apertura (música) - Wikilingue - Encydia
Apertura, también conocida por los términos extranjeros ouverture u overture (del francés e inglés, respectivamente), es una introducción instrumental a una pieza coral o dramática , que durante el siglo XIX, después de ser desarrollada, pasó a ser ella propia una forma de composición.
Tabla de contenido |
Historia
Siglo XVII
La idea de una apertura instrumental para la ópera existió durante el siglo XVII. Eurídice, de Jacopo Peri, se inicia con un breve ritornello instrumental, y L'Orfeo , de Claudio Monteverdi, se inicia con una toccata (una fanfarra con trompetes abafados). Más importante, sin embargo, era el prólogo, que comprendía un diálogo cantado entre personajes alegóricos que introducían los temas abordados durante la historia contada en la obra.
Overture francesa
Como forma musical, sin embargo, la llamada "overture francesa", tuvo inicio con los balés de la corte y las overtures de ópera de Jean-Baptiste Lully, que él desarrolló a partir de una forma similar de dos secciones llamada "ouverture", encontrada en los balés de la corte que datan alrededor de 1640 . Esta overture francesa consiste de una introducción lenta en un ritmo marcado, seguida de un vivo movimiento en estilo fuga. Tal overture era frecuentemente seguida por una serie de bailas hasta la apertura de las cortinas, y generalmente retornaba con el prólogo para introducir la acción propiamente dicha.[1]
Tal overture francesa también fue usado en la ópera inglesa, más notablemente Dido and Aeneas, de Henry Purcell. Sus distinguidos perfil y función rítmicas sin embargo remiten al estilo de la overture francesa encontrado en los últimos barrocos como Johann Sebastian Bach. El estilo es más usado en prelúdios y suítes , y puede ser encontrado en piezas vocales no-teatrales como cantatas.
Overture italiana
En la Italia , una forma distinguida llamada "overture" surgió alrededor de 1680 y se estableció particularmente en las óperas de Alessandro Scarlatti, y se esparció por la Europa suplantando la forma francesa como el patrón para las overtures de ópera a mediados del siglo XVIII. Su forma usual era generalmente de tres movimientos homofônicos: rápido, lento, rápido. El movimiento de apertura era generalmente marcado y en tonalidade mayor; el segundo movimiento corto y en una tonalidade contrastante; y el tercero era una baila, generalmente una giga o minueto , y retomaba la tonalidade del primer movimiento. A medida que la forma fue desarrollándose, el primer movimiento pasó a incorporar elementos de fanfarra y tomó la entonces llamada "forma-sonatina" (forma-sonata sin la sección de desarrollo), y la forma lenta se hizo más extensa y lírica.[2]
Overtures italianas eran generalmente formas retiradas de sus óperas y ejecutadas como piezas de concierto independientes. En este contexto, ellas se hicieron importantes en el inicio de la historia de la sinfonia.
Siglo XVIII
Con la creciente popularidad de la ópera italiana y de la forma-sonata, la overture francesa cayó de moda. Christoph Willibald Gluck — cuyas observaciones sobre la función de la overture en el prefácio de Alceste son históricas — se basó en las plantillas italianas, de textura poco definida. A aquella época, de los últimos trabajos de Wolfgang Amadeus Mozart, el estilo de la overture y de la sonata se diferenciaban claramente de la música puramente sinfônica. Ejemplares de este cambio son la sinfonia en sol de Mozart, que es una overture para una ópera desconocida, y sus overtures para Die Entführung y Lo Sposo deluso, donde la cortina se abre en un pasaje particularmente dramático. La última overture de Mozart, Die Zauberflöte (La Flauta Mágica), de 1791 , parece apuntar para la plantilla rossiniano, con su inicio largo y lento, una pesada introducción llevada de forma passional hasta el tema principal. En las manos de Ludwig van Beethoven el estilo y forma de la overture distanciaron aún más de aquella en la sinfonia.
Siglo XIX
Aunque Gioachino Rossini haya cesado sus overtures después de Guilherme Tell en 1829, las overtures del siglo XIX ampliamente focaram en formas desarrolladas hace muy tiempo atrás, primariamente la ópera-bufa italiana. La primera overture de ópera profesional de Rossini, La cambiale di matrimonio, de 1810 , ignoró la forma sonada estricta, empleando una gran apertura, una lenta introducción, primer tema principal y un extenso puente para el segundo tema principal, uno creciendo y una sección de cierre. Tentativas en este estilo pueden ser claramente percibidas en overtures de Adolphe Charles Adam, Carl Maria von Weber, Giuseppe Verdi, Hector Berlioz y otros, aunque ninguno de ellos haya alcanzado la reputación de Rossini en términos de composición de overtures que, mientras estilo simple, requiere una cantidad de ideas melódicas inspiradas.
Sin embargo, Guilherme Tell ha servido de forma más pertinente como plantilla para la overture romántica del siglo XIX, con su forma revolucionaria de cuatro partes, teniendo el grandioso efecto de una mini sinfonia, expandiendo los límites de la ópera del siglo XIX cómo uno todo. La apertura de Guilherme Tell sinalizou el cierre del periodo clásico para música de actuación de escenario, abriendo camino para Giacomo Meyerbeer y Richard Wagner, siendo influyente en trabajos tan distantes como la Apertura 1812 de Pyotr Ilyich Tchaikovsky y Orphée aux enfers de Jacques Offenbach.
Ópera moderna
En la ópera moderna, la overture, "vorspiel", "enleitung", "introduction" o como quiere que sea llamada, es generalmente algo no muy más definido que la porción de la música que aparece antes de las cortinas se abran. Tannhäuser es el último caso de gran importancia donde la overture (de la forma como fue escrita originalmente) es de hecho una pieza instrumental completa prefijada para una ópera en un estilo dramático trágico y continuo. En la ópera leve, donde formas seccionáis aún son posibles, una overture en separado no queda descolocada, aunque Carmen sea principalmente dramática a punto de que su overture visualiza el final trágico y lleva directamente al abrir de las cortinas.
La vorspiel de Lohengrin , de Wagner, es un único movimiento corto fundado en la música de adoração. Ella no representa una nueva ruptura de la forma clásica de la overture además de aquella mostrad cincuenta años atrás por las interesantes overtures Ariodant y Uthal , de Étienne Méhul, donde en esta última una voz es oída varias veces por el escenario antes de las cortinas se abran.
La vorspiel de Die Meistersinger von Nürnberg, aunque necesitando sólo de un último despierte tonal para tener una finalización, lleva a la apertura de las cortinas. La vorspiel de Tristan und Isolde fue finalizada para uso en concierto por el propio Wagner, y la considerable duración del tramo añadido muestra quão calculada para la existencia independiente de la vorspiel original ella fue. Por último, la vorspiel de Parsifal es una composición finalizada para uso en concierto por Wagner con el uso de más algunos compassos.
Los prelúdios orquestáis para los cuatro dramas de Dar Ring des Nibelungen son meras preparaciones para que las cortinas se abran, y estos trabajos no pueden ser dichos como teniendo overtures muy más del que Falstaff de Verdi o Salomé de Richard Strauss, donde las cortinas se abren después de la primera nota de la música.
Operetas y musicales
Muchas operetas y óperas leves del siglo XIX sustituyeron la forma overture por un potpourri, basado en los temas que vendrían a continuación. Arthur Seymour Sullivan, por ejemplo, raramente escribía sus propias overtures una vez que, siguiendo el formato potpourri experado por una ópera cómica inglesa, cualquier orquestrador competente podría ser confiado a la tal tarea.
Las overtures contemporáneas del siglo XX acompañando los musicales casi siempre siguieron este patrón, consistiendo de segmentos de las canciones más populares en el musical — aunque algunos musicales dispensen completamente una overture. La overture es tocada generalmente antes del musical comenzar. Sin embargo, en un rescate reciente de Kiss Me, Kate, de Pegue Porter, la overture aparece después del refrão de apertura ("Another Op'ning, another show"), con el refrão permaneciendo en el escenario. En la producción original de 1948 y todas las producciones hasta 1999, la overture aparece en su local usual, antes de la primera música.
Overtures para concierto
Aunque alrededor del siglo XVIII las overtures de las óperas ya hubieran comenzado a ser ejecutadas como itens separados en salas de concierto, la overture para concierto concebida específicamente como una pieza de concierto individual sin referencia a la performances de escenario — y generalmente basadas en algún tema literario — comenzaron a aparecer, en el inicio de la era romántica. Carl Maria von Weber escribió dos overtures de concierto, Dé Beherrscher dé Geister (1811, una revisión de la overture para su ópera Rübezahl, de 1805 , inacabada) y Jubel-Ouvertüre (1818, incorporando God Save the King en su clímax). Sin embargo, La Midsummer Night's Dream (1826), de Felix Mendelssohn Bartholdy, es tenida como la primera overture de concierto. Otras contribuciones de Mendelssohn para el género incluyen Meeresstille und glückliche Fahrt (1828), Hebrides (1830) y Die schöne Melusine (1834). Otras notables overtures de concierto pioneras fueron escritas por Berlioz: Les Fancs Juges (1826) y Le Corsaire (1828).
Robert Alexander Schumann escribió overtures basada en la literatura de Friedrich Schiller, William Shakespeare y Johann Wolfgang von Goethe: La Prometida de Messina, Julius Caesar y Hermann and Dorothea, respectivamente. Aunque esas overtures deriven su inspiración musical de trabajos literarios, Schumann no compuso música para el trabajo entero (cómo se fuera una ópera), y ni necesariamente intencionou una performance declamada subsequente. Schumann y Tchaikovsky, de hecho, incorporaron parte del himno nacional francés, LaMarseillaise , en sus overtures Hermann und Dorothea y Overture 1812, respectivamente, lo que indica la naturaleza independiente de ese tipo de overture.
Poema sinfônico
En la década de 1850 la overture de concierto pasó a ser suplantada por el poema sinfônico, una forma imaginada por Franz Liszt en varios trabajos que comenzaron como overtures dramáticas. La distinción entre los dos géneros fue la libertad de moldear la forma musical en consonancia con requerimentos programáticos externos. El poema sinfônico se hizo la forma preferida de compositores más "progresivos" como César Franck, Richard Strauss, Alexander Scriabin y Arnold Schoenberg, mientras compositores más conservadores como Anton Rubinstein, Tchaikovsky, Johannes Brahms y Sullivan permanecieron en la overture.
A La época en que el poema sinfônico ya era popular, Brahms escribió su Akademische Festouvertüre y su Tragische Ouvertüre, opp. 80 y 81, con esta última encapsulando una gran variedad de emociones, que también podría ser tomada como un poema sinfônico, aunque no haya sido definida como tal por el compositor. Un otro ejemplo de forma límite es la Overture 1812 de Tchaikovsky. Su igualmente bien-conocida Romeu y Julieta es generalmente clasificada como "overture-fantasia".
En la música europea post1900 la overture tradicional era escasamente relevante, aunque el nombre continuara en uso como una de entre muchas alternativas para describir una pieza orquestral, generalmente para una ocasión festiva, en un único movimiento de duración moderada. Una excepción notable y tardía mostrando una conexión con la forma tradicional es la Festive Overture (op. 96, 1954) de Dmitri Shostakovitch, donde hay dos secciones conectadas, "Allegretto" y "Presto".
Cine
En películas, las overtures son generalmente usadas como música para sinalizar el clima de la obra antes que los créditos comiencen.
Notables ejemplos son King Kong (1933), Gone with the Wind (1939), East of Eden (1955), Ben-Hur (1959), Spartacus (1960), West Side Story (1961), Lawrence of Arabia (1962) y 2001: La Space Odyssey (1968). 1979 fue el último año en que un gran estudio norteamericano hizo uso de una overture, con las películas Star Trek: The Motion Picture y The Black Hole, aunque la película Dancer in the Dark, de 2000 , haya incluido una overture, y Kingdom of Heaven (2005) tenga una overture en la edición del director. Muchos de esas películas épicos también poseen intermezzos y músicas de cierre que, junto con las overtures, fueron generalmente cortados para la exibição en TELE y sólo pueden ser encontradas en DVDs recientes. Algunas de esas "músicas incidentais" fueron hechas para las premiéres de las películas y fueron subsiguientemente cortadas en los estrenos ordinarios.
