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El cine es un arte del espectáculo. Expone en el público una película, es decir una œuvre compuesta de imágenes en movimiento proyectado sobre un apoyo, generalmente una pantalla blanca, y acompañadas casi siempre de una banda sonora. Desde su invención, el cine ha devenido a la vez un arte popular, una diversión, una industria y un medio de comunicación. Puede también ser utilizado a finales de propaganda, de pedagogía o de investigación científica. francés, se lo designa couramment como el séptimo arte », según la expresión del crítico Ricciotto Canudo en los años veinte[1].
Una película ha compuesto de una serie de imágenes generalmente proyectadas a la cadencia de 24 imágenes por segunda. Es la sucesión rápida de estas imágenes, difiriendo mediana poco mutuamente, que, por ilusión, proporciona una imagen animada en el espectador, reproduciendo sobre todo los movimientos y trayectorias de la vida real. La persistencia rétinienne, el efecto phi y los técnicos de proyección permiten en el ser humano de ver esta serie de imágenes discretas en un continuum visual.
El término « cine » es el apocope de « cinématographe » (del griego κίνημα / kínēmi, « movimiento » y γράφειν / gráphein, « escribir »), nombre dado por Léon Bouly 1892 alaparato de proyección cuya depositó el brevet. Esta palabra polysémique puede pues designar el arte, su técnica o todavía, por métonymie, la sala en la cual es proyectado. Es sobre todo en esta última acepción que el término es le-mismo a menudo abreviado en el lenguaje familiar en « ciné » o « cinoche ».
Si las películas son objetos culturales salidos de una cultura específica cuya son el reflejo, su difusión es potencialmente universal gracias al desarrollo de técnicos que han permitido un rayonnement mundial de las películas, por el bajo-titrage o el doublage de los diálogos, así como por su puesta en disposición en formatos criados (cintas, DVD, Internet, etc.). Son susceptibles también de devenir puros productos comerciales, al sentido donde los somos drainées por esta industria pueden ser colosales, a pesar de los costes de producción, tenida consideración en el número potencialmente de entidad de espectadores payants.
Sumario |
Cine : un término polysémique
La diversidad de las películas producidas, la libertad de creación, y la variedad de los géneros hacen del cine un término difícil a definir[2]. Era visto antes como un principio de creación a marchar de una historia y de imágenes puestas en movimiento[3]. No obstante, con su desarrollo, de las películas nonarrativas, de la documentalficción, o de las œuvres experimentales tales que Koyaanisqatsi dan en el término de cine un sentido diferente. Asimismo, de las películas sin movimiento aparente han sido giradas, compuestos sólo de fotografías (como La Lanzada de Chris Marker), o todavía de las películas sin su o sin imagen devuelven su definición floue[4],[5].
Por cine, se puede sentir la sala o el edificio donde las películas son difundidos. Nombrado « séptimo arte », el cine puede ser considerado como una diversión, o como un arte[6].
Se siente también por cine la proyección de imágenes, que aparecen animadas o no, sobre una pantalla y, en espectáculo, de manera pública. Encubrió, se distingue otros medios de comunicación audiovisuales como la televisión o Internet , cuyos usos son típicamente domésticos. Con el fin de garantizar una cierta calidad visual necesario a la proyección pública sobre pantalla, de los criterios técnicos normativos han sido definidos y las salas comerciales se deben de respetarlos (en Francia, son definidos por la CST). Estos criterios limitan los técnicos de producción y de proyección. Así, todo documento filmado no es del cine. Pero la aparición de las home cinema extiende a devolver todavía más floue esta diferencia.
El término cine puede también definir el arte y la manera de realizar apresamientos de vistas, generalmente aliadas al sonido. Se puede ilustrar esta acepción por la expresión popular « hacer del cine ».
Por otro lado, el término de cine puede aplicarse en un conjunto de œuvres cinematográficos que han un punto común[7]. Generalmente, la palabra es pues completado por un determinante que indica un género (por ejemplo el cine de horror), un origen geográfico o cultural (el cine australiano), una escuela (el cine néo-realista) o todavía una técnica (el cine mudo).
Finalmente, la palabra cine permite igualmente de hablar de modo general del conjunto de las actividades relacionadas al cine[8]. Es por ejemplo el sentido que puede tomar el término en las expresiones « historia del cine », « oficios del cine » o « actualidad del cine ».
Historia
El cine ha nacido progresivamente en la segunda mitad del XIXe siglo[9], con el desarrollo de la fotografía. Persona no ha podido nunca indicar precisamente una fecha de nacimiento » del cine porque se trata más de una acumulación de experimentaciones y de adelantadas que de una invención. Algunos han atribuido sin embargo la invención del cine en los hermanos Luz, concepteurs del cinématographe en 1895. Sin embargo, antes esta fecha, de los pioneros como Louis Amada Augustin El Príncipe, William Henry Fitton, Thomas Edison o Émile Reynaud habían innovado ya en la propiedad de la imagen animada. Desde este periodo, ha evolucionado y, del apresamiento de vistas a la proyección, las técnicas se han perfeccionado. Se remarca varias grandes etapas, como el précinéma, el cine mudo o la aparición del color, pero la cronología no ha sido lineal que en apariencia y estas evoluciones se hacen de manera progresiva y enchevêtrée.
Précinéma
 Las fotografías alineadas |
 Devuelto del Zoopraxiscope |
 Visualizar la integridad de Una escena al jardín de Roundhay |
Las experiencias de Muybridge y de Louis El Príncipe
Para designar todo lo que transcurrió/transcúrrió, en la historia del cine, antes 1895, se habla de « précinéma »[10]. El término fue imaginado por ciertos historiadores del cine fotográfico para denominar « las formas primeras del cine, es decir las que preceden la fase industrial. De hecho, el précinéma es el delantero-cinématographe, pero es ya del cine[11]. »
Louis Amada Augustin El Príncipe es sin duda lo uno de los primeros hombres a haber creado una imagen en movimiento. Inventó primero una cámara compuesta de siete lentejas, pero no hubo un gran éxito : cada lenteja tomaba la imagen de un ángulo ligeramente diferente que la precedente. Sin embargo, poco después, creó una nueva cámara, con una sola lenteja. Consigue así a girar Una escena en el jardín de Roundhay, que es la primera película realizado al mundo, 1888[12]. No obstante, desapareció mystérieusement 1890, y la historia del cine se escribió sin le.
Para décomposer un movimiento, como consecuencia de un diálogo sobre el aspecto de carrera de un caballo, 1876, Eadweard Muybridge pone en el punto una experiencia : dispone doce aparatos fotográficos a lo largo de la pista del parque Palo Alto que se activan automáticamente durante el pasaje del caballo[13]. Así, obtiene un movimiento décomposé en varias fotografías, lo que permite probar que una parte del galop del caballo se efectúa los cuatro sabots despegados del suelo. Crea entonces el zoopraxiscope que recompose le-mismo el movimiento. Algunos años más tarde, 1882, Étienne-Jules Marey simplifica el sistema, y crea así el fusil fotográfico, que mejorará seis años más tarde bajo el nombre de chronophotographe [14].
Las innovaciones relacionadas en los apoyos fotográficos que se suceden, el cine deviene entonces una evidencia para numerosos investigadores. Se remarca 1891 el kinétographe concebido por William K.L. Dickson Que era empleado entonces de Edison. El kinétographe era una cámara de apresamiento de vistas cuyas películas no eran proyectados pero mirados a través del kinétoscope. El sistema utilizaba hojas de celluloïd, proporcionadas por John Carbutt, que se enroulaient en torno a un cylindre, para mejorar la calidad de la grabación de la imagen[15]. Eran girados a la Black Maria por Dickson, y trataban temas de la vida de todos los días : Fred Ott’s Sneeze, Carmencita, Boxing Cats, … pero no duraban aunque algunos segundos.
Después, el 12 de febrero de 1892, Léon Bouly deposita un brevet para un sistema que nombra « Cynématographe Bouly »[16] : el aparato utilizaba una pellicule no perforée. 1893, a laExposición universal de Chicago, Muybridge da varias proyecciones payantes de Ciencia of Animal Locomoción, para las cuales utiliza el zoopraxiscope[17]. Así es como Muybridge dará la primera proyección payante de la historia del cine[13]. Este mismo año, Edison presenta el kinétoscope al público, a la exposición de Chicago, pero también en Europa donde logra una anchura éxito, y de numerosos inventores intentarán de poner en el punto un aparato de proyección de imágenes animadas a marchar del kinétoscope, que utiliza una linterna mágica[18]. En efecto, Edison no había depositado de brevet internacional. Entre éstos, varios conseguirán, cuyos Eugène Lauste con su Eidoloscope o los hermanos Luz que depositan un brevet para su cinématographe lo 13 de febrero 1895.
El cinématographe : éxito del cine
Después de haber girado varias películas en 1894 y haber efectuado de las proyecciones privadas en 1895, los hermanos Luz deciden de organizar, el 28 de diciembre en el Salón indio del gran Café en París, una proyección pública payante de un programa que comprende sobre todo El Arroseur regado, La Comida de bebé y La Salida de la fábrica Luz en Lyon[19]. El primer día, esto serán sólo treinta y tres espectadores (cuyos dos periodistas) que vendrán apreciar las diversas canchas métrages[20]. Pero el cinématographe tiene un tal éxito por la continuación que Thomas Edison recompre la invención de Armat y Jenkins , el phantoscope, que él renomme vitascope : esto era un projecteur que permitía una más gran audiencia que el kinétoscope. Sin embargo, no hubo el éxito descontado : el cinématographe lo sobresalió de lejos sobre el mercado de la proyección cinematográfica[21].
En Francia, es pues la fecha del 28 de diciembre de 1895 que es communément considerada como el nacimiento del cine[22], aunque los hermanos Luz no hayan reivindicado la paternidad. Al opuesto, a Estados Unidos , es a Edison que vuelve el crédito del nacimiento del cine, poniendo en valor el hecho que no había depositado de brevet internacional para su kinétoscope, y que, así, los hermanos Luz sirvieron para su sistema. No obstante, 1895, es el cinématographe que es célebre de por el mundo : era novateur para su época, y un solo aparato llenaba las funciones de cámara , tireuse y de projecteur. Para variar las proyecciones, Auguste y Louis Luz enviaron operadores en torno al mundo, como Gabriel Veyre, para que filman los demás países : se hablará más tarde de las primeras películas documentales, pero también del nacimiento de un cine amateur[23]. El uno de estos operadores, Alexandre Promio, inventó el premier travelling desde un barco[22].
Como consecuencia de un tal éxito, de las salas de cine labran en todas partes en Europa : el 25 de enero de 1896, el premier abre en Lyon, después a Londres , a Burdeos , a Bruselas o todavía a Berlín el 30 de abril de 1896[19]. El rayonnement deviene rápidamente mundial. No obstante, en América, Félix Mesguich, entonces operador para los hermanos Luz, se hace arrestar mientras que filmaba una batalla de bolas de nieve, bajo el pretexto que no disponía de autorización, y así, ya no puede enviar sus apresamientos en Europa[24].
El cine deviene rápidamente un arte popular y Charles Pathé decide de enviar de los cameramen a la manera de Auguste y Louis Luz para filmar escenas típicas bajo forma de documentales, reforzando el aspecto ethnographique del cine de los primeros tiempos. De su lado Georges Méliès deviene précurseur en la propiedad de los efectos especiales realizando, por ejemplo, El Viaje en la Luna en 1902. Utiliza entonces diferentes técnicos propios a los illusionnistes e inventa numerosos trucages cinematográficos, a veces inspirados de la fotografía[25]. Se tiene a menudo opuesto el cine de los hermanos Luz a aquel de Méliès. Los hermanos Luz préfigurent pues lo que será el documental, mientras que Méliès da nacimiento en la ficción, ampliamente inspirada del teatro y de sus convenciones[26]. Es 1906, en Australia, que el primer largometraje es realizado : The Story of the Kelly Gang de Charles Calla.
Avènement Del cine sonoro
De las pruebas de cine sonoro han sido realizadas desde 1889 por Thomas Edison, pero ningún no fue positivo : la imagen y el sonido no eran synchronisés[27]. Por otro lado, Émile Reynaud utilizaba ya un sistema de bruitages synchronisés durante sus proyecciones de « pantomimes luminosas » en 1894[28]. 1900, una proyección de una película sonora es hecha público pero no aporta nada de suficientemente concluyente parael aprovechamiento comercial. Las investigaciones se han proseguido sin embargo, sobre todo por los Establecimientos Gaumont, desdela Exposición universal de 1900[28]. Por otro lado, de numerosas soluciones eran consideradas para pallier la ausencia de sonido : la proyección de las películas eran muy a menudo acompañada de una música jugada en la sala, de bruiteurs ubicados detrás de la pantalla, o todavía de comédiens gozando de los diálogos o comentando las escenas.
Más que un nacimiento del cine sonoro, es preferible de hablar entonces de un periodo de transición y de perfectionnement que conduce progresivamente en la generalización del cine sonoro porque los synchronisations mécaniques existían desde los comienzos del cine[28]. Hace falta esperar abril 1923, a Nueva York, para que una proyección comercial sea efectuada con la utilización de un sistema de su sobre pellicule[29]. Se habla entonces películas hablantes » o todavía de « talkies » ; una expresión popular estadounidense a consonancia péjorative que designa, todavía a este día, los todas primeras películas hablantes, torpes y rudimentarios[30]. La comedia musical Cantamos bajo la lluvia, realizada 1952 por Stanley Donen y Gene Kelly, ilustra de en otro lugar los comienzos a veces laboriosos del cine sonoro[31]. Es a marchar de 1932 que deviene una técnica aparte entera en el mundo del cine, los técnicos permitiendo entonces de grabar el sonido y la imagen séparément, y de las synchroniser por la continuación. La película Donativo Juan, realizado 1926 por Alan Crosland, con John Barrymore, es considerado generalmente como el premier verdadero largometraje sonoro[32], y El Cantante de jazz, realizado 1927 igualmente por Crosland, como la primera película hablante[33], de todas maneras el primer éxito público del cine sonoro.
En los primeros tiempos de la transición, el sonido provenía de una sucesión de discos de una duración de algunos minutos[34], que se enclenchaient sucesivamente, regulados por el déroulement de la pellicule. Este tiempo fue aquel de una verdadera revolución técnica que ha trastornado la industria cinematográfica. 1927, el sonido es grabado igualmente por la pellicule de proyección : se habla de su óptico, una técnica siempre utilizada hoy en dia.
que Dura los años 1930, el cine hablante deviene rápidamente la norma[35]. Esta técnica fue recibida con recelo de por el mundo, ciertos realizadores que temen que los diálogos no détournent la atención de los espectadores entonces llevados sobre el esthétisme de la imagen[36] o que el cine no deriva hacia un mero teatro filmado » en lugar de continuar desarrollando una estética original. Que más es, las cámaras de la época que es muy bruyantes, hizo falta encerrarlos, con sus operadores, en arcones insonorisés para que los micros no captent este ruido, lo que redujo fuertemente la movilidad de la cámara. Asimismo, los rodajes exterior devinieron problemáticos pues los studios fueron privilegiados. Por otro lado, de los artistas no supieron adaptarse a este bouleversement, sobre todo de los actores que no eran habitués a jugar con su voz, mientras que ciertos comédiens salidos del teatro conocieron al contrario un éxito creciente en el cine. El éxito del cine sonoro provocó sobre todo la caída de carrera de actores cuyo voces no era guapa, como John Gilbert, socia de Greta Garbo, cuyo voz nasillarde stoppera su carrera con la decadencia del cine mudo[37],[38]. Ciertos realizadores rechazaron, al menos durante un tiempo, de hacer del cine sonoro, étirant así el periodo de cohabitación entre ambas formas cinematográficas. Sin embargo, una vez aceptado, el cine sonoro provocó una desaparición relativamente brutal del mudo.
que Dura este periodo de balbutiement, de numerosas películas eran a la vez mudas y sonoros. 1931 por ejemplo, René Claro gira Bajo los tejados de París y rodea el problema planteado por la captura del sonido : ciertas escenas son mudas porque los actores se encuentran demasiado alejados o ubicados detrás de un cristal, otros son sonoros pero se desarrollan en la oscuridad, el sonido que permite imaginar la acción[39].
No obstante, el cine hablante planteó un problema de tamaño : la diversidad de las lenguas. A Estados Unidos , se temía de en otro lugar que el cine hablante no limita la exportación de las películas en los países no-anglophones. Varias soluciones son imaginadas, como girar la misma película, con las mismas decoraciones, pero con actores que difieren según la lengua. Se remarca algunas excepciones en esta solución, sobre todo Laurel y Hardy, que giran ellos-mismos las versiones francesas y alemanas por ejemplo[40]. Estas soluciones provocan indigne un envol del número de coproducciones internacionales.
Así, el cine sonoro puso del tiempo a levantar el vuelo, y este no es que con el desarrollo de los técnicos de montaje y de grabación que consigue a hacerse un lugar en los lados del cine mudo. Este último acaba incluso por desaparecer, incluso se ejerció influencias manifiestos sobre ciertos realizadores como Jacques Tati o Aki Kaurismäki, que realizó una película muda, Juha, 1999.
Por otro lado, esta transición ha permitido también en el cine de reivindicar y de afirmar definitivamente su estatus de arte. Ha devuelto posible los primeras formas de preservación y de muséification de las ancianas œuvres cinematográficas, engendrées por el miedo que el cine mudo no desaparezca de modo real y definitivo[28].
El color, un bouleversement progresivo del cine
 Pobre Pierrot (1891) de Émile Reynaud : el color desde las premisas del cine |
 Un sueño en color (1911), girado con la técnica del Kinémacolor |
.jpg/120px-Gentlemen_Prefer_Blondes_Movie_Trailer_Screenshot_(34).jpg) Los hombres prefieren los rubias (1953), girado Technicolor |
Evolución del color al cine
La llegada del color al cine ha habido un impacto diferente de la llegada del sonido[41]. En efecto, el sonido ha provocado la desaparición relativamente brutal del mudo, mientras el color ha habido una influye más mitigée : el negro y blanco continuaba persistiendo, a los lados del color. El primer largometraje girado en color fecha de 1935[42] : Becky Sharp de Rouben Mamoulian. Ha sido girado Technicolor trichrome. Sin embargo, hace falta esperar el final de los años 1960 para que el color se impone finalmente[43], aunque ciertas películas sean girados todavía negro y blanco, por elección estética, como Rusty James de Francis Ford Coppola o Raging Bull de Martin Scorsese[44].
Todo como para el sonido, diversas soluciones habían sido consideradas para pallier la ausencia de colores, incluso antes los años 1900. que Dura los prémices del cine, se puede citar Émile Reynaud, que, gracias a su teatro óptico, proponía en el público de los dibujos animados en color desde 1892[45]. Después de la aparición de los procedidos cinematográficos, Georges Méliès hizo colorier a mano su película El Manoir del diablo (1897). Asimismo, 1906, Pathé hace subir una fábrica de coloriage para sus películas, pero nada de bien convincente todavía[46]. Los procedidos de coloriage son sin embargo muy corrientes en aquellos tiempos.
Henri Fourel, responsable del coloriage en las fábricas Pathé, decide de mécaniser el procedido y deposita un brevet el 22 de octubre de 1906 : con un sistema de cames, la máquina reproducía los gestos de los coloristes. El sistema es mejorado, y un brevet definitivo es depositado el 19 de agosto de 1908 ; caracterizaba la máquina por la enchaînement continuo del pochoir y de la copia a colorier así como el coloriage de la copia por medio de una banda sin final en terciopelo afeitado[46].
Otro procedido es comercializado 1911 : el Kinémacolor, puesto al punto en Inglaterra por Charles Urban. El principio era la utilización de una cámara cuya la obturateur había sido reemplazado por un filtro rojo-orangé y un filtro azul-verde. El projecteur que posee el mismo obturateur, eso permitía reproducir los colores[46]. De numerosas invenciones se ensuivent, como el chronochrome, el Technicolor o el Eastmancolor.
El color en el cine se inscribe pues en una larga serie de investigaciones y de convenciones chromatiques[41]. De en otro lugar, el cineasta indio, Satyajit Ray, declarará, durante el rodaje de Tonnerres lejanos :
« Con el pasaje del tiempo, se instauraron reglas : las películas que comprenden bailes y cantos, a índole histórica o extraordinaria, fantástica o para las niñas, las comedias ligeras teñidas de humor o, finalmente, las películas sobre la naturaleza eran en colores, y por otra parte las películas serias, las thrillers intensas, los policías eran idéaux negro y blanco. Reglas de Hollywood [47]! »
El realizador significaba pues que ciertos géneros eran apropiados más que otros al color. Al respecto, la crítica Anne Hollander dirá « la avènement del color hubo de hecho para consecuencia un retroceso y no un progreso en la calidad del realismo[41] ». No obstante, los verdaderos límites del color quedaban técnicos[48]. Hizo falta esperar el perfectionnement de los procedidos, así como el descenso de los costes de producción , para que la gran mayoría de las cineastas utilizan este nuevo formato. En Francia por ejemplo, Jacques Tati giró Día de fiesta (1949) a la vez en color y negro y blanco, pero la versión color no pudo desembocar en aquellos tiempos a causa de la incapacidad de la sociedad Thomson-Houston a tirar de las copias color,[49]. Este no es que en los años 1990 que la película fue proyectado finalmente en color, gracias al trabajo de Sophie Tatischeff, la hija del realizador[50].
Innovaciones técnicas y estéticas del final del XXe siglo
Con la llegada del numérico, y confrontado a las transformaciones tanto ambientales que técnicas, económicas y estéticas de la industria, la sociedad entre en un profundo movimiento de recomposición. El cine contemporáneo es así profundamente remodelé por los nuevos modos de producción, de almacenaje, de difusión y de las noticias técnicas. Con la idea del beneficio, el gordo cine, el que informa, ha devenido la lógica del mercado. La cuestión estética ya no es también de entidad que antes[51].
Desde el comienzo de los años 1970, después de la llegada del color, el cine rompe con el sistema estético, entonces dominante. A partir de ahora, el realismo ha devenido demostrativo : la película orienta la voluntad del espectador, antes que de suscitar la creencia[52]. El envite del cine moderno tiene pues le-mismo también cambiado : ya no convence, pero presente. El sentido de la película ya no ha una también gran importancia, a la diferencia de la idea directora de la historia que es presentada ampliamente en el espectador[53]. En este cine moderno, el espectador ya no interpreta, encuentra un nuevo pensamiento, y tiene que olvidar los siennes para ver aquella de la película. Por ejemplo, Orson Welles, Roberto Rossellini, y más generalmente la Nueva Ola ya no dan de importancia al héroe[54]. Asimismo, a través del cine moderno, una disociación de laimagen y del sonido es puesta en juego. El realizador portugués, Manoel de Oliveira, declarará así como el cine vuelve hacia el teatro : « teatro y cine, es la misma cosa »[55]. No obstante, esta semejanza no es omnipresente : según el realizador, el cine no él emprunte que sus principios, con por ejemplo la neutralización del juego de los actores en Robert Bresson, se borra ante su texto.
El cine moderno no se constituye más en discurso, sin monólogo interior, como en los œuvres de Sergueï Eisenstein o Dziga Vertov.
Paralelamente a este cine moderno, durante los años 1960[56], otra corriente aparece, el cine underground », que es ligado ampliamente en los movimientos sociales[57]. Se desmarca demás géneros por su estilo, su género y su financiación. Es el crítico Manny Farber que lo empleará el premier en 1957, en una prueba que había escrito. Él se référait entonces al trabajo de los realizadores que « gozaban un rol d’anti-arte en Hollywood », que añade que estos « [cineastas] estaban de los gangsters, cow-boys, o soldados, como Raoul Walsh, Howard Hawks o William Wellman[58] ». El cine underground se desmarca de la industria profesional por la utilización del formato 16mm. A marchar de 1965 , el súper 8, menos caro e igualmente menos pesado, emerge y activa el impulso del cine amateur, con la realización de series Z por ejemplo. Así, de jóvenes creadores han podido lanzarse en el cine para realizar tipos de « periódicos íntimos filmados ». Entre éstos, se encuentra Jonas Mekas, Lionel Soukaz, Sophie Calle o Dominique Cabrera. Con la llegada de estas noticias técnicas, la innovación de la técnica ha permitido la creación de un material más ligero que dio nacimiento en el cine experimental, así como a la síntesis de imágenes en los años 1990[59]. El numérico ha aparecido también, devolviendo más fáciles la postproduction y el montaje.
Más recientemente, el cine en relief ha aparecido con la proyección stéréoscopique. Sin embargo, muy temprano, 1936, el procedido de anaglyphe, que es una imagen impresa para ser vista relief, a la ayuda de dos filtros de colores diferentes, es utilizado por los hermanos Luz. Pero queda entonces muy marginal, poco utilizado, y no encuentra el éxito previsto, en parte debido a los frescos que pedía[60]. Desde el XIXe siglo siglo, el procedido rehecha superficie con la utilización de imágenes fijas inicialmente, después animadas desde los comienzos del XXe siglo, paralelo del procedido del IMAX[60]. A Estados Unidos , el procedido révolutionne el cine, y de los cineastas conocidos giran con, como John Wayne, Jerry Lewis o todavía Rita Hayworth[61]. En el resto del mundo, pocos cines han adoptado todavía este procedido de proyección[62]. Este reciente impulso del cine en relief fue iniciado por la industria del cine para enfrentar la competencia de la televisión[60] y del piratage.
El cine, un arte
El cine es considerado a menudo hoy en dia como una diversión[63]. Sin embargo no queda menos un arte aparte entero[64]. La ruptura es consumida a partir de ahora entre las gordas producciones hollywoodiennes y el cine de autor.
A menudo, la película es una versión personal de su creador principal, el realizador[65]. Nacido llena revolución industrial, el cine ha sido fuertemente marcado por una preocupación de rentabilidad. Ha devenido un arte popular » deseando siempre tocar el plus de personas, a veces en detrimento del lado creativo. En La Subida de la insignifiance, de Cornelius Castoriadis , su autor dicho :
« La cultura contemporánea deviene, cada vez más, una mezcla de imposture moderniste y de muséisme . Hay guapa lurette que el modernisme ha devenido una vieillerie, cultivada para ella-misma, y descansando a menudo sobre de meras plagiats que no son admitido que gracias al néo-analfabetismo del público […] La cultura pasada ya no es vivante en una tradición, pero objeto de saber muséique y de curiosidades mondaines y turísticas régulées por los modos[66]. »
Los movimientos y « escuelas »
Un movimiento en el cine puede ser sentido como una manera de sentir la œuvre. Heinrich Wölfflin Los llamó inicialmente « bouleversements del sentimiento décoratif[67] ». Gilles Deleuze ha remarcado, en su libro La Imagen movimiento, que los movimientos cinematográficos andaban de pair con los movimientos en pintura[68]. El cine clásico pretendía devolver clara la relación entre la acción y la reacción, pero de nuevos movimientos nacieron.
Al principio de los años 1920, el expresionismo, pinta, déforme las líneas y los colores para afirmar un sentimiento[69]. Al cine, se expresará principalmente por un juego caracterizado de los actores y por la oposición de lasombra y de la luz[70]. El expresionismo confronta así el bien y el daño, como en La Consejería del doctor Caligari, de Robert Wiene, el uno de las primeras películas expressionnistes[71]. Este movimiento se ha desarrollado en Alemania, este país que se ponía poco a poco la guerra, pero no conseguía a rivaliser con el cine hollywoodien[72]. Es mientras que los realizadores del studio alemán Universum Película AG desarrollan un método para compensar esta carencia, vía el simbolismo y la apuesta en escena. El lado abstracto de las decoraciones provenía pues, primer lugar, de la carencia de medios[72]. Los principales temas de este movimiento era la locura, la traición y otros asuntos espirituales, que se diferencian así del estilo romanesque-aventura del cine estadounidense[73]. No obstante, el expresionismo desapareció progresivamente[73], pero fue utilizado en las películas policíacas de los años 1940 e influyó la película negra y el cine de horror[70].
Viene entonces la abstracción lírica, que, a la diferencia del expresionismo, mezcla luz y blanco[74]. Ya no hay de conflicto, pero la proposición de una alternativa[75]. Esta alternativa se presenta différemment en las cineastas, es estética y passionnelle en Josef von Sternberg y Douglas Sirk, ética en Carl Theodor Dreyer y Philippe Garrel, religiosa en Robert Bresson, o una mezcla de todas estas formas como en la œuvre de Ingmar Bergman[76]. En la abstracción lírica, el mundo se despliega a menudo a marchar de una cara[76]. Se ensuit entonces un juego de luz que pone en valor los rasgos, o conduciendo en un universo personal. En Shangai Gesture, Sternberg dicho : « todo puede llegar en cualquier momento. Todo es posible. El affect es hecho estos dos elementos : la granja calificación de un espacio blanco pero también lo intensa potencialidad de lo que va a pasarse[77] ».
En los años 1950, el cine moderno désenchaîne la imagen de la acción. Ha nacido de la désarticulation de las cosas y de los cuerpos, después de la guerra[78]. Se opone en las tradiciones antes establecidas. El cine moderno prefiere la visión cinematográfica : la imagen ya no es forzada de encontrar su sentido y su objetivo, es libre. En La Hora del lobo, de Ingmar Bergman, Johan Borg, jugado por Max von Sydow, dicho : « ahora el espejo es roto, es tiempo que los trozos se ponen a reflexionar[79] ». El cine moderno rompe la representación clásica del espacio, una nueva idea de la forma nace.
En el mismo tiempo, de 1943 a 1955 , el néoréalisme toma forma en Italia[80]. Se presenta como el diario en el estado, se ve como un medio entre guión y realidad . Las películas de este movimiento son pues a menudo de los documentales[81]. Esto están personas en la calle que son filmadas, más de los actores[81]. Este movimiento ha nacido también de la conclusión de la Segunda Guerra Mundial y de la carencia de medio de financiación[82]. Aquí, el realizador ya no lleva su atención sobre la persona, pero sobre el conjunto : el individuo no puede existir sin su medio ambiente[81]. Además, antes que de mostrar algo, se prefiere narrarla. Según André Bazin, el néoréalisme parece en una forma de liberación, aquella del pueblo italiano después del periodo fascista[83]. De otro lado, Gilles Deleuze ve el néoréalisme como una demarcación de la imagen-movimiento y de la imagen-tiempo.
Siempre en los años 1950, ha aparecido luego la Nueva Ola, término énoncé la primera vez en L'Express por Françoise Giroud[84]. Este movimiento se distinguió precedentes por una vitalidad que activó un renouveau del cine francés[85]. La Nueva Ola busca inscribir el lyrisme en el diario y rechaza la belleza de laimagen[86]. Con la Nueva Ola, las nuevas tecnologías permiten una nueva manera de producir y de girar una película : la llegada de la cámara Éclair 16 que utiliza el formato 16 mm, ligera y silenciosa, permite rodajes exterior más cercano del real[87]. La ruptura entre el cine girado studio y el cine girado exterior es puesta sobre todo en valor en La Noche estadounidense de François Truffaut, filmado 1973. El movimiento de la Nueva Ola activa también la transgression de ciertas convenciones como la continuidad, por ejemplo en A extremo de soplo de Jean-Luc Godard, o todavía la mirada cámara, si mucho tiempo prohibido. En esta óptica, las cineastas pretendían poner en valor la realidad : los recuerdos surgen entrecoupés, nunca de modo limpio y ordenado.
Después un nuevo movimiento aparece : el aguante de los cuerpos. Lo que cambia, en comparación con los movimientos precedentes, es el apresamiento de vistas del cuerpo, que es filmado antes su puesta en acción, y como un cuerpo que resiste[88]. El cuerpo, aquí, ya no es un obstáculo que separaba antes el pensamiento de ella-misma, al contrario, es este en qué va para alcanzar la vida[89]. En algunos tipos, el cuerpo no opina , fuerza a opinar, a reaccionar frente a la vida. Gilles Deleuze declarará :
« No sabemos ni siquiera lo que puede un cuerpo : en su sommeil, en su ivresse, en sus esfuerzos y sus aguantes. El cuerpo no es nunca al presente, contiene el delantero y el después, el cansancio, la espera. El cansancio, la espera, incluso la desesperación son actitudes del cuerpo[88]. »
El aguante de los cuerpos es aventajado en el œuvre de John Cassavetes donde la cámara es siempre en movimiento, paralelo a los gestos de los actores. A través de la imagen, el espectador busca las caras, los cuerpos en largas secuencias. Asimismo, el ritmo ya no es igual a la capacidad visual del espectador. Responde, como enel arte informal, a la constitución de un espacio del tacto, más que de la vista[88]. En el cine de Maurice Pialat, que filma a vivo un hombre y busca mostrar el esencial, dépourvu de toda estética, para exhibir la verdad íntima de su personaje, dirá « el cine es la verdad del momento en que se gire »[90]. En cambio, el diálogo resto omnipresente en el aguante de los cuerpos, siempre mediano de expresión que importa en la película[88]. No obstante, no explica los sentimientos de los personajes, hace adelantar la acción, pero no la evolución de los personajes en esta acción[89].
En los años 1990, los Daneses Lars von Trier y Thomas Vinterberg lanzan el Dogma95, en reacción en las superproducciones y a la utilización abusiva de efectos especiales que desembocan, según ellos, a películas formateadas e impersonnels[91]. Vía un manifiesto, definen restricciones para la realización de películas en el marco de este movimiento radical.
Música y cine
Desde la llegada del sonido al cine, el desarrollo de los diálogos y de la banda original, la música ha devenido rápidamente un elemento esencial de la película. La música ayuda en el desarrollo de la atmósfera, y a devolver emphatique los sentimientos de los personajes.
Mientras que el cine nacía, una película era muda. Para pallier la carencia de su, un músico, el más a menudo un pianista, acompañaba la proyección. Esta música reforzaba el ritmo y la emoción, y los productores lo comprendieron rápidamente. Desde 1909, de las músicas clásicas son incluses en las películas. Falla todavía esperar un poco tiempo antes de que de los compositores escriben especialmente para el cine. No obstante, al principio, la música no es todavía muy desarrollada, y resto un acompañamiento del discurso, Igor Stravinski la considèrera como un papel pintado »[92].
La música va a perder rápidamente su rol de ilustración para devenir útil al relato, y su comercialización va a tomar un nuevo impulso, permitiendo a los cinéphiles de se remémorer el ambiente de la película. No obstante, algunos movimientos, como el dogma95, que buscan mostrar la sencillez, prohibirán la utilización de la música mientras no hace marchada de la escena[93].
El « Bollywood », y más generalmente el cine indio, comporta a menudo varias escenas musicales y bailadas[94]. La música es casi siempre prado-grabado, y mimée por los actores, vía el método del playback[95]. Esto son así cantantes profesionales que forman la postsincronización de las voces. No obstante, más recientemente, los actores cantan ellos-mismos en sus películas, como Aamir Khan en Ghulam (1998) por ejemplo. La música ocupa aquí un lugar muy de entidad, fuera de la imagen, ella la avoisine, la completa.
La crítica cinematográfica
Un crítico es una persona que da su parecer sobre una película, en un medio de comunicación como la televisión , la radio o la prensa [96]. Cuando tienen de la influencia, las críticas pueden determinar el alterne en sala de la película[97]. Algunos tienen de en otro lugar dado su nombre a una recompensa, como Louis Delluc. Hay indigne asociaciones de críticas que permiten la distribución de precio.
El oficio de crítico ha sido quelquefois controvertido : para ciertos, el crítico podía ver gratuitamente las películas antes su salida y hacerse pagar para escribir un artículo[98]. Sin embargo, cuando va a ver una película, tiene que hablar según su opinión, o admitir el éxito de una película cerca de su público, incluso se él no gusta : cada película tiene su público[98]. Además, el crítico tiene que poder acercar una película de otro, el cual habría influido el premier por la puesta en escena o el apresamiento de vistas[98].
La crítica ha debutado desde diciembre 1895 mientras que el cinématographe nacía, la invención que suscita numerosos artículos en la prensa[99]. No obstante, hasta el comienzo del XXe siglo, la critica no representa que de los propósitos técnicos, en revistas sobre la fotografía porque el cine no era entonces considerado como un arte mayor y también inciden que el teatro por ejemplo[99]. Es 1912, en El Figaro, que una encuesta es realizada sobre la competencia creciente ejercida por el cine sobre el teatro[99]. Desde entonces, en los críticos, son integradas anécdotas sobre las producciones pero todo queda todavía publicitario : si se escribe sobre una película, es para facilitar sus entradas en sala[99].
1915, Louis Delluc mira Forfaiture de Cecil B. DeMille Y es golpeado por la calidad de la imagen[99]. Decide entonces de todo abandonar para volcarse en este que considera como un verdadero arte : escribirá su primer artículo en la revista Película, el 25 de junio de 1917. Luego, él persuadera el redactor en jefe de Apuestas-Mediodía de dar en el cine el lugar que merece afirmando : « presenciamos el nacimiento de un arte extraordinario[99] ». Por la continuación las grandes periódicos franceses desarrollan de los rubriques totalmente consagradas al cine, como El Petit Journal en otoño 1921, y donde ya no hay de publicidad : la critica ya no es vendedora de película, pero analiza[99].
Después de la Primera Guerra mundial, el cine toma un lugar considerable, superior al teatro. Todos los diarios han a partir de ahora una sección destinada a la crítica y de las revistas especializadas son creadas, tales que Cinémagazine o Cinémonde [100]. Es a André Bazin que se debe la jerarquización del oficio de crítico[100]. En diciembre 1943, se ataca en la índole limitada de las crónicas y a la ausencia de cultura de las autoras. 1951, son fundados Los Cuadernos del cine por Joseph-Marie Lo Duca y Jacques Doniol-Valcroze, muy rápidamente cogidos por André Bazin[101]. A través de sus críticos, denunciarán la carencia de exigencia de las demás revistas, que toleran todas las películas, que sean de calidad o mediocres. La influencia de la revista es desde entonces mayor en Francia[100].
Al visto del éxito creciente y de la influencia de los Cuadernos, otras revistas especializadas nacen, como Positivo a Lyon 1952 bajo la pluma de Bernard Chardère[102]. Positivo, para diferenciarse de los demás críticos, no se ataca sólo a la crítica de películas pero también a lahistoria del cine[103]. Ambas revistas se librarán una lucha acérrima, los cineastas apreciados por el uno que está dépréciés por el otro. Y se vienen a amar el mismo realizador, se batirán para determinar el cual lo ha admirado primero[103]. Es durante este periodo que será creada la política de las autoras.
1962, con el nacimiento de la Semana Internacional de la Crítica, a Cannes , la prensa cinematográfica deviene cada vez más apreciada y da un renouveau a la cinéphilie[103]. Interviene así en los diarios para luchar contra la censura francesa[103],[104].
1980, con la emergencia de la televisión y el derrumbamiento de los ciné-clubes, la crítica cinematográfica retrocede y varias revistas ya no han los medios de mantenerse[103]. Hoy en dia, de los críticos, que sean profesionales o aficionados, pueden publicar su revista o crítica sobre la Web, payantes o gratuitas. Aunque su oficio haya perdido mucho de importancia en la prensa, las críticas conservan una cierta influencia y pueden todavía contribuir a hacer o deshacer la reputación de una película[103].
Paralelamente, de las asociaciones de críticas se han organizado para recompensar cada año las películas que consideran como mayores de edad, o dar precios de la crítica en los festivales. Se encuentra sobre todo entre ellos la NYFCC Award, el Precio del Círculo de los críticos de película de Londres o todavía el precio FIPRESCI y la Nacional Society of Película Critics.
Las teorías del cine
Los théoriciens del cine han buscado desarrollar conceptos y a estudiar el cine como un arte[105]. Salido de la técnica moderna todo al ser lo uno de los síntomas y causas de esta modernidad, sus principios, como la técnica, el montaje, o el apresamiento de vistas, han trastornado los modos de representación en los artes figuratifs y la literatura [106]. Para formarse y comprenderse como arte, el cine ha tenido necesidad de teorías.
En Materia y memoria, 1896, lo filosofa francés Henri Bergson anticipa el desarrollo de la teoría a una época donde el cine venía justo de aparecer como visionnaire[106]. Se expresa también sobre la necesidad de reflexionar sobre la idea de movimiento, e inventa pues los términos « imagen-movimiento » y « imagen-tiempo »[106]. No obstante 1907, en su prueba La Ilusión cinematográfica, librado de La Evolución créatrice, rechaza el cine como ejemplo de este que tiene en el espíritu. Sin embargo, bien más tarde, en Cine I y Cine II, lo filosofa Gilles Deleuze toma Materia y memoria como base de su propia filosofía del cine y réexamine los conceptos de Bergson juntándolos a la sémiotique de Charles Peirce.
Es 1911 en The Birth of the Sixth Arte que Ricciotto Canudo esquisse los primeras teorías[107],[108], que se levantan entonces enl ’era del silencio y que se ata principalmente a definir elementos cruciales[109]. Los trabajos e innovaciones de los realizadores drainèrent más de reflexiones. Louis Delluc, con la idea de photogénie , Germaine Dulac y Jean Epstein, que ven en el cine a la vez un medio de adelantamiento y de reunión del cuerpo y del espíritu, son los principales actores de una vanguardia francesa, seguida de cerca por las teorías alemanas que, influidas porel expresionismo, se giran más hacia la imagen. Se remarca paralelo la Gestalt, que nace entre el XIXe siglo y el XXe siglo bajo el égide de Ernst Mach[110].
Del lado soviético, los théoriciens-cineastas mantienen el montaje para la esencia del cine[106]. El tema privilegiado de Sergueï Eisenstein será la creación bajo todos sus aspectos, esté todo lo que permite considerar la creación de un lenguaje » de imagen-concepto y una teoría general del montaje, reveladores lo uno y el otro de las leyes idénticas de la realidad y del pensamiento. De su lado Dziga Vertov se hará puerta-voz de la novedad y del futurisme. Su teoría, que corresponde en el montaje de fragmentos en las pequeñas unidades de sentidos, desea la destrucción de toda la tradición para reemplazarla por una fábrica de los hechos », concepción radical del cine se está. El montaje honradamente narrativo » americano, puesto en teoría por Poudovkine, lo llevará sin embargo en el cine mundial.
La teoría del cine formaliste, conducida por Rudolf Arnheim, Béla Balázs, y Siegfried Kracauer, subraya el hecho que el cine difiere de la realidad, y que esto es un verdadero arte[111]. Lev Kuleshov Y Paul Rotha, han puesto también en luz la diferencia entre cine y realidad y sostienen la idea que el cine tendría que ser considerado como una forma de arte aparte entera[109].
Después de la Segunda Guerra Mundial, el crítico de cine y théoricien francés André Bazin reacciona en contra de este enfoque del cine que explica que la esencia del cine reside en su habileté a reproducir mécaniquement la realidad y no no en su diferencia por informe a la realidad. Bazin Se gira más hacia un enfoque ontologique del cine y façonne así una teoría del cine realista. Contra Bazin, Jean Mitry elabora la primera teoría del signo y del significado en el cine, sin querer asimilar, incluso por analogie, la imagen visual y las estructuras filmiques con el lenguaje verbal, como esto será la tentación de la sémiologie[106] cuando que, en los años 1960 y 1970 , la teoría del cine invertirá el mundo universitario, que importa conceptos desde disciplinas establecidas como la psychanalyse , el estudio de los géneros, la antropología, la teoría literaria, la sémiotique y la lingüística. La sémiologie del cine tomará diversas formas : psychanalyse, formalisme ruso, filosofía déconstructive, narratologie, historia, etc. Su importancia reside en el análisis textuelle », la investigación en el detalle de las estructuras de funcionamiento de las películas[106].
A marchar de los años 1960, se produce un clivage entre la teoría y la práctica del cine. Esta autonomía deseada quedará toda relativa : cuando, con su grande syntagmatique de la película narrativa », Christian Metz se propone, 1966, de formalizar los códigos implicites al funcionamiento del cine, Jean-Luc Godard déconstruit de tales códigos adentro de sus œuvres. Los años 1980 pondrán final en una época fertile en teorías.
Durante los años 1990, la revolución del numérico en las tecnologías de la imagen ha habido varios impactos en materia de teoría cinematográfica. De un punto de vista psychanalytique, después de la noción del real de Jacques Lacan, Slavoj Žižek ofreció nuevos aspectos de la mirada extremadamente utilizada en el análisis del cine contemporáneo[112]. Hay también habido una reevaluación histórica de los modos de proyección, de las prácticas y de las actitudes de los espectadores de los comienzos del cine, por los escritores Tom Gunning, Miriam Hansen y Yuri Tsivian.
En el cine moderno, el cuerpo es filmado largamente antes su puesta en acción, filmado como un cuerpo que resiste. En ciertos cineastas, es el cerebro que es puesto en escena[113]. A través de este movimiento, llamado cine mental, se encuentra una violencia extrema, siempre controlada por el cerebro[114]. Por ejemplo, las primeras películas de Benoît Jacquot son impregnados fuertemente por este movimiento : los personajes son replegados sobre ellos-mismos, sin aclaración sobre su psicología[115]. Jacquot Declarará 1990, a propósito de La Désenchantée : « hago películas para ser cercana de los que hacen las películas : los actores. A veces los jóvenes metteurs en escena querrían erigir los actores en signo de su mundo. Yo no busca a mostrar mi mundo propio. Busco bien más a trabajar el mundo de la película. Es una connerie de decir que el actor regresa en la piel de su personaje. Esto son los personajes que tienen la piel del actor[114] ». Varios demás cineastas, como André Téchiné, Alain Resnais, Nanni Moretti, Takeshi Kitano o todavía Tim Burton fueron influidos por el cine mental[115].
La cinéphilie.
La cinéphilie es un término cuyo significado corriente es el amor del cine ». Hoy en dia, la expresión de esta pasión del cine puede ser múltiple ; no obstante, el término fue en el origen utilizado para caracterizar un movimiento cultural e intelectual francés que se ha desarrollado entre los años 1940 y el final de los años 1960[116]. Se dice communément que una persona es cinéphile cuando consagra una parte de entidad de sus ocios a la visión de películas y/o alestudio del cine[117]. Además, un cinéphile puede igualmente collectionner los carteles de películas o varios productos derivados. Debido a su índole potencialmente adictiva, la cinéphilie es comparada por André Habib a una verdadera enfermedad, férocement contagieuse, cuya se no se quita que muy raramente[118] ».
La evolución de la cinéphilie es muy influida por aquella del cine. Fue un tiempo donde, una vez su distribución en sala terminada, una película desaparecía[119]. Perderlo durante su salida volvía a no más poder verlo, a menos de llevar una investigación asidua en una cinémathèque[120]. Para ser cinéphile, hacía falta pues viajar, y seguir de cerca la evolución de los estilos. Hoy, perder una película durante su salida en sala ya no es un problema, la mayoría de las películas que están por la continuación difundida a la televisión o en DVD. No obstante, una parte significativa de las cinématographies dichas « escaso » resto difícil de acceso, y los cinéphiles pueden entonces esperar varios años una edición (o reedición) en DVD o una difusión durante un festival. Aquí está lo que declara Jean Tulard, universitario e historiador francés :
« En la anciana cinéphilie, la película era una denrée escasa, siempre y cuando una película, una vez que había salido en el sector comercial, desaparecía. No había , como hoy, 40 canales de televisión que pasan de las películas. No había de vidéocassettes ni de DVD. Una película faltada durante su salida o no distribuido era una película difícil a ver. Lo que suponía, para el cinéphile, el esfuerzo de viajar para volverlo a ver en una cinémathèque extranjera, y es lo que explica que las cinéphiles de la antigua generación hayan sido las niñas de la Cinémathèque, es decir las niñas de Henri Langlois, que pasaba, precisamente, muchos estas películas faltadas[119]. »
Por otro lado, hasta una cierta época, era posible para un cinéphile de haber visto una gran parte del patrimonio cinematográfico mundial. Esto era el caso de numeroso cinéphiles francés entre los años 1940 y 1960 . Hoy, a tenor del crecimiento casi exponentielle[121] de producción de las películas desde el nacimiento del cine, y aunque consagrando su vida, las cinéphiles ya no pueden ver que una parte infime. Para los cinéphiles contemporáneos, la elección se opera entonces entre un enfoque cualitativo (no ver que las películas reconocidas o prevalecidas, o según criterios más personales) o un enfoque cuantitativo – se habla entonces de cinéphagie .
La cinéphilie posee también otras influencias : desde el nacimiento del cine, de los ciné-clubes se han desarrollado para reunir los amateurs de cine. Estudia generalmente la historia y las diferentes técnicas del cine, como consecuencia de una proyección de una película[122]. Los diferentes miembros de un ciné-club tienen los mismos intereses y programan ellos-mismos sus difusiones y discusiones, o debates[123]. Al hilo del tiempo, el concepto ha evolucionado y es afiliado cada vez más en una actividad socio-cultural variada. Es adaptado así en programas educativos, como los « ciné-meriendas[124] », en el marco de un objetivo cultural como un « ciné-philo » que liga cine y filosofía [125], o todavía en el marco de organización en objetivo lucrativo, por la organización de noches temáticas como las « ciné-party[126],[127] ».
La llegada de nuevos medios de comunicación en la segunda mitad del XXe siglo ha trastornado las costumbres de las cinéphiles. La televisión , el magnétoscope, el DVD e Internet han popularisé una cinéphilie vista como élitiste al plus fuerte del alterne de los ciné-clubes (de los años 1940 a los años 1960). Pero esta popularidad creciente no ha sido répercutée sobre el alterne cinematográfico, porque la cinéphilie se manifiesta cada vez menos en sala. El alterne no tiene en efecto cesado de bajar desde el después de-guerra[128], como lo ilustra el cuadro detallado sobre el alterne de las salas de cine en los principales países donde el cine ocupa un lugar mayor, desde 1950 :
| País | 1950 | 1955 | 1965 | 1975 | 1985 | 1995 | 2000 | 2005 |
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
 Alemania[129]
| 10,2 | 15,1 | 5,1 | 2,3 | 1,8 | 1,5 | 1,9 | 1,54 |
 Inglaterra[129]
| 29 | 26 | 6,7 | 2,1 | 1,3 | 2,0 | 2,4 | 2,73 |
 Estados Unidos[129]
| 20,5 | 14,2 | 6,6 | 4,6 | 5,1 | 4,8 | 5,2 | 4,7 |
 Francia[128]
| 8,9 | 9,1 | 5,3 | 3,5 | 3,2 | 2,3 | 2,9 | 2,98 |
 Italia[129]
| 14,2 | 16,7 | 12,5 | 8,9 | 2,2 | 1,6 | 1,6 | 1,86 |
 Japón[129]
| 13,9 | 13,6 | 3,9 | 1,7 | 1,2 | 1,0 | 1,1 | 0,9 |
Industria cinematográfica
Desde su avènement, el cine revela en sus premiers productores su potencial comercial. Explotado en las ferias, de manera itinérante, constituye rápidamente una atracción particularmente apreciada. Así Charles Pathé, que fabrica canchas métrages destinados a este tipo de proyección , siente la necesidad de tirar de en varios ejemplares cada uno de sus pequeñas películas y ante la insuficiencia creciente del número de las copias, él viene la idea de alquilar las películas antes que de venderlas[130]. Con la fabricación en serie nace la industrialización.
Economía del cine
La economía y el cine han sido siempre muy cercanos : el aspecto económico explica a veces incluso la historia o la esthétisme de la imagen[131],[132].
La industria cinematográfica necesita una financiación. Ahora bien, con el tiempo, las maneras de producir y distribuir una película han evolucionado. A título de ejemplo, durante los años 2000, los frescos de edición de una película francesa son mediana de 652 000 €[133],[134]. Cerca de 44,7 % de este valor son utilizados en la compra de espacios publicitarios, es decir 207 500 € mediana. Vienen luego los frescos de laboratorio que movilizan a 31,8 % del presupuesto, y la concepción del material publicitario que cuesta mediana 51 000 €. Sin embargo, estos valores varían según el número de copias de la película[133].
Financiación del cine
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Los envites financieros en torno a una œuvre cinematográfica son generalmente considerables. Eso es debido en la presencia de un gran número de intervinientes en el proceso de creación de una película, así como a los medios técnicos utilizados, a menudo de entidad. Una actividad económica se es pues organizada desde los comienzos del cine para asegurar por un lado la recauda fondos necesarios a la producción y por otro lado la rentabilisation de las inversiones[135]. Los resultados al box-oficio son pues determinantes si tenemos en cuenta que las recetas de los demás medios de comunicación (televisión, vídeo …) son corrélées al éxito en salas (el precio de venta en los canales de televisión es función del número de espectadores)[136].
Así los canales de televisión se han implicado de manera creciente en la financiación del cine y los industriales han aportado igualmente su concurso utilizando la gran pantalla como vecteur de valorización para sus productos (se habla entonces de product colocación)[137]. La aparición de apoyos utilisables en los hogares (en un primer momento la cinta vídeo después el DVD, y más recientemente el disco Blu-ray) representa a marchar de los años 1980 una nueva fuente de ingresos cada vez más de entidad[138]. Paralelamente, la comercialización de productos derivados (juguetes para niños, juegos vídeo o todavía el disco de la banda original de la película) y las campañas conjuntas (una marca se asocia en la película con el fin de beneficiar de su imagen) completen el panorama de las recetas[139].
Para ayudar en la financiación de un largometraje, en Francia, y con el fin de favorecer los productores débutants, el Centro nacional del cine y de la imagen animada les libra automáticamente un apoyo financiero[140]. En la misma óptica, las SOFICA, sociedades de capital-inversión , financian cerca de 5,5 % de las œuvres cinematográficas[141] a cambio de un porcentaje sobre las recetas pero sin ningún derecho sobre los negativos[142]. Desde su creación en 1985, han invertido cerca de 380 000 000 € en más de setecientos películas[142]. Si de momento los productores son los premiers ordonnanceurs de una película, la televisión extiende a las rattraper. Por ejemplo TF1 ha invertido cerca de 234 600 000 francos en diecinueve películas en 2000[143].
No obstante, permanece otros países, donde cine y televisión no han este mismo tipo de relación, y de financiación a posteriori. A Estados Unidos , la televisión no financia , o poco, las producciones, a la diferencia de grandes majors. Del mismo modo, el cine alemán es, le, financiado por subvenciones ( 1977, representaban cerca de 80 % de la financiación de las películas)[144]. En Corea del Sur, las películas son financiados por cuotas en los años 1960, para intentar de rehacer superficie ante el cine estadounidense, y 1990, es gracias a la intervención de trusts industriales (« chaebols ») que más de 300 películas serán producidos por año[145],[146].
Además, durante el desarrollo, el vendedor, o distribuidor, de la película goza a partir de ahora un rol crucial en la elaboración del guión y del script[148]. En efecto, para decidir de distribuir una película, el vendedor busca una historia a menudo grande público, que dará un box-oficio benéfico. En este sentido, el cine de autor ya no es privilegiado durante la distribución .
No obstante, el desarrollo del reparto de ficheros informáticos pair a pair, que permite el intercambio entre particulares de películas sobre Internet, hace temer en los profesionales del cine una crisis tal que la que atraviesa la industria del disco[149]. Es sin embargo a anotar, en Francia, un alterne récord de las salas, con 20 700 000 espectadores, durante el mes de julio : eso hacía treinta años que tanto de personas no se estaban desplazadas para ir a ver una película[150],[151]. Esta afluencia puede explicarse por la salida de películas en gordos presupuestos tales que La Edad de helado 3, Harry Potter 6, Allí-elevado o todavía Público Enemies. Por otra parte, la lucha contra el piratage no ha cesado de aumentar : una copia de las Bronzés 3 había sido publicada sobre internet por empleados de TF1 que han sido condenado por el tribunal de Nanterre [152],[153] ; de su lado la Warner Bros. Ha decidido de prohibir los delanterosprimeros en Canadá [154]. Por otra parte, de los proyectos de ley son en discusión para intentar de proteger la industria cinematográfica.
Sin embargo, ciertos artistas han hecho ya la elección de distribuir voluntariamente sus películas sobre Internet. Se remarca sobre todo Elephants Dream o El Bal de los Inocentes de Joseph París, todos dos disponibles bajo la licencia Creative Commons[155],[156]. Del mismo modo, la Warner Bros. Ha reformado su distribución vídeos desde comienzo 2009. Es durante la salida en vídeo de The Dark Knight : El Chevalier negro que la sociedad de producción ha decidido de inclure una descarga gratuita y legal sobre internet, a la acquéreur de un DVD[157]. paralelo, Warner ha decidido que la salida en vídeo a instancia se efectuaría al tiempo que la salida habitual del formato DVD/Blu Ray. Es en esta iniciativa que la Warner ve una lucha contra el piratage[158].
Cine y televisión.
Los vínculos entre cine y televisión han sido puesta en valor por Laurent Creton en El cine y el dinero[159]. El cine mantiene informes complicados con la televisión [160], esta última es en efecto el premier competidor del cine[161],[143]. La adopción del color a la televisión ha tenido así un impacto directo sobre el alterne de las salas en Francia, en los años 1960[162].
No obstante es también el primer cliente del cine[163]. Los canales de televisión consagran una parte de entidad de sus rejas horarias a las películas o a los documentales porque estos programas les garantizan tasas de audiencia excelente[164]. En contrapartida de los acuerdos imponen en los canales de los importes de inversión en la filière cinematográfica. Devienen de este hecho coproductrices y toman una parte de entidad de la financiación de las películas por la adquisición de los derechos de difusión de las películas[165]. Hoy ha devenido incontournable a una producción cinematográfica de obtener una difusión televisión para subir un proyecto[166].
Para los productores la importancia de estas inversiones es en veces un elemento que tranquiliza, porque es una disminución o un reparto del riesgo financiero, y una pérdida de libertad [166]. Bien a menudo el productor es en efecto traído a escoger los proyectos que son susceptible de ser diffusables sobre un canal de televisión. Aunque parcial este control de los productores por los canales de televisión inducida una amenaza sobre la diversidad y la originalidad de las películas productos[167].
Las televisiones que desean difundir películas que reflejan una cierta diversidad de culturas no pueden limitar sus relaciones con el cine a los productores nacionales. Dos casos de figura coexistent entonces. Esté todos los derechos para el territorio nacional de la película presentida han sido comprada por un cajero nacional, el canal televisado negocia entonces con el cajero. Esté los derechos televisados de la película presentida son detenidos por un vendedor internacional, cargo en el canal televisado de negociar con este vendedor internacional y de proceder ella-misma al doublage o al bajo-titrage de la película.
La reducción del tiempo laboral así como el aumento del número de programaciones, cuyas un número de entidad de películas, ha permitido en la televisión de hacerse un lugar en las familias[160]. Para Francia , la aparición de Canal+ en 1984 así como otros canales ha hecho aumentar de manera significativa el número de películas programadas[168]. Entre 1975 y 1984 , sobre los tres canales públicas, se podía ver quinientos películas programadas por año contra mil quinientos mediana a marchar de 1995 (cuya 1⁄3 sobre Canal +) y este sin contar los rediffusions[169].
En Francia, el total anual de los visionnements de películas ha sido multiplicadas por más de diez treinta años[169]. Por visionnement, se sentirá una entrada en una sala de cine, o un espectador sentado ante una pantalla (televisión, computadora) domiciliaria. que Dura el mismo laps de tiempo, las proporciones que componen este total han sido sensiblemente modificado a favor de las visionnements domiciliarias. Así, hoy, solos 2 % de los visionnements toman lugar en una sala de cine[169]. Se anotará por otra parte que entre 1980 y 2002 los gastos de los paramentos consagrados a los gastos audiovisuales son entre las que conocen el ascenso más de entidad. Pero, allí también, la parte de este presupuesto audiovisual de los paramentos dévolue al cine ha bajado en beneficio de gastos audiovisuales alternativos. Esta parte ha pasado así de 50 % 1980 a 14 % 2002[169].
Evolución del mercado
55e mejor resultado box-oficio mundial[170]
En cabeza de los plus gordos importateurs de largos métrages, se encuentre los Estados Unidos y Francia [171]. En efecto, el volumen de los intercambios entre Europa y América del Norte es de entidad : 1997, por ejemplo, 53 millones de Norteamericanos han visto películas europeas en sala mientras 388 millones de Europeos han visto películas estadounidenses. Sin embargo, la balanza comercial es favorecedora a Estados Unidos, totalisant un ingreso anual de 5 600 000 000 $[171]. Viene luego Canadá cuyas salas han proyectado cerca 220 películas extranjeras[172]. Desde entonces, es posible de operar un acercamiento entre los países productores y los países exportadores, en efecto, los países que exportent el más son a menudo los que producen el plus[171]. India aparece primera posición con una producción a la exportación de cerca de 60 % a destino de los mercados de África[171].
A pesar de la de entidad diversidad de la producción cinematográfica mundial, las producciones estadounidenses trustent la más gorda parte del mercado, presentando mismo de las situaciones de casi monopolio en países tales que Chile y Costa Rica donde 95 % de las películas importadas provienen Estados Unidos , o todavía a Chipre donde esta cifra alcanzada 97 %. A la inversa, el cine estadounidense no representa que 7 % del mercado en Irán que produce le-mismo aproximadamente 62 largos métrages por año, y cuyas salas tienen una programación de películas a las procedencias muy variadas[171].
Asimismo, el continente africano aparece como el plus gordo importateur de producciones estadounidenses donde su parte de mercado alcanzado 70 % contra 15 % para las películas europeas[171]. No obstante, los países africanos francophones consagran una parte igual en las producciones estadounidenses y europeas ubicada en torno a 40 %, Marruecos haciendo excepción con 46 % de películas estadounidenses, 20 % de películas indias y sólo 8,5 % de películas francesas[171].
Otros cines, como aquellos de Hong Kong o de Taiwán , cuyas producciones son juzgadas sin embargo medianas, graban un volumen de las ventas a la export de entidad, sobre todo a destino de África y de Américadel Sur donde la penetración del cine japonés es igualmente notable[171]. No obstante, estas cifras bajo-extiendan uno cierto número de fenómenos invisibles tales que la diversidad de las culturas que provocan una diversidad de la demanda, el poder de las sociedades de distribución , o todavía de los hechos más anecdóticos tales que la censura puesta en marcha por algunos gobiernos que constituye un freno en la producción en ciertos países[171].
Paralelamente, otros cines han tomó marchado de la evolución del mercado, y han conseguido a hacer su lugar, con una importación cada vez más de entidad, es por ejemplo el caso del Bollywood, y más generalmente del cine indio. En India, las producciones son generalmente poco costosas, la más cara ha alcanzado 10 000 000 $[173],[174]. Hasta el final de los años 1980, las películas no eran difundidos fuera de India ella-misma, a algunas excepciones cerca como Marruecos [175], a causa de las distribuciones estadounidenses y europeas cuya influencia era mundial[176], o de por la diferencia de cultura[177]. No obstante, con la mejora de las técnicas relacionadas a los efectos especiales, las películas bollywoodiens han conseguido a implantarse, y a desarrollar un mercado más ancho, como Krrish girado 2006 o Love Story 2050 (2007) cuyo rodaje ha generado la participación además de cinco studios internacionales de efectos especiales[178]. Así, el cine indio se ha desarrollado, e internationalisé.
No obstante, con la evolución del mercado, en ciertos países, se habla de decadencia de la industria nacional cinematográfica. Es el caso por ejemplo en Italia. paralelo a la caída del alterne, en Italia, las salas de cine no proyectan que 19 % de películas italianas, con una producción avoisinant las 138 películas por año[179]. El Unión Europea ha iniciado las coproducciones entre sus países, así 41 películas italianas, 2004, son coproducciones. No obstante, encubrió no ha bastado para hacer res-aumentar el valor del cine italiano[179]. Según Marin Karmitz, es de por la influencia de la televisión privada que esta decadencia se explica, destructora de la creatividad : hablará entonces de un Caballo de Troya en Europa para el cine estadounidense[179]. En efecto, frente a la decadencia del cine nacional, las televisiones difunden una gran mayoría de películas estadounidenses.
El cuadro que sigue répertorie los países que producen el plus de películas que se pulsan la media anual de películas producidas entre 1988 y 1999 [180]. Es a anotar que varios de estos países no exportent que una marcha infime de sus producciones, avanzando a veces los plus gordos exportadores. Así, los Estados Unidos no llegan que 4e posición en esta clasificación mientras que el país es de lejos el premier exportador en materia de producciones cinematográficas. Asimismo, se encuentra poco país del Unión Europea en esta clasificación mientras que la parte del mercado del cine europeo en el mundo se eleva a 25 %, sea 798 películas[181].
| Clasificación | País productor | Número mediano de películas producidas por año entre 1988 y 1999. |
|---|---|---|
| 1er |  India
| 839 |
| 2e |  China y Hong  Kong
| 469 |
| 3e |  Filipinas
| 456 |
| 4e | Estados Unidos
| 385 |
| 5e | Japón
| 238 |
| 6e |  Tailandia
| 194 |
| 7e | Francia
| 183 |
| 8e | Italia
| 99 |
| 9e |  Brasil
| 86 |
| 10e |  Birmania
| 85 |
Filière Cinematográfico
Desde una idea original, del rodaje en la distribución, una película implica número de técnicos, de artistas y de diffuseurs. Puede extenderse de varias semanas a varios meses. Típicamente, es el productor que detiene los derechos sobre la película[182].
La realización de una película puede ser recortada cinco etapas[183]. primer lugar, hay el desarrollo de un script concebido por un guionista generalmente[184]. Luego, la préproduction se pone en marcha para preparar el rodaje con la concepción de un dossier de producción[185]. Después viene la producción propiamente dicha, durante la cual el realizador gira su película en los lados de técnicos y de artistas variados y numerosos, tales que los actores, el jefe operador o sus asistentes. Finalmente, la postproduction permite el montaje de la película y la ajout de la banda sonora así como de los efectos especiales. El proceso se termina con la distribución cuando la película beneficia de la publicidad y de copias que favorecen su difusión ; se habla entonces delaprovechamiento.
Producción
La fase de producción de una película engloba la integridad de la fabricación del métrage, de la creación de un proyecto a su distribución[186]. Sin embargo, el rol del productor no ha siempre sido el mismo en el hilo del tiempo[186] y no es siempre al origen de una película[187].
La sociedad de producción paga los frescos engendrés por el rodaje[188]. Escoge también la sociedad de distribución que publicitera la película durante su salida[189]. Llega quelquefois que el productor crea le-mismo su sociedad de distribución[190]. Ayuda también en la realización de la película, a la escritura del guión, a la elección de los actores y de los lugares de rodaje y es el interlocutor principal del equipo en caso de conflictos[188]. El productor no tiene pues sólo un rol artístico pero también de mecenazgo . El productor es el solo responsable ante los diversos ordonnanceurs del proyecto[189]. De en otro lugar, su función se define así : « El productor del œuvre audiovisual es la persona física o moral que toma la iniciativa y la responsabilidad de la realización de la œuvre […] toma personalmente o reparto solidairement la iniciativa y la responsabilidad financiera, técnica y artística de la realización de la œuvre y garantiza el bueno final[191] ».
Sin embargo, persiste, casi siempre, una diferencia entre la producción de una película en Estados Unidos y en Francia, por ejemplo. En efecto, en América, el productor trabaja bien a menudo para un major de cine, una gran empresa que se apoya sobre bancas o de las firmas para la financiación de la película[192], mientras que en Europa, el productor trabaja general para una pequeña sociedad y cuenta sobre la ayuda de varios entes públicos como el CNC en Francia, para sus subvenciones[193].
La producción comienza pues por el desarrollo, es decir por la escritura de un guión[194]. Por la continuación, es concebido un séquencier que permite décomposer la historia en escenas. Desde entonces, un cajero es escogido por el productor : evaluará el éxito potencial de la película, considerando el género de la película, el público apuntado o el histórico del éxito de películas similares. Un realizador es escogido luego[195].
Viene entonces la préproduction , donde la película es imaginado y el rodaje igualmente preparado[196]. Quelquefois Un illustrateur dibuja un storyboard para describir el conjunto de los planes que hará falta girar y así ayudar el equipo durante la preparación del escenario[197]. El presupuesto es fijado igualmente por la sociedad de producción. El productor ejecutivo contrate el equipo de rodaje requerido : comprende generalmente el realizador, su asistente, un director de casting , un régisseur general, el director de producción y el director de la fotografía, el director artístico, el jefe-operador del sonido, el perchman, el monteur y el compositor. El rodaje que es así listo se entre en la fase de producción propiamente dicha, aquella donde el realizador pone en escena los actores : los apresamientos de vistas pueden finalmente comenzar[198].
Los alumbrados son puesto en marcha y los actores maquillados y disfrazados. Repiten entonces su texto bajo la dirección del realizador, que les indica los movimientos a efectuar, o lo que no va en su entonación. Finalmente, el rodaje puede comenzar[199]. Cada escena es girada en varios planes y cada apresamiento es identificada gracias al clap, lo que permitirá al monteur de fichar los buenos planes entre los que no servirán [200]. Es en el realizador de decidir si el apresamiento es bueno, o, al contrario, se falla rehacerla. Por seguridad, los apresamientos buenos son duplicadas.
Para las producciones que utilizan de la pellicule fotográfica tradicional, los negativos del día son enviados en el laboratorio para un desarrollo nocturno. Constituyen los « rushes » (los premiers positivos) y son visionnés por el realizador, el equipo técnico, y a veces los actores[201]. Para los técnicos digitales, los apresamientos son descargadas y orquestadas en un computador bajo el nombre de « apresamientos del día ».
Es así, al finalizar el rodaje, que la película entre en fase de postproduction , donde ha subido con eventuales efectos especiales y la banda original[202]. Con la llegada del vídeo, el proceso de montaje ha evolucionado. El principio del montaje es de assembler los planes y secuencias. La etapa siguiente consiste en crear una cierta fluidez en la enchaînement de las imágenes. Entonces, el realizador y el productor dan su parecer. El montaje es cerrado « así ». Al mixage audio, el sonido y la imagen son synchronisés.
Luego, el resultado final del montaje deviene la copia laboral », y es tirado de una copia iluminada, o étalonnée, del negativo conformado en esta copia. Es a marchar de esta tirada que las copias destinadas en las salas de cine son tiradas de. Entonces, la película pasa en fase de distribución , es decir que una sociedad contratada, o creada, por la sociedad de producción va a concebir un cartel de la película, organizar sesiones reservadas a la prensa y crear un universo publicitario en torno a la película.
Distribución
Una sociedad de distribución es una compañía independiente, una filial, o raramente una estructura individual, que trata en tiempo que agente final cerca de una sociedad de producción para garantizar la proyección de la película en sala[203]. En el mundo del cine, el término distribuidor » se réfère al marketing y a la difusión de películas en el mundo, también bien al nivel de la sala de cine que en un rayonnement privado[204].
En un primer momento, es en el cajero de asegurar la proyección en sala. Es a le de programar las difusiones : para este hacer, organiza proyecciones a de las exploitants o crea una publicidad atrayente para la película[203]. Su objetivo es de dar a explotándolo la idea del beneficio que podrá engendrer proyectando la película. Luego el cajero tiene que firmar un contrato stipulant el porcentaje que explotándolo tendrá que reverser a su sociedad y recauda el importe previsto una vez la película proyectada[205]. Transmite una parte de los ingresos a la sociedad de producción. Sin embargo, generalmente, hay contratos globaux entre los cajeros y los exploitants que fijan el porcentaje del billete que se comparten. En los años 1920, las películas se alquilaban en precio fijo por metro »[206] y este alquiler podía durar un día o dos.
Es también en el cajero de asegurarse que el número de copias de la película bastará a proporcionar todas las salas de cine y vigila su entrega. Controla al mismo tiempo si la película es proyectado en el cine stipulé sobre el contrato y si el número de escaños mínimo es exacto[205]. Cuando la película ya no es proyectada, el cajero debe entonces hacer salga que los bobines él sean vueltas. práctico, el cajero asegura también la venta de carteles, de bandas originales y de productos derivados y organiza entrevistas para la prensa [205]. Indigne, este material publicitario ayudará explotándolo a vender billetes. Puede también poner en marcha de los antes-primeras para incitar el público a venir, con la presencia de los principales artistas presentes sobre el rodaje.
Si la sociedad de distribución atiende de una película en lengua extranjera, esto será igualmente su rol que de bajo-titrer la película, o de poner en marcha el doublage. Es también su rol que de cortar las escenas, se tiene, censuradas por su gobierno.
Aquí está un gráfico que representa la evolución de la distribución cinematográfica en Francia (películas francesas distribuidas por año)[207] :
Los festivales de películas
Un festival de cine es un festival de películas. Este acontecimiento consiste en la proyección de un conjunto de canchas o largos métrages en un lugar dado y para una duración limitada en el tiempo. Estas proyecciones son abiertas generalmente en el público pero llega que sean reservadas en las críticas, periodistas o profesionales[209].
El festival de cine es el primero encuentro entre una œuvre, sus creadoras y su público, si éste se desarrolla antes la salida nacional de la película[210]. A veces, esto será la sola, si el encuentro fracasa. Es pues un momento clave de la vida de una película. Este momento de exposición puede ser violento. Para el realizador y el productor, la reacción del público incluso advertido — a la presentación de la película puede ser fuente de un profundo replanteamiento o de una consagración nacional, y quelquefois internacional, como el León de oro a la Mostra de venise, el Oso de oro a la Berlinale o la Palme de oro en el Festival de Cannes[211].
El rol de los festivales de cine es doble. Permiten a la vez de dénicher de las semillas » y son también máquinas a dar a conocer, a promover las películas seleccionadas[212]. El ejemplo del Festival de Cannes es asombroso : las películas en competición y fuera de competición serán distribuidos en Francia y serán vistos por productores , distribuidores y críticos venidos del mundo entero[213]. Asimismo, durante los quince días del festival se desarrolla el Mercado de la película, que permite en los artistas ausentes de medios de encontrar un cajero. Un festival de cine permite pues de presentar una œuvre al mundo entero[214].
Así, a lo largo de la filière cinematográfica, los festivales de cine se ubican en aval de la producción de películas (momento de la creación) y amont delaprovechamiento (momento de la proyección en sala). Más precisamente, los festivales internacionales los plus de entidad se ubican inmediatamente en aval de la producción. Los festivales de influencia nacional o regional toman ubica un poco antes la distribución en sala.
La mayoría de los festivales siguen una regularidad anual o biennale[213]. Indigne cuestiones de organización práctica, este ritmo permite conservar una índole excepcional en el acontecimiento.
Aquí está un gráfico que presenta el número de festivales en Europa 1996[213] :
Aprovechamiento
 Mobilier Urbano publicitario para los carteles de película |
 Entrada del cine con carteles |
 Otra vista de la fachada del cine |
 Programa del cine, anunciado y distribuido a todos los particulares |
Ejemplos de aprovechamiento
Después de las etapas de producción y de distribución , viene el aprovechamiento que se resume en la proyección de películas. La actividad de uno explotando puede ser calificada de « artesanal » o de « industrial » en funciones del número de salas de su complejo : se habla de miniplexe o de multiplexe . Él puede ser igualmente independiente o asalariado : dependerá entonces de un grupo nacional o internacional, como Gaumont, Pathé, UGC, Regal Entertainment Group o todavía MK2. Explotándolo puede le-mismo, o a la ayuda de varios cajeros como la Warner , EuropaCorp o Buena Vista, fijar su programación, y cambiarla en caso de fracaso de una película.
Es durante el aprovechamiento que son ingresadas los diferentes recetas de una película, debidas sea en la venta de un billete, sea en la venta de un producto derivado como un cartel o el CD de una banda original. Estas diferentes recetas son compartidas luego con los cajeros, que reversent ellos-mismos una parte en la producción.
En Francia, la sala de cine no levanta de ningún estatus jurídico particular, lo que da una cierta libertad a explotándolo [215]. Que más es, la ley Sudor » autoriza las colectividades a contribuir en el funcionamiento y a las inversiones de las salas de cine[216]. Este funcionamiento permite ayudar las salas en dificultades, que las entradas no bastarían a hacer funcionar durablement. Las colectividades pueden igualmente aportar una ayuda indirecta en las salas de cine de menos de 5 000 entradas, clasificado Arte y Prueba, en las exonérant del pago de la tasa profesional gracias al artículo 1464-TIENE[217].
Sin embargo, es una relación estricta y reglamentada que es establecida entre la distribución y el aprovechamiento[218]. En el contrato de las Condiciones generales de alquiler de las películas, es concedido a los exploitants el derecho de representación pública de las œuvres a cambio de un pago que es proporcional a las recetas[218]. Además de este pago, tienen que echar una suma en la Sociedad de las autoras, compositores y editores de música (SACEM) y una remuneración para los dueños de la banda original[218]. Además, la venta de un billete entrena el pago de la tasa especial adicional (TSA) que permite la financiación de la distribución, de la producción o del aprovechamiento del cine[218].
Aquí está un gráfico que representa el aprovechamiento cinematográfico en el mundo, más precisamente, por país, el número de salas de cine por millón de habitantes[219]:
Filière Audiovisual
Edición de vídeos
2001, la edición vídeo se elevaba de 25 % en el mundo, gracias al desarrollo del DVD, que reemplaza poco a poco las cintas vídeo, que mantenía entonces la cabeza de las ventas con 36 500 000 unidades vendidas y 59 % de las ventas relacionadas en el vídeo ( 2000, la cinta realizaba cerca de 77 % de las ventas)[220]. La primera película salido bajo la forma del vídeo sería Cheongchun gyosa salido en sala en 1972 y VHS 1976 ; la última película salido VHS en América sería TIENE History of Violencia en 2006[221]. A partir de ahora, un sucesor en el DVD se pone en marcha : el disco Blu-ray que permite dos horas de vídeo elevada definición o trece horas en Estándar Definition. El 4 de abril de 2008, cerca de 530 discos blu-ray han sido comercializados a Estados Unidos , contra 250 a Japón [222].
Este impulso del vídeo es en parte debiera en la nueva reglamentación que permite desde 2001 la salida de una película en vídeo seis mes después de su salida en salas[223]. El retraso ha sido luego traído a cuatro mes por la ley Creación e Internet, y puede ser bajado a tres mes sobre parecer favorecedor del Centro nacional del cine y de la imagen animada[224].
Los Franceses se distinguen demás Europeos del Oeste por un consumo de apoyos vídeos que privilegian más claramente la compra en detrimento del alquiler en vídeo-club[225]. 2002, 85 % del presupuesto vídeo francés era volcado en así la compra de apoyos (VHS o DVD )[225]. La mismo año, 70 % del presupuesto vídeo europeo era mediano reservado a la compra. paralelo, 60 % de las compras se hacen grandes superficies de distribución (Carrefour, Auchan, E.Leclerc, Gigante[225]).
Sin embargo, este éxito profite sobre todo a la venta relacionada en el cine estadounidense. En efecto, contra la edición de VHS donde el aumento de la tirada no tiene para efecto que de limitar los costes de fabricación unitaires, la edición DVD, donde la principal inversión implica la fabricación del máster », beneficia rápidamente de la economía de escalera, cuando la tirada aumenta. Así, la edición de DVD favorece sobre todo la difusión de las películas comerciales, cuyos editores disponen de una infraestructura mundial, como los grandes majors estadounidenses[220].
Se remarca así como seis sociedades se comparten cerca de 85 % de la edición vídeo. 2001, Universal Pictures estaba en cabeza de la clasificación, gracias al éxito de Gladiator , ante Fox Pathé Europa, que salían entonces La Amenaza fantasma[220].
No obstante, con la evolución de Internet, la difusión ilegal de películas vía softwares de reparto pair a pair ha devenido creciente. La Comisión europea ha concluido en su informe que de 5 % a 7 % del comercio mundial descansaba sobre la piratería, sea cerca 300 millardos de euros[226]. Este fenómeno influye pues crescendo la venta relacionada en la edición vídeo, todo como el streaming. Sin embargo, 2007, la consejería de estudio marketing declara que los Franceses descargan cada vez menos : estaban 5 000 000 2006 contra 2 300 000 2007[227].
| 1992 | 1993 | 1994 | 1995 | 1996 | 1997 | 1998 | 1999 | 2000 | 2001 | |
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Alquiler | 52 | 46 | 49 | 50 | 57 | 67 | 71 | 78 | 78 | 96 |
| Venta | 305 | 329 | 384 | 483 | 499 | 495 | 502 | 498 | 578 | 723 |
| Total | 357 | 375 | 433 | 533 | 557 | 562 | 572 | 576 | 656 | 819 |
| Cuyo venta en DVD | 13 | 83 | 216 | 415 |
En torno a la filière cinematográfica
Operadores públicos
Desde varios años, la economía en el cine ha evolucionado mucho. De los acuerdos se han firmado entre los canales de cine y los majors estadounidenses que han habido consecuencias de entidad sobre esta última. Los operadores de ramos satélites firman cada vez más a menudo de los contratos con las gordas sociedades de producción para tener acceso en su catálogo de películas y pues sécuriser su difusión[228]. Canal+ ha concluido así acuerdos con cinco studios que son la Walt Disney Company, Universal Pictures, Columbia Pictures/TriStar, la Fox y la Warner . Éstos confieren en Canal+ de los derechos de difusión de entidad[228].
No obstante, los acuerdos concluye el más a menudo con los majors hacen aumentar el número de películas estadounidenses difundidas, reduciendo el espacio de intervención de los cajeros nacionales cerca de los canales de televisión , lo que rompe por otra parte el equilibrio entre la actividad de los cajeros independientes, la salida de las películas y la venta en los canales de televisión[228].
En Francia, hay sociedades para la financiación de la industria cinematográfica y audiovisual (o « Sofica ») y el centro nacional del cine y de la imagen animada que son especializados en el medio del audiovisual. Tienen como objetivo ayudar en la financiación de la producción de películas, y a su difusión. Por otra parte, la Biblioteca de la Película tiene para misión de enriquecer el patrimonio de la película, para asegurar por la continuación la difusión.
Las ceremonias de recompenses
Una ceremonia de recompenses cinematográficas es una ceremonia organizada por un ente público o nacional dévolu al cine, tales que las academias o fundaciones. Durante esta ceremonia uno o varios precios pueden ser puesto. general es el lado artístico de una película que es remarcado durante estas ceremonias[229]. Es 1920 que remonta la primera recompensa, en el Photoplay, una revista sobre el cine estadounidense[230]. No obstante hay algunos precios que felicitan el éxito comercial, como el Goldene Leinwand (la tela de oro) en Alemania que recompensaba cada película además de 3 000 000 de espectadores[231]. Sin embargo, no hay que las películas que son recompensados : las artistas y técnicos lo son también para su contribución a la película. Se encuentra por ejemplo el Oscar del mejor realizador a Estados Unidos . Estas ceremonias tienen general una índole de monopolio sobre su territorio y recompensan en prioridad las artistas y técnicos nacionales.
La ceremonia de recompensa la más conocida a través del mundo es aquella de los Oscars que recompensa a través de innumerables precios las películas estadounidenses y extranjeras una vez por año en Los Ángeles[232]. Algunas semanas antes tiene lugar la ceremonia de las Golden Globo Award, que es gestionada por la asociación hollywoodienne de la prensa extranjera desde 1944. Por oposición la ceremonia de las Razzie Awards recompensa al contrario los peores películas o artistas[233].
Solos las películas que han conocido un aprovechamiento cinematográfico en el país pueden generalmente competir. Así, contra los festivales, que toman ubica antes la distribución , las ceremonias de recompenses son organizadas después de la distribución de todas las películas presentidos.
Entre las ceremonias de recompenses cinematográficas las más conocidas, se remarca por ejemplo los Oscars (Estados Unidos), los Césars (Francia), los Goyas (España) o los BAFTA (Reino Unido).
Paralelamente a las academias y fundaciones, otras organizaciones, tales que las asociaciones de críticas de películas, distinguen también ciertas películas.
Técnicos cinematográficos
Técnicos de apresamiento de vistas
La técnica empleada para crear la imagen sobre la pellicule cinematográfica es empruntée al apresamiento de vista fotográfica[234]. La impresión se hace por exposición a la luz en la ayuda de una cámara a través de un objetivo a la cadencia típica de 24 i⁄s (imágenes por segunda), régulée por un quartz integrado a la cámara. Inicialmente de 16 i⁄s (esté un pie por segunda), la cadencia fue aumentada con la llegada del cine sonoro[235]. En efecto, la calidad del sonido (banda transeúnte, pleurage, ruido …) depende de la velocidad de défilement de la película[236].
El principio de esta impresión es basado en una reacción de oxydo-reducción que ve los halogénures de dinero acostado enel émulsion transformarse en dinero metálico durante la exposición en la luz[237]. Después de desarrollo, las zonas insolées tienen pues un aspecto negro y muy opaque. Las zonas no expuestas son devueltas translucides después de que el fixateur había quitado el apoyo. Los diferentes matices de grises son debidas en la densidad más o menos de entidad de las sales de dinero revelado[238]. Se obtiene pues bien una impresión « negativo » de donde el nombre del elemento.
La reproducción de los colores sobre pellicule se hace dos fases : la pellicule color es hecha tres cortezas de halogénures de dinero superpuesto y acoplado a de los colorants. Estos colorants que absorben su color complementario, son amarillos, magenta y cyan, de forma que estas tres cortezas son así sensibles a los tres colores primarios : respectivamente rojo, verde y azul. Se realiza así un análisis trichrome[239].
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En el proceso desarrollador, se se quita sales de dinero para no conservar que los colorants del émulsion[240].
El negativo, una vez desarrollado, es disparado una émulsion positiva. Al estadio de la tirada, realizado con una linterna aditiva, proveída de tres fuentes Rojas, Verde y Azul, réglables en intensidad, las cortezas colorées del negativo realizan la síntesis de los colores a reproducir a marchar de las solas 3 composantes primarias presentes en el negativo.
El positivo de proyección es le-mismo constituido de tres cortezas monochromes y se comporta pues como un filtro coloré ante la linterna de proyección. Realiza así una síntesis soustractive de esta luz blanca », a la temperatura de color de la luz del día a la cual la œél humano es habitué[241].
La colorimétrie es la ciencia de la medida de los colores[242]. Hay diferentes modos de medir los colores pero el plus corriente es de utilizar un thermocolorimètre, lo que permite definir de manera no arbitraria la temperatura de color de una fuente de luz[243].
La primera problemática del apresamiento de vistas es de realizar una imagen correctamente expuesta, en densidad y en color. Para controlar la cantidad de luz, el director de la fotografía utiliza una célula foto-sensible — el más generalmente a medida incidente — y regula la abertura del diaphragme en funciones de esta medida[237]. El réglage de los contrastes se hace en la célula a medida reflexionada, sobre los objetos, el más generalmente al spotmètre[244]. La elección de las fuentes y el réglage de la luz se hace concordance con la sensibilidad de la émulsion utilizada y la utilización eventual de filtros ante la cámara .
Una vez este aspecto técnico maîtrisé, hace falta componer una luz que, estéticamente, servirá el propósito de la película, su guión y el ambiente de las diferentes escenas, como el juego de los comédiens todo integrando de numerosas restricciones técnicas y económicas. Se distingue fácilmente la luz contrastada y densa de una película policíaca, de la luz dulce y homogène de una comedia, por ejemplo[245].
Si la estética general de una película debe mucho en la luz, su coherencia no puede ser obtenida que en la condición de un trabajo de colaboración estrecha entre los diferentes responsables artísticos : realizador, primer lugar, pero también décorateur, costumier, o maquilleur .
La segunda problemática implica el marco : composición de los planes, movimientos de aparatos, recorte de las escenas en planes. Este trabajo, ejecutado por el cadreur[246] es lucido también la fruta de una colaboración estrecha con la puesta en escena.
Finalmente, la limpieza de los planes y su netteté es de la responsabilidad del premier que asiste operador[247].
Trabajo de laboratorio
Un laboratorio cinematográfico propone un conjunto de prestaciones técnicas a las industrias del cine[248]. particular, los productores de películas recourent a sus servicios para desarrollar el negativo original, transferirlo sobre apoyo magnético o numérico, tirar de las copias laborales, conformar el negativo en el punto de montaje, tirar de las copias de serie y las étalonner, dupliquer los elementos, realizar ciertos trucages, transferir un documento vídeo sobre película[249]... Este trabajo es efectuado por técnicos maîtrisant estos técnicos variadas[248].
La película, cuando es girado sobre apoyo argentique, es confiado diariamente en un laboratorio que se carga de desarrollarlo (operación química en varias etapas que consiste en stopper, revelar, blanchir, fijar, limpiar y secar el negativo)[250]. Esta etapa da lugar en un negativo que ya no es photosensible, es decir que se puede exponerlo en la luz sin arriesgar de perder las imágenes giradas[250].
El desarrollo es una fase crítica y depende de un número de entidad de parámetros y de su precisión : temperatura constante e impuesta, tiempos desarrolladores estrictos, concentraciones precisas en componentes químicas. El trabajo de interacción entre los productos químicos del baño fotográfico con la pellicule se efectúa en un nivel cercano del tamaño de los atomes[251]. Se tira de entonces el positivo en una tireuse aditiva (mientras que la fotografía es tirada de soustractif) y este positivo es le-mismo desarrollado en una chimie similar a la chimie negativa.
El étalonnage consiste en regular precisamente los flujos de las tres vías (rojo, verde, azul) de la tireuse con el fin de obtener los devueltos de colores y de densidad deseada por el director de la fotografía.
El premier positivo », librado por el laboratorio en proporción a la producción, y que constituye los « rushes », es presentado en la producción y al equipo técnico en el laboratorio, en sala de proyección[252]. Estas presentaciones tienen lugar en el momento mismo del rodaje, si posible diariamente.
Hoy, es cada vez más frecuente de simplemente transferir el negativo sobre apoyo vídeo, al télécinéma. Esto es particularmente pertinente para el rodaje de un téléfilm pero también con vistas a una futura postproduction numérica (montaje virtual, efectos especiales numéricos, étalonnage "pega to pega"...).
Para la tirada de las copias de aprovechamiento, dos soluciones son posibles a marchar del negativo subido. La primera consiste en tirar de directamente las copias, pero eso supone de hacer girar sobre máquinas muy rápidas este negativo, que comporta de los collages y que es pues frágil. Así, este método solo es utilizada para las películas tiradas de a pocas ejemplares[253]. En cuanto una película es tirado de a más de una decena de copias, se utiliza una segunda solución, incluant dos etapas adicionales en las operaciones de laboratorio : la tirada de un interpositif, a marchar del negativo subido, que proporcionará un internégatif, tipo de copia carbono sin collage del negativo subido, a marchar duquel se tirará de las copias positivas. Después de esta etapa, la película es lista a la proyección[253].
Cuando el máster de la película es numérico, se puede transferirlo sobre máster de tipo negativo o intermediario (internégatif, interpositif).
Cada operación efectuada en un laboratorio cinematográfico cuesta caro. La cuestión del pago por los cajeros es más bien complejos a causa del tiempo laboral que toma una bobine de 60 m (esté 2 minutos de película en 35mm), tiempo que se revela idéntico a una bobine de 305 m (esté aproximadamente 11 minutos). En efecto, los empleados deben, para estas dos películas, preparar el mismo número de piezas y de máquinas, de forma que la duración de la película incide poco sobre el trabajo que exige el tratamiento de la pellicule[254].
Técnicos de montaje.
El cine es primeramente, y antes todo, un arte del montaje[255]. Marcel Martin, en El Lenguaje Cinematográfico, decía que era « claro que el montaje (vehículo del ritmo) es la noción más subtil y al mismo tiempo la más esencial de la estética cinematográfica, en una palabra su elemento el plus específico[256],[257] ». El montaje ha adquirido, al hilo del tiempo, una autonomía estética[258]. Descansa sobre el enchaînement de espacios y de tiempos , para devolver el œuvre fluido. El montaje se resume pues audiovisual al ensamblaje de varios planes para formar secuencias que en el final forman la película.
Al principio del cine las películas hacían poco llamada al montaje. La mayoría de las películas de los hermanos Luz o de Méliès estaban planes -secuencias[259]. Los algunos escasos raccords eran torpes[259]. Es con David Wark Griffith que el montaje aparece realmente en Nacimiento de una nación en 1915[260]. que Dura los años 1920 es el cine ruso que aportará la más gran contribución en la teoría del montaje, sobre todo con Lev Koulechov y su Efecto Koulechov[261]. El montaje permitirá entonces el nacimiento de los trucages[262].
El montaje se efectúa a marchar del premier positivo, nombrado rushes, que sirve de copia laboral[263]. Las copas de la pellicule se hacen a la « colleuse » : al ciseau y a la cinta adhesiva[264]. Una vez el montaje terminado, el negativo es cortado y pegado al laboratorio.
Hoy, gracias al informático, se ha desarrollado el montaje virtual. El trabajo se hace a marchar de una copia numérica del negativo escaneado o transferido al télécinéma[263]. El conjunto de la postproduction puede, gracias a este método, estar totalmente realizado sobre computador. Por medio de una salida sobre banda magnética, o directamente desde la máquina de montaje, el resultado es transferido sobre película.
La primera etapa del montaje es la preparación : es durante el rodaje que todos los planes son reunidos. Así, se habla de « dérusher » estos planes : hace falta seleccionar los que son buenos, según el realizador[265]. Luego, hace falta dédoubler los rushes y ponerlos los unos como consecuencia de los demás, según el guión. Esta etapa permite una primera visualización de la película, y facilita por la continuación el montaje. No obstante, con el desarrollo del montaje virtual, este dérushage extiende a desaparecer, para dejar lugar en un primer montaje, también llamado « first cut »[266]. A este estadio, la película es proyectado en un público restringido, obligado de guardar el secreto sobre la película, para obtener su parecer sobre el déroulement de las imágenes[266].
Una vez el montaje de las imágenes terminadas, el montaje sonido comienza. Es una etapa diferente del montaje, es de en otro lugar a menudo efectuada por un equipo diferente[267]. Consiste en añadir el sonido grabado por los perchistes a las imágenes, o de enriquecer el clima afectivo de la película añadiendo de los sonidos de ambiente[267]. Es una etapa artística de entidad del montaje : goza un rol mayor, pero el monteur no tiene que poner retrae la composición [267]. Una vez el montaje audio terminado la película pasa al mixage.
El montaje final, o « final cut », tiene un impacto mayor sobre la película y su comprensión[268]. Condiciona igualmente su éxito comercial[268]. Esta etapa puede ser la ocasión de conflictos entre los diferentes productores y el realizador, como durante el montaje de Brazil de Terry Gilliam[269]. A Estados Unidos , el sindicato de los realizadores, la Directors Guild of America, permite en los artistas de firmar su película del seudónimo « Alan Smithee » cuando la producción impone su punto de vista sobre el montaje[270]. Si no quelquefois dos versiones del montaje son efectuadas, lo una para la producción y la otra que viene del realizador (se habla entonces del director's cut). Pero esta posibilidad es reservado en las películas mayores. El uno de los ejemplos los plus célebres es aquel de Blade Runner de Ridley Scott salido 1982, donde el realizador no ha podido imponer su parecer durante el montaje, y la versión de 1991 realizada según las vœux del realizador[271],[272].
Técnicos de proyección.
La película se presenta bajo la forma de una pellicule (nombrada « copia ») sobre la cual se enchaînent de las imágenes, su défilement que da la impresión de un movimiento[273]. Ligeramente diferente, la película vídeo se presenta bajo la forma de una banda magnética o de un apoyo numérico que comporta imágenes codées[274]. En ambos casos las imágenes son proyectadas en la continuación sobre una pantalla. Dos fenómenos son en el origen de la ilusión del movimiento : la persistencia rétinienne que enmascara los negros entre las imágenes y el efecto phi que da la impresión que la sucesión de las imágenes no forma finalmente que una sola y misma imagen que cambia[273]. El fenómeno de la persistencia rétinienne y la velocidad de tratamiento limitado del sistema visual permite mantener la percepción de la luz recibida por la œél durante el masquage del cambio de fotograma que es proyectado inmóvil[273]. Lo œpercibe pues la sucesión de imágenes presentadas como una escena que se desarrolla ante le, entrecoupée de los battements de párpados. La ilusión de una imagen en movimiento resulta de una tendencia del cerebro a considerar que de las imágenes parecidas son vistas del mismo objeto que ha cambiado o se ha desplazado : es el fenómeno del efecto phi[273].
Al cine la gran mayoría de las salas utilizan el apoyo pelliculaire[275],[276], donde el projecteur tiene el defecto de degradarse al hilo del tiempo, pero es universal[277]. Para George Lucas, el porvenir reside en el cine numérico : explotándolo recibiría o descargaría el apoyo lo que reduciría considerablemente los costes de producción y de distribución [275].
Es pues una pellicule positiva que pasa ante una fuente de luz blanca (llamada « linterna »), a la cadencia de 24 imágenes⁄segundas, en el caso de proyecciones sonoras. El objetivo del projecteur permite luego de devolver una imagen limpia, general sobre una pantalla blanca[278].
En el caso de projecteurs a chargement vertical, los modelos los plus antiguos, dos aparatos eran necesarios para la proyección de las diferentes bobines. Para el espectador, es posible de fichar el cambio de bobine, por la aparición de un círculo, arriba a derecha de la imagen. A partir de ahora, con los aparatos en platino horizontal, es posible de subir la integridad de las bobines sobre el mismo aparato[279]. En cine numérico, la película es grabado sobre discos duros.
La primera película sonorisé remonta al gramophone, que era accionado a mano, y que planteaba pues un problema mayor, aquel de la synchronisation con la imagen[280],[281]. El sonido fue pues muy rápidamente integrado, de manera óptica, sobre el borde de la pellicule[282]. Es una lampe que ilumina esta pista óptica : la intensidad de la luz que atraviesa la película es medida por una célula photoréceptrice que la transforma a su vez en una señal eléctrica enviado hacia un canal de amplificación clásica. Sobre las películas en el formato 70 mm, el sonido es encodé sobre la pellicule cerca de la imagen.
Técnicos de animación
Se distingue la película de animación del dibujo animado. En efecto, la película de animación utiliza diversas técnicas para animar elementos reales en tres dimensiones como de las maquetas, de los personajes en pasta a modeler, etc.
No obstante, a la manera del dibujo animado, ciertas películas de animación utilizan la técnica de apresamiento de vistas « imagen por imagen ». El apresamiento de vistas imagen por imagen utiliza las mismas técnicos que el apresamiento de vistas clásicas, y las imágenes sucesivas representan cada una una fase instantánea del movimiento. Durante la proyección estas imágenes dan igualmente en el asunto la ilusión del movimiento[241].
Émile Reynaud, dessinateur francés, es el précurseur del arte de la animación porque es 1892, antes la aparición del cinématographe, que comenzó a proyectar sobre pantalla, a la ayuda de un praxinoscope, sus propios dibujos realizados y coloriés a mano[284]. No queda hoy de le que muy poco œuvres porque él los a le-mismo détruites de desesperación a causa de la culpa que causó la aparición del cinématographe[285].
El más conocido de los animados » es el personaje de Walt Disney, Mickey Mouse, que, desde su aparición, el 18 de noviembre de 1928, obtuvo un éxito enorme[130].
En el caso del dibujo animado, la cámara es fijada generalmente de manera vertical al-encima del cartoon que es planteado horizontalement sobre una mesa[286].
Este dispositivo, llamado banco-título permite también la reproducción de imagen fija general. Es mientras que la cámara fotografíe los dibujos uno por un de manera a hacer coincidir las partes que tienen que quedar fijos. Por supuesto las imágenes no son tomadas en el mismo ritmo que para una película ordinaria. En cambio, durante la proyección las imágenes desfilan bien en el ritmo de 24 i⁄s[287]. Para una película de 250 metros, sea 9 minutos de proyección, falla un centenar de horas para el apresamiento de vistas únicamente[241]. La parte animada es fotografiada en posición superpuesta sobre la parte inmóvil, porque se encuentra sobre otro apoyo llamado « celluloïd ».
Para la realización de los dibujos dos tipos de cartoons son utilizados. Los fondos, es decir los paisajes, las decoraciones, son realizados sobre hojas opaques mientras el resto, los personajes por ejemplo, lo están sobre hojas transparentes llamadas « celluloïds » debido a su componente mayor, el acétate de cellulose[288]. El dibujo sobre estos cellulos es hecho en la tinta de tiñe para los contornos y a la gouache para los colores[241].
Para el travelling, se puede apelar a dos procedidos diferentes. general, se no utiliza de zoom (objetivo a focale variable) o travelling óptico. La cámara banco-título ha subido sobre columna y puede subir o bajar en voluntad. La puesta a punto es asservie al movimiento vertical para asegurar la netteté constante de la imagen. El segundo es de realizar los dibujos a escaleras diferentes[241].
Otros técnicos son utilizadas como las sombras chinas, el papel recortado, como en Las Aventuras del príncipe Ahmed de Lotte Reiniger, realizado 1926, la técnica de « la pantalla de épingle » de Alexandre Alexeïeff en Una noche sobre el mont calvo (1934), la animación de marionetas, de muñecas como lo han hecho Jiří Trnka y Ladislas Starevitch. Se puede también presenciar técnicas de apresamiento de vistas de personas vivantes fotografiadas pixillation como de las automates[130].
Hoy, estas técnicas tradicionales han desaparecido prácticamente y dejan lugar a los técnicos del informático y de las imágenes de síntesis.
Audiodescription : El cine accesible a los ciegos
El « audiodescription » (igualmente llamada « audiovision ») es un procedido que permite devolver películas accesibles a las personas ciegas o muy malvoyantes gracias a un texto en voz off que describe los elementos visuales del œuvre. La voz de la descripción es ubicada entre los diálogos o los elementos sonoros de entidad con el fin de no perjudicar al œuvre original. Ella puede ser difundida en cascos sin hilo para no molestar los demás espectadores.
Histórico
El audiodescription ha sido inventada a Estados Unidos por Gregory Frazier, profesora en la Universidad de Estado de San Francisco (School of Creative Artes) y el decano de la universidad, que no era otro que August Coppola, hermano del realizador Francis Ford Coppola. 1988, la primera película audiodescription presentado a los ciegos es Tucker de Francis Ford Coppola. Desde 1989, gracias al apoyo de laAsociación Valentin Haüy al servicio de los ciegos y de los malvoyants, el procedido es introducido en Francia.
Proceso
El proceso de una audiodescription cinematográfica en cuatro partes :
- La traducción :
- Analiza de la imagen (extraer el sentido),
- déverbalisation ( Olvido de las palabras y conservación del sentido,
- priorisation, Es decir selección de los elementos audiodécrits en funciones del tiempo imparti,
- reformulation (Trabajo de concision y de precisión con respecto a la elección de las palabras) ;
- La grabación en cabina insonorisée ;
- El mixage (ajustar la venda su, ubicar los audiodescriptions en el mejor momento, etc.) ;
- El pressage (antes puesta en comercio o antes puesta a disposición en las vidéothèques especializadas).
Distribución
Las películas audiodécrits pueden ser distribuidos diferentes maneras :
- En las salas de cine que disponen de un equipo adéquat (cascos audios) que pueden ser permanente o instalado de manera temporal por una unidad móvil ;
- Por ciertos canales de televisión que puede proponer un flujo audio adicional (mixant su de la película y audiodescription, o no que propone que la audiodescription sola) ;
- Por el circuito de distribución sobre apoyo vídeo (DVD)
Cine y sociedad
Durante la primera mitad del XXe siglo, como arte popular, el cine ha tomado una importancia creciente en la sociedad[289]. Ciertos, que le atribuyen una capacidad a influir los espectadores, han llamado entonces en un control de la creación (por el sesgo de la censura)[290]. Otros, que le atribuyen esta misma capacidad a convencer, han visto una aventajada herramienta de propaganda . Varios lobbys y Estados han intentado entonces de tirar de provecho[291].
Primeramente influido por el teatro y el circo, el cine tiene, al hilo de su historia, a su vez influido la literatura , el arte contemporáneo, pero también el lenguaje publicitario[292]. Más allá de la influencia de las técnicas y del lenguaje cinematográfico, el cine ha también, a su medida, remodeler los usos y el imaginario de nuestras sociedades.
Impacto político y social
Primera industria cultural del vigésimo siglo[293], porque hace más llamada a la emoción de los espectadores que en su reflexión, el cine ha interesado, desde sus comienzos, los industriales de la propaganda[294]. Esto era, según ellos, una aventajada herramienta para tocar rápidamente de entidad poblaciones, comprendí illettrées. El cine deviene entonces rápidamente el objeto de tensiones contradictorias[295]. A Estados Unidos , la película Nacimiento de una nación (The Birth of TIENE Nación, 1915), realizado por DW Griffith, presentando el Ku Klux Klan bajo un día favorecedor brote la NAACP (Nacional Asociación for the Advancement of Colored People) a intentar de prohibir la difusión[296]. Una reflexión es iniciada entonces sobre la noción de censura pública.
El poder soviético, como consecuencia de Lenin (« El cine es para nos, de todos los artes, el plus de entidad »[297]) desarrolla un cine de Estado, a la vez bien financiado y butte a la censura[298]. Paradójicamente, este cine de Estado dará nacimiento en las innovaciones de la vanguardia soviética, y de las cineastas Sergueï Eisenstein, Vsevolod Poudovkine y Alexandre Dovjenko. Las relaciones entre estos grandes creadores y el poder soviético guardará sin embargo siempre una índole de ambiguïté[299].
En Alemania, sobre todo al travers del Triunfo de la voluntad (Triumph de las Willens, 1935), la realizadora Leni Riefenstahl pone su talento en el servicio de la dieta nazi[300].
En este comienzo de XXI e siglo, censura y propaganda no parecen haber desaparecido del paisaje cinematográfico. En Irán, por ejemplo, los realizadores confrontados en la censura han privilegiado mucho tiempo las películas que ponen en escena de las niñas[301]. Este ardid » les permitía a la vez de pretender llevar una mirada ingenua sobre la sociedad y de evitar de filmar las caras de mujeres adultas.
Una parte de la creación cinematográfica contemporánea china es, ella, recorrida de una voluntad de relecture hagiographique de la historia del país. Algunos han visto en la película Hero (chino : 英雄, Ying xiong, 2002), realizado por Zhang Yimou, una justificación de la política centralisatrice llevada por Pekin hoy.
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En los demás países democráticos, censura y propaganda son igualmente presente, pero de manera más difunde. Noam Chomsky Precisa así como « La propaganda es en la democracia, lo que la violencia es en el estado totalitaire »[302]. De hecho, según Sébastien Roffat, sobre todo autor de « Animación y propaganda », se no encuentra menos de propaganda (es decir de voluntad de promover ideas y de los valores) en las películas de animación de Walt Disney que en la película de Leni Riefenstahl El Triunfo de la voluntad, sin embargo a menudo citado como un modelo de cine de propaganda[303].
En los países democráticos, más que los Estados, esto son los diferentes lobbies morales o religiosos y sobre todo la dictadura de la audimat que están en el origen de la censura. Durante el XXe siglo, las autoridades religiosas (como por ejemplo la Iglesia católica) se han elevado regularmente contra de las películas que colisionan de frente sus valores o sus discursos. Es sobre todo el caso de La Dolce Vita (1960), película de Federico Fellini[304], de Viridiana (1961), película de Luis Buñuel[305], y de La Última tentación del Cristo (The Last Temptation of Cristo, 1988), de Martin Scorsese[306].
A Estados Unidos , durante la primera mitad del XIXe siglo, un código ha sido redactado por el senador William Hays, bajo el nombre de Código Hays. Este código fue desarrollado por los studios estadounidenses ellos-mismos, para no ser censurado por la continuación por un organismo exterior. Este código preveía de tratar los asuntos sensibles con prudencia, como el viol, la pendaison , la prostitución o la religión .
En Francia, oficialmente, la censura ha golpeado relativamente poca películas, sobre todo durante la segunda mitad del XXe siglo : Los Senderos de la gloria (Paths of Glory, 1957) de Stanley Kubrick, El Franco-tireur (1972) de Jean-Max Causse, 1974, una parte de campaña (1974) de Raymond Depardon, o la casi-totalidad de la filmographie de René Vautier… Se supone que Los Senderos de la gloria y El Franco-tireur han sido censurados a instancias de los ancianos combatientes[307]. Pero más allá de esta censura de Estado, relativamente escaso y que golpea las películas, una vez éstos acabados, se desarrolla hoy una censura en el nivel de los proyectos de películas. En Francia, la elección de realizar una película escapa progresivamente en los productores y décideurs de la filière cinematográfica. Esto son entonces las comisiones de la película y sobre todo las televisiones que escogen qué proyectos tienen que ser llevados a cabo. Indirectamente, el cine pasa así de la censura de Estado en la censura fijada porla audimat[308].
Esta conclusión de dependencia de la filière cinematográfica hacia la televisión es sobre todo válida en Francia y a Reino Unido . El cine estadounidense, mejor financiado que el cine francés, es así menos dependiente de la industria televisiva, lo que no impide una influencia de orden artístico, sobre todo de la parte de series tales que 24 horas crono.
Relaciones con los artes y técnicos connexes
A sus comienzos, el cine ha mucho emprunté a otros artes populares como el circo o el teatro[292]. La influencia de este último es por ejemplo manifiesto en las películas de Joseph Leo Mankiewicz, comprendí en su última película, El Limier, realizado 1972[310]. Después de la generalización del sonido al cine, algunas adaptaciones de óperas han sido también realizadas, la más famosa que queda probablemente el Donativo Giovanni de Joseph Losey 1979[311]. A su vez, el espectáculo cinematográfico ha influido el teatro (puesta en escena teatral que mezcla efectos especiales, música, baile, incluso proyecciones de imágenes) y sobre todo la literatura . A lo largo del XXe siglo, uno cierto número de novelistas han adoptado así imágenes y un montaje cercano del lenguaje cinematográfico.
Pero es con la televisión que el cine mantiene relaciones todavía más estrechas de influencia recíproca[312]. Uno cierto número de realizadores y de actores pasan así del pequeño a la gran pantalla, o en el sentido inverso, llevando con ellos los técnicos y el lenguaje de un universo al otro. Ponctuellement, en Francia y a Reino Unido, la influencia televisiva se emparenta hoy en una censura invisible, como con las relaciones entre cine y autoridad. A la inversa, el cine estadounidense, mejor financiado y pues más independiente de la televisión es mejor a misma de digérer esta relación de influencia artística mutua con la televisión. La serie televisiva 24 horas crono ha así probablemente acelerado la renovación del estilo de la serie de las James Bond al cine (Casino Real de Martin Campbell 2006), e incitado a laadaptación cinematográfica de la serie de las Jason Bourne (personaje creado por Robert Ludlum 1980).
El lenguaje publicitario heredero de los técnicos de propaganda industrial conoce un desarrollo de entidad a marchar de la segunda mitad del XXe siglo[313]. Primeramente influido por el lenguaje cinematográfico, retoma en su cuenta las innovaciones (técnicas de propaganda) de éste, lo influirá a su vez a marchar de la todo final del XXe siglo.
Uno cierto número de creadores en la propiedad delarte contemporáneo se han cogido del medio de comunicación que es el cine para el détourner o explorer los límites. El cine experimental, o no narrativo, mantiene así relaciones fructíferas con la escena del arte contemporáneo[314].
Las adaptaciones de cómics sobre la gran pantalla se multiplican en los países donde este arte es el más desarrollado, que esto sea en versión animada o no. A Estados Unidos , Hollywood adapta los comics que ponen en escena de los superhéroes, como en Men in Black de Barry Sonnenfeld o todavía la adaptación de V para Vendetta por James McTeigue, mientras que el cine independiente se interesa más a los graphic novels o al cómic para adultos, como From Hell adaptado por Albert y Allen Hughes. A Japón y en Corea del Sur, esto son las adaptaciones respectivas de manga y de manhwa que tienen el favor de los productores y realizadores, entre los cuales se puede citar Mamoru Oshii y su versión de Ghost in the Shell 1995. En Francia, el cómic franco-belga conoce también numerosas adaptaciones, como Asterix & Obélix : Misión Cleopatra que fue, 2002, el uno de los plus gordos éxitos del box-oficio francés. Varios commentateurs sugieren hoy que ciertos cómics, como arte séquentiel, serían del cine hecho a la casa », con a la vez menos de medianos pero más de libertad . La influencia recíproca entre ambos artes es un hecho no sería-lo que por la técnica del storyboard.
La irrupción de la cultura virtual (los juegos vídeo después Internet) al finalizar el XXe siglo modifica nuevamente el medio ambiente del cine. Los juegos vídeo e Internet ocupan una parte creciente de los ocios del joven público, haciendo de estos mundos virtuales de nuevos competidores para el cine. La influencia del videojuego sobre el cine, relativamente reciente, es todavía modesto pero creciente[315]. Se ve aparecer algunas adaptaciones de videojuego al cine, como Final Fantasy o Tomb Raider (todos dos 2001), así como de las películas que se inspiran de videojuego en el fondo, desde Tron 1982 o más recientemente con eXistenZ (1999), o en la forma, como en Matrix (1999), Fulltime Killer (2001) o todavía Cloverfield (2007).
Sociologie Del cine
El cine, en tiempo que arte popular, accesible al plus grande número, sin barrera cultural notable, ha visto su tasa de alterne aumentar y su influencia crecer. Por ejemplo, 95 % de los franceses han ido al menos una vez al cine durante su vida[316]. Así, para expresarse, o defender una idea, el hombre hace a partir de ahora referencia a un guión, un actor o a una película más generalmente[317].
La sociologie del cine estudia varios aspectos de la cultura cinematográfica : que hace las películas y porqué ? Que ve las películas, cómo y porqué ? Que se ve, cómo y porqué ? Y, cómo las películas son- puntuadas y por que [318]? Así es como varias sociólogas han analizado la historia del cine. Paralelamente, el alterne cinematográfico hace el objeto de análisis y de estudios.
Por ejemplo, el CNC ha realizado un estudio sobre el alterne en Francia, y ha aparecido que las mujeres van un poco más a menudo al cine : 5,6 vez por año, mientras que los hombres solo van 5,2 veces[319]. A la cuestión « Porqué ? », Ciertos sociólogos han puesto en valor los sabores diferentes de cada uno, y su capacidad emocional : el público femenino prefiere generalmente ver una película dramática, mientras que el público masculino se dirige más con mucho gusto hacia una película de aventura. Asimismo, el alterne en sala de los plus de 35 años aumenta desde más de 10 años para alcanzar, 2006, 51 %[319], sin embargo, la parte del Francés comprendido entre 20 y 34 años es la que va el más a menudo al cine. Sobre la cuestión de « que ve las películas ? », Ha sido demostrado que hombres y mujeres no ven las mismos tipos de película. La mirada de la espectadora es diferente. La mayoría de las películas proponen un héroe masculino, ubicando así la mujer en una posición secundaria, pidiéndole en algún tipo de olvidar su identidad femenina[320].
Además, de las sociólogas, como Pierre Bourdieu, han establecido que la historia del cine ilustraba el combate de clase : la actividad cultural depende de la posición social de cada uno. Los primeros espectadores aparecieron 1895 con los hermanos Luz, y hubieron compuesto sobre todo de burgués. El público fácil, no obstante, no tardó a ser atraído por este ocio que devino finalmente lo uno de los plus populares.
La sala de cine
Cuando es producido inicialmente, un largometraje es proyectado a menudo ante una audiencia en una sala de cine. El primer teatro designado exclusivamente para el cine ha abierto a Pittsburgh 1905[321]. De los millares otros salas han sido construidas o convertidas pocos tiempos después para el cine[322]. A Estados Unidos , estas salas son conocidas bajo el nombre de Nickelodeon , porque la entrada costaba generalmente un nickel, sea quinientos .
Antes los años 1970, existía el doble feature » ; típicamente, una Serie TIENE de elevada calidad era alquilada por una sala independiente, con una Serie B » de menor calidad, alquilada a uno cierto porcentaje de las recetas. Hoy, la más gran parte de la proyección que precede la Serie HA consiste extraídos de próximas películas, o de publicidades (más conocidos bajo el nombre de banda-anuncio ).
Históricamente, todas las películas en gordos presupuestos han sido proyectadas en salas. El desarrollo de la televisión ha permitido en las películas de ser mostrados en una audiencia más ancha, algunos tiempos después de que la película ya no es proyectada en sala. La tecnología de grabación ha permitido igualmente en los consumidores de alquilar o de comprar copias de películas sobre VHS o DVD (y los últimos formatos de laserdisc y VCD ), así como la descarga sobre la internet ha devenido una nueva fuente de vuelta para las studios de producción. Varias películas son girados a partir de ahora específicamente para estas demás salas, saliendo como téléfilm o vidéofilm . El valor de producción de estos demás tipos de película es considerada a menudo de una calidad inferior comparada a las salidas mundiales de blockbusters , en géneros similares.
La sala de cine paga una media de a poco cerca de 50 % de la venta de las tickets a las studios, como frescos de alquiler[323]. El porcentaje actual es ligeramente superior, y disminuye si la duración de alquiler es grande, como ánimo a guardar las películas sobre una más larga duración. No obstante, actualmente, el embalse del número de películas hechas que la mayoría de las películas son proyectados durante menos de 8 semanas. Según un estudio del ABN AMRO (2000), a poco cerca de 26 % de los ingresos de los studios estadounidenses provienen de la venta de tickets, 46 % vienen de la venta de vídeo, y 28 % proviene de la difusión a la televisión[323].
Ver también
Artículos connexes
- Para todos los artículos sobre el cine, accedéis en la categoría correspondiente
- Audiodescription
- Cronología del cine
- Cine en relief
- Cinéphilie
- Festival de cine
- Historia del cine
- Oficios del cine
- Recompensa de cine
- Sala de cine
- Espectáculo
- Técnico y gramática cinematográfica
- Teatro
Vínculos externos
- (fr) Allociné.fr
- (fr) Cine sobre Dmoz
- (fr+) Internet Movie Database
- (fr+) Unifrance : promoción del cine francés al extranjero
- (fr) Archivo del CNC
- (fr) Cinémathèque Francesa
- (fr) Oficio nacional de la película de Canadá
- (fr) Instituto Luz
- () estadísticos de alterne europeo
- (fr) Observatorio Europeo del audiovisual
- (fr) audiodescription.fr
Bibliographie
Ver también la bibliographie propuesta por el Ciné-club de Caen
francés
- André Bazin, Qué el cine ?, Cerf, 1976 (ISBN 2204024198)
- Roger Boussinot, La enciclopedia del cine, Bordeaste, 31 de agosto 1986 (réimpr. 1992), 1332 p. (ISBN 2040106030)
- René Prédal, Historia del cine, Cinémaction, 15 de mayo 1991 (ISBN 2854808673)
- Marc Ferro, Cine e historia, Mensajería del Libro, 26 de octubre 1993, 287 p. (ISBN 2070328058)
- Michel Chion, La Música en el cine, Fayard, 1er mayo 1995, 475 p. (ISBN 221359466X)
- Vincent Pinel, Los oficios del cine, Milán, 19 de abril 1996, 63 p. (ISBN 2841132617)
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