utilice piano, aunque la melodía continúe siendo la misma. Por lo tanto, siendo un crítico de arte cuya misión es comparar los significados de cada obra artística, hay un otro paso interesante: usted puede analizar la forma como los materiales en cada obra se hicieron el arte listo. El sfumato, en la Mona Lisa, dio un toque especial en el rostro de la figura pintada en el cuadro. Analizar cómo cada material es importante para la composición de la obra, es una forma de conocer más profundamente la obra.
Pero, en el final, usted iría a concluir que la mayoría de las obras de arte no son un conjunto de materiales y mídias, y estética. Cada obra de arte es más que eso, pues los materiales son utilizados en consonancia con la técnica de cada artista y, en el final, sus interpretaciones envolverían también una discusión sobre ideas y sentimientos que el trabajo artístico quise proponer.
Arte: clase y valor
El arte es entendido por algunos como una pertenencia de sólo algunas clases sociales, principalmente de las más ricas. Esta definición excluye la clase inferior, en cuestión financiera. En ese contexto, el arte es vista como una actividad de clase superior asociada a la riqueza, la capacidad de venta y compraventa de arte, el ocio y el placer para disfrutar de una obra. Por ejemplo, el Palacio de Versailles o el Hermitage, en Son Petersburgo, con su vasta colección de arte, acumuladas por la realeza de la Europa exemplificam esta visión. Recolectando tal arte es lo de preservar el rico, o de Gobiernos e instituciones.
Sin embargo, ha habido un empujón cultural en la otra dirección, por lo menos desde 1793, cuando el Louvre, que había sido un palacio privado de los Reyes de Francia, fue abierta al público como museo de arte durante la Revolución Francesa. La mayoría de los museos públicos modernos y arte programas educacionales para los niños en las escuelas puede ser rastreada hasta este impulso de mostrar el arte a todos. En los Estados Unidos, hay museos de todos los tipos: de los más ricos, hasta los más públicos, como acontece en el Brasil, y en Portugal.
Hay tentativas de crear arte que no pueden ser compradas por los ricos, como se fueran objeto de un estatuto. A finales de los años 1960 y 1970 fue justamente esto: crear arte que no podía ser comprada y/o vendida. "ES necesario presentar algo más del que meros objetos", dije que el gran artista post-guerra alemán Joseph Beuys. Este periodo vio el surgimento de cosas como arte performática, vídeo arte y arte conceptual. La idea era que, si el trabajo artístico fue un desempeño que iría a dejar nada para tras, o era simplemente una idea, no podía ser comprada y vendida.
Muchas de esas performances de crear obras que son sólo comprendido por la élite, resultaron en las razones por las cuales una idea o vídeo o un aparente "pedazo de basura" puede ser considerado arte.
Historia
- El método formalista más antiguo, entiende que la obra de arte se da por las formas y su compreensão también.
- El método histórico entiende que la obra de arte es un hecho histórico, por lo tanto reflexo y acción en un determinado contexto histórico.
- El 'método sociológico entiende la obra en consonancia con el estudio de la sociedad la cual ella pertenece.
- El método iconográfico entiende la obra por los iconos y símbolos que ella carga.
Si fuéramos analizar el arte al largo de la historia, podemos comenzar por el Arte de la Pre-Historia, que es el periodo donde se muestran las primeras demostraciones de arte que se tiene noticia en la historia humana. Retratavam animales, personas, y hasta señales. Había escenas de cacerías, de especies extintas, y en diferentes regiones. A pesar del desarrollos primitivo, se pueden distinga diferentes estilos, como pontilhado (el contorno de las figuras formado por puntos espaciados) o de contorno continuo (con una línea continua marcando el contorno de las figuras). A pesar de ser vistas como apenas-hechas y no-civilizadas, las figuras pueden ser consideradas un ejemplo de sofisticação e innovación para los recursos en la época. No existen muchos ejemplos de arte-rupestre preservada, pero con certeza el más famoso de ellos es lo de las cavernas de Lascaux , en la Francia .
Si pularmos un bocado, llegaremos al Arte del Antiguo Egipto, el escenario para una de las más interesantes descubrimientos del ser humano. El arte egipcio, a la semejanza del arte griego, apreciaba mucho los colores. Las estatuas, el interior de los templos y de los túmulos eran profusamente coloreados. Sin embargo, el pasaje del tiempo hizo con que se perdieran los colores originales que cubrían las superficies de los objetos y de las estructuras.
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Los creadores del legado egipcio llegan a nuestros días anónimos, siendo que sólo en pocos casos se conoce efectivamente el nombre del artista. Tan poco se sabe sobre su carácter social y personal, que se cree tal vez ni haber existido tal concepto en el grupo artístico de entonces. Por regla, el artista egipcio no tiene un sentido de individualidade de su obra, él efectúa un trabajo consoante una encomienda y requisições específicas y raramente firma el trabajo final. También las limitaciones de creatividad impuestas por las normas estéticas, y las exigencias funcionales de determinado emprendimiento, reducen su campo de actuación individual y, juntamente con el hecho de ser considerado un executor de la gana divina, hacen del artista un elemento de un grupo anónimo que lleva a cabo algo que el transcende.
Las grandes tradiciones en el arte tienen un fundamento en el arte de una de las grandes civilizaciones antiguas: Antiguo Egipto, Mesopotâmia, Pérsia, India,China, Grecia Antigua, Roma, o Arábia (antiguo Yemen y Omã). Cada uno de estos centros de inicio civilización desarrolló un estilo único y característico de hacer arte. Dada la dimensión y duración de esas civilizaciones, más de sus obras de arte han sobrevivido y más de su influencia fue transmitida a otras culturas y tiempos más tarde. El periodo del arte griego vio una veneración de la forma física humana eo desarrollo de cualificaciones equivalentes para mostrar musculatura, pose, belleza y anatomia en general.
El arte gótica surgió tiempos después, ya en el Arte pre-românica. Los monumentos construidos en esa época marcaron todo un modo especial de crear arquitetura y desarrolló métodos preciosos y estilos definidos como sombríos y macabros.
El Arte Bizantina y la gótica de la Edad Media occidental, mostraron un arte que se centró en la expresión de las verdades bíblicas y no en la materialidade. Además de esto, enfatizó métodos que muestran la gloria en mundos celestes, utiliando el uso de oro en pinturas, o mosaicos .
La Renascença occidental dio uno retorno a la valorização del mundo material, así como el local de seres humanos, y aún ese cambio paradigmática es reflejada en ese arte, lo que muestra la corporalidade del cuerpo humano, así como la realidad tridimensional del paisaje.
Los occidentales del Iluminismo el siglo 18 hacían representaciones artísticas de modo físico y racional sobre el Universo, así como visiones de un mundo post-monarquista, como la pintura que William Blake hizo de un Newton divino. Esto reforzó la atención al lado emocional y a la individualidade de los seres, exemplificados en muchos romances de Goethe . El siglo 19, enseguida, vio una serie de movimientos artísticos, tales como arte académico, simbolismo, impressionismo, entre otros.
El aumento de interacción global durante este tiempo hizo una gran influencia de otras culturas en el arte occidental, como Pablo Picasso siendo influenciado por la cultura de la África. De igual manera, el Occidente ha tenido enorme impacto sobre arte oriental el siglo XIX y el siglo XX, con ideas occidentales originalmente como comunismo y Post-Modernismo ejerciendo fuerte influencia sobre estilos artísticos.
El Modernismo se basó en la idea de que las formas "tradicionales" de los artes plásticos, literatura, design, organización social y de la vida cotidiana se hicieron ultrapasados, y que se hacía fundamental dejarlos de lado y crear en el lugar una nueva cultura. Esta constatação apoyó la idea de re-examine cada aspecto de la existencia, del comercio a la filosofía, con el objetivo de hallar lo que serían las "marcas antiguas" y sustituirlas por nuevas formas, y posiblemente mejores, de llegarse al "progreso". En essência, el movimiento moderno argumentaba que las nuevas realidades del siglo XX eran permanentes e inminentes, y que las personas deberían adaptarse sus visiones-de-mundo a fin de aceptar que lo que era nuevo era también bueno y bello. En el modernismo, surgió varios estilos, los más destacados son Expressionismo, Simbolismo, Impressionismo, Realismo, Naturalismo, Cubismo y Futurismo , aunque hayan sido desarrollados diversos otros.
Actualmente, en el Arte Contemporáneo (surgida en la segunda mitad del siglo XX y que se alarga hasta los días actuales), encontramos, entre otros estilos secundarios, a Pop Art.
Características
El arte tiende a facilitar la compreensão intuitiva, en vez de racional , y normalmente es, conscientemente, creada con esta intención. Las obras de arte son imperceptíveis, escapan de clasificación, porque ellas pueden ser apreciadas por más de una interpretación.
Tradicionalmente, los mayores éxitos artísticos demuestran un alto nivel de capacidad o fluência dentro de otras obras, por eso se destacan.
Habilidad
El arte puede utilizar la imagen para conmover, emocionar, conscientizar; o palabras profundas para enamorarse por un correcto poema o libro. Básicamente, el arte es un acto de expresar nuestros sentimientos, pensamientos y observaciones. Existe una comprensión de que es alcanzado con el material, como resultado del tratamiento, lo que facilita su proceso de comprensión.
La opinión común dice que para hacerse un arte que haya como resultado una obra de calidad, es preciso una especialización del artista, para él alcanzar un nivel de conocimiento sobre la demostración de la capacidad técnica o de una originalidade en la abordagem estilística. Notamos en las piezas de Shakespeare un profundo análisis de psicología sobre los personajes, como en Hamlet.
Las críticas en cuanto a la algunas obras, se debe muchas veces, según el crítico, a la falta de habilidad o capacidad necesaria para la producción del objeto artístico. Habilidad y capacidad necesaria para la producción del tal objeto son dos itens completamente importantes. Sin embargo, es importante definir que ni toda obra de arte vale a través del arte. Vemos, como ejemplo, la obra My Bed, de la artista británica Tracey Emin. La cama demuestra desorganização. La artista usó poco o ningún reconocido tradicional de conjunto de cualificaciones, aunque haya demostrado una nueva habilidad (diferente del más común, que sería una cama arrumada).
El montaje de los materiales de una obra requiere técnica y creatividad y también conocimiento. Un ejemplo es un dramaturgo tener en mente que el material que usará para crear su pieza de teatro será la palabra y un aprofundamento sobre los personajes, el enredo y etc. Tras esto, basta usar toda su creatividad y conocimiento para ir moldeando el texto de la pieza.
Estética
La belleza de una obra la hace más destacada cuando es comparada a la otras. El material usado por el artista y sus técnicas son lo que hacen una obra de arte bonito, con una buena apariencia. Sin embargo, es importante destacar nuevamente la obra My Bed, de Tracey Emin, donde la cama no posee una belleza común, aunque presente una situación.
La estética es fundamental en una obra de arte. Vemos como ejemplo la arquitetura con sus edificios majestosos, grandes, esbeltos, lo que hace con que las personas admiren. Así es también con un buen cuento, en cuestión de literatura, y con una buena pintura. Como ya fue hablado, el material usado es lo que irá a mostrar la belleza del arte.
ES importante tener un estudio más profundo sobre la estética. Conseguimos eso separando cuáles conceptos forman la estética, a comenzar por la belleza . La belleza es una percepção individual caracterizada normalmente pelo que es agradable a los sentidos. Esta percepção depende del contexto y del universo cognitivo del individuo que la observa. El bello depende mucho de la sociedad y de sus creencias. Un ejemplo de esto es el cuadro Abaporu, de Tarsila del Amaral. Para ella, la figura del cuadro era un monstruo y para el común de la gente. Pero por quê? Será que por qué no corresponde al patrón de belleza de nuestra sociedad? En la época de Leonardo de la Vinci, las mujeres eran tenidas bonitas cuando eran rechonchudas. Ejemplo de esto es la Mona Lisa.
Otro aspecto de la estética es el equilibrio. El equilibrio se encuentra cuando todos los elementos que compone la imagen están organizados de tal forma que nada es enfatizado, todos pasando una sensación de equilibrio visual. El equilibrio es más utilizado en las pinturas. Lo que influéncia el equilibrio son los colores, las imágenes, las superficies, los tamaños y las posiciones de los itens presentes en la pintura, o en un otro arte plástico. Refleje sobre un cuadro cuyo dibujo sea un horizonte, el poner del sol y un lindo mar reflejando la luz alaranjada del sol. En el fondo del mar, hay un enorme navío, casi ocupando todo el espacio del cuadro. Esta figura, el navío, da o no da equilibrio a la pintura como uno todo? Si no, lo que sería necesario hacer para dar más equilibrio? Por cuál motivo la figura del navío es enorme?
Armonía es relacionada a la belleza, a la proporción y también a la orden. Un ejemplo, es la música: todos los ritmos necesitan estar bien delineados, bien ordenados para que haya una armonía, una belleza en el sonido. En cuanto al design, podemos definir armonía como efecto de la composición de formas, no de manera aleatoria, pero de modo que contornos y enchimentos sean bien definidos, variando según un grado de peso pre-establecido y relacionándose al esquema general de la organización del objeto. Este objeto puede ser un cuadro, una web, finalmente, cualquier entidad que esté siendo compuesta por partes (engranajes) menores.
En la escultura y en la arquitetura, la forma también es una de las cosas más importantes. En las esculturas de Michelangelo, o en las de Rodin, como, por ejemplo, Davi, notamos que es un ser allí esculpido y este ser posee un cuerpo. Por lo tanto, la forma del cuerpo necesita ser bien definida, bien adquirida para que se asemeje a un cuerpo humano. Sin embargo, si el escultor sea esculpir un monstruo, como ejemplo, es preciso haber la misma cosa, aunque él tenga en mente un cuerpo totalmente diferente del común.
Lo que define una obra como estéticamente bonita e importante, además de los recursos que fuera usado en ella y de sus técnicas, es también su valor, lo que veremos a continuación.
Valor
Otra característica del arte es el valor[1]. Esta viene tras su realización por el artista. ES cuando ya está expuesta al público. Aquí, no es discutido especialmente la estética, y sí el valor relacionado la importancia de la obra, según la mayoría. Podemos exemplificar ese raciocinio con la siguiente pregunta: por cuál motivo el cuadro Mona Lisa tiene un gran valor? O incluso: por qué las obras de Shakespeare son tan famosas y tenidas cómo las mejores del mundo? Y hasta: por qué varias músicas del Beatles son tan prestigiadas?
Para comenzar, es importante relacionar cuáles elementos hacen una obra de arte tan glamurosa. En cuanto a la Mona Lisa y las piezas de Shakespeare , podemos notar algo semejante: un elemento nuevo hasta entonces. Por ejemplo: en la Mona Lisa, hay el sfumato. En las piezas más famosas de Shakespeare, hay técnicas impares para el teatro, como, p. ejemplo, en Hamlet: el teatro en el teatro. Las músicas de los Beatles poseen ritmos y melodías pioneros. Pero será que es sólo un elemento nuevo que hace una obra quedar en destaque?
Además de la distribución y divulgación de una obra, cosas que contribuyen bastante para su fama, hay también un otro item: la forma como la obra es creada y, así, como ella sobrevive tras años. Este item es más aplicado en la literatura, donde diversos romances permanecen prestigiados mismo tras mucho tiempo escritos, por tener un valor social y emocional aún muy presente en el ser humano, como las piezas de Shakespeare.
Además de esto todo, cuando una obra influéncia otras por contener cosas nuevas y cuando esa misma obra posee aspectos que atraigan el espectador por algún motivo (sea motivacional, de reflexión, u otro), ella entonces se hace valiosa por los que les gustó.[2]
Ver también
Bibliografia
- GOMBRICH, Ernst H. La historia del arte; São Paulo: LTC. Editora, 2000; ISBN 85-216-1185-4
- ARGAN, Giulio Carlo. Arte Moderno.
Referencias
Conexiones externas
- Informaciones sobre diferentes estilos artísticos y los periodos históricos correspondientes (en inglés)
- Visual Arts Fecha Service (VADS) Colección online de museos, galerias y universidades de Reino Unido (en inglés)
- Artículo sobre el significado del Arte en la India Antigua en la página de la revista Frontline (en inglés)
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