Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock

alfred hitchcock - Wikilingue - Encydia

Para los artículos homonymes, ver Hitchcock.

Esta página o sección es en el transcurso de réécriture o de reestructuración de entidad. (5 de junio 2010) Un usuario prevé de modificar este artículo durante algunos días. Sois invitado a conversar en página de discusión y a participar en su mejora preferentemente en concertación para modificaciones de fondo. Bandeau Fijado por Rflock (escribirle) el 5 de junio de 2010

Alfred Hitchcock
Nombre de nacimiento	Alfred Joseph Hitchcock
Sobrenombre	Hitch El maestro del suspense
Nacimiento	13 de agosto 1899 Leytonstone, Londres (Reino Unido)
Nacionalidad	Británico Estadounidense
Óbito	29 de abril 1980 (a 80 años) Los Ángeles, California Estados Unidos
Profesión(s)	Realizador
Películas notables	Las 39 andaduras Una mujer desaparece Rebecca Las Enchaînés La Torce El Desconocido de Norte-Express Ventana sobre patio Sudores fríos La Muerte a las trousses Psicosis Los Pájaros El crimen era casi perfecto
Conjunto(s)	Alma Reville (1926-1982)
Niño(s)	Patricia Hitchcock (1928)
Distinciones	Golden Globo Award

Sir Alfred Hitchcock, KBE, nacido Alfred Joseph Hitchcock (Leytonstone, afueras londinenses, 13 de agosto 1899 – Guapo Aire, Los Ángeles, 29 de abril 1980), es un realizador, productor y guionista de cine britanno-estadounidense.

Después de una carrera de éxito en su país natal en la época del mudo y al principio del hablante, Hitchcock marcha instalarse en Hollywood. En abril 1955^{[réf. Necesario]}, adquiere la ciudadanía estadounidense, todo que conserva su ciudadanía británica^{[réf. Necesario]}.

Durante sus aproximadamente sesenta años de carrera, realiza más de cincuenta largos métrages, cuyos algunos cuentan, tanto por su éxito público que por su recepción y su poseridad crítica, entre los plus de entidad del séptimo arte : esto están, entre demás, Las 39 andaduras, Las Enchaînés, Ventana sobre patio, Sudores fríos, La Muerte a las trousses, Psicosis, o todavía Los Pájaros.

Pionero de numerosas técnicas en el género del thriller, Hitchcock, « el maestro del suspense », es considerado como el uno de los realizadores los más influents a efectos stylistique, instalando las nociones de suspense y de MacGuffin en el universo cinematográfico. Sus thrillers se caracterizan igualmente, el más a menudo, por una hábil combinación entre tensión y humor. Sus temas recurrentes son el miedo, la culpabilidad y la pérdida de identidad. Un tema que se encuentra también frecuentemente en sus œuvres, con cierta variac., es aquel del inocente persécuté.

Dotado por otra parte de un sentido agudo de la autopromoción – sobre todo por sus caméos, apariciones en clin de œél en sus películas –, Hitchcock permanece hoy lo una de las personalidades del XX^e siglo los plus reconnaissables, y los más conocidas, a través del mundo.

A menudo considerado como el uno de los plus grandes réaliseurs británicos, su nombre figura en el primero lugar sobre una lista levantada 2007 por críticas cinematográficas para el Daily Telegraph, con el comentario : « Sin ninguna duda el plus grande cineasta a emerger islas, Hitchcock ha hecho más que ningún otro realizador para façonner el cine moderno, el cual sin él sería todo a hecho diferente. Poseía un olfato para la narración, disimulando con cruauté (a sus personajes y al espectador) de las informaciones cruciales y comprometiendo como ningún otro las emociones del público. »^[1]

Biografía

Niñez

Alfred Hitchcock nace el 13 de agosto de 1899 a Leytonstone, en las afueras es de Londres. Es los hilos de William Hitchcock (1862-1914) y de Emma Jane Hitchcock, nacida Whelan (1863-1942). Su padre es mayorista volailles y en frutas y verduras^[2]. Alfred, a que se da el nombre del uno de sus tíos – el hermano de su padre –, es el cadet de tres niños : sus aînés, William y Eileen, han nacido respectivamente 1890 y 1892. Su familia es gran parte católica, su madre y su abuela paterna que es de origen irlandés^[3],[4],[5]. A Londres, Hitchcock frecuenta el colegio St Ignatius a Stamford Hill, una escuela mantenida por de las jésuites^[6]. Más tarde, el cristianismo será evocado a veces en sus películas^[7], y de vez en cuando égratigné^[8], sin duda a causa de esta educación cuya guardará un muy mal recuerdo, sobre todo a causa de su temor de los châtiments corporels^[9].

« Think different ». Impreso gigante de una fotografía de Alfred Hitchcock utilizado por la sociedad Apple.

Hitchcock Describirá a menudo su niñez como muy solitaria y protegida, situación agravada por su obesidad^[10]. Confiesa le-mismo no haber tenido amigos a esta época y haber pasado su tiempo a jugar solo. Este sentimiento de aislamiento se acentúa cuando, una tarde de réveillon, sorprende su madre tomando juguetes en su bajo navideño para resbalarlos en aquellos de su hermano y de su sœur^[9]. La madre de Hitchcock ha a menudo para costumbre, particular cuando se es mal conducido, de obligarlo a dirigirse suya que se mantiene debout, que dura a veces horas, al pie de su cama. Estas experiencias serán más tarde utilizadas para describir el personaje de Norman Bates en la película Psicosis^[11],[12]. Hitchcock Atestiguará siempre también de una cierta desconfianza vivo-a-vi de la policía. Esto puede explicarse por una rápida estancia a la comisaría. Mientras que era mayor de sólo cuatro o cinco años, su padre lo habría enviado en una comisaría con una palabra a poner en los policías. Después de lectura del billete, los policías lo habrían encerrado en una célula, para soltarlo al cabo de sólo algunos minutos, diciéndole : « Ahí está lo que llega a los méchants chicos »^[9]. Más tarde, el realizador contará varias veces esta anécdota para explicar su temor de la autoridad. Que esta historia esté o no authentique^[13], se encontrará frecuentemente en sus películas de los ecos en esta idea de ser tratado duramente o acusado a culpa^[14].

1914, año de la muerte de su padre – Hitchcock ha entonces catorce años –, abandona el colegio St. Ignatius Y marcha estudiar a la London County Council School of Engineering and Navegación a Poplar (Londres)^[15]. Después de la obtención de su diploma, obtiene un trabajo en el departamento « publicidad » de la sociedad W.T. Henley Telegraphic^[16].^,[13] A la ocasión, escribe noticias para una revista que publican sus colegas^[17].

Los comienzos

Su trabajo en la publicidad desarrolla sus talentos de graphiste . que Dura este periodo, Hitchcock comienza a interesarse al cine y, 1920, gracias a un actor que en la ocasión trabajaba también en Henley, es comprometido pronto como autor y graphiste de intertitres a los Studios Islington que acababa de fundar en Londres la Famous-Players-Lasky, una firma estadounidense que había para ambición de subir producciones internacionales con estrellas inglesas y estadounidenses y de las metteurs en escena de Hollywood ; esta firma devendrá más tarde la Paramount ^[18]. Rápidamente, Hitchcock deviene jefe de la sección « Titrage » de la sociedad y, durante dos años, redacta y dibuja los títulos de películas de cineastas tales que Hugh Ford, Donald Crisp y George Fitzmaurice. Al principio de los años 1920, ve la posibilidad de intentarse a la realización, cuando el realizador de Always Tell Your Wife (1923), Hugh Cruza, tumba enferma en el transcurso de rodaje, y que llega a convencer Seymour Hicks, a la vez la estrella y el productor de la película, de ayudarlo a terminarlo^[19].

Foto escasa, tomada 1922, durante el rodaje de Number Thirteen. La película quedó inachevé y las escenas giras son consideradas como perdidas.

Hitchcock, Luego, se asocia en la actora Clare Greet e intenta de producir y realizar una primera película, Number Thirteen (1922), que trata del pequeño pueblo londinense^[20],[21]. La producción será anulada sin embargo debido a dificultades financieras^[21]. Las algunas escenas que habían podido ser giradas son hoy aparentemente perdidas. Y, si cree las propias palabras de Hitchcock, « este no era verdad pas bueno »^[22].

Periodo británico, antes-guerra

Las películas mudas

Michael Balcón (1) : Gainsborough

Final 1922, Famous Players-Lasky decide de arrestar su producción a Islington. Un pequeño equipo, cuyo forma parte Hitchcock, es retenida por el studio ; y cuando Michael Balcón funda con Victor Saville y John Freedman una nueva compañía independiente, Gainsborough Pictures, y viene girar su primera película a Islington, Hitchcock es comprometido como asistente realizador^[23].

1923^{[réf. Necesario]}, encuentra su futura mujer Alma Reville, durante el rodaje de la película de Graham Cutts, Woman to Woman (La Danseuse herida), al guión duquel colabora. Durante sus años de formación, se perfecciona en todas las propiedades : decoraciones, disfrazas, scripts... Su perfectionnisme valdrá por la continuación de numerosas escenas cultos. La última colaboración de Cutts y de Hitchcock conduce este último en Alemania 1924^{[réf. Necesario]}, donde trabaja parael UFA como décorateur después guionista. La película El Voyou ( alemán Die Prinzessin und der Geiger, inglés TheBlackguard , 1925), realizado por Cutts y coécrit por Hitchcock, es producido a los studios de Babelsberg a Potsdam, cerca de Berlín. Hitchcock Ha entonces la ocasión de asistir en el rodaje del Último de los hombres (Der Letzte Mann, 1924) de Friedrich Wilhelm Murnau ; quedará profundamente marcado por esta experiencia y se inspirará mucho realizadores expressionnistes, principalmente Murnau, cuyos los técnicos, más tarde, lo inspirarán para la concepción de las decoraciones de sus propias películas, y Fritz Lang (ver, más bajo, Las influencias de Alfred Hitchcock). Contra otros realizadores cuyos la composante literaria es muy afirmada, Hitchcock quedará siempre un enamorado de la técnica y del perfectionnisme de escenas muy complejas.

1925, Michael Balcón^[24] da otra suerte a Hitchcock que le confía la realización del Jardín del placer (The Pleasure Garden)^[25], cuyo rodaje tiene lugar a los studios del UFA^[26] en Alemania. La película – un cuento moral que tiene el teatro como tela de fondo – debuta – por una escena de voyeurisme, emblemática del uno de aspectos de la futura carrera del realizador : un travelling lateral que muestra las reacciones gozadas con un público masculino que presencia una escena de cabaret^[13]. Desgraciadamente, El Jardín del placer es un fracaso comercial^[27]. Hitchcock Dirige luego un drama, The Mountain Eagle (salido a Estados Unidos bajo el título Fear o' God), cuyo nadie copia hoy no parece haber survécu^[28]. Una vez ambas películas acabadas, son visionnés por los cajeros que los ponen en la alacena^[29].

El 2 de diciembre de 1926, Hitchcock, cuya carrera parece acabada, esposa su asistente, la monteuse y scripte Alma Reville, a la Iglesia del Cœur immaculé de Marie (Church of the Immaculate Heart of Mary, más communément llamada Brompton Oratory). Su premier y solo niño, una hija, Patricia^[30], nacerá un año y mitad más tarde, el 7 de julio de 1928. Alma, Con que Hitchcock quedará hasta el final de su vida, tenía que ser el plus cercano colaborador de su marido. Participará en la escritura de algunas-unos de sus guiones y – aunque a menudo su nombre no aparezca al genérico – colaborará con le sobre la mayoría de sus películas.

Algunos meses después de su matrimonio, la suerte sonríe finalmente al realizador, con su premier thriller, Los Cabellos de oro^[31], más conocido bajo su título original, The Lodger (HA Story of the London Fog), la adaptación de un best-steller de Marie Belloc Lowndes con, en el protagonismo, Ivor Novello, el uno de los actores y comédiens los plus célebres en Gran Bretaña a esta época.

Esto thriller, libremente inspirado de la historia de Jack la éventreur, es juzgado invendable por el cajero C.M. Woolf, Que estima que los ángulos de apresamiento de vistas son insólitas y que los extraños alumbrados inspirados por el cine alemán van dérouter el público inglés^[29]. Balcón decide entonces de comprometer el crítico Ivor Montagu para aconsejar Hitchcock^[32]. La película, que sale el 14 de febrero de 1927^[33], se révèlera ser un éxito comercial y crítico mayor de edad en Reino Unido^[34] : el público se calle en las salas^[35] y el Daily Express irá incluso hasta calificar Hitchcock de « joven de ingenio »^[35]. Como es el caso para buen número de sus primeras œuvres, esta película es influido por las técnicas del cine expressionniste^[36] cuyo Hitchcock había sido personalmente el testigo en Alemania. Ciertos commentateurs consideran The Lodger como la primera película verdaderamente « hitchcockien »^[37],[38], del hecho sobre todo que encuentra entre otros temas aquel del  falso culpable »^[39]. La película es conocido igualmente para estar el premier^[13] en el cual el realizador haga una breve aparición – un caméo – ; esta idea, que en el origen sería debida en el hecho que faltaba uno figurando al cual Hitchcock decidió en última hora de suppléer, devendrá por la continuación lo una de sus marcas de fábrica y el uno de sus mejores herramientas de promoción. Como lo dirá Roy Ward Baker : los realizadores eran considerados sólo en esta época como de los técnicos muy bien pagados, e Hitchcock, desde el comienzo de su carrera en Gran Bretaña, iba a transformar esta imagen^[13].

Después del éxito de The Lodger , el realizador, puede escoger su próxima película. Pone en escena Downhill, a veces llamado francés La Pendiente (1927), co-escrito e interpretado por Ivor Novello, autor de la pieza original. « Esto fue el rodaje el plus elegante de mi carrera »^[40], dirá más tarde Hitchcock a su asunto. La película, no obstante, no conoce un gran éxito. Gira luego El pasado no muere (Easy Virtue, 1928), librado de una pieza navideña Coward – una película que sufre de la ausencia de diálogos.

British Internacional

Hitchcock, Descontento de los guiones que él son propuestos, abandona entonces Gainsborough Pictures para firmar un contrato con la British Internacional Pictures (BIP)^[13]. La primera película realizado para la compañía, La Máscara de cuero (TheRing , 1927), una historia de triángulo enamorado sobre fondo de boxeo , encuentra los favores del público. Sigue una comedia romántica, La cual de las tres ? (The Farmer'S Wife, 1928) ; durante su rodaje, Hitchcock tiene que reemplazar el director de fotografía, Jack Cox, caído enfermo. El año siguiente, Hitchcock, que es instalado entonces con su esposa – y pronto la pequeña Patricia –, al 153 Cromwell Road, un pabellón de las afueras oeste de Londres, realiza sus últimas películas mudos : Champán (1928) y The Manxman (1929).

Las primeras películas hablantes

Chantaje : del mudo al hablante

Hitchcock Sabe que sus últimas películas no son a la altura de las esperanzas dejadas por Los Cabellos de oro / TheLodger . A pesar de un gran dominio técnico, las ideas faltan de resplandor. 1929, el realizador gira su décimo largometraje, Chantaje (Blackmail), que adapta de una pieza de Charles Bennett, el cual devendrá por la continuación, del Hombre que sabía demasiado (1934) a Correspondiendo 17 (1940), el uno de los guionistas attitrés de Hitchcock, y cuya influencia sobre la orientación que tomará el œuvre hitchcockienne se revelará determinante.

Mientras que la película no es todavía terminado, la BIP, entusiasmada por la idea de utilizar la revolución técnica que constituye entonces la llegada del hablante, decide de hacer de Chantaje lo uno de las primeras películas sonoras nunca producidos en Gran Bretaña. Hitchcock Se sirve entonces del sonido como de un elemento particular de la película, sobre todo en una escena donde, en una conversación a la cual asiste la heroína, que viene justo de devolverse culpable de un homicidio, la palabra « knife » (« cuchillo ») es puesto de manifiesto. Culminant Con una escena que se desarrolla sobre la cúpula del British Museum, Chantaje es también la primera película en el cual Hitchcock utiliza como decoración de una escena de suspense un sitio célebre^[41]. A su salida, la película obtiene un éxito fenomenal, tanto cerca del público que de la crítica. La prensa es encantada por la oposición entre el deber y el amor y, más precisamente, « el amor opuesto en el deber ». A esta época, Hitchcock funda, con un atado de prensa del nombre de Baker Hitchcock-Baker Ltd., Una pequeña estructura consagrada a su autopromoción^[42].

A esta época, Hitchcock dirige igualmente secuencias de Elstree Calling (1930), una revista musical filmada, producida por la BIP, así como un corto métrage que ha para protagonistas dos lauréats de una bolsa de la Película Weekly, Año Elastic Affair (1930). Hitchcock Habría participado también, modestement, a otra revista musical de la BIP, Harmony Heaven (1929), aunque su nombre no aparezca al genérico de esta película.^{[réf. Necesario]}

Hitchcock Realiza luego Junon y el paon (1930), adaptado sin grande brio, sin duda demasiado fielmente, de una pieza del Irlandés Seán O'Casey ; se trata posiblemente de un reflejo de la voluntad, después de la llegada del hablante, de explotar sobre todo esta novedad. Gira luego, de 1930 a 1934, Homicidio – cuyo realizará también una versión con actores alemanes, distribuida bajo el título Mary –, The Skin Game, Al este de Shangai, Número diecisiete, así como una película musical, El Canto del Danube.

Michael Balcón (2) : Gaumont British

1933, Hitchcock es comprometido nuevamente por Balcón^[24] a la Gaumont British Picture Corporación^[43]. Su primera película para la compañía, El Hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934), es un éxito. Hitchcock Girará le-mismo un remake en Estados Unidos. Con respecto al segundo, Las 39 Andaduras (The 39 Steps, 1935), que iba más tarde servir de modelo a Joven e inocente, que Corresponde 17, Quinta Columna y a La Muerte a las trousses, es citado regularmente como el uno de las mejores películas del comienzo de la carrera del realizador. Ambas películas tienen común que tienen Charles Bennett para principal guionista.

La historia es aquella de un hombre acusado a culpa y obligado de probar su inocencia. Un Londinense (Robert Donat) acepta de albergar en su appartemment una joven mujer que, de hecho, es un agente secreto que lucha contra una misteriosa organización criminal llamada « Las 39 andaduras ». La incógnita es matada y el joven, temiendo de ser acusado de asesinato, se decide a aprender más sobre la organización en cuestión...

Las 39 andaduras es la primera película en el cual Hitchcock recourt a un « MacGuffin », término que designa un elemento de la intriga alrededor duquel parece girar toda la historia, pero que no tiene en realidad ningún informe con el significado de ésta o la manera cuya se termine (ver, más bajo, El MacGuffin). En Las 39 andaduras^[44], el « MacGuffin » es en la ocurrencia una serie de planes que parecen haber sido ocultados.

La película siguiente del realizador, Agente secreto (Sabotaje, 1936), es la adaptación muy libre, por Charles Bennett y Alma Reville, la esposa de Hitchcock, de una novela de Joseph Conrad.

Es cuestión de una oscura organización terrorista sévissant a Londres, y particular del uno de sus miembros, Mr Verloc (Oskar Homolka), al físico brutal, dueño de un cine que lleva una vida en apariencia apacible con su séduisante esposa (Sylvia Sidney) y el joven hermano de ésta. Se cita a menudo una anécdota en propósito de esta película. Durante el rodaje de una escena dramática donde tenía que intervenir, Sylvia Sidney, viendo el realizador preferir pasar su tiempo a cuadrar elementos de la decoración antes que ella, habría sido emocionada hasta las lágrimas. Después de haber visto el resultado en la pantalla, no obstante, la actora, entusiasmada, habría alertado inmediatamente el productor hollywoodien David O. Selznick Para que éste se interesara además cerca al asombroso realizador. Es posible que esta historia haga únicamente marchada de la leyenda que rodea el cineasta, pero no queda menos significativa. Bastante étrangement, a pesar de algunas escenas marquantes, Agente secreto será un fracaso a efectos comercial. Hitchcock Lo explicará ya que, en esta película, muy sombría, una escena particularmente angustiosa se concluye por la muerte, chocante, de un niño^[45].

1937, Alfred Hitchcock, acompañado de su mujer Alma y de su asistente Joan Harrison, efectúa un primer viaje en Hollywood a Estados Unidos^[46].

Gainsborough, Sin M. Balcón

Con Agente secreto se termina de modo abrute la segunda fase de colaboración fructífera con Michael Balcón, en el momento en que los dueños de la Gaumont British deciden de poner la llave bajo el paillasson. Es entonces nuevamente para Gainsborough Pictures que Hitchcock gira sus dos películas siguientes, pero sin su anciano promotor. Joven e inocente (Young and Inocencio, 1937) constituye una variac. sobre el tema del inocente injustamente proseguido, con sin embargo un tono de comedia más pronunciado.

Los actores Naunton Wayne y Basil Radford en la película Una mujer desaparece (The Lady vanishes, 1938).

El realizador conoce otro éxito que importa 1938 con Una mujer desaparece^[47], una película espiritual y al ritmo quitado en el cual es cuestión de la desaparición de Miss Froy, simpática vieja Inglesa (May Whitty), mientras ésta viaja a bordo de un tren en un país ficticio nombrado Vandrika, una alusión apenas velada enAlemania nazi^[48]. Aunque sea cuestión de un viaje, el rodaje tiene lugar exclusivamente en un pequeño studio londinense, y tiene recurso, para dar la ilusión de dépaysement, a maquetas y a proyecciones al posteriorplan de los personajes.

Es en esta época que Hitchcock comienza a ser conocido para haber hecho una reflexión poco flatteuse con relación a los actores, asimilando éstos a « del ganado »^[49]. La frase iba por la continuación frecuentar Hitchcock que dura años. (Ver, más bajo, Hitchcock y los actores)

Hacia el final de los años 1930, el realizador comienza a gozar de una cierta reputación cerca del público estadounidense ; es entonces, en Gran Bretaña, a la cumbre de su arte. Así es como David O. Selznick Propone de venir trabajar en Hollywood. Hitchcock Acepta y, a marchar de este momento, es en Estados Unidos que girará prácticamente todas sus películas. El 14 de julio de 1938, firma un contrato de 40 000 $ por película. 1939, gira – provisionalmente – una última película en Gran Bretaña, La Tasca de Jamaica, un mélodrame histórico. El 6 de marzo de 1939, le y su familia llegan en Nueva York y se instalan en Los Ángeles.

Periodo estadounidense

El suspense y el humor negro, devenidos al cine la marca de fábrica de Hitchcock, iban a continuar a aparecer en sus realizaciones estadounidenses. Rápidamente, Hitchcock será impresionado por los recursos superiores cuyos disponían los studios estadounidenses, en comparación con las restricciones financieras a las cuales se estaba a menudo colisionado en Inglaterra.^{[réf. Necesario]}

En septiembre 1940, los Hitchcock compran Cornwall, un ranch de 200 acres (0,81 km²) ubicado cerca de la pequeña ciudad de Scotts Valley, en las Monts SantaCruz , al norte de California. El ranch quedará su vivienda habitual hasta su muerte, a pesar de que conservarán su casa de Guapo Aire.

Los años 1940

Hitchcock No realizará que cuatro películas para Selznick (Rebecca 1940 ; La Casa del doctor Edwardes 1945 ; Los Enchaînés 1946 y El Proceso Paradine 1947) antes de decidir que vale mejor ser su propio productor en 1947. No obstante, producir una película cuesta caro y las primeras œuvres independientes de Alfred Hitchcock (La Cuerda y Los Amantes de Capricornio) no tienen mucho de éxito al box-oficio. El 3 de enero de 1949, el realizador signo con Warner Bros. Un contrato por el cual se compromete a girar cuatro películas en seis años^[50].

que Dura la Segunda Guerra Mundial

Comienzos estadounidenses con David O. Selznick

Las condiciones laborales con Selznick no serán óptimas. Regularmente, el productor se encontraba le-mismo frente a dificultades financieras y, a menudo, Hitchcock será descontento del control ejercido por Selznick sobre sus películas. Selznick « Alquilará » Hitchcock a los plus grandes studios (RKO, Universal, 20th Century Fox) más a menudo que no producirá le-mismo las películas del realizador. Indigne, Selznick, como Samuel Goldwyn, su colega productor independiente, no hacía que algunas películas por año, de forma que no había siempre de proyectos a proponer a Hitchcock. Goldwyn Había lucido también negociado con el realizador para un contrato potencial, pero Selznick había surenchéri y lo había llevado. Más tarde, durante una entrevista, Hitchcock resumirá así su colaboración :

« [Selznick] Estaba el Grande Productor. [...] El productor era el rey. La cosa la más flatteuse que Mr. Selznick Haya dicho nunca en mi asunto – y eso muestra la grada de control – ...Ha dicho que era el solo realizador" suyo que "confiaría una película". »^[51]

Mrs. Danvers (Judith Anderson), la gouvernante poco amena, y la joven Mrs. De Winter (Joan Fontaine), en Rebecca (1940).

A la salida, el productor desea que Hitchcock realiza una película sobre el naufragio del Titanic^[52]. Sin embargo, Hitchcock llega a imponer su elección. Opta para Rebecca (1940), la adaptación de un best-steller de su compatriota Daphne del Maurier (autor igualmente del Albergue de Jamaica, cuya era tirado de su precedente película, y de la noticia Los Pájaros, que el realizador iba más tarde llevar en la pantalla). La historia se desarrolla en Inglaterra. Los protagonismos serán mantenidos por Laurence Olivier y Joan Fontaine, de los actores británicos, y la escritura del guión es confiada a Joan Harrison, británico ella también. A causa de la afección llevada por Hitchcock para su país natal, un gran número de sus películas estadounidenses tendrán en efecto Reino Unido para decoración, o serán girados, y este hasta Frenzy^[53], su penúltimo largometraje.

Después de numerosas adaptaciones del guión, el rodaje de la película démarre el 8 de septiembre de 1939, cinco días después de la declaración de guerra de Inglaterra a Alemania y la víspera de la antes-primera de Tanto lleva el viento. Hitchcock Ama trabajar solo, sin interferencias. Con Selznick, tiene que justificar su elección y tomar las ideas y las remarcas del productor en consideración^[54]. En el transcurso de producción, de las tensiones surgen entre Hitchcock y Selznick con respecto a la fidelidad a la cual es mantenido un realizador por informe a una œuvre literaria adaptada, la elección y la dirección de los actores, y la importancia del montaje^[55]. que Implica el primer punto, por ejemplo, Selznick, que desde tres años trabaja sobre Tanto lleva el viento – la película que hará su fama –, enamorado de literatura, desea que de las escenas y de los diálogos enteros de Rebecca sean restituidos fielmente en la pantalla^[54]. Su enfoque es total oposición con aquella de Hitchcock^[54]. Se queja por otra parte en lo relativo al « fichu recorte en puzzle »^[56] de Hitchcock, lo que muestra que, finalmente, este no es le, el productor, que tendrá la última palabra para crear una película en su manera, pero que es obligado de seguir la visión de Hitchcock con relación a este para qué tiene que parecer el producto acabado^[57].

Rebecca, Cuento gótico, explore los miedos de una joven casada ingenua que viene instalarse en una vasta morada de la campaña inglesa ; en un primer momento, él hace falta adaptarse al formalisme y a la frialdad extrema que encuentra, y luego enfrentar la emprise de la precedente mujer de su marido, muerta mucho tiempo antes. En esta película, el realizador recourt a procedidos que serán característico de sus œuvres postérieur las más cumplidas : un ritmo lento, una historia contada según el punto de vista de un solo personaje, la introducción a mi-recorrido de un elemento que cambia totalmente el sentido de la historia y la utilización de procedidos visuales espectaculares reservada a los momentos claves de la intriga^[58].

A pesar de su longitud – la película dura más 2 horas^[59] –, es un triunfo, y recibe dos de cada nueve Oscars nombramientos : aquel de la mejor película, décerné a Selznick ^[60], y aquel de la mejor fotografía, décerné al jefe operador George Barnes. Hitchcock Es nombrado para aquel del mejor realizador, pero es John Ford que, finalmente, décrochera la recompensa. Hitchcock Siente con un cierto amargor el hecho que el precio de la mejor película desemboque en las manos de Selznick antes que en las siennes, y es sin duda lo que, por la continuación, iba a estimularlo en su voluntad de independencia^[61].

Hitchcock, Como mucho Inglés habitante en Estados Unidos , es muy inquieto para su familia y sus amigos quedados en el país al principio de la Segunda Guerra Mundial^[62]. Les rinde homenaje a través de la película que Corresponde 17 (Foreign Corresponden, 1940), producido por Walter Wanger y basado en Personal History, un libro de Vincent Sheean^[54].^,[63] La historia es aquella de un periodista, jugado por Joel McCrea, enviado en Europa para juzgar de la eventualidad de una nueva Guerra mundial. La película, que mezcla escenas reales giras en Europa y otras giras en Hollywood, se termina por un plaidoyer a favor de la entrada en guerra de Estados Unidos  ; no obstante, para satisfacer en el código de censura entonces vigente a Estados Unidos, la película evita las referencias directas en Alemania y a los Alemanes^[64]. que Corresponde 17 será nombrado para el oscar de la mejor película, en competición con Rebecca, el cual será pues preferido.

A la misma época, Hitchcock supervise el montaje de las versiones estadounidenses de dos documentales ingleses sobre la guerra : Men of the Lightship (1941) y Target for Tonight (1941).

RKO

A pesar de un sabor muy moderado para los mondanités, Hitchcock y su mujer se ligan de amistad con Clark Gable y su esposa Carole Lombard para que acepta de realizar una comedia romántica con Robert Montgomery : Alegrías matrimoniales (1941)^[62].^,[65] La historia es aquella de una pareja querelleur, interpretado por Lombard y Montgomery, que descubre que no son casados legalmente. Después de una separación, acaban por se reconquérir a fuerza de disputas. El Red Book Revista calificará la película de « comedia la más hilarante y explosiva del año 1942 ».

Todo como Alegrías matrimoniales, Sospechas (Sospecha, 1941)^[66] es producido por la RKO. Ambas películas de Hitchcock salen la mismo año que el Citizen Kane de Orson Welles, producido por la misma compañía, y cuya música es firmada Bernard Herrmann, un compositor cuyo rol iba a ser de entidad por la continuación para Hitchcock.

Hitchcock considèrera Sospechas, adaptado de la novela Complicidad (Before the Fact) de Francis Iles y cuya historia se desarrolla mayor parte en Anglerre, como su segunda película inglés realizado a Hollywood después de Rebecca . Las escenas consideradas como tener para decoración la costa inglesa serán en realidad girada sobre la costa septentrionale de Santa Cruz en California^[18]. El guión es coécrit por el Neoyorquino Samson Raphaelson, y Joan Harrison y Alma Reville. En la distribución, se encuentra Joan Fontaine, que tiene esta vez para socia Cary Grant (británica de origen lucido también). Se trata para el actor de su primera aparición en una película de Hitchcock, y el uno de las escasas películas de toda su carrera personal donde se lo ve encarnar un personaje bastante siniestro^[18],[67].

Grant Juega el rol de un hombre que, enmascarando su oisiveté por su encanto, llega a seducir una joven mujer afortunada y de una naturalidad más bien reservada (Fontaine). Él la esposa. Rápidamente, la joven mujer se da cuenta que su marido es todo a hecho irresponsable y se encuentra, al hilo de una serie de acontecimientos, sumergida en una terrible angustia. Acaba por sospechar que el hombre que ama es un homicida y que busca el medio de quitarse de ella. Según el realizador, el miedo y la angustia forman parte de las fantasmes los plus corrientes en el ser humano. La heroína va hasta imaginar su marido precipitando su amigo y asociado de la altura de un acantilado y, por la continuación, a sospechar que un vaso de leche es empoisonné, en una escena típicamente hitchcockienne, donde se ve el personaje encarnado por Grant subir lentamente en la penumbra la escalera que lleva en el cuarto de su mujer, llevando sobre un escenario un vaso de una blancheur sidérante. Por la continuación, Hitchcock explicará que, para esta secuencia, había hecho ubicar una fuente luminosa directamente en el vaso^[68].

En un primer montaje, la película respetaba el final del libro, y el personaje de Grant se revelaba ser realmente un asesino, pero la RKO consideró que eso era susceptible de perjudicar en la imagen del actor. Aunque, como lo confesará más tarde a François Truffaut, un homicidio habría convenido mejor, Hitchcock acaba por aceptar de dar en la historia un desenlace más feliz, aunque ambiguo^[69].

Para su rol en esta película, Joan Fontaine^[70] logra, a veinticuatro años, el oscar de la mejor actora^[18] – el solo de toda su carrera^[71] –, así como el precio de la crítica new yorkaise^[72] para su  aventajada prestación »^[66].

Las primeras películas Universal

Al finalizar 1941, después de haber girado cuatro películas en dos años, Hitchcock se lanza en una producción a la vez más personal y más audaz, Quinta Columna (Saboteur) ^[73], que recuerda Las 39 andaduras y anuncia ya La Muerte a las trousses. El 20 de agosto de 1941, fecha del final de rodaje de Sospechas , Hitchcock se pone en el trabajo, hasta el mes de octubre de la mismo año, con el guionista Peter Viertel ; participa igualmente en la escritura Dorothy Parker. Esta película marca la primera colaboración de Hitchcock con Universal Pictures.

La intriga debuta con un obrero de la aeronáutica acusada, a culpa, de haber cometido un acto de sabotaje en su fábrica : un incendio que ha entrenado la muerte de su mejor amigo. Para probar su inocencia, inicia una carrera-persecución acérrima a través del país a la investigación del verdadero saboteur. Durante su fuga, hace el encuentro de una joven mujer que, primeramente méfiante, acabará por venirle ayuda.

Para los protagonismos, Hitchcock deseaba poder disponer de Gary Cooper y Barbara Stanwyck pero, continuación en el rechazo del studio, esto serán finalmente Robert Cummings y Priscilla Lane que serán comprometidos. El realizador lamentará por la continuación de no haber podido trabajar, al menos en cuanto al rol masculino, con un actor más conocido, al cual el público se habría identificado mejor^[74].

A menudo, se reprochó en el realizador de no más interesarse en sus películas antes mismas que no comienza el rodaje pero, en realidad, Hitchcock, continuellement a la investigación de la perfección, era siempre listo a modificar cualquier elemento de su guión en funciones del avancement del trabajo^[75]. Para Quinta Columna, él expérimente de noticias técnicas con el décorateur Robert Boyle. Gira también dos versiones diferentes de numerosas escenas, con el fin de tener la posibilidad de escoger durante el montaje. Hitchcock Podía llevar una mirada crítica sobre su propio trabajo. Al finalizar la película, el héroe prosigue un asesino que se encuentra suspendido a la cumbre de la antorcha de la estatua de la Libertad^[75]. Según Hitchcock, se trata allí de un error, y habría valido mejor que esto fuera el héroe que se encontrara en esta fâcheuse posture : así la identificación del público para el personaje habría sido más fuerte^[75]. Salido en abril 1942, la película, sin embargo, conoce un gran éxito.

Joseph Cotten, al genérico de La Sombra de una duda (1943), inquietante y cynique tío Charlie.

Desde el final del rodaje de Quinta Columna, Margaret McDonell, jefa del departamento literario de Selznick, toma contacto con Hitchcock para someterle de nuevos proyectos. El realizador lleva su elección sobre Tío Charlie, una historia escrita por Gordon McDonell, marido de Margaret McDonell. Para escribir el guión de lo que devendrá La Sombra de una duda (Shadow of ha Doubt, 1943)^[76], su segunda película Universal, hace primeramente llamada a Thornton Wilder, que se engancha en esta tarea en mayo y junio del año 1942. Antes de haber terminado, no obstante, el guionista decide de manera impromptue de coger los servicios secretos del ejército. Esto son desde entonces la novelista Sally Benson y Alma Reville que son cargadas de terminar los diálogos, y el rodaje comienza el 10 de agosto de la mismo año. Nuevamente, de numerosos planes de La Sombra de una duda serán filmados exteriores, esta vez-aquí en la ciudad de Santa Rosa , en el norte de California.

En La Sombra de una duda – el que, entre todas sus películas, Hitchcock dirá a menudo preferir^{[36] [77]}  –, Joseph Cotten intérprete Charlie Oakley, un hombre en el pasado extremadamente disturbio, y manipulador. que Se siente acorralado por la justicia, decide de refugiarse en su sœur que, al igual que la hija aînée de esta última, Charlotte Newton (Teresa Wright), apodada « Charlie » en referencia en su tío, joven dinámica y rêveuse que se siente al estrecho en su pequeña ciudad y ve en su homonyme un tipo de rédempteur, lo acoge en brazos abiertos. No obstante, Oakley es vigilado de cerca por dos hombres misteriosos, lo que siembra la duda en el espíritu de Charlie/Charlotte, y ameno ésta a sospechar su sauveur fantasmé de estar este que es en realidad : un tueur de viejas señoras, vénal y cynique...

A propósitos de Charlie Oakley, Hitchcock dirá a François Truffaut :

« Es un asesino idéaliste. Forma parte de estos tueurs que sienten ellos una misión de destrucción. Tal vez las viudas merecían- lo que les ha llegado, pero esto no era su curro de hacerlo. Un juicio moral es llevado en la película, no es-este paso, ya que Cotten es destruye en el final, incluso accidentalmente, por su sobrina ? Eso vuelve a decir que todos los méchants no son negros y que todos los héroes no son blancos. Hay grises en todas partes. El tío Charlie amaba mucho su sobrina pero, sin embargo, no tanto que lo amaba. Pero ha tenido que destruirlo, porque no olvidamos que Oscar Wilde ha dicho : "Se mata lo que se ama." »^[78]

En lo relativo a la película, de las críticas han podido decir que la utilización por Hitchcock de personajes, de diálogos y de gordos-planes en doble sentido ha ofrecido una mina de interpretaciones psychanalytiques potenciales a toda una generación de théoriciens del cine^{[réf. Necesario]}, al número desquels Slavoj Žižek (director de una labor titulada Todo lo que habéis querido siempre saber sobre Lacan sin nunca oser pedirlo a Hitchcock, aparecido 1988). El realizador presenta su propia fascinación para el crimen y los criminales en una escena donde dos personajes tienen una discusión en lo relativo a las diferentes maneras de perprétrer un homicidio, suscitando el émoi de la joven Charlie. El realizador, durante el rodaje, aprende el óbito de su madre, quedada a Londres. Ciertos episodios de la niñez de Hitchcock a Leytonstone parecen así evocados en la película^[79] : como Hitchcock, Charlie tiene una madre que se llama Emma ; Oakley ha habido un accidente de bicicleta en su niñez ; una pequeña hija nombrada Ann lee Ivanhoé, libro que Hitchcock sabía por cœur que está niño ; y el personaje de Joseph – segundo nombre de Hitchcock – niega a conducir un coche^[80]. No obstante, según la propia hija del realizador, Patricia, no se trataría allí que de meros coïncidences^[81].

20th Century Fox

Para la 20th Century Fox, Hitchcock realiza luego su primera película abiertamente política^[82], Lifeboat (1944), una adaptación del uno de los scripts de John Steinbeck, crónica de las experiencias vividas por los supervivientes del naufragio de una nave estadounidense fluido por un submarino alemán^[83] y que intentan, sin brújula, de coger Bermudas a bordo de un canot de salvamento. Un de los pasajeros, el uno de los solos en medida de traer la embarcación en buen puerto, no obstante, se revela ser un Alemán.

La película estudia aquello de lo que los hombres son hechos cuando ya no han nada. Puede tratarse de una película de propaganda, una nueva contribución en el esfuerzo de la guerra. Las escenas de acción son giradas a bordo del canot y el étroitesse del lugar crea una ligera preocupación con relación al tradicional caméo del realizador. El problema será resuelto por la aparición de Hitchcock sobre una foto de un periódico que el personaje jugado por William Bendix lee en el barco, una publicidad « antes-después » para un producto amincissant : « Reduco-Obesity Slayer »^[84]. Lifeboat Recibirá una recepción crítica muy favorecedora en un primer momento, pero la critica bruscamente se ravisera, gangrenée por la duda, porque el tratamiento de estas nueve individualidades, y más que toda otra aquella del nazi, toma algunas libertades intolerables en el contexto de la época. La película es nombrado a pesar de todo tres vez a los oscars^[85] en las categorías mejores realizador, mejor guión original (Steinbeck) y mejor fotografía (Glen MacWilliams), y la actora Tallulah Bankhead recibe con respecto a ella el precio NYFCC de la mejor actora^[85].

Mientras trabaja para la Fox, Hitchcock considera seriamente de girar una adaptación de la novela de TIENE. J. Cronin, Las Llaves del reino (The Keys of the Kingdom)^[86], en lo relativo a un sacerdote católico en China^{[réf. Necesario]}, pero el proyecto cae al agua, y es John M. Stahl Que, 1944, acabará por hacer la película, producido por Joseph L. Mankiewicz Y con sobre todo para estrella Gregory Peck^[87].

Intermedio británico : propaganda/ Shoah

De regreso en Inglaterra para una estancia prolongada final 1943 comienzo 1944, Hitchcock realiza dos canchas-métrages, de aproximadamente una mitad-hora cada uno, para el Ministerio de la Información británica (Ministry of Información), buen Viaje^[88] y Aventura malgache^[89]. Estas películas giradas para las Fuerzas francesas libres – son los solos de Hitchcock franceses y « presentan teclas típicamente hitchcockiennes »^[90]. El segundo, juzgado demasiado sensible, será prohibido en Francia.^{[réf. Necesario]} En los años 1990, ambas películas serán difundidos sobre el canal estadounidense Turner Classic Movies y saldrán por la continuación en vídeo.

1945, Hitchcock es comprometido como « consejero artístico » (treatment advisor, de hecho como monteur) para un documental producido por el Ejército británico y volcado en la Shoah . Dirigido por Sidney Bernstein, la película, una grabación de la liberación de los campos de concentración nazis, quedará inédito hasta 1985 ; será completado entonces para la serie Frontline del canal estadounidense PBS y difundido bajo el título Memory of the Camps^[91],[92].

Inmediato después de-guerra

Últimas películas con Selznick

Hitchcock Vuelve luego en Estados Unidos para girar La Casa del doctor Edwardes (Spellbound, 1945)^[93], segunda película del realizador, después de Rebecca , que ha Selznick para productor, y que explore el tema entonces vogue^{[réf. Necesario]} de la psychanalyse. Los protagonismos son mantenidos por Gregory Peck e Ingrid Bergman.

Cary Grant E Ingrid Bergman en Los Enchaînés (Notorious, 1946).

Peck Encarna un personaje que se presenta primeramente como el dr. Anthony Edwardes, el nuevo director de un asile psiquiátrico. Se lo sospechosa bien rápidamente de no ser aquel que pretende. Alcanzado de amnésie, después pronto acusado del homicidio del verdadero Edwardes, es ayudado en su búsqueda de identidad por la joven dr. Peterson (Bergman) que, finalmente, permitirá igualmente de se disculper. Lo una de las secuencias los plus célebres de la película, por otra parte extremadamente charlatán, es aquella del sueño surréaliste creada por Salvador Dalí, un tipo de rébus que va a permitir a la psychanalyste de dilucidar el misterioso pasado de su protegido^[82]. Juzgada demasiado dérangeante para el público, la escena onirique tal que aparece hoy en la película es sensiblemente más corta que los algunos minutos previstas a la salida^{[réf. Necesario]}. Una parte de la banda original compuesta para la película por Miklós Rózsa – que se sirve sobre todo de un thérémine – será más tarde adaptada por el compositor bajo la forma de un concerto para piano La Casa del doctor Edwardes será un gran éxito comercial^[82].

En el libro-entrevista de François Truffaut, Hitchcock afirma que Selznick, para compensar el adelantamiento de presupuesto del western Duelo en el sol (Duelo in the Sun, 1946), producido por le y realizado por King Vidor, vende entonces en « lote » a la sociedad RKO : Hitchcock, metteur en escena, Cary Grant e Ingrid Bergman, ambas estrellas, así como un guión de Ben Hecht, y este para un importe de 500 000 $. Esta transacción es en el origen de los Enchaînés (Notorious, 1946)^[94]. Bergman debe jugar el rol de una joven mujer, hija de un espía nazi devenida alcohólica que, al principio de la película, es seducida por un agente del gobierno estadounidense (Grant). Este último ha de hecho para misión de servirse de ella para espionner un denominado Alexander Sebastian (Claude Rains), el uno de sus antiguos amantes, amigo de su padre y que, refugiado en Latinoamérica, más precisamente a Brasil, lleva actividades sospechosas.

Mientras que trabaja en la escritura del guión con Ben Hecht, el realizador se pregunta cuál « MacGuffin » los héroes de la película podrían bien investigar y escoge el uranio, pasado contrebande en botellas de vino por los espías y destinado a la fabricación de una bomba atómica. Consulta expertos que, para alejarlo de la verdad, intentan de hacerle creer que esta bomba ha compuesto agua pesada y no de uranio^[82] ; al respecto, el realizador habría consultado sobre todo Robert Millikan, delinstituto Caltech. que Juzga el « MacGuffin » totalmente ridículo, el studio se muestra más bien reticente – Selznick le-mismo, hasta la difusión de la noticia de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki de agosto 1945, consideraba el asunto como levantando de la propiedad de la  ciencia-ficción »^[95]. El realizador acaba por perforar el secreto de la fabricación de la bomba y, por la continuación, aprenderá que el FBI lo ha hecho seguir tres mes que dura para descubrir de donde mantenía esta información^[82]. Los Enchaînés logrará un enorme éxito al box oficio y resto lo uno de las películas más aclamadas del realizador^{[réf. Necesario]}, sobre todo considerado por Truffaut como la mejor película negro y blanco de Hitchcock^[82].

El Proceso Paradine^[96] (1947), un drama judicial, será la última película de Hitchcock producido por Selznick.

Écœuré Por la fortuna que el productor acumula sobre su espalda – éste toca, a cada contrato, tanto que le –, Hitchcock manifiesto poco interés para el proyecto^[97]. En la película, Alida Valli goza una joven mujer acusada de haber empoisonné su marido, un anciano rico y ciego. Su abogado (Gregory Peck) acabará por sucumbir en su encanto glacial. La película será un desastre, tanto cerca del público que de la crítica^[97], esta última juzgándolo fastidieux, pêchant por una duración excesiva y una carencia de ideas. Hitchcock Negará a proseguir su colaboración con Selznick, el cual había sin embargo aprendido una lección mayor : a Hollywood, es el productor que decide del final cut^[97]. Desde entonces, el realizador hecho una tentativa para se autoproduire.

Transatlantic Pictures

Farley Granger, James Stewart y John Dall, en La Cuerda (Rope, 1948), la primera película de Hitchcock en color pero, sobre todo, un ejercicio de estilo y una prouesse técnica.

1948, Hitchcock, en tándem con su compatriota y amigo Sidney Bernstein, creado Transatlantic Pictures, una sociedad de producción con la cual realizará dos películas. Para el premier, el realizador escoge de adaptar la pieza Rope's End de Patrick Hamilton – que devendrá en la pantalla La Cuerda (Rope, 1948)^[98] – , inspirada del homicidio cometido 1924 por Nathan Leopold y Richard Loeb – rebautizados en la película Brandon Shaw y Philip Morgan.

La película debuta después de un plan de exposición que muestra una calle en contra-sumergida y sobre el cual desfila el genérico – por el asesinato de un joven por dos de sus camaradas. Éstos preparan luego una cena al cual son invitados la tardemisma, sobre el lugar del crimen, los parientes de la víctima, su pequeña amiga y un anciano flirt de esta última. Entre los invitados se encuentra igualmente un de sus profesores, Rupert Cadell, que, observando el comportamiento extraño de la joven gente durante la noche, va a comenzar a sospechar la impensable. Ambos homicidas son jugados por John Dall y Farley Granger y, para el rol del profesor, la Warner Bros., Que distribuye la película, escogió James Stewart. Es el premier de las cuatro películas que el actor girará con el realizador^[98].

Venda-anuncio de La Cuerda.

La Cuerda es la primera película de Hitchcock girado en color y constituye también un ejercicio de estilo. Como lo había hecho algunos años antes para Lifeboat^[83], el realizador se lanza el reto de un suspense méthodiquement ordenado en un espacio confiné. Él expérimente igualmente de los planes exceptionellement largos – la película comporta todo once, un por bobine, algunos que pueden durar hasta diez minutos. De una manera o de otra, el caméraman de Hitchcock consigue a desplazar de modo fluido a través de la decoración la pesada y encombrante cámara Technicolor y a seguir la acción continua de los largos planes-secuencias.

Terminado el 21 de febrero, la película sale en Estados Unidos en septiembre 1948 bajo el título Alfred Hitchcock's Rope (La Cuerda de Alfred Hitchcock). Es entonces la primera vez que su nombre aparece en un título, e Hitchcock experimenta una grande fierté. Las críticas, sin embargo, son mitigées, y el éxito público templado por la acción de las ligas de virtud. La película no ha de problemas con la censura, aunque sea prohibido en varias regiones de Estados Unidos , o bien proyectado con de los coupures (generalmente la escena del homicidio). El Nacional Board of Review el déconseillera a los menos de veintiún años. En Europa, es prohibido primeramente en Francia y en Italia. Al final, La Torce no conoce un éxito que resuena, pero los productores regresarán ampliamente en sus frescos.

El primer éxito de Transatlantic Pictures es contrebalancé por el fracaso de los Amantes de Capricornio (Under Capricorn, 1949)^[99], un drama histórico que tiene para marco Australia del XIX^e siglo. Ingrid Bergman goza el rol de una joven mujer que, gracias al amor, llega a escapar en el alcohol y a la locura.

Como para La Cuerda, Hitchcock, en Los Amantes de Capricornio, recourt a los planes-secuencias, pero de modo sin embargo menos apoyada. La película es girado igualmente Technicolor ; no obstante, el realizador preferirá, para sus tres películas siguientes, volver en el negro y blanco. Es la película que el cineasta dirá lamentar el más haber girado. Marca la última colaboración de Hitchcock con la actora Ingrid Bergman, y el fracaso de la película – el plus grande fracaso de toda la carrera del realizador^[100] – firma el final de la efímera sociedad Transatlantic. Hitchcock Continuará sin embargo, hasta el final, a producir sus propias películas.

El 3 de enero de 1949, el realizador signo con Warner Bros. Un contrato por el cual se compromete a girar cuatro películas en seis años para un salario global de 990 000 $^[50].

Los años 1950 : el apogeo de un realizador

Al principio de los años 1950, Lew Wasserman, entonces al frente de MCA y cuyos James Stewart y Janet Leigh, entre otros actores que aparecerán en películas de Hitchcock, forman parte de la clientela, habrá entonces una influencia prépondérante sobre la imagen y la promoción de las películas del realizador.

Las películas realizadas y producidas por Hitchcock a marchar de 1954 y El crimen era casi perfecto son general considerados como sus plus grandes jefes-de œuvre (este periodo faste se extenderá hasta el comienzo de la década siguiente, hasta los Pájaros, 1963).

Acuciado por sus créanciers y por Wasserman, Hitchcock acepta 1955 de prestar su nombre y su imagen en una serie televisada titulada primeramente Alfred Hitchcock presente (1955-1962) para un salario de 129 000  $ por episodio de 30 minutos.

Marlène Dietrich En El Grande Alibi (Stage Fright, 1951).

1950, Hitchcock vuelve en Gran Bretaña para dirigir El Grande Alibi (Stage Fright^[101]). Para la primera vez, Hitchcock asocia en la pantalla Jane Wyman, lo una de las más grandes estrellas de la Warner Bros.^[102], con la sensual actora alemana Marlène Dietrich. Hacen igualmente marchada de la distribución uno cierto número de actores británicos de primer plan, cuyo Michael Wilding, Richard Todd y Alastair Sim. Es la primera película del realizador producido por Warner Bros., Que antes había distribuido ya La Cuerda^[98] y Los Amantes de Capricornio^[99], la sociedad Transatlantic ante entonces enfrentar dificultades financieras^[103].

La historia recuerda películas precedentes del realizador, como Los 39 andaduras (1935), Joven e inocente (1937) y Quinta Columna (1942) : Jonathan Cooper (Todd), un hombre épris de una comédienne y cantante (Dietrich), es sospechado de estar el homicida del marido de ésta ; su amiga Eve (Wyman) intenta desde entonces de venirle ayuda. Sin embargo, el cineasta se libra aquí en una nueva experiencia : la película comienza por un flashback que, finalmente, se révèlera engañoso. La película no es un éxito, este que Hitchcock explicará ya que, a causa de este procedido narrativo entonces poco ortodoxo, el público se habría sentido grugé.

Al principio del año 1950, Hitchcock descubre con entusiasma la primera novela de Patricia Highsmith : Strangers se tiene Tren, cuyo adquiere los derechos el 20 de abril, para un importe de 75 000 $^[104]. El realizador trabaja sobre el synopsis con Whitfield Cook en junio. Para la escritura de los diálogos, Hitchcock aproxima primeramente Dashiell Hammett, pero es Raymond Chandler, sugerido por la Warner, que se carga del trabajo ; éste no irá sin embargo no hasta el extremo, a causa de desacuerdos que oponen el escritor y el realizador^[105]. Hitchcock Explicará más tarde :

« Me acuerdo de mi trabajo sobre El Desconocido de Norte-Express, no encontraba persona que quisiera colaborar conmigo. Todo el mundo opinaba que mi premier jet era a la vez sí plano y sí cercano de los hechos que se no encontraba la menor calidad. En realidad, toda la película era allí, visualmente. »^[106]

En El Desconocido de Norte-Express^[107], Hitchcock combina numerosos elementos de sus precedentes películas. Dos hombres se encuentran por casualidad en un tren y evocan la idea de cada uno quitar el otro de la persona que plantea problema. Mientras que para el premier, un campeón de tenis (en el libro, el personaje es un arquitecto), solo se trata de una broma, el segundo toma la historia todo a hecho en la seriedad. Con Farley Granger que retoma ciertos elementos de su rol de La Cuerda, el realizador, en El Desconocido, continúa a interesarse a las posibilidades narrativas de los temas del chantaje y del homicidio. Robert Walker, que hasta allí no había jugado que de los roles de joven « bien bajo todo informe », encarna aquí el « méchant »^[108]. Su prestación de desmiente inquietante, demasiado ligado a su madre, anuncia aquella de Perkins en Psicosis ; desgraciadamente, Walker fallecerá algunos meses después de la salida de la película. Hitchcock Confía por otra parte lo uno de los roles secundarios a Patricia , « Pat », su propia hija, entonces mayor de veintidós años y que había jugado ya un pequeño rol en El Grande Alibi : en El Desconocido, encarna Barbara, « Babs », una joven víctima, no no directamente pero en deseo, de la démence homicida de Bruno, el personaje jugado por Walker.

Salido en marzo 1951, El Desconocido de Norte-Express, a pesar de algunas quejas de personas indignadas por sus connotaciones sexuales y su homicidio explícito, conoce un inmenso éxito. Hitchcock, Después del fracaso de la aventura Transatlantic, ha encontrado la confianza del público y de los studios^[106].

Desde los años 1930, la idea de adaptar una pieza llamada Nuestras dos conciencias, un drama católico escribe 1902 por Paul Anthelme (seudónimo de Paul Bourde), trotte en la cabeza de Hitchcock ; más de una decena de años más tarde, ha finalmente la oportunidad de llevar en bien este proyecto^[109]. La historia es aquella de un sacerdote que su conciencia fuerza a endosar la culpabilidad de un crimen perpetrado por otro, un tema bastante delicado. Poco a poco, el proyecto de lo que devendrá La Ley del silencio (I Confess) se concreta.

Montgomery Clift en La Ley del silencio (I Confess, 1953).

que Ha dado el contexto católico de la historia, un rodaje en Estados Unidos es excluido. La acción, desde entonces, es transposée a Quebec donde, después de haber escrito una primera ébauche, el realizador y su mujer se devuelven repérage. El realizador vacila con respecto a la elección del guionista definitivo, hasta que Alma sugiere de comprometer William Archibald, el cual había hecho sus pruebas en Broadway ; George Tabori participa igualmente en la escritura. Montgomery Clift y Anne Baxter interpretarán ambos protagonismos.

La Ley del silencio sale a la mi-febrero 1953. La película es recibido tímidamente, tanto por la crítica que por el público. Por la continuación, Hitchcock explicará a François Truffaut :

« La idea de base no es aceptable para el público. Sabemos, nos los católicos, que un sacerdote no puede revelar un secreto de la confession, pero los protestantes, los athées, los agnostiques opinan : "Es ridículo de callarse ; ningún hombre no sacrificaría su vida para una cosa indistinta." »

Hitchcock Que, sin duda por comodidad, juzgará siempre sus películas a la aune de la recepción reservada a éstos por el público, irá hasta declarar que La Ley era un  error ».^{[réf. Necesario]}

Sigan tres películas \ populares que han cada uno para estrella Grace Kelly, que iba a devenir el archétype de la  rubia hitchcockienne ».

1953, Hitchcock es ligado desde cuatro años a la Warner Bros., Para la cual él queda una película a girar. que Dura algún tiempo, trabaja en la adaptación de una novela de David Duncan, The Bramble Bush, pero acaba por renunciar. El realizador descubre mientras que el studio ha comprado los derechos de una pieza de éxito de Broadway , Dial M for Murder, cuyo autora es Frederick Knott.

El crimen era casi perfecto marca el regreso de Hitchcock al Technicolor, pero él expérimente también un procedido vogue en aquellos tiempos, el cine en 3-D, relief stéréoscopique y proyección en luz polarisée, obligando la utilización para el público de lunettes adaptadas. La película no será sin embargo pas explotado en este formato en el origen ; será proyectado 3-D al principio de los años 1980.^{[réf. Necesario]} Hitchcock opina un momento confiar los roles del marido y de la esposa a Cary Grant y Olivia de Havilland, pero se colisiona en un rechazo de la parte de las studios. El realizador hace pues llamada en una joven actora que no había girado hasta-allí que tres películas : Grace Kelly. Iba a devenir, además de una gran amiga, su actora favorita. En El Crimen, el rol del « méchant », muy diferente del Bruno del Desconocido de Norte-Express, es jugado por Ray Milland. Es un dandy vénal y calculador, ex-tenista profesional (actividad ejercida por el héroe/víctima del Desconocido), que échafaude un plan machiavélique para quitarse de su mujer infiel (Kelly), y heredar de su fortuna. Es no obstante que, para defenderse, callada el hombre comprometido para efectuar la triste atarea. El marido manipula entonces las pruebas para que su mujer sea acusada de haber asesinado el hombre de mano. El amante, Mark Halliday (Robert Cummings), y el inspector de policía Hubbard (John Williams) deben desde entonces tratar rápidamente para salvar la joven mujer de la pena capital^[110].

Hitchcock Tira de astucieuseusement marchado de los ressorts, no menos astucieux, de la pieza y, a su salida, El crimen era casi perfecto es saludado como un  grande » Hitchcock.

En el momento del rodaje del Crimen era casi perfecto, Lew Wasserman, el agente de Hitchcock, signo con la Paramount un contrato de nueve películas, cuyo premier tiene que estar la adaptación de una noticia de Cornell Woolrich – seudónimo de William Irish –, titulada It Had to be ha Murder, la cual devendrá en la pantalla Ventana sobre patio (Rear Window, 1954)^[111]. Para escribir el guión, Hitchcock apelado a John Michael Hayes, un anciano periodista, que colaborará igualmente en la escritura de sus tres películas siguientes.

James Stewart en Ventana sobre patio (Rear Window, 1954). El voyeur.

Ventana sobre patio. La vista.

Ventana sobre patio tiene para estrellas James Stewart y, nuevamente, Kelly ; los segundos roles son mantenidos sobre todo por Thelma Ritter y Raymond Burr. La historia transcurre/transcúrre en Nueva York. Un fotógrafo (Stewart, un personaje basado en Robert Capa), que se encuentra como consecuencia de un accidente plâtré y en silla roulante, deviene obsesionado por la observación de los habitantes de una finca urbana separada del sien por un patio. Poco a poco, comienza a sospechar el uno de estos vecinos (Burr) de haber matado su mujer y, desde entonces, intenta de traer a la vez su pequeña amiga maniquí (Kelly) y un policía de sus amigos (Wendell Corey) a compartir sus temores. Tanto aunque mal, acaba por llegar^[112]. Como en Lifeboat^[83] y La Cuerda ^[98], la película es casi totalmente girada en un espacio reducido, el minúsculo piso del fotógrafo, que sin embargo surplombe una decoración que impresiona, constituido por el patio y la finca urbana de cara. Hitchcock Se sirve gordos planes de la cara de Stewart para mostrar las reacciones del personaje por informe a todo aquello de lo que es espectador, desde divirtiéndolo voyeurisme frente a escenas en apariencia anodina, hasta su terror impotente, cuando ve su novia, que se ha introducido en el piso sospechoso, amenazada por la llegada, repentina e inesperada, del presunto tueur^[112].

A su salida, la película conoce un gran éxito y obtiene cuatro nombramientos en los oscars, cuyos aquella del mejor realizador ; no recibe no obstante nadie.

Grace Kelly asociada al actor Cary Grant para su tercero y último rol en una película de Hitchcock, La Mano en el cuello (To Catch ha Thief, 1955), una película considerada como « ligero » por el realizador.

Ventana sobre patio no es todavía salido que Hitchcock es ocupado ya en otro proyecto. La Paramount propone de realizar la adaptación de To Catch ha Thief, una novela de David Dodge. Muy satisfecho de Hayes como guionista, el realizador compromete nuevamente éste. Hayes, No obstante, no conoce en absoluto el sur de Francia, situación a la cual el realizador remedia enseguida :

« Cuando aprendió que no había ido nunca en el sur de Francia, se arregló para que mi mujer me acompaña, a los frescos del studio, con el fin de efectuar de los repérages. Este viaje fue naturalmente el bienvenido y, a mi regreso, sabía exactamente qué hacer de la novela. »

Fino abril 1954, el guión es listo, y el rodaje comienza desde el comienzo del mes de mayo.

La tercera y última película de Hitchcock con Grace Kelly, La Mano en el cuello (To Catch ha Thief, 1955) es una comedia policial que tiene para decoración la Riviera francesa y da en la actora para socia Cary Grant. John Williams hace nuevamente marchada de la distribución, a los lados sobre todo, color local obliga, de los Franceses Brigitte Auber y Charles Vanel (el cual no habla una palabra de inglés). Grant Juega el rol de John Robie, dicho « el Chat », famoso cambrioleur « al retiro », pero que deviene el principal sospechoso de una serie de robos cometidos sobre la Riviera. Una heredera estadounidense (Kelly) perfora el misterio de su verdadera identidad, intenta de seducirlo con sus propias bijoux, y se propone incluso de ayudarlo en sus proyectos criminales...

La primera tiene lugar en Nueva York, el 15 de agosto de 1955. Según el realizador, La Mano en el cuello es una  película ligera ». Es al menos la conclusión que hace la crítica en su conjunto ; no obstante, subraya también los puntos fuertes y los encantos de esta œuvre. El público, con respecto a le, se muestra muy satisfecho. « A pesar de la diferencia de edad evidente entre Grant y Kelly y una intriga más bien delgada, el guión lleno de espíritu (truffé de dobles-sentidos) y la interpretación buena niña de los actores, finalmente, garantiza en la película un éxito comercial. »^[113] se trata de la última colaboración entre Hitchcock y Grace Kelly, a causa del matrimonio de ésta con el príncipe Rainier de Mónaco , 1956, un estatus que lo obligaba a poner un término en su carrera de actora.

El año 1955 marca igualmente los comienzos de Hitchcock a la televisión estadounidense, con una serie de historias más o menos macabras producida para CBS y que llevará su nombre : Alfred Hitchcock presente. Hitchcock Realizará le-mismo, entre el año de creación hasta 1962, todos veinte episodios de la serie. De 1962 a 1965, la serie tomará el título de Sospecha.

El realizador no abandona sin embargo su carrera en el cine. 1950, había leído la novela de Jack Trevor Story, The Disturbio with Harry. Antes de marchar girar La Mano en el cuello, pide a Hayes de trabajar en su adaptación. Los derechos son comprados 11 000 $, a pesar de que, cuatro años más temprano, el comité de lectura de la Paramount haya emitido un parecer desfavorable con relación a la novela, juzgando su humor demasiado frágil, un poco extraño, y sus personajes que parecen un poco a de los extra-terrestres.^{[réf. Necesario]}

Pero que ha matado Harry ? Sigue el recorrido de un cadáver, sobre el cual cae primeramente un pequeño chico. Éste corre buscar su mamá. Al mismo momento, un viejo cazador descubre el cuerpo y opina haberlo matado. Tour a vuelta, otros personajes, confrontados a la muerte, se imaginarán tener algo a ver con su estado ; para varios motivos, el cadáver es enterrado y déterré varias veces. Ocupado al rodaje de La Mano al cuello, Hitchcock no puede atender de la distribución. Es desde entonces Herbert Coleman, su productor asociado, que carga ; así pues son escogidos, para ambos protagonismos, Shirley MacLaine, para que esto será la primera aparición en la gran pantalla, y John Forsythe. El rodaje se efectúa en parte en decoración natural en el Vermont, y en parte studio, a Hollywood. Harry marca por otra parte la primera colaboración en una película de Hitchcock del compositor Bernard Herrmann.

Hitchcock Confiará a François Truffaut :

« He girado esta película para probar que el público estadounidense podía apreciar el humor inglés y encubrió no ha demasiado mal andado. »

Cuando la película suerte, el realizador es ocupado ya a girar su película siguiente, que retiene toda su atención. La Paramount no sabe demasiado qué hacer de Harry, renunciando mismo a promoverlo. Desde entonces, a Estados Unidos, la película no interesa que medianamente el público. En Europa, en cambio, es muy bien acogido, sobre todo en Gran Bretaña, y en Francia, donde recibe críticas muy positivas y quedará incluso seis meses en el cartel.^{[réf. Necesario]}

El humor macabro de Pero que ha matado Harry se encuentra en la televisión en las presentaciones y las conclusiones, dadas por el maestro en persona, de cada episodio de su serie, Alfred Hitchcock presente.

La versión de 1956 del Hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much). Entre ambos cymbales, el compositor Bernard Herrmann que conduce el London Symphony Orquestó.

Final 1954, Hitchcock acaba de acabar su cuarta realización en diecisiete mes ; sin embargo, fuera de cuestión para le de hacer una pausa. Vuelve a pensar entonces al uno de sus éxitos del periodo británico, El Hombre que sabía demasiado (1934) cuyo, 1941, en el tiempo en el que era bajo contrato con Selznick, había considerado ya de realizar una nueva versión^[114]. Finalmente, para la primera y lo que será la última vez de su carrera, se decide a girar un remake, aquel de su propia película.

Para escribir el remake del Hombre que sabía demasiado^[115], Hitchcock se dirige todavía una vez a Hayes . El realizador, que pide en el guionista de no visionner el original, cuenta simplemente la historia : un espía es asesinado y confía en un doctor en medicina, encontrado la víspera, que un atentado se prepara ; el médico y su mujer se encuentran entonces embarcados en un complot internacional y son obligados de callarse para salvar sus hilos guardados en rehén. Hitchcock Ofrece el protagonismo a James Stewart, para que se trata, después de La Cuerda y Ventana sobre patio, de la tercera colaboración con el realizador ; con respecto al rol de la esposa, antigua cantante en la película, es confiado a Doris Day, que el cineasta había fichado algunos años antes en Storm Warning^[116]. La película es girado en Londres y Marrakech ^[116]. Para la música, es apelado nuevamente a Herrmann  ; se podrá de en otro lugar ver éste dirigir la Orquesta sinfónica de Londres durante la éprouvante escena final, al Royal Albert Hall.

Los últimos planes son girados en los studios Paramount en julio 1955. La película se révèlera ser el plus rentable del año 1956. La canción Que Estará, Estará (Whatever Will Be, Will Be), escrita por Jay Livingston y Ray Evans, será recompensada porel oscar de la mejor canción original^[117] y devendrá un gran éxito de Doris Day. En lo relativo a la segunda versión del Hombre que sabía demasiado, Hitchcock dirá más tarde :

« Digamos que la primera versión es la œuvre de un amateur de talento y el segundo, aquella de un profesional. »^[116]

El Falso Culpable (The Wrong Man, 1957)^[118] será la última película realizado por Hitchcock para Warner Bros.

Girado negro y blanco, El Falso Culpable no es un thriller pero un drama, basado en una historia verdadera, un error judicial informada por Life Revista en 1953. El asunto es tratado de un modo realista, casi documental. Henry Fundó interpreta un músico del Stork Club, a Nueva York, que se toma en culpa para la autora de varios hold-ups cometido en la misma entidad aseguradora. Es arrestado para este crimen cuyo es inocente. Su mujer (Vera Miles, cuya es la primera aparición en una película del realizador), el brote a probar su inocencia antes de que no tenga lugar el proceso, pero no puede resistir en el estrés de la situación y, de un modo que parece irremediable, sombrío en la depresión. El realizador concede al Falso Culpable un lugar particular, sustituyendo a su habitual caméo una introducción hecha por le-mismo en voz off al principio de la película :

« Es Alfred Hitchcock que habla. Por el pasado, yo vosotros he dado numerosos tipos de películas en suspense, pero esta vez, querría que veáis un diferente. La diferencia reside en el hecho que es una historia verdadera, cuya cada palabra es veraz. No obstante, contiene elementos más extraños que toda la ficción que figura en buen número de thrillers que he hecho antes. »

Como en La Ley del silencio, otra película « serio » del realizador, el catholicisme es evocado : ciertos planes se retrasan sobre el chapelet del falso culpable, y es como consecuencia de un rezo de éste teniendo que la imagen del Cristo, que el verdadero culpable es revelado. La película recibe una recepción pública mitigé. Por la continuación, Hitchcock contará a Truffaut que había sido empujado a hacer esta película por el miedo que había experimentado siempre respecto a la policía, y cuya se encuentra rastros en numerosas escenas^[119], sobre todo aquella donde el personaje jugado por Fundó explica en sus hilos la prueba que ha padecido y que hace eco, invirtiendo los roles, a un episodio traumatisant que habría vivido el realizador durante su niñez.

Algunos años antes, Hitchcock se había interesado en la novela La que ya no era Franceses Pierre Boileau y Thomas Narcejac, pero el libro había escapado y, finalmente, es Henri-Georges Clouzot que lo había llevado en la pantalla, bajo el título Los Diaboliques, película salida 1955. Después del Falso Culpable, Hitchcock sueña a girar la adaptación de De entre las muertes, otra œuvre del tándem.

Artículo detallado : Sudores fríos.

Para la escritura de lo que devendrá Sudores fríos (Vertigo, 1958)^[120], él recourt, antes de mostrarse satisfecho del guión, a no menos de tres autores. El último, Samuel Taylor, confesará más tarde que había trabajado sin leer ni el primer guión, ni incluso la novela original, pero que se limita a seguir las indicaciones del realizador, esto con el fin de concentrarse en el personaje principal. El realizador compromete como estrella masculina James Stewart. Para la intérprete del obsédante joven mujer, Hitchcock desea primeramente comprometer Vera Miles, cuya prestación en su película precedente se había revelado excelente, pero ésta, que es recinto, es forzada de rechazar. Desde entonces, el studio encuentra una sustituta en la persona de Kim Novak, la cual encontrará aquí lo uno de sus mejores roles.

Aunque sea centrado sobre un homicidio, Sudores fríos no es a propiamente hablar una película policíaca pero, según las propias palabras del realizador, « una historia de amor al clima extraño ». Stewart es « Scottie », un antiguo investigador de la policía que sufre de acrophobie y deviniendo progresivamente obsesionado por una misteriosa joven mujer (Novak), que es traído a tomar filature. El vértigo insurmontable y la obsessión de Scottie abocan una tragedia. Por la continuación, encuentra otra joven mujer que parece étonnamment a la desaparecida. La película se concluye sin happy end. La primera tiene lugar en España, durante el Festival donostiarra^{[121] [122]}, donde Hitchcock logra la concha de dinero. Aunque sea hoy en dia a menudo condidéré como un clásico, Sudores fríos se colisiona sin embargo, en el momento de su salida, a críticas negativas y a una recepción reservada de la parte del público ; marca la última colaboración entre James Stewart y el realizador^[123]. La película, sin embargo, es considerado hoy por mucho como el uno de las mejores películas del realizador, y se encuentra sobre todo en el pelotón de cabeza de la clasificación Sight & Sound de las mejores películas de la década ; constituirá por otra parte, con Psicosis, el uno de los puntos de referencia privilegiada por Brian De Palma para su relecture cinematográfico del œuvre hitchcockienne, en los años 1970-1980.

1958, Hitchcock aprende que su mujer, Alma, es alcanzada de un cáncer del seno. Así es como aparece el año siguiente en Tactic, una emisión de televisión volcada en la prevención de este tipo de cáncer. Alma Curará gracias a un tratamiento experimental^[124].

Fichero:North by Northwest movie trailer screenshot (24).jpg

Cary Grant Y Eva Marie Santo en La Muerte a las trousses (North by Northwest, 1959). El amor tomado en la trampa.

Hitchcock, Entonces, ha filmado en numerosas regiones de Estados Unidos^[125]. A Sudores fríos^[120] sucedan tres otras películas de éxito, todos reconocí como formando parte de sus mejores largos-métrages : La Muerte a las trousses (North by Northwest, 1959)^[126], Psicosis (Psycho, 1960)^[11] y Los Pájaros (TheBirds , 1963)^[127]. El premier retoma el tema del  Señor Todo el mundo » tomado en un engrenage, injustamente proseguido, y obliga tanto aunque mal de se disculper.

Artículo detallado : La Muerte a las trousses.

Fichero:North by Northwest movie trailer screenshot (40).jpg

Venda-anuncio de La Muerte a las trousses

El MontRushmore , o más bien su maqueta, decoración de la escena final de La Muerte a las trousses.

En La Muerte a las trousses, Cary Grant goza el rol de Roger Thornhill, un publicitario de Madison Avenida que no ha tenido nunca punto a marchar que con su madre excéntrica, y que, por un concurso de circunstancias, se encuentra soudainement tomado para blanco por una misteriosa organización. Hace el conocimiento de una rubia séduisante, Eve Kendall (Eva Marie Santo), que lo seduce antes de hacerlo caer en una trampa... La escritura del guión original es confiada a Ernest Lehman. Para la escena final, Hitchcock tiene la idea de utilizar como marco el MontRushmore , un sitio sin embargo protegido. El 17 de septiembre de 1958, obtiene finalmente la autorización del Ministerio del Interior de Estados Unidos de servirse de maquetas de las famosas esculturas que representan la cara de cuatro presidentes^[128]. El genérico de la película (propiedad en el cual Hitchcock había hecho sus comienzos), como aquel de Sudores fríos, es debido al graphiste Saul Bass, y Herrmann , que desde Harry ha devenido el compositor attitré de Hitchcock, firma aquí lo que devendrá lo una de sus plus célebres particiones.

Los años 1960

La década comienza con dos películas \ consideradas como de las cumbres del arte del realizador, Psicosis (1960) y Los Pájaros (1963). Las películas que seguirán serán menos personales, y tal vez también menos ambiciosos. La edad comienza a hacerse sentir, el cine es en crisis a causa de la llegada de la televisión en los paramentos, e Hitchcock ha perdido entonces dos de sus plus cercanos colaboradores : Bernard Herrmann, el compositor, y Robert Burks, el director foto. Las películas realizadas después nada de primaveras para Marnie (1964) no habrán la misma dimensión que aquellos de la edad de oro » del realizador.

La casa de Norman Bates en Psicosis (Psycho, 1960). – Foto tomada 2006 a las studios Universal.

Mientras que lee la rubrique « Libros » de Nueva York Times, Hitchcock topa una excelente crítica de Psycho , un libro de Robert Bloch, basado en la historia de Ed Gein, un tueur en serie. Compra la novela, y anuncio en su secretaria : « mantengo nuestro prójimo sujeto »^[129]. Lo que motiva también y sobre todo el cineasta, es el reto de realizar una película también eficaz que posible con medios restringidos. Dado que muchos malas películas negro y blanco y poco costoso se revelaban a pesar de todo estar éxitos al box oficio, se pregunta lo que transcurriría/transcúrriría para una película girada en igualdad de condiciones, pero realizado con cura^[61]. Producido con un presupuesto en efecto muy limitado – 800 000 $^[130] –, Psicosis es girado con el equipo de televisión de Alfred Hitchcock presente sobre un terreno abandonado de los studios Universal^[131].

Para escribir Psicosis, que iba a devenir el uno de las cumbres de la filmographie del realizador, considerado por ciertos como su jefe-de œuvre^[132], Hitchcock pone a Joseph Stefano, un guionista que debuta. Todo comienza por el robo de una cierta suma de dinero por la empleada de una entidad aseguradora, Marion Crane (Janet Leigh) que, tomada en una historia de amor difícil, trata sobre un cabezazo. Toma la fuga a bordo de su coche, que intercambia, después de haber sido arrestada por un policía, contra un coche de ocasión. Sorprendida por un orage, decide de pasar la noche en un motel, que los clientes parecen haber desertado, y cuyos hace conocimiento del dueño, Norman Bates (Anthony Perkins), joven simpático pero a las reacciones poco extrañas. Este último vive con su madre, possessive al extremo, en una vieja morada sita a proximidad. Su conversación con Norman convence Marion de restituir el dinero ocultado. Mientras está tomando una ducha, no obstante, brutalmente, violentamente, la joven mujer es asesinada. Una vez la desaparición del dinero y de la joven mujer constatada, un detective privado (Martin Balsam), luego el amante y la sœur de Marion (Vera Miles), marchan en su investigación... Patricia Hitchcock, hija del realizador, goza aquí también un pequeño rol. Para la película, Herrmann firma nuevamente una música muy inspirada, épousant las imágenes (sobre todo las cuchilladas) y anticipando las emociones del espectador a maravilla. Para la promoción de la película, Hitchcock insiste para que, contra lo que era antes una costumbre, las taquillas de las salas ya no dejan entrar espectadores una vez la película encabezada, lo que ha al mismo tiempo para efecto de titiller la curiosidad del público^[61].

A su salida en Estados Unidos, la película es mal recibida por la crítica^[133],[134], según la cual no es a la altura de La Mano al cuello, Sudores fríos, La Muerte a las trousses, y otras películas de Hitchcock^[135] La razón probable de estas reacciones es que las periodistas no han apreciado de descubrir la película en el cine^[136]. El público es sin embargo en la cita y la película engrangera una receta de 40 000 000 $. Ciertos espectadores, habitués a ver un Alfred Hitchcock más bien que divierte en la televisión son bajo el choque ante la violencia, todo a hecho inesperado, de la película. Hitchcock, Traído a explicarse, dirá en una entrevista que Psicosis no es « que una broma »^[61]. Al mismo tiempo, él jubile de este éxito. En Europa, la película es aclamado también bien por la crítica que por el público^[137]. La violencia sin precedente de la escena de la ducha, la desaparición brutal de la heroína después sólo algunas escenas, las vidas inocentes abreviadas por un homicida molestado, todas características de Psicosis , serán por la continuación copiada en numerosas películas de horror^[138]. (Ver, más bajo, Influencia sobre el cine de género)

Después de haber acabado Psicosis, Hitchcock parte para Universal, para la cual girará todos sus demás películas.

La escuela de la película Los Pájaros (TheBirds , 1963). – Foto tomada 2007 a Bodega (California).

Hitchcock Experimenta entonces las más grandes dificultades para encontrar un nuevo sujeto^[139]. Comienza a trabajar con Joseph Stefano sobre el guión de nada de primavera para Marnie, película que tenía que marcar el regreso en la pantalla de la actora fétiche del realizador, Grace Kelly^[140] : aunque hubiera devenido princesa de Mónaco, ésta era lista a aceptar en un primer momento^[141] pero, en final de cuenta, declinará la oferta^[141],[142]. Decepcionado pero no découragé, el realizador, para su 49^e largometraje en el cine, se gira entonces hacia la adaptación de los Pájaros, una noticia de Daphne del Maurier^[143] publicada 1952 en la revista femenina Good Housekeeping^[144]. Opina tirar de primeramente un episodio de Alfred Hitchcock presente pero, después de haber sentido que en California una mujer había sido realmente atacada por pájaros, se decide, a pesar de las dificultades que eso implica y sin duda en parte a causa de éstas, a hacer el asunto de su próximo largometraje^[145].

Venda-anuncio original de los Pájaros (TheBirds , 1963). Título. El Apocalipsis según Hitchcock.

A propósito de los Pájaros, el realizador declarará :

« Se podría decir que el tema de los Pájaros es el exceso de autosatisfaction que se observa en el mundo : la gente son inconsciente de las catástrofes que amenazamos. »^[146]

Stefano, que producía entonces la seria Más allá del real, no era disponible, e Hitchcock, desde entonces, parte en la investigación de otro guionista. Después de haber considerado varios candidatos potenciales, cuyos Ray Bradbury^[147], el realizador se gira hacia Evan Hunter (que iba a devenir célebre bajo el seudónimo de Ed McBain), el cual acepta enseguida^[148]. El éxito de Psicosis a pesar de la ausencia de grandes estrellas decide Hitchcock a pasarse igualmente para Los Pájaros^[149]. Para encarnar el protagonismo, después de varias pruebas con varias actoras, su elección se lleva finalmente sobre una incógnita, Tippi Hedren, que vendrá desde entonces coger sobre todo Ingrid Bergman y Grace Kelly en el círculo cerrado de las  rubias hitchcockiennes »^[150]. Tendrá para socias Rod Taylor, Suzanne Pleshette y Jessica Tandy. La película comienza en una tienda donde se vende pájaros por el encuentro fortuite y un juego de seducción entre la hija de un patrón de prensa, Melanie Daniels (Hedren), y un abogado, Mitch Brenner (Taylor). Este último quiere ofrecer en su joven sœur una pareja de inseparables ( ingleses : lovebirds, literalmente « pájaros de amor »). Después del episodio, y aunque el encuentro se hubiera desarrollado bastante mal, Melanie, impulsivement, decide de volver a ver el hombre que, de hecho, vive con su madre y su sœur en una casa aislada sobre una pequeña isleta de Bodega Bay, un sitio bastante alejado de en ella. Pronto, el sitio deviene el blanco de ataques de pájaros de todas especies, ataques cuyos la causa no es explicada en la película, « sin duda para subrayar el misterio de fuerzas desconocidas »^[151].

El realizador dispone aquí de un presupuesto bien más cómodo que para su película precedente, sea 2 500 000 $^{[152] [153]}, dinero que será consagrado sobre todo en los efectos especiales, los cuales hacen el objeto de una cura todo particular^[154]. Las secuencias donde se ve pájaros atacar necesitarán en efecto de los centenares de apresamientos, mezclando escenas reales y escenas de animación. El rodaje debuta el 5 de marzo de 1962 ; todo ha sido méticuleusement previsto porque Hitchcock no ama los exteriores^[155],[156], ya que implican dificultades relativas al control sobre todo de la luz y del ruido ambiant^[157]. Para la venda su, la música es reemplazada por efectos compuestos entre demás de la grabación de gritos de pájaro y de battements de alas, cuyas Herrmann se carga de superviser la distribución en las diferentes escenas. Con un gordo presupuesto^[144] y una película que consideraba de su propia confesión como « el plus de entidad »^[158], Hitchcock no puede decepcionar.

Los Pájaros es presentado para la primera vez en abertura de laedición 1963 del Festival de Cannes^[159], fuera de la selección oficial^[160]. Saliendo de la proyección, el público es bajo el choque : « Este no es el lâcher de algunos palomos débonnaires, ni el encanto de su intérprete Tippi Hedren que podrán atenuar la impresión de horror sentido a la presentación de su película Los Pájaros »^[161]. A Estados Unidos, la película logra todo 11 403 559 $^[152], un resultado menos bueno que previsto, pero que basta sin embargo a tranquilizar el realizador. Los Pájaros figurará al 16^e rango^[162] de las películas más vistas del año 1963^[144]. Hoy, la película es considerado como un clásico del cine de asusta^[163]

Psicosis y Los Pájaros son particularmente aventajados para su banda su inhabituelle, orquestada en ambos casos por Bernard Herrmann. Las cuerdas stridentes jugadas en la primera escena de homicidio en Psicosis^[11] constituyen en aquellos tiempos una innovación. Con respecto a la película Los Pájaros^[127], deja lados los instrumentos de música convencional y tiene, en lugar de eso, recourt a una banda su producida de modo electrónico, únicamente adornada por la canción de los colegiales, sin acompañamiento, justo antes el ataque de la verdadera escuela de Bodega Bay. Se puede igualmente anotar que Santa Cruz estará por la suité ciudad como que es el lugar donde el fenómeno de los pájaros se habrían producido inicialmente^[18]. Estas películas son considerados como los últimos grandes películas de Hitchcock. Ciertos críticos, tales Robin Wood y Donald Spoto, estiman sin embargo que nada de primaveras para Marnie^[164], salido 1964, constituye lo una de las œuvres mayores del realizador, y otros todavía, como Claude Chabrol, consideran que Frenzy^[53] es subestimado injustamente.

Su salud que declina, Hitchcock es traído a reducir su producción durante ambas últimas décadas de su carrera. Gira dos thrillers de espionaje sobre fondo de Guerra fría. El premier, La Cortina rasgada (Torn Curtain, 1966)^[165], tiene para estrellas Paul Newman y Julie Andrews.

La Cortina rasgada marca el final, bastante triste, de la colaboración, que duraba desde doce años, entre Hitchcock y el compositor Bernard Herrmann. Descontento de la partición proporcionada por Herrmann, Hitchcock acaba por reemplazarlo por John Addison. La película sale en Estados Unidos el 27 de julio de 1966.

El 5 de noviembre, El Cine según Hitchcock, publicado a las Ediciones Robert Laffont, suerte en París en librería. En esta labor, resultado de una serie de entrevistas concedidas a François Truffaut, crítica y le-mismo realizador, Hitchcock se libra sobre su manera de trabajar^[166].

La película siguiente de Hitchcock, La Étau (Topaz)^[167], es la adaptación de una novela de Leon Uris (autora de Exodus).

La historia comienza en Dinamarca, y se prosigue en Estados Unidos, a Cuba y en Francia. Frederick Stafford Es comprometido para mantener el protagonismo ; entre el resto de la distribución, más bien hétéroclite, figuren John Forsythe, y los Franceses Dany Robin, Claude Jade, Michel Subor, Philippe Noiret y Michel Piccoli. Al finalizar el rodaje, como en la costumbre, de las proyecciones-tests son efectuadas, que se revelan desastrosas : la película es el más a menudo juzgado demasiado largo, ennuyeux, y su final, un duelo que opone Devereaux (Stafford) y Granville (Piccoli), ridículo. Continuación a eso, de las escenas son cortadas, otras acortadas, otras incluso aceleradas, y dos finales opcionales son propuestas : lo una muestra Devereaux importe en un avión y divisando Granville que sube en otro avión a destino de la Unión soviética, y la otra, que cae bastante sèchement, reloj, o más bien sugiere (los actores ya no son disponibles para girar otras escenas) el suicidio de Granville : se ve furtivement un hombre entrar en una casa, después se siente un golpe de fuego. Es este último final que será conservada para la salida en sala, 1969^[168]. El Nacional Board of Review atribuirá sin embargo la recompensa del mejor realizador a Hitchcock para esta película^[169].

El Étau, como La Cortina, recibirá una recepción mitigé de la parte de la crítica.^{[réf. Necesario]}

Última película británica y última película estadounidense

Después del fracaso de la Cortina rasgada y de La Étau, Hitchcock reanuda con el éxito en 1972, con Frenzy, girado en Gran Bretaña. Después Complot de familia, 1976, recibe los homenajes de la crítica.

Los años 1970. El clin del œél

1971, Hitchcock es hecho chevalier de la Legión de Honor. El año siguiente, vuelve en Londres para girar Frenzy^[53], que será su último gran triunfo. Después de ambas películas de espionaje al éxito más que moderado, la intriga de la película marca el regreso al thriller habiendo un homicidio para punto de salida, un género en el cual Hitchcock había dado mucho antes. El guión es confiado a Anthony Shaffer, que acababa de conocer uno cierto éxito en el teatro. El rodaje se encuentra aproximadamente poco trastornado en el momento en que Alma, la mujer y primera colaboradora de Hitchcock, es víctima de un ataque, pero ésta se pondrá bastante rápidamente^[170].

La historia de base recicla el uno de sus éxitos del mudo, Los Cabellos de oro (TheLodger ). Richard Blaney (Jon Finch), un servidor de bar al humor changeante, prompt a la cólera, deviene el sospechoso número uno en el asunto de los homicidios en la corbata », cuyo autor real es de hecho su amigo, Bob Rusk (Barry Foster), un comerciante de frutas^[171].

Esta vez-aquí, Hitchcock hecho del  inocente » y del « méchant » de los gemelos antes que no los opone, como esto era el caso en El Desconocido de Norte-Express. Solo lo uno dos, no obstante, ha superado la barrera y ha devenido homicida^[171]. Para la primera vez, Hitchcock íntegra en el uno de sus películas la nudité y la crudité del lenguaje, sujetos antaño tabú. Atestigua igualmente de una escasa simpatía para el inspector en jefe y a un aspecto que divierte de su vida privada^[172]. Frenzy Encontrará un éxito considerable, sus recetas que sobresalen incluso aquellas de Psicosis ^[124].

Ciertos biographes han hecho constar que Hitchcock había rechazado siempre los límites de la censura, consiguiendo a menudo a gruger el hombre que fue, durante mucho tiempo, carga de hacer respetar el código Hays a Hollywood : Joseph Breen. En efecto, de numerosas ocasiones, Hitchcock era llegado a resbalar en sus películas de subtiles alusiones a lo que la censura, hasta el medio de los años 1960, condenaba. Según Patrick McGilligan, Breen y otros, el más a menudo, no eran ingenuos en lo relativo a estas connotaciones y, de hecho, divertían todo tanto que se alarmaban deducciones inevitables »^[173] que se no podía que tirar de escenas^[174]. Este no es que a marchar de la Cortina rasgada^[165] que Hitchcock será finalmente mide de inclure abiertamente de los elementos de intriga antes prohibidos en las películas estadounidenses, y eso quedará el caso hasta el final de su carrera.

1974, la mismo año que es víctima de una crisis cardiaca continuación a la cual será obligado de llevar un Pacemaker^[124], un homenaje es devuelto en la carrera del realizador, el 29 de abril, por la Película Society del Lincoln Center de Nueva York^[175].

Complot de familia (Family Plot, 1976)^[176] será la última película de Hitchcock, entonces casi octogénaire.

La película relata las peripecias de « Señora » Blanca Tyler (Barbara Harris), una torce voyante, y de su amante taxista (Bruce Dern), el cual cuenta de todas maneras tirar de algún provecho de estos sea-diciendo poderes. William Devane, Karen Black y Cathleen Nesbitt hacen igualmente marchada de la distribución. Es la sola película de Hitchcock cuya John Williams haya escrito la música. La película, cuyo guión sin haga falta es firmado Lehman, es de una constante drôlerie, y da la impresión de estar la œuvre de un joven que debuta, abarrotado de talento.

De un modo que no es sin duda anodina, Complot de familia se termina por un clin de œél dirigido, vía el personaje de Blanca, a los espectadores de la película y, se se imagina, a los espectadores de todas las películas del Maestro ».

Último proyecto y muerte

Desde el comienzo de los años 1970, Hitchcock soñaba a hacer una película basada en la historia del espía George Blake que, 1966, se era évadé de una prisión de Londres antes de huir en Unión soviética.

Adquiere los derechos de dos libros volcados en esta historia. Las relaciones de Hitchcock con James Costigan, el premier guionista comprometido para el proyecto, serán bastante houleuses ; el realizador el congédie y hace entonces llamada en su antiguo colaborador, Ernest Lehman, autor de los guiones de La Muerte a las trousses y Complot de familia. Éste escribe varias versiones de la historia, pero ninguna no satisface Hitchcock, y ambos amigos se brouillent^[177]. Hitchcock Se dirige entonces a Norman Lloyd, otro antiguo colaborador y amigo, pero encubrió no funciona mejor. Después de haber trabajado algún tiempo solo en la adaptación, Hitchcock acepta de colaborar con un cuarto guionista, David Freeman, que se engancha en la tarea al finalizar el año 1978, una trata devuelta bastante ardua debido a la salud déclinante del realizador – el arthrite que le causa intensos dolores a las rodillas^[178], consume entonces mucho alcohol^[179] sin duda para apaciguar su sufrimiento – y de la inquietud de éste que implica la salud de Alma, su mujer. Entre diciembre 1978 y mayo 1979^[180], Hitchcock y Feeman se verán regularmente en los despachos del realizador a los studios Universal. En el momento en que el guión es terminado prácticamente, Hitchcock aprende que el American Película Institute (AFI) quiere recompensarlo para el conjunto de su carrera. Hitchcock, Lejos de ser flatté, percibe la cosa como uno presagia de su muerte y pánico^[181]. Se devuelve a pesar de todo en la ceremonia.

El 3 de enero de 1980, recibe la visita del cónsul de Gran Bretaña, que viene anunciarle su nombramiento en el rango de Chevalier del Imperio británico^[182],[183]. Después de su anoblissement, Hitchcock, muy en mal estado, toma la decisión de definitivamente renunciar a girar The Short Night ; advierte directamente Universal, y los despachos de Hitchcock cierran. El guión de The Short Night será publicado finalmente en un libro consagrado a los últimos días del realizador^[184]. Hitchcock Resto en lucido algún tiempo, después vuelve quelquefois a los studios^[185].

A la edad de cuatro-vingts años, Sir Alfred Hitchcock muere, el 29 de abril de 1980, de las continuaciones de una insuficiencia rénale, en su casa de Guapo Aire, a Los Ángeles, California. Se apaga en su sommeil, rodeado de los siens. Deja su mujer, Alma Reville, su hija única, Patricia, y tres nietas, Mary Alma, Teresa y Kathleen. El cuerpo es incinerado. Una ceremonia, sin cercueil^[186], tiene lugar en la iglesia católica del buen Pastor (Good Shepherd Catholic Church)^[187] a Beverly Hills.

Los cendres de Alfred Hitchcock serán dispersées enOcéano Pacífico ^[188].

Las influencias de Alfred Hitchcock

A sus comienzos, Alfred Hitchcock, fuera del cine, es muy influido por el teatro. Sus todas primeras películas son en efecto para la mayoría de las adaptaciones de piezas. Confiará por otra parte a menudo la escritura de sus guiones a autores dramáticos de éxito. Como muchos Ingleses, es igualmente muy friand de literatura policial y de misterio (Poe figura entre demás entre sus autores preferidos^[189]) y aficionado de hechos diversos (la historia del doctor Crippen^[190], sobre todo, ejercerá en le una cierta fascinación). Cuando era adolescente, frecuentará a menudo los procesos de cursos de conferencias de la Old Bailey y podía, al menos es este que pretenderá le-mismo por la continuación, réciter de anchuras extraídas de resúmenes de asuntos célebres^[191].

En cuanto al cine, Alfred Hitchcock reivindica le-mismo la influencia del cine mudo alemán^[36], expressionniste o « puesto-expressionniste ». Entre los realizadores que lo han influido, se puede citar Friedrich Wilhelm Murnau – en los años 1920, Hitchcock asiste en Alemania al rodaje del Último de los hombres – y Fritz Lang, cuyos cita, entre los œuvres que lo habrán marcado, Las Tres Luces (1921)^[192] ; según Claude Chabrol, una buena parte de la œuvre de Hitchcock sería por otra parte redevable a los Espías (1928)^[193]. Estas influencias son no sólo perceptibles en ciertas películas mudas de Hitchcock, como Los Cabellos de oro (TheLodger , 1927), pero se sienten igualmente en buen número de sus œuvres postérieur. Un ejemplo concreto de la influencia de Murnau : el plan-secuencia de La Aurore (1927) donde « el hombre », después de haber atravesado un bosque, coge « la mujer de la ciudad » recuerda, a posteriori, la secuencia de introducción de Rebecca (1940), donde uno travelling nosotros trae hasta las ruinas del castillo de Manderley ; el sabor pronunciado de Hitchcock para los planes-secuencias particular, y la técnica general , viene sin duda de Murnau. Un ejemplo concreto de la influencia de Lang : al principio de Sr el maldito (1931)^[194], la madre espera su pequeña hija y acecha désespérément su regreso sobre el rellano. Un plan muestra entonces una vista plongeante estrictamente vertical sobre las voladas de escaleras, que se puede acercar, entre demás, de planes que figuran en ambas escenas que muestran la ascensión del clocher en Sudores fríos (1958).

Según ciertos críticos, se puede ver Cecil B. DeMille Otra influencia mayor de Hitchcock. En el momento en que este último inicia su carrera en el cine, DeMille es en efecto lo uno de los realizadores los plus de entidad del cine mundial. DeMille Estaba el inventor de este que se ha podido llamar las comedias del remariage », en las cuales de las parejas casadas se separan después se encuentren^[195]. La comedia Alegrías matrimoniales (1941), de Hitchcock, es basada en esta esquema, cuya se puede igualmente encontrar rastros en ciertas demás películas del maestro del suspense », donde de las parejas se afrontan antes de reunirse (Los 39 andaduras, 1935 ; La Muerte a las trousses, 1959...). Más allá de esto, se puede encontrar un ejemplo concreto de la influencia de DeMille sobre Hitchcock – o bien un tipo de homenaje ? – En la segunda parte de la versión muda de los Diez Mandos (1923), más precisamente en la escena que muestra el homicidio de la « vamp » lépreuse escapada de la isla de Molokai, en el momento en que ésta se encuentra detrás de una cortina, al cual ella se aggrippe cuando el « Caín » de la historia dispara. La escena se termina por un plan que muestra la cortina que se décroche progresivamente cuando la mujer se desploma, un plan que se encuentra en la famosa escena de la ducha de Psicosis (1960). (Ver también, más bajo, Logo)

Œuvre

Método laboral

Escritura

Interrogado sobre su trabajo, Hitchcock explicará : « El guionista y mí planificamos la totalidad del guión hasta el menor detalle y, cuando hemos terminado, todo lo que queda a hacer es girar la película. De hecho, es sólo cuando se entre studio, que se entre en la zona de los compromisos. Verdad, es el novelista que tiene el mejor casting, ya que no ha a componer con los actores y todo el resto. »^[196] En una entrevista de 1969, Hitchcock precisa : « En cuanto el guión es listo, amaría tanto no hacer la película del todo... Tengo un espíritu fuertemente visual. En mi cabeza, yo visualiza una película hasta el montaje final. Escribo todo esto el más detalladamente en el guión, y luego, cuando giro, yo no mira en absoluto el guión. Lo conozco por cœur, todo como no es necesario a un jefe de orquesta de mirar la partición... Cuando habéis terminado el guión, la película es perfecta. Pero, durante la realización, pierde tal vez cuarenta pourcents de vuestra concepción de origen. »^[197]

A menudo, para las películas de Hitchcock, la escritura del guión se hace a marchar de ideas de escenas. Es sobre todo el caso de la escena de los paraguas o aquella del molino en Correspondiendo 17 (1940), que Hitchcock imaginaba antes mismo que se no reflexione en la historia o a los personajes, o aquella del avión de épandage en La Muerte a las trousses (1959), que viene de la idea, o del reto, de una escena de suspense que se desarrolla, no no como en la costumbre en un lugar cerrado y asfixiando, pero al contrario en un espacio completamente aéré, vacío, rasa campaña. Las historias de las películas donde se ve los personajes que evolucionan en sitios célebres (decide de la Libertad en Quinta columna (1942), escaño de las NacionesUnidas o mont Rushmore en La Muerte a las trousses...), Son así en algún tipo y en parte pretexto en la utilización de estos sitios como decoración. David Freeman, el último guionista tiene haber colaborado con Hitchcock es en la salida bastante desconcertada por el método utilizado por el realizador : « Primeramente se decide de lo que van a hacer los personajes, después se los dota rasgos de índole que devuelven plausible su comportamiento. [...] Se ha criticado Hitchcock pendiente de los años sobre el hecho que, en le, la forma lo llevaba sobre el fondo. Su modo de trabajar confirmaba esta crítica. La astucia mantenía en lo que su análisis de los personajes era sí minutieuse y sí pénétrante que bastaba a darles vida en sus películas. »^[198]

Procedidos narrativos

El MacGuffin

El realizador, para explicar este que es un « MacGuffin », contará a menudo la misma pequeña historia graciosa :

Dos viajeros se encuentran en un tren activo de Londres en Edimburgo. Lo uno dice al otro : « Excusadme Señor, pero qué este paquete en el aspecto extraño que habéis ubicado en la red al-encima de vuestra cabeza ? — Ah Esto, es un MacGuffin. — Qué es un MacGuffin ? — Eh Bien es un aparato para atrapar los leones en las montañas de Escocia. — Pero no hay de leones en las montañas de Escocia. — En este caso, este no es un MacGuffin. »^[199]

El « MacGuffin » es un elemento-llave de la intriga, material o no, generalmente misterioso, que aparece vital para los personajes, pero que sirve en realidad únicamente de pretexto en el desarrollo del guión, y que no tiene, más allá de eso, ninguna importancia verdadera. El término habría sido empleado para la primera vez por Angus MacPhail^[200], guionista y amigo de Hitchcock. Hitchcock Y sus guionistas tendrán recursos al procedido en numerosas películas. El « MacGuffin » revêt a veces, tal vez de modo demostrativo, una índole bastante saugrenu.

En Las 39 andaduras (1935), el « MacGuffin » es una serie de planes que de los espías han ocultado y que mantiene de hecho en algunas frases retenidas por Mr Memory ; en Una mujer desaparece (1938), es un mensaje codé bajo la forma de un pequeño aire de música ; en Correspondiendo 17 (1940), una cláusula de un tratado que un hombre político holandés es el solo, aparentemente, a conocer ; en Los Enchaînés (1946), un compuesto químico escondido en botellas de vino. El uno de los « MacGuffin » de La Muerte a las trousses (1959) toma la forma de microfilms disimulados en un statuette y que contiene secretos   del gobierno » – es la sola explicación que nosotros será proporcionada... Hitchcock Veía allí su mejor mejor « MacGuffin », « el plus inexistente, el plus dérisoire. »^[201] La importancia del « MacGuffin » disminuye progresivamente durante la película hasta a veces no más tener ninguna, el espectador que se deja entrenar por los personajes y el modo cuyo reaccionan a los acontecimientos generados por el procedido.

Según ciertos, el premier « MacGuffin » del cine de Hitchcock se encuentra ya en Los Cabellos de oro (TheLodger , 1927), con el personaje del « Avenger », el tueur, que se no ve de hecho nunca a la pantalla^[32]. Otro « MacGuffin »-personaje es por supuesto el misterioso Kaplan de La Muerte a las trousses, que no existe todo simplemente no. En esta película, se puede incluso considerar la escena de la discusión entre los agentes estadounidenses como una proyección de una reunión entre metteur en escena y guionistas que debaten para saber cuál que gira hacer tomar a la historia. El personaje jugado por Leo G. Carroll, Que aparece para dar instrucciones, representa entonces en algún tipo el guionista, en que ha surgido una nueva idea de aventura, que viene, « enviado celeste »^[202], en el œuvre-mismo, proponer al héroe.

Hitchcock Era divertido siempre cuando guionistas o productores dissertaient sobre la naturaleza exacta del « MacGuffin », como esto fue el caso para aquel de los Enchaînés ; dirá : « La gente que conversan del "MacGuffin" lo hacen porque son incapaces de analizar los personajes. »^[203]

El suspense

Jean Douchet ve en el suspense « la principal definición de la œuvre hitchcockienne », y lo define como que es « la dilatación de un presente tomado entre ambas posibilidades contrarias de un futuro inminente ». Según Douchet, « la ansiedad nace de lo que actores o espectadores son compartidos, rasgados entre la esperanza de una salvación y el temor del irremediable entre la vida y la muerte. Es pues función de la duración del conflicto, de su dilatación. Ella aiguise nuestra percepción del tiempo. »^[204]

El suspense tiene que distinguirse de la sorpresa o del choque, más característico del cine de horror o de asusta. En las películas de Hitchcock, el suspense es obtenido por un décalage entre lo que el espectador sabe y lo que el personaje ve. La espera ansiosa del espectador puede luego ser reforzada por una música acentuada, de los efectos de luz, de las sombras… En el cine de horror, el efecto de sorpresa (el choque) consiste en hacer aparecer una cosa o un personaje, a menudo terrifiant, mientras que ni el héroe » ni el espectador no esperan. Pero en las películas hitchcockiens, la ansiedad del espectador aumenta a medida que el peligro, cuyo héroe «  » no es consciente, se precise ; el público se pregunta lo que va a llegar cuando la amenaza será percibida finalmente por aquel (o aquella) al cual se identifica. La mayoría de las thrillers de Hitchcock descansan sobre este efecto.

Así, en Ventana sobre patio (1954), el espectador es solo a ver el vecino de cara salir de su piso con una mujer ; Jeffries duerme a este momento. Asimismo, cuando el detective Arbogast suba las escaleras de la casa de Norman Bates en Psicosis (1960), el espectador ve la puerta se entrouvrir y es solo a prever el homicidio. Sudores fríos (1958) es también particularmente significativo ya que el espectador aprende por un flashback, desde el comienzo de la segunda parte de la película, la verdadera identidad de Judy y todo el complot subido contra Scottie. El espectador se interroga así sobre la tournure que van a poder tomar los acontecimientos.

El humor

En una entrevista de 1967, cuando se pide porqué no ha girado nunca de comedias^[205], Hitchcock responde : « Pero todas las películas que hago están comedias. »^[36]

Los thrillers de Hitchcock, en efecto, son para la mayoría émaillés de teclas humoristiques. El realizador, que tiene le-mismo siempre un poco desconcertado los críticos por su incorrigible lado blagueur, consideraba que la tensión no podía ser mantenida a lo largo de una película y que de los momentos de répit tenían que ser manejados en la narración. Si se encuentra varias escenas de un cómico bastante bueno niño, como por ejemplo el comienzo de las 39 andaduras (1935) o las escenas de voyance cocasses de Complot de familia (1976), el humor hitchcockien lleva frecuentemente sobre la sexualidad y la muerte (humor negro). En la primera categoría, se encuentra por ejemplo, en Las 39 Andaduras siempre, la escena donde de los representantes bajo-ropa femenina suscitan la mirada poco desesperada de un sacerdote, o aquella donde la mano del héroe es menottée a mano de una joven mujer y acompaña ésta mientras ella ôte sus bajos, o todavía, al principio de Sudores fríos (1958), la escena donde es cuestión de un apoyo-garganta revolucionaria concebida por un ingeniero aeronáutico. En el segundo, se encuentra entre demás los remarcas muy tierra-en-tierra de Stella, la enfermera de Ventana sobre patio (1954), con relación a lo que el tueur ha podido bien hacer del cuerpo de su víctima, o la mujer del policía en Frenzy (1972) que se interroga sobre el cadáver de Babs todo grignotant. Pero que ha matado Harry ? (1955) está, por otra parte, una comedia totalmente consagrada en el humor macabro.

Storyboards Y rodajes

La mayoría de las commentateurs han creído fermement al hilo de los años que las películas de Hitchcock eran ampliamente « storyboardés » hasta en el menor detalle. Se ha dicho que no se estaba incluso nunca dado la pena de mirar a través del objetivo de una cámara, dado que para lucido este no era útil, aunque de las fotos destinadas en la promoción lo muestran en tren de hacerlo. Cela servía también de excusa para no nunca tener que modificar sus películas por informe a la visión que tenía en la salida. Si un studio le pedía de hacerlo, podía pretender que la película era girado ya de un solo modo y que no había otros apresamientos a tomar en consideración.

Sin embargo, este modo de ver Hitchcock como un realizador poniéndose más a la préproduction que en la realización ella-misma ha sido discutida en el libro Hitchcock al trabajo (Hitchcock at Work), escrito por Bill Krohn, correspondiente americano para Los Cuadernos del cine^[206]. Krohn, Después de haber examinado varias revisiones de script, de las notas intercambiadas entre Hitchcock y otras miembros del personal de producción, estudiado de los storyboards y otros matériaux de producción, ha observado que el trabajo de Hitchcock desviaba a menudo por informe al guión como era escrito o a la concepción que era hecha de la película a la salida. Ha subrayado que el mito de storyboards a propósito de Hitchcock, a menudo régurgité por generaciones de commentateurs de sus películas, tenía gran parte sido perpétué por Hitchcock en persona o por el departamento de los studios en cargo de la publicidad. Un muy buen ejemplo sería la famosa escena de pulverización del campo de maïs en La Muerte a las trousses^[126] que no habría hecho en el origen el objeto de ningún storyboard. Este no es que una vez la escena girada que el departamento publicidad habría pedido a Hitchcock de realizar de las storyboards para promover la película, e Hitchcock, a su vez, habría comprometido un dessinateur para reproducir las escenas detalladamente.

Mismo cuando de los storyboards eran hechos, la escena gira era sensiblemente diferente. El análisis empujado efectuada por Krohn con relación al rodaje de clásicos de Hitchcock como Los Enchaînés revela que el realizador era suficientemente flexible para modificar la concepción de una película durante su realización. Otro ejemplo dado por Krohn implica el remake estadounidense del Hombre que sabía demasiado, cuyo rodaje comenzó sin script definitivo y sobresalió los límites de tiempos previstos, lo que, como la nota Krohn, no era inhabituel y se produjo para mucho otras películas de Hitchcock, cuyas El Desconocido de Norte-Express y El Étau. Aunque el realizador consagraba efectivamente mucho tiempo en la preparación de todas sus películas, era plenamente consciente ya que, en la realidad, el proceso de fabricación desviaba a menudo planes mejor establecidos, y era flexible para adaptarse en los cambios y a las necesidades de la producción, dado que sus películas no escapaban a los habituales azares frecuentemente encontrados en la mayoría de los rodajes, ni a las rutinas a las cuales, a menudo, se tenía entonces recursos.

El trabajo de Krohn ofrece igualmente un alumbrado en lo relativo a la costumbre de Hitchcock de generalmente girar las escenas en el orden cronológico, una costumbre cuya Krohn hecho constar que fue a menudo la fuente para buen número de sus películas de un adelantamiento de presupuesto y de retrasos y que, lo que es más de entidad, difería del modo habitual de proceder en Hollywood en la época del sistema de los studios. Todo también de entidad es la tendencia de Hitchcock a girar apresamientos alternativos de ciertas escenas. Este no era necesariamente para dar al monteur la posibilidad de façonner la película de la manera que él (o ella) deseaba (a menudo bajo la égide del productor) que las películas eran girados bajo diferentes ángulos, pero eso atestiguaba más bien de la tendencia de Hitchcock de dejarse a le-mismo de la elección en sala de montaje, donde había para costumbre, después de haber visionné las rushes, de aconsejar sus monteurs. Según Krohn, esta información, así como mucha demás reveladas por su trabajo de investigación a través de sobre todo el archivo personal y las revisiones de script de Hitchcock, contradicen la imagen d‘un cineasta siempre en posesión del control sobre sus películas y cuya concepción de sus œuvres no cambiaba en el momento de la realización, lo que, nota Krohn, ha quedado el viejo mito central con relación a Hitchcock.

Los lugares de rodaje

Hitchcock, grande perfectionniste, tomaba cura de escoger los lugares donde giraba sus películas y sus escenas.

En La Sombra de una duda, Hitchcock escoge la pequeña ciudad de Santa Rosa, idyllique y llena de encanto, con el fin de reforzar el aspecto inocente de sus personajes y criminal del tío Charlie. 1958, escoge San Francisco para girar su próximo largometraje, Sudores fríos. Esta ciudad vallonnée reflejaba perfectamente las emociones de Scottie. En La Muerte a las trousses, toma un campo vacío para girar la escena mítica del avión. Este espacio vacío permitía a Hitchcock de mostrar en qué punto la situación es inesperada y absurda.

Hitchcock Y los actores

En lo relativo a la relación de Hitchcock con sus actores, se cita a menudo una pequeña frase que habría pronunciado el realizador : « Los actores son del ganado »^[49]. Según Hitchcock le-mismo, habría dicho encubrió desde el final de los años 1920, en informe con los actores de teatro que, entonces, snobaient el cine. No obstante, según Michael Redgrave, esto estaría durante el rodaje de Una mujer desaparece^[47] que el realizador habría hecho esta remarca. La frase dio lugar en 1941 a un incidente, en el momento de la producción de Alegrías matrimoniales : Carole Lombard, para sorprender el realizador, hizo entonces traer sobre el lugar donde de las escenas iban a ser giradas de las génisses con, escritos sobre ellas, los nombres de Lombard, Robert Montgomery y Gene Raymond, las estrellas de la película...^[207] Durante la primera de su última película, Complot de familia, Hitchcock hará un pequeño rectificatif : « Es una mentira éhonté. No he dicho nunca una cosa indistinta. Es muy grosero. Sin duda he- dice que los actores tenían que ser "tratados como" del ganado. »^[208],[209]

De hecho, la aversión supuesta de Hitchcock a la consideración de los actores ha sido gran parte exagerada. Simplemente, Hitchcock, que opinaba que los actores tenían que mantenerse a concentrarse en su rol y dejar los realizadores y guionistas gestionar la historia y el tratamiento de los personajes, no toleraba el enfoque de « El Método ». Así declara- en una entrevista que « el actor del Método es OK al teatro porque tiene un espacio libre para desplazarse. Pero cuando se trata de mostrar un plan de la cara y un plan de este que ve, tiene que tener una cierta disciplina. » ^[210] Para Hitchcock, los actores, de la misma manera que los accesorios, no eran que de los elementos de la película o, al menos, tenían que considerar la cámara como un socio de juego aparte entera.

Durante el rodaje de Lifeboat ^[83], Walter Slezak, que goza el capitán nazi, declaró que Hitchcock percibía los mecanismos del juego de actor mejor que ningún otro que conocía. Es por otra parte innegable que, en la casi totalidad de las películas de Hitchcock, al menos en cuanto al periodo estadounidense, los actores, lejos de estar meras marionetas, dan la llena medida de su talento, lo que indica de la parte del realizador un real saber-hacer, igualmente, en cuanto a la dirección de actores, y no puede que atestiguar de la simpatía que experimentaba para éstos^[211]. A título de ejemplo, se puede recordar que antes su prestación en Rebecca y en Sospechas, la cual valdrá un oscar, se denegaba a Joan Fontaine, sœur de de Olivia de Havilland, el menor talento. Por otra parte, ciertos actores no son hoy más mucho conocidos como tales que por su prestación en una película de Hitchcock, no no simplemente gracias a la reputación del realizador, pero por la composición que les ha sido permitido, entonces, de librar, y que constituye un ingrediente esencial del acierto de la película (Kelly en sus tres películas girados con el cineasta, Leigh y Perkins en Psicosis, Hedren en Los Pájaros, y bien otros, hasta en pequeños roles...). Hitchcock, Simplemente, estimulaba los talentos.

Retos e innovaciones técnicas

Hitchcock Parecía se délecter a levantar los retos técnicos de la realización.

En Lifeboat (1944)^[83], ubica la totalidad de la acción de la película a bordo de un pequeño barco, pero llega sin embargo, en su modo de girar, a evitar la repetición monótona – y también a encontrar una solución con relación a su caméo, devenido su marca de fábrica, y que la étroitesse de la decoración devolvía difícil : aparece en una revista ficticia que lee uno de los personajes, en foto sobre una publicidad para un producto amincissant... Asimismo, la acción de Ventana sobre patio (1954) se desarrolla en un solo piso y no muestra del exterior que lo que se ve de la ventana de éste.

En La Casa del doctor Edwardes (1945)^[93], dos planes que muestran una vista subjetiva han necesitado la construcción de una mano en bosque gigante, considerada como pertenecer en el personaje cuya cámara adopta el punto de vista, y aquella de accesorios, de un tamaño proporcional, que la mano mantiene : un vaso de leche en realidad del tamaño de un cubo, y un fusil en bosque gigantesco. Para añadir en la novedad y obtener un efecto que coge, el golpe de fuego que marca el punto culminant de la escena ha sido colorié roja sobre la pellicule negro y blanco de ciertas copias de la película.

La Cuerda (1948)^[98] constituía otro reto técnico. La película da en efecto la impresión de haber sido girado en un solo y único apresamiento. En realidad, ha compuesto diez apresamientos durante cada una entre cuatro minutos y mitad y diez minutos, diez minutos que son la longitud máximo de bobine que puede entonces ser contenida en una cámara. Ciertas transiciones entre el pasaje de una bobine a la otra son camouflées por un objeto sombrío que viene llenar durante uno cierto tiempo la totalidad del campo. Estos puntos eran utilizados por Hitchcock para disimular los coupures, y el apresamiento siguiente debutaba con la cámara ubicada exactamente en la misma posición.

Sudores fríos (1958) tiene recursos a una técnica de cámara desarrollada por Irmin Roberts, una técnica imitada y réutilisée de numerosas veces por la continuación por otros realizadores, y que da la impresión de una imagen que se alarga. El efecto es obtenido que desplaza la cámara en la dirección opuesta a aquella del zoom. Se ha llamado este efecto el « travelling compensado », « dolly zoom » o el efecto Vertigo ».

El cine hitchcockien

El purocine »

« Hitchcock Está [...] El uno de los plus grandes inventores de formas de toda la historia del cine. Solos tal vez, Murnau y Eisenstein pueden, sobre este capítulo sostener la comparación con le. [...] A marchar de esta forma, en funciones de su rigor mismo, todo un universo moral se ha elaborado. La forma, aquí, no enjolive el contenido, lo crea. Todo Hitchcock mantiene en esta fórmula. »

Temas. Los personajes

Los hombres

El héroe. Un inocente  señor todo el mundo »

Hitchcock Lleva un interés todo particular en el tema del inocente acusado a culpa, injustamente proseguido, y obligado de se disculper. Entre los clásicos » de Hitchcock, el uno de los premiers a abordar este asunto es Las 39 andaduras (1935), cuyo guión es coécrit por Charles Bennett, y cuyo realizador girará varias variantes durante su carrera, hasta La Muerte a las trousses en 1959, incluso Frenzy 1972. El tema, no obstante, es ya presente, en cierta medida, en cuatro películas anteriores, mudos, realizados entre 1925 y 1928 : The Mountain Eagle (película perdida), Los Cabellos de oro, Downhill y El pasado no muere  – se trata casi a cada vez de dramas, solo el segundo que puede ser considerado como un thriller. De toda evidencia^[213], el tema renvoie al cristianismo, más claramente evocado en La Ley del silencio (1952) y El Falso Culpable (1956). Más prosaïquement, no obstante, Hitchcock explicará que « el tema del hombre injustamente acusado procura en los espectadores un plus grande sentimiento de peligro, porque se imaginan más fácilmente en la situación de este hombre que en aquella de un culpable en tren de se évader »^[214].

El méchant. Del dandy al loco

Las mujeres

Ingrid Bergman en Los Enchaînés (Notorious, 1946). Quedará hasta el final lo una de las actoras preferidas del realizador.

Hitchcock Mantiene informes difíciles con las mujeres en su niñez y su adolescencia. Es un niño solitario. Más tarde, dirá no haber comprendido vaguement los aspectos mécaniques del sexo que en la edad de veinte años^[215]. En sus películas, las figuras femeninas son a menudo las más negras. Por un lado, las jóvenes mujeres rubias representan a menudo el daño. Además, la figura de la madre, a menudo presente, es general descrita bajo un día bastante poco flatteur. Eso es visible en Los Pájaros, donde la madre tiene miedo de ser abandonada por sus hilos ; el paroxysme de esta relación se encuentra, por supuesto, en Psicosis.

La rubia « hitchcockienne »

Las heroínas de Hitchcock son el más a menudo de las rubias en la belleza helada que, en un primer momento, tienen el perfil de mujeres ideales, pero que, en cuanto son despertadas por la pasión o el peligro, responden de un modo más sensual, animale, incluso criminal. La rubia hitchcockienne », por informe en los personajes ingénus de « rubias hollywoodiennes », es subversive. Una anécdota, a este título, es significativa : en medio de los años 1950, cuando Marilyn Monroe pide a los studios de trabajar con el realizador, Hitchcock habría rechazado, diciendo no apreciar las mujeres que tienen « el sexo anunciado sobre la figura »...^[216],[217]

Se anotará primeramente que, en Los Cabellos de oro (TheLodger , 1927), que Hitchcock consideraba como su premier  verdadero » película^[192], las víctimas de la « Avenger » son todas de jóvenes mujeres rubias (es de en otro lugar lo que justifica el título dado francés a la película). Daisy (June Tripp), La heroína de la película, la hija de la pareja que alberga el joven sospechoso y cuyo éste, a pesar de una cierta ambiguïté relativa a su orientación sexual^[218], acaba por se éprendre, aunque rubia ella también, no ha sin embargo no todo a hecho lo que devendrán más tarde los característicos de la rubia según Hitchcock.

El prototipo está, de hecho, Anny Ondra, que gira bajo la dirección de Hitchcock en The Manxman y Chantaje , dos película muda de 1929, cuya el segundo devendrá la primera película hablante del realizador. A causa de un énfasis a cortar en el cuchillo – era alemana, de origen polaco –, Ondra tendrá que ser duplicada para la versión sonora. Se ha conservado una prueba de la actora para esta versión, en el cual se ve y siente Hitchcock plantearle de las cuestiones aproximadamente poco picarescas, y ella responder de un aire a la vez chocado y divertido. En Chantaje, goza el rol de la novia de un policía, que mata un pintor después de que éste ha intentado de abusar de ella. La rubia hitchcockienne, parece-, es primeramente para el realizador, como lo muestra el modo cuyo aparece en ciertos de sus películas ultérieurs, el objeto de una fascinación que se emparenta al fétichisme : en Sudores fríos como en La Muerte a las trousses, ciertos planes la ponen en escena, con una insistencia que se no puede que levantar, como un asunto de una œuvre pictórica, que se podría prosaïquement llamar « Rubia misteriosa de perfil que mira hacia la derecha » o, mejor, « Rubia misteriosa, perfil izquierdo »...

Grace Kelly en La Mano en el cuello (To Catch ha Thief, 1955).

Kim Novak y James Stewart en Sudores fríos (Vertigo, 1958).

En Las 39 andaduras (1935), se descubre otra rubia, encarnada por Madeleine Carroll, a que el héroe, inocente proseguido y a los abois, se presenta por un fougueux beso, pero ella, no obstante, no vacila a denunciarlo. Más tarde en la película, se encontrará literalmente menottée al héroe, que acabará por convencerla. Carroll Jugará el año siguiente en otra película de Hitchcock, Cuatro del espionaje.

En Ventana sobre patio (1954), Lisa (Grace Kelly) arriesga su vida en que se introduce en el piso de Lars Thorwald, el tueur supuesto, mientras en La Mano en el cuello (1955), Francie (nuevamente Grace Kelly) se propone de venir ayuda a un cambrioleur « al retiro » pero que cree siempre en activo. En Sudores fríos (1958), Judy (Kim Novak), disfrazada rubia, es cómplice de un homicidio. En La Muerte a las trousses (1959), la rubia Eve Kendall (jugada por Eva Marie Santo) conducido el héroe Roger Thornhill, cuyo es sin embargo éprise, en las griffes de aquellos mismo que buscan matarlo. En Los Pájaros (1963), Melanie Daniels (Tippi Hedren) está en un momento acusado de estar en el origen, por su mera presencia, de la inexplicable catástrofe.

En nada de primavera para Marnie (1964)^[164], el personaje-título (nuevamente Hedren) es kleptomane y frigide. Al principio de la película, en una escena que, de modo asombroso, muestra tres personajes femeninos perteneciente a tres generaciones diferentes y que todas tienen los cabellos rubios –, la madre de Marnie, Marnie ella-misma, y una pequeña vecina – se siente, curieuseument, la madre de Marnie criticar su hija que se es décoloré los cabellos : « Too-rubio hair always look like ha woman's tryin' to attract the man. Men and Ha good name donativo't go together. » (« Siempre, los cabellos demasiado rubios, esto hace mujer que intenta de atraer los hombres. Los hombres y la buena reputación, esto no va juntos. »)...

Pero el mejor ejemplo se encuentra en Psicosis donde el personaje infortuné jugado por Janet Leigh oculte 40 000 $ antes de estar la víctima de un psychopathe que vive aislado de la sociedad.

La última heroína rubia de Hitchcock será, de los años después de Dany Robin y su  hija » Claude Jade en La Étau^[167] 1969, Barbara Harris, en el rol de una torce voyante extralucide que se transforma limier amateur en la última película de Hitchcock, el Complot de familia de 1976. Se podría también inclure en esta galería de retratos, en la misma película, la traficante de diamantes interpretados por Karen Black, que lleva en numerosas escenas una larga peluca rubia y que su actividad délictueuse devuelve progresivamente cada vez más mal a la comodidad.

Ciertos críticos y especialistas de Hitchcock, sobre todo Donald Spoto y Roger Ebert, se conceden para decir que Sudores fríos representa la película el plus personal del realizador, y también el plus revelador, dado que es cuestión de las obsessiones de un hombre que « sculpte » una mujer para transformarla aquella que desea. Sudores fríos explore de una manera menos détournée y más ampliamente que ningún otro de sus películas el interés del cineasta para la relación entre la sexualidad y la muerte.

La madre

Ciertas películas de Hitchcock muestramos personajes que tienen una relación problemática con su madre.

En Los Enchaînés (1946), Sebastian (Claude Rains), el « méchant », padece de toda evidencia el dominio de su madre (Leopoldine Konstantin), que lleva una mirada méfiant – a razón – sobre su futura nuera (Ingrid Bergman). La madre es aquí bastante surprenante : es dépeinte como un jefe autoritario, de aspecto virile, el cigarrillo « al bec ». Cuando siente que las cosas giran mal para le y que la situación deviene inextricable, sus hilos, que parece sin embargo haber sobresalido la cuarentena, redevenu pequeño chico penaud, pone completamente suya ; y ella se révèlera, al último momento, capaz de rápidamente todo renier para que haya la vida salva. Bruno, el « méchant » del Desconocido de Norte-Express (1951)^[107] aborrece su padre en el punto de querer matarlo, pero mantiene una relación muy estrecha con su madre (Marion Lorne), que aparece pronto como a mitad loca, es decir, sin duda, a mitad entrenada en el amor y la locura de sus hilos. En La Muerte a las trousses (1959)^[126], Roger Thornhill (el personaje jugado por Cary Grant) es un  inocente tomado a la trampa » cuya madre (Jessie Royce Landis) se moque cuando él dice que de misteriosos individuos buscan matarlo. En Los Pájaros (1963)^[127], el personaje jugado por Rod Taylor ve su universo atacado por pájaros haineux, justo en el momento en que se presenta a lucido la posibilidad de liberarse de los invernaderos de una madre possessive (Jessica Tandy). Con respecto al tueur de Frenzy (1972)^[53], solo siente odio para las mujeres, todas « de las putains », excepto su madre, que parece idolâtrer, y las mujeres que encuentra en su sabor y que no puede que matar...

Pero el plus guapo ejemplo queda por supuesto Norman Bates y su relación más que problemática con su madre, en Psicosis (1960), una madre que conserva y encarna, es y ya no es.

La pareja

El doble

Motivos. Los objetos

Los objetos hablan

En algunas imágenes, mostrando generalmente de meros objetos, Hitchcock llega a ubicar un personaje, y nuestro explicar implicitement su personalidad. En El crimen era casi perfecto (1954), los sentimientos del personaje jugado por Kelly son indicados sobre todo, al todo comienzo de la película, por el color de su vestido, blanca mientras abraza su marido, luego rojo vivo cuando hace asimismo con su amante.

Eso es todavía más evidente en la película siguiente del realizador, al principio de Ventana sobre patio (1954). Después de habernos mostrado Jeffries (Stewart) una pierna plâtrée y condenado a la silla roulante (una dédicace sobre su plâtre designándolo, incidemment, como « simpático »), la cámara se desplaza luego sobre objetos que evocan no sólo lo que ha llegado, pero también su pasado y lo que constituye entonces el centro de sus preocupaciones : un aparato foto rota, de las fotos enganchadas en el muro, mostrando primeramente de los de accidentes, luego de las escenas de un conflicto quelconque, finalmente el negativo de una foto de mujer, cuya se ve luego el positivo sobre la cobertura visible al-encima de una pile de revistas. El significado de estas imágenes aparecerá más claramente durante la película. El dilemme mayor al cual se colisiona entonces el personaje (antes de que no sea testigo de una escena sospechosa) está de saber se debe o no comprometerse más antes en su relación con la mujer (un maniquí) cuyo es épris, pero que sin embargo riesgo según le de frenarlo en su sed de aventuras.

En Psicosis (1960), el personaje jugado por Janet Leigh aparece, antes el robo que tendrá para ella de las consecuencias trágicas, bajo-ropa blanca, después, en el momento en que proyecta su méfait, se la ve que lleva de los bajo-ropa negra. Toma la fuga a bordo de un coche negro, que intercambia, cuando de las remords de conciencia comienzan a mordisquearla, contra un coche claro (la película, para rappel, es negro y blanco).

Los luminaires

En un gran número de escenas de sus películas, el realizador utiliza las fuentes de luz (velas, lampes, lustros...) De un modo todo a hecho particular.

El ejemplo sin duda el plus asombroso se encuentra en El Proceso Paradine (1947) con la secuencia del encuentro propiamente dicho entre el abogado (Gregory Peck) y el que se revela finalmente ser su rival (Louis Jourdan). La secuencia hace-misma parte de un tipo de « capítulo » o « escena-pívot »^[219] – una escena compuesta de modo casi matemático y de una muy gran complejidad a efectos simbólica : un viaje en tren verso y desde este encuentro, elemento verdaderamente desencadenante – cuyo comienzo y el final son señalados por dos planes que muestran cada uno un árbol, el uno casi idéntico al otro, si este no es que la imagen es invertida. Durante el diálogo entre ambos hombres, aparecen en la pantalla « en compañía » de una lampe masiva que, por los movimientos de cámara, parece desplazarse de modo asombroso al-encima de ellos, entre ellos, al-debajo de ellos o cerca de ellos, y parece jugar un rol, como un tercer actor. Más tarde en la misma película, después de la escena procesal, que sigue un plan fijo que muestra una estatua que simboliza la justicia , se presencia una conversación durante una comida entre el juez (Charles Laughton) y su mujer, cuya la apuesta en escena hace intervenir velas.

Al principio de Quinta Columna (1942), la madre (Dorothy Peterson), cuyos hilos únicos acaba de morir víctima de un atentado, y que viene consolar el héroe (Robert Cummings) – el  inocente » amenazado –, aparece sentada a una mesa entre cuatro velas apagadas, dos por una parte y dos de la otra, mientras detrás de ella una lampe proyecta de modo difunde su luz hacia la altura. La casa de la ciega (Vaughan Glaser), donde el  inocente » llega luego durante su periplo, es llenada de un gran número de luminaires apagados para la mayoría, de las lampes, y de las velas cuya mecha es intacta y que no han servido nunca. La madre y la ciega tienen común que defienden el  inocente » de modo « instinctive », lo que no es el caso, sobre todo, de la heroína (Priscilla Lane) que, aunque sea la hija de la ciega, duda repetidamente de la integridad del  inocente ».

En Ventana sobre patio (1954), el personaje jugado por Grace Kelly aparece en un momento dado entre dos velas \ apagadas, luego encendidas. En la misma película, se la ve encender sucesivamente tres lampes todo diciendo a elevada voz, como se pronunciaría una fórmula mágica, las tres palabras que constituyen su propio nombre. Al principio de La Muerte a las trousses (1959), durante la primera confrontación de Thornhill (Cary Grant) con los enemigos que no se sospechaba tener, se ve el personaje de Vandamm (James Mason) cerrar las cortinas y ubicarse ante una lampe ; habla, y su silueta devuelta fantomatique por el procedido toma un aspecto particularmente amenazante.

Complot de familia (1976), la última película de Hitchcock, se termina por una escena donde la voyante « de pacotille » (Barbara Harris) descubre de modo inexplicable – e inexpliquée –, una piedra preciosa escondida entre las perlas de cristal decorando un lustro (lo que renvoie a la bola de cristal de la voyante, por otra parte elemento central del genérico de la película).

Estos elementos, a la evidencia, revêtent una índole simbólica y se referente, consciemment o inconsciemment de la parte del realizador, a temas esenciales del cristianismo. Esta religión es abordada más directamente en La Ley del silencio (1953), aunque se puede considerar que se trata aquí de un mero pretexto, o en El Falso Culpable (1956), aunque el objetivo no parece ser allí que la retranscripción más fiel posible de una  historia verdadera »... En El Falso Culpable, es después de que el  inocente » ha rezado » ante la imagen del Cristo que el verdadero culpable aparece. Un poco la mismo modo que, en Las 39 andaduras (1935), el  inocente » tiene la vida salva gracias a un libro de rezos, que pertenece en un campesino bigot y vénal, y que se encuentra por casualidad en su bolsillo. ^[220]

Lo ώl/ la pantalla

En Psicosis, dos gordos planes de œél parecen responderse : aquel de Norman Bates, que espia Marion por un pequeño agujero perforado en una pared y disimulado detrás de un cuadro, y aquel, grande abierto pero apagado, de Marion muerta, víctima del voyeur. De los ojos figuran como motivos en el sueño (puesto en imagen con la ayuda del pintor Salvador Dalí) del misterioso amnésico de La Casa del doctor Edwardes.

Los lugares

Las escaleras

En un gran número de películas de Hitchcock, se encuentra escenas « de escaleras ». En El crimen era casi perfecto, la llave es escondida bajo la alfombra que cubre una andadura de escalera. En Sudores fríos, las escaleras constituyen ellos-mismos un elemento-llave, dado que es la imposibilidad en la cual se encuentra el personaje principal de escalarlos hasta el extremo – y el hecho que finalmente llegue – que es en el origen del drama. En Psicosis, el detective Arbogast se hace matar sobre las andaduras que conducen en el lugar donde, opina-, es susceptible de encontrar la solución del misterio. En Complot de familia, la escena final ha también para decoración una escalera, arriba duquel el héroe se refugia cuando surge la pareja malfaisant, y es justa al-encima de esta escalera que se encuentra el lustro donde la piedra preciosa es escondida.

Los vehículos

Los medios de transporte juegan un rol particular en buen número de películas de Hitchcock. Se tiene a menudo visto en la imagen de un tren se engouffrant en un túnel al finalizar La Muerte a las trousses un símbolo del acto sexual (y tal era bien la intención, confesada, del realizador). El tren, con esta misma connotación, es el lugar donde se hacen ciertos encuentros : Sospechas y El Desconocido de Norte-Express^[221] debuten por una escena de seducción en un tren. El coche parece jugar un rol similar : sobre todo en El Grande Alibi, Los Enchaînés... La larga secuencia de filature en Sudores fríos, al origen de la obsessión del héroe para la misteriosa joven mujer rubia, y la larga escena donde se ve el personaje de Marion a bordo de sus dos coches sucesivas, préambule de su muerte brutal en Psicosis, pueden así revêtir un sentido particular.

Los alimentos

Hitchcock Era complexé por su peso, herencia de su padre que apreciaba igualmente la buena cocina. Diferentes actores y miembros del equipo técnico cuentan que Hitchcock los invitaba a cenar para hacer más amplio conocimiento pero que hablaban más de gastronomía y del buen vino que de la película en curso.

En sus películas, el alimento tiene un rol de entidad. La famosa escena del beso en Los Enchaînés (1946) es entrecoupée de propósitos sobre el pollo. En Ventana sobre patio (1954), Lisa es vista como una mujer perfecta y Jeffries parece admitirlo cuando ella aporta su comida, llegado directamente de un gran restaurante : « Perfecto, como de costumbre ». La invitación a la cena es a menudo la expresión del deseo del uno de los dos personajes de ir más lejos en su relación con la otra : así, John « el Chat » y Frances se ofrecen un pincho-nique, Scottie invita Judy a cenar, y Mitch invita Melanie, respectivamente en La Mano al cuello (1955), Sudores fríos (1958) y Los Pájaros (1963), y una relación enamorada puede debutar. El alimento acentúa el deseo de Norman Bates para Marion Crane en Psicosis (1960), ya que él aporta los sandwiches con el fin de conversar con ella. Pero los ejemplos de escenas donde es cuestión de alimento abundan en las películas de Hitchcock...

En su prueba consagrada al realizador, Jean Douchet analice beberlo, comerlo y fumarlo en las películas de Hitchcock, y desarrolla al respecto una teoría sobre « la absorción »^[222] que aborda diciendo : « Este no es gratuitamente que el œuvre del cineasta, cuyas preocupaciones digestives se manifiestan con evidencia en la rondeur bonhomme de su propia persona, es aquella donde comerlo, beberlo y fumarlo mantienen un lugar capital que ninguna otra œuvre cinematográfica, no incluso aquella de Renoir , otra gourmet célebre, no puede disputarle. [...] No hace falta pues punto sorprenderse si, en Hitchcock, es siempre con ocasión de una comida que el héroe sorprende a la ocultada, el secreto ténébreux. »^[223]

Es interesante de anotar, al respecto, que lo una de las bromas más apreciadas del realizador liga el alimento y la muerte, como lo muestra la comida servida en torno al baúl que contiene un cadáver en La Cuerda (1948), o la comida cuya el plano principal es la arma del crimen en El inspector se pone a mesa (Lamb to the Slaughter, 1958) – episodio de la serie Alfred Hitchcock presenta adaptado por Roald^{Dahl [224]} según lo una de sus noticias –, o ciertos pasajes humoristiques de Ventana sobre patio (1954), Pero que ha matado Harry ? (1955) o Frenzy (1972)...

Un espectador cómplice

Hitchcock Realice sus películas para el espectador y ama jugar con el lado obligatoriamente voyeur, y potencialmente « malo », de éste.

En El Desconocido de Norte-Express (1951), el montaje paralelo entre, por un lado, el recorrido laborioso del « méchant » que se devuelve sobre los lugares de su crimen para dejar un briquet susceptible de comprometer el héroe » y, por otro lado, el partido de tenis que el héroe » tiene que lograr al cuanto antes para tener una suerte de impedir el « méchant », su real adversario, de ejecutar su proyecto, suscita en el espectador una tensión disturbio y, cuando lo « méchant » pena a alcanzar el briquet que ha maladroitement dejado caído en una reja de soupirail, el espectador viene a desear que éste llegue a pesar de todo a recuperarlo. La idea del partido de tenis es de en otro lugar a este título interesante, y también, más temprano en la película, la imagen de Bruno (el « méchant ») solo entre el público a no girar la cabeza para seguir la trayectoria de la pelota : el « méchant » es seguro campo o, más bien, no ha de campo ; se podrá observar que no mira de hecho en la dirección de ningún de los dos jugadores, pero bien derecho ante le : la cámara y, marchando, el espectador...

En de numeroso demás de sus películas, Hitchcock amena por momentos el espectador a sostener, casi inconsciemment, el partido del « méchant ». En El crimen era casi perfecto (1954), estamos un poco decepcionados, al cœur de la tensión, de ver los planes échafaudés por el marido machiavélique para quitarse de su mujer (la sin embargo deliciosa Grace Kelly) no desarrollarse como previstos : de ver que el homicidio riesgo de no tener lugar, porque el reloj del marido se ha arrestado y, luego, que la cabina de donde cuenta dar el golpe de teléfono fatal es ocupada. En Psicosis (1960), nosotras espèrons que Norman Bates no va a olvidar el periódico que arriesga de hacerlo sospechar y, más tarde, cuando quiere hacer desaparecer en un pantano el coche que contiene el cuerpo de la que a la salida era presentada como la heroína, y que el vehículo vacila un momento a adentrarse, experimentamos con le uno cierto alivio viendo todo de un golpe el coche-cercueil acabar de fluir. Nos sorprendemos del mismo modo, en Frenzy (1972), a desear que el maniaque llegue a recuperar el épingle a corbata, que podría traicionarlo, quedada coincée en la mano, estirada por la muerte, de Babs, su víctima...

Un comentario de este fenómeno se encuentra un cierto modo formulado en Ventana sobre patio (1954), donde la ventana del héroe » voyeur, assimilable a una pantalla de cine, ubica el espectador en la misma posición que le. Al espectador es renvoyé el reflejo de sus deseos disturbios a través de aquellos de Jeffries y Lisa y, como lo dice esta última, « somos decepcionados porque un hombre no ha asesinado su mujer » ; en el mismo tiempo, no condena el comportamiento, como se hacía forzosamente marchada de la naturaleza humana, que de una vergüenza « de principio ». El espectador quiere una víctima y un homicida porque quiere acción. Hitchcock Devuelve el espectador, a pesar de le, cómplice del tueur.

Hitchcock Y la publicidad

Los caméos

El caméo de Hitchcock en Los Enchaînés (1946) con, al posteriorplan, las estrellas de la película, Cary Grant e Ingrid Bergman. Excepción a la regla : esta aparición llega tardíamente en la película.

Un caméo es la aparición furtive (a menudo muda) de una personalidad célebre en una película. Hitchcock Aparece primeramente en Los Cabellos de oro (TheLodger , 1926) porque encuentra entonces agradable de equilibrar le-mismo un primerplan (se lo ve sentado de espalda a un pequeño despacho, ante un ventanal de una sala de redacción). Por la continuación, sus caméos devienen un juego para el espectador, y se puede verlo en todas sus películas postérieur. Bien rápidamente, no obstante, se da cuenta que esta aparición furtive puede causar una cierta molestia en la percepción del déroulement de la acción : también acaba- por no más aparecer que todo comienzo de película, de modo a lo que los espectadores no lo esperan más y puedan ser concentrados en plenamente la historia.

Los caméos de Hitchcock revelan un personaje bastante paradójico. Obsesionado por su físico, no perdía sin embargo no una ocasión de mostrarse, contra otros realizadores muy discretos. Eso forma parte de su humor cocasse, que ponctue bien a menudo sus películas. La aparición de Hitchcock en sus películas puede ser consideradas como su firma, y sin duda es- posible de encontrar un significado en lo que su personaje hecho en esta aparición en informe con el œuvre en la cual se inserta.

Carteles

La exigencia y la preocupación del detalle del realizador se extendían igualmente en cada cartel de sus películas. Hitchcock Prefería trabajar con los plus grandes talentos de la época – de las graphistes tales que Bill Gold y Saul Bass – y les hacían volver a ver su copia a innumerables recuperaciones, hasta el momento donde estimaba que la imagen única que figura sobre el cartel representaba fielmente su película entero.

Logo y tema

El genérico de la serie Alfred Hitchcock presente reloj un dibujo que representa, schématiquement pero de manera muy reconnaissable, el perfil joufflu de Hitchcock y tiene para tema La Andadura fúnebre para una marioneta de Charles Gounod. La caricatura es de hecho un autoportrait, cuyo una primera versión había sido ya publicada en un diario en 1923 ; habría sido inspirada por Cecil B. DeMille Que había dibujado un médaillon a su effigie que aparece al genérico de sus películas a marchar de 1919^[195]. Con respecto al pequeño aire de Gounod, es sobre el consejo de Bernard Herrmann que será escogido para ilustrar la serie. Este dibujo y esta música bastan entonces, y bastarán mucho tiempo todavía por la continuación, a evocar el realizador.

Hitchcock Y la crítica

Los Cuadernos del cine, Hitchcock/Truffaut

En los años 1950, en Francia, ciertos críticos de los Cuadernos del cine serán los premiers a considerar las películas de Hitchcock como de las œuvres artísticas y a hacer la promoción como tales. Hitchcock Será el uno de los premiers cineastas al cual estos críticos, futuros animadores de la Nueva Ola, aplicarán su política de las autoras », que subraya la autoridad artística del realizador en el proceso de fabricación de una película. Un primero encuentro con Hitchcock tendrá lugar en 1954, durante el rodaje de La Mano al cuello^[124]. En octubre, Los Cuadernos, a la iniciativa sobre todo de Claude Chabrol y François Truffaut, y contra una cierta réticence de la parte del redactor en jefe André Bazin, publican un número especial consagrado al realizador (n° 39, t. VII)^[225]. Tres años más tarde, 1957, Éric Rohmer y Claude Chabrol publican lo una de la primera monographie volcada en Hitchcock^[226],[227].

1966, François Truffaut publica El Cine según Hitchcock, resultado de una larga serie de entrevistas con el maestro del suspense ». De ningunos consideren esta labor como el mejor libro de entrevistas, incluso el mejor libro todo corto, nunca escrito sobre el cine.

Recompenses y honores

Oscars

Estrella de Alfred Hitchcock sobre la Walk of Fame a Hollywood, Los Ángeles.

Bastante curiosamente, Alfred Hitchcock no ha obtenido nunca de Oscar para ninguna de sus realizaciones. Cuatro de sus películas han sido sin embargo nombrados en la categoría mejor película : Rebecca logró este Oscar en 1940, pero el precio volverá en el productor, David O. Selznick ; Los tres demás son que Corresponden 17 (la mismo año que Rebecca), Sospechas^[66] y La Casa del doctor Edwardes^[93]. Todas categorías confundidas, esto son todas dieciséis películas de Hitchcock que serán nombrados en los Oscars, cuyos seis sólo valdrán en su realizador un nombramiento en título personal :

El número de nombramientos (comprendí los lauréats) para las dieciséis películas se eleva a cincuenta. Miklós Rózsa Logrará el Oscar de la mejor música para La Casa del doctor Edwardes, y Joan Fontaine aquel de la mejor actora para su prestación en Sospechas ; es, entre todos los actores, la sola a haber sido así recompensada para un rol en una película enfocada por Hitchcock.

Honores y homenajes

1967, Hitchcock recibe el Irving G. Thalberg Memorial Award.

1971, es hecho chevalier de la Legión de Honor.

El perfil de Alfred Hitchcock aparece, con otros « mitos » del cine, en el genérico de Cuando la pantera rosa se emmêle (1976) de Blake Edwards, película que forma parte de la serie de la Pantera rosa.

Alfred Hitchcock figura, con James Whale y, más tarde, George Lucas, entre los algunos realizadores parodiés por Mel Brooks. El Grande Frisson (High Anxiety, 1977), que hace referencia en varias películas y a varias características del œuvre del  maestro del suspense », es de en otro lugar dédié a este último.

1979, Hitchcock es recompensado porel American Película Institute (AFI) para el conjunto de su carrera^[229].

Hitchcock Será hecho Chevalier Commandeur del Orden del Imperio Británico por la reina Isabel II durante las New Year's Honours de 1980. Aunque haya adoptado la nacionalidad estadounidense en 1956, era permanecido asunto británico y podía desde entonces utilizar el título de Sir. Hitchcock Ha muerto sólo cuatro mes más tarde, el 29 de abril, antes de haber podido ser invertido de su título de manera oficial.^{[réf. Necesario]}

Distinciones póstumas

A laEscuela de cine (School of Cinematic Artes) de la Universidad de California del Sur (USC), una chaire volcada en el estudio de la película estadounidense ha sido bautizado de los nombres de Alma y Alfred Hitchcock : el « Alma and Alfred Hitchcock Carne for the Study of American Película ».

Desde 1991, el Festival de la película británica de Dinard (Ille y Vilaine, Bretaña) pone un precio que lleva el nombre del realizador. Se puede por otra parte ver en esta ciudad una estatua en bronce del  maestro del suspense », evocando la película Los Pájaros ; inaugurada el 8 de octubre de 2009, reemplaza una antigua estatua de Hitchcock hecha de plâtre y de résine^[230].

El viernes 13 de agosto 1999, con ocasión del centésimo cumpleaños del nacimiento del realizador, una serie de homenajes él serán devueltos sobre todo en Londres, a Los Ángeles y Nueva York^[231].

De los œuvres de Hitchcock son indigne muy regularmente citadas en clasificaciones « de las mejores películas », levantados por críticos y de los profesionales del cine. Seis películas son retomado en la Nacional Película Registry : Sudores fríos, Ventana sobre patio, La Muerte a las trousses, La Sombra de una duda, Las Enchaînés, y Psicosis . Todas estas películas, excepto La Sombra de una duda y de las Enchaînés figuraron al Top 100 del AFI de 1998, y en la actualizada de esta misma lista, publicada 2007. 2008, cuatro películas de Hitchcock fueron citados entre las diez mejores películas de todos los tiempos en la categoría « Mystery » de un 10 Top 10 levantado por la misma institución. Estas películas son Sudores fríos (n° 1), Ventana sobre patio (n° 3), La Muerte a las trousses (n° 7) y El crimen era casi perfecto (n° 9)^[232]. 1999, el British Película Institute (BFI) publicó una clasificación de los 100 mejores películas británicas (The BFI 100), en el cual se encuentra dos películas del realizador : Las 39 andaduras (n° 4) y Una mujer desaparece (n° 35)^[233]. Lado apreciación del público, se puede levantar que en mayo 2010, no menos de once películas de Hitchcock figuraban al top 250 de IMDb^[234] : Ventana sobre patio (n° 20), Psicosis (n° 22), La Muerte a las trousses (n° 32), Sudores fríos (n° 40), Rebecca (n° 97), El Desconocido de Norte-Express (n° 123), Los Enchaînés (n° 128), El crimen era casi perfecto (n° 195), La Sombra de una duda (n° 208), La Cuerda (n° 217) y Una mujer desaparece (n° 248)^[235]. Lo que es prueba, si no de su importancia, al menos de la relativa perennité de su œuvre.

La influencia de Alfred Hitchcock

Las innovaciones y la visión de Hitchcock han influido un gran número de cineastas (citamos, por ejemplo, por supuesto Truffaut y Chabrol , pero también Roman Polanski o Steven Spielberg^[236]...), De productores y de actores. Esta influencia ha participado en sobre todo la tendencia que tendrán los realizadores de controlar los aspectos artísticos de sus películas a pesar de los productores.

Entre otros « homenajes » que han podido serle devueltos, Hitchcock ha engendré dos casos \ únicos en la historia del cine : un cineasta, Brian De Palma, que basa una parte de su œuvre sobre aquella de otro, y el remake por así decirlo al plan cerca, por un cineasta, Gus Van Sant, del œuvre de otro cineasta.

Influye sobre el cine de género

Hitchcock Ha ejercido una influencia enorme sobre el desarrollo de ciertos géneros cinematográficos, esencialmente con dos de sus películas : Psicosis (1960) y Los Pájaros (1963), realizados mientras que era sexagénaire. El premier es, sobre todo, al origen del slasher, bajo-género de la película de horror que reagrupa películas donde un tueur psychopathe elimina un por uno los personajes de la historia, y el segundo se encuentra en el origen de la película destroza^[237], más particularmente de toda una serie de películas que ponen en escena de los animales homicidas.

Psicosis sirve de referencia confesa a Halloween (1978) de John Carpenter, y ha engendré una panoplie de películas activas de Masacre a la tronçonneuse (1974) de Tobe Hooper – cuya historia parece igualmente inspirada de aquella de Ed Gein – hasta Scream (1996) de Wes Craven, y mucho más allá, que pasa por Viernes 13 (1980) de Cunningham o Los Griffes de la noche (1984) de Craven. De las películas que, para la mayoría, y como Psicosis le-mismo, conocerán continuaciones, al número a veces bastante de entidad.

Los Pájaros anuncio la película destroza, aunque el término sea más propio a designar películas donde es cuestión de desastres envisageables, de todas maneras más comunes que un ataque masivo de pájaros. Se podría decir que crea un bajo-género antes de que el género le-mismo no existe, un bajo-género en el cual se puede ordenar una película como Los Dientes de la mar (1975) de Steven Spielberg, y mucha demás, de una calidad a menudo bien más discutible. Ciertos ingredientes de los Pájaros se encontrarán en la mayoría de las películas catástrofe : la descripción de una historia personal – a menudo las historias personales son multiplicadas en las películas destrozas postérieur, « clásicos » –, la descripción de una comunidad y de sus reacciones frente a la catástrofe, y la descripción, en varias escenas choque, de la catástrofe ella-misma. Los Dientes de la mar se acerca claramente del modelo ofrecido por Los Pájaros. Ambas películas son adaptaciones de œuvres literarias, pero la elección de los elementos que se encuentra en la pantalla es prácticamente idéntica : en Los Dientes de la mar : descripción de la familia del jefe Brody (cfr. Melanie, Mitch Y su madre), de la comunidad de Amity (cfr. Bodega Bay) – Con, en ambas películas, una gifle : Melanie la da en Los Pájaros y Brody la recibe en « Los Dientes » –, y de las escenas de emoción fuerte destilada progresivamente en la película.

Con Psicosis y, diez años antes, El Grande Alibi (1950), Hitchcock es por otra parte el précurseur de lo que, en los años 1990-2000, devendrá casi un género aparte entero : la película « a retournement final ».

El exégèse De Palma

Entre los realizadores ultérieurs, el que se es el plus penché sobre el œuvre de Hitchcock es sin discute, al menos al principio de su carrera, Brian De Palma, calificado entonces de « maestro moderno del suspense »^[238]. Es, para comenzar, después de haber visto Sudores fríos que Brian De Palma deja de lado de los estudios científicos prometedoras para girarse hacia el cine^[239]. En sus propias películas, lejos de alegrarse de imitar, pâlement o incluso brillantemente, Hitchcock, De Palma el revisite, propone una lectura particular. Su atención se concentra esencialmente sobre tres œuvres : Ventana sobre patio, Sudores fríos y Psicosis . Las películas de De Palma se distinguen primeramente aquellos de Hitchcock ya que son realizados en el momento en que las restricciones severas que apuntan la representación o incluso la evocación de la sexualidad se han soltado considerablemente en el cine estadounidense. Son así frecuentemente émaillés de escenas érotiques, apuntando deliberadamente a excitar el espectador^[240], y abordan de frente de los temas como la insatisfacción sexual, la exhibitionnisme, la transexualité , la pornografía, incluso la impotencia^[241], la inceste^{[242] [239]} y el fétichisme^[243]. El voyeurisme, al tiempo que es explotado, es exploré bajo múltiples facetas, sobre todo aquel de su informe con los medios de comunicación de todos tipos^[244]. El tema del doble constituye igualmente en De Palma « autor », como en Hitchcock, un asunto permanente de interrogación.

Psicosis, Hotel de los Bates : lugar de rodaje de la escena principal.

Es de modo bastante indirecta que De Palma se réfère primeramente a Alfred Hitchcock, con Sœurs de sangre (Sisters, 1973), Obsessión (1976) y Carrie al bal del diablo (Carrie, 1976). El premier, cuya música es firmada Bernard Herrmann, comporta alusiones a Ventana sobre patio – e incluso una cita casi literal » de éste –, y explore, como Psicosis, vía el caso de una joven mujer devenida schizophrène como consecuencia de la muerte de su sœur siamoise, el tema del doble y del dédoublement de la personalidad. Obsessión (1976, guión de Paul Schrader según una historia de De Palma), es basado en una relecture de Sudores fríos, integrando el tema del inceste. El compositor de la música de la película es todavía una vez Herrmann^[245]. En cuanto a Carrie , se trata de la adaptación de una novela de Stephen King. Sin embargo, los efectos utilizados son en la evidencia calqués sobre aquellos utilizados por Hitchcock, sobre todo en Psicosis, al cual es rendido homenaje por otra parte a través del nombre dado a la escuela de Carrie, la Bates High School. Carrie, No obstante, por informe en las películas de Hitchcock, fuerza el rasgo, con secuencias humoristiques – los ejercicios-castigo sobre el terreno de deporte, el essayage – frôlant el grotesco y, guise de apothéose, una larga secuencia de suspense horrifique, dramatisée casi a exceso, hasta el sobresalto final. La simbólica, presenta de modo subtil en Hitchcock, es todo también presente en la película de De Palma, pero de modo más ostensible, sobre todo con la imagen de la madre « crucifiée » que recuerda aquella del santo Sébastien, o los centenares de velas que se puede ver en todas partes en la casa cuando Carrie, después del bal, la humillación y la venganza, regresa en ella. La casa de Carrie y su madre no es sin duda sin informe con aquella de Norman Bates (y su madre). En cuanto a la música, Donaggio se inspira directamente de la utilización que en hecha por Herrmann en Psicosis.

El guión de Pulsions (Dressed to Kill, 1980) se apoya sobre una combinación entre Sudores fríos y Psicosis . Como Sudores fríos, la película, después de presentación de los personajes, se prosigue por una larga secuencia de seducción, evocando un desfile enamorado, que se desarrolla gran parte en un museo y durante la cual ninguna palabra no es intercambiado. Como Psicosis, la película se termina por una exposición a los aspectos científicos, con relación a la personalidad y las motivaciones del homicida. Esto son los conflictos relativos en su identidad sexual que son causa en el homicida de Pulsions de un dédoublement de personalidad. Body Doble (1984) es una relecture de Ventana sobre patio y Sudores fríos. El protagonismo femenino es mantenido por otra parte por Melanie Griffith, hija de Tippi Hedren. La película es, más allá de la mera diversión, una reflexión sobre el cine y sus artifices (como el título de la película, en parte, lo indica : la « doublure »), tanto que sobre las travers sexuales (voyeurisme, exhibitionnisme, incluso fétichisme), en el contexto de los años 1980, con la emergencia del vídeo, la popularisation relativa del cine gore y el desarrollo de la industria pornographique.

De Palma, en estas películas, recourt por otra parte al split screen, procedido que no ha utilizado nunca Hitchcock, pero que corresponde a secuencias de La Cuerda, o nada de primavera para Marnie, en las cuales es dado en el espectador de presenciar escenas concomitantes, lo una que es susceptible de tener un efecto sobre el otro. En las películas de De Palma, el efecto no ha sin embargo no siempre la misma función – se emparenta entonces más bien a las ventanas de Ventana sobre patio, o tiene como objetivo causar una especie de vértigo nauséeux, de « gaver » en algún tipo de imágenes el espectador-voyeur.

La Psicosis de Van Sant

Psycho (1998) de Gus Van Sant retoma en algunos detalles cerca de los mismos planes que el original pero es girado en colores. Van Sant explicará : « se trata más de una réplica que de un remake [...] Es casi como si realicemos un falso. Como si hacíamos una copia de la Joconde o de la estatua de David »^[246]. La película, sin embargo, será un fracaso.

Filmographie (De Alfred Hitchcock)

El número total de largos-métrages realizados por Alfred Hitchcock para el cine es de cincuenta y cuatro, o cincuenta y tres si se omet Mary, versión de Homicidio girado con actores alemanes. El premier es en realidad El Jardín del placer, y no Number Thirteen, el cual permaneció inachevé y cuyo lo que había sido girado parece hoy perdido. The Mountain Eagle, La segunda película de Hitchcock, es considerado igualmente como perdido. Chantaje existe dos versiones : el una muda y la otra hablante. El Crimen era casi perfecto existe, con respecto a le, en versión « 2-D » – es la sola versión disponible sobre apoyo DVD – y tiene, a su salida y en algunas escasas ocasiones por la continuación, sido proyectado « 3-D ». Alfred Hitchcock ha dirigido por otra parte veinte episodios de serie televisada cuya duración varía de una demie hora a una hora aproximadamente.

El cuadro aquí-debajo recense las realizaciones de Alfred Hitchcock al cine y a la televisión. En cuanto a los comienzos de Hitchcock, el cuadro se extiende a las películas a los cuales el cineasta ha colaborado, esencialmente aquellos realizados por Graham Cutts. Con respecto a la televisión, y sobre todo la serie Alfred Hitchcock presente, solos son retomado los episodios realizados por Hitchcock en persona. Los œuvres son clasificadas previamente chronologiquement, en el orden de su primera presentación pública (cine) o de su primera difusión (TV), en una tentativa de reflejar al mejor el recorrido creativo del realizador^[247].

Notas y referencias

Fuentes

Bibliographie

• () Charles Barr, « Hitchcock’s British Películas Revisited », en Andrew Highson, Dissolving Views. Key Writings Se British Cinema, Cassell, Londres, 1996, p. 9-19.
• () Peter Bogdanovich, Who the Devil Made it, Alfred TIENE. Knopf, 1997.
• (fr) Laurent Bourdon, Diccionario Hitchcock, Larousse, coll. « In extenso », [París], 2007 (ISBN 2-03-583668-7). 1051 páginas. – Préface De Claude Chabrol, que la concluye así : « Con este diccionario, fumáis todo sobre Hitchcock, muchas cosas sobre el cine y un poco sobre la naturaleza humana. »
• (fr) Jean Douchet, Hitchcock, El Herne, París, 1985 (ISBN 2-85-197-201-4). 277 páginas.
• (fr) Éric Dufour, El Cine de horror y sus figuras, PUF, coll. « Líneas de arte », París, 2006 (ISBN 2-13-055826-7). 224 páginas.
• (fr) Paul Duncan, Alfred Hitchcock : Filmographie completa, [?], Taschen, [19??] (ISBN 2-7434-5172-6).
• (fr) David Freeman, Los Últimos días de Alfred Hitchcock, Jade, París, 1985 (ISBN 2-86892-001-2). 270 páginas. – Prueba seguida del guión de Noche breve (The Short Night). – Trad. De David Freeman, The Last Days of Alfred Hitchcock, Overlook, rééd. 1999 (ISBN 087951728-X).
• () Sidney Gottleib (dir.), Alfred Hitchcock : Entrevistas by Alfred Hitchcock, Univ. Press of Mississippi, 2003.
• (fr) Evan Hunter (I.e. Ed McBain), Hitch Y mí, Ramsay, 2006.
• () Robert E. Kapsis, Hitchcock : The Making of Ha Reputation, University of Chicago Press, 1992.
• (fr) Bill Krohn, Hitchcock al trabajo, Los Cuadernos del cine, París, 1999 (ISBN 2-8664-2242-4). 287 páginas, nbreuses. ill. – Rééd. 2009 (ISBN 2-8664-2562-3). – Trad. De Bill Krohn, Hitchcock at Work (annotated edition : Phaidon Press, 2000 (ISBN 071483953-0))
• (fr) Bill Krohn, Alfred Hitchcock, trad. Por Émilie Saada, edición particular para Le Monde, Los Cuadernos del cine, coll. « Grandes cineastas », París, 2008 (ISBN 9-782866-425210). 94 páginas.
• (fr) Jacques Legrand (dir.), Crónica del cine, Crónico, Bassillac, 1992 (ISBN 2-905969-55-5).
• () Janet Leigh, Psycho : Behind the Scenes of the Classic Thriller, Harmony, 1995.
• (fr) Leonard J. Leff, Hitchcock Y Selznick. La rica y extraña colaboración entre Alfred Hitchcock y David O. Selznick a Hollywood, Ramsay, coll. « Ramsay Cine », París, 1990 (ISBN 2-85956-851-4). 264 páginas.
• () Thomas Leitch, The Encyclopedia of Alfred Hitchcock, Nueva York, Facts se Fila (ISBN 0-8160-4386-8).
• () Axel Madsen, « Who's Afraid of Alfred Hitchcock ? », En Sight and Sound, invierno 1967-68, p. 26-27.
• () Patrick McGilligan, Alfred Hitchcock : TIENE Life in Darkness and Light, Regan Books, 2003.
• (fr) Francis Montcoffe, "Ventana sobre patio" : Estudio crítico, Nathan, coll. « Synopsis, 6 », París, 1995 (ISBN 2-09-190980-7). 127 páginas.
• () Camille Paglia, TheBirds , British Película Institute, 1998.
• () Stephen Rebello, Alfred Hitchcock and the Making of Psycho, December Books, 1990.
• (fr) Éric Rohmer, Claude Chabrol, Hitchcock, Ramsay, coll. « Ramsay Bolsillo Cine », [París], 2006 (ISBN 9-782841-148271). 173 páginas. – Éd. Oro. : Ediciones universitarias, 1957.
• () Tom Ryall, Alfred Hitchcock and the British Cinema, Croom Helm, 1986. 193 páginas.
• () Donald Spoto, The Arte of Alfred Hitchcock, Anchor Books, 1976-1992 (ISBN 0-385-41813-2).
• () (fr) Donald Spoto, The Dark Side of Genius : The Life of Alfred Hitchcock, Da Capo Press, 1999 (ISBN 030680932X). – Trad. francés : Donald Spoto, La Cara escondida de un Ingenio : La Verdadera Vida de Alfred Hitchcock, edición Ballantine, 1983 ; rééd. Albin Michel, París, 1989 (ISBN 2-226-03682-2). 615 páginas.
• () David Thomson, « H for Hitchcock », en Sight and Sound, enero 1997, p. 26-30.
• (fr) François Truffaut, El Cine según Hitchcock, Robert Laffont, París, 1966. 260 páginas. – Rééd. : Hitchcock/Truffaut, Ramsay, coll. « Ramsay Bolsillo Cine, 7-8 », 1985 (ISBN 2-85956-436-5). 311 páginas. – Entrevista por Truffaut de Alfred Hitchcock, con la colaboración de Helen Scott. Un asombroso diálogo entre ambos cineastas donde el conjunto del œuvre de Alfred Hitchcock es considerado bajo los ángulos de la pasión del cine y de la técnica.

Filmographie (Sobre Alfred Hitchcock)

• () (fr) Laurent Bouzereau, [Étau] "Topaz" : Año Appreciation by Película Critic/Historian Leonard Maltin, Universal Studios Home Video, 2000. Suplemento del DVD El Étau, Universal Studios, coll. « The Hitchcock Colección », 2007. EAN 5-050582-505382.
• () (fr) Laurent Bouzereau, [Frenzy] The Story of "Frenzy", Universal Studios Home Video, 2000. Suplemento del DVD Frenzy, Universal Studios Home Video, coll. « La Colección Hitchcock », 2001. EAN 0-44007-848425.
• () (fr) Laurent Bouzereau, [Hombre] The Making of "The Man Who Knew Too Much", Universal Studios Home Video, 2000. Suplemento del DVD El Hombre que sabía demasiado, Universal Studios Home Video, coll. « La Colección Hitchcock », 2001. EAN 0-44007-82642-3.
• () (fr) Laurent Bouzereau, [Marnie] The Disturbio with Marnie, Universal Studios Home Video, 1999. Suplemento del DVD nada de primavera para Marnie, Universal Studios Home Video, coll. « The Hitchcock Colección », 2007. EAN 5-050582-505320.
• () (fr) Laurent Bouzereau, [Pájaros] All About "The Birds", Universal Studios Home Video, 1999. Suplemento del DVD Los Pájaros, Universal Studios, coll. « La Colección Hitchcock », 2001. EAN 0-44007-847428→ (sic : check digit reemplazado por un chevron que cierra).
• () (fr) Laurent Bouzereau, [Sombra] Beyond Doubt : The Making of Alfred Hitchcock's Favorita Película, Universal Studios Home Video, 2000. Suplemento del DVD La Sombra de una duda, Universal Studios, coll. « La Colección Hitchcock », 2001. EAN 0-44007-822029→ (sic).
• () (fr) Laurent Bouzereau, [Psicosis] The Making of "Psycho", Universal Studios Home Video, 1997. Suplemento del DVD Psicosis, Universal Studios, coll. « La Colección Hitchcock ».
• (fr) Robert Fischer, Un cine de signos : Claude Chabrol sobre Alfred Hitchcock, FictionFACTory - Robert Fischer Filmproduktion, 2006. Suplemento del DVD Los Amantes de Capricornio, Universal Studios, coll. « La Colección Alfred Hitchcock », 2005. EAN 5-050582-449563.
• () (fr) Ted Haimes, H para Hitchcock (Hitchcock : Shadow of ha Genius/ Dial H for Hitchcock : The Genius Behind the Showman), Rocket Ciencia Laboratories, 1999.
• () (fr) David Lemon, Hitchcock : El Comienzo de una carrera (Hitchcock : The Early Years), Carlton Internacional Media, coll. « The Carlton Película Colección – HA Perfila of », 2000. Suplemento del DVD del coffret Hitchcock, el maestro del suspense, TF1 Vídeo, 2005. EAN 3-384442-064811.

Bibliographie Complementario

• () Peter Conrad, The Hitchcock Murders, Faber & Faber, 2000.
• (fr) Tania Modleski, Hitchcock y la teoría feminista : Las mujeres que sabían demasiado, trad. Navidades Burch, La Harmattan, París, 2002. – 1^re éd. inglés, 1988.
• () Ken Mogg, The Alfred Hitchcock Story, Titán Books, 1999.
• (fr) Thomas TIENE. Ravier, « La Inocencia de Hitchcock », en La Œél del príncipe, Gallimard, 2008 (ISBN 978-2-07-012224-0).
• () Jane Sloane, Alfred Hitchcock : TIENE Guía to References and Recursos, G.K. Hall, 1983.
• () John Russell Taylor, Hitch : The Life and Work of Alfred Hitchcock, Faber & Faber, 1978.
• () Robin Wood, Hitchcock's Películas Revisited, 2^e éd., Columbia University Press, 1989.
• (fr) Slavoj ŽIžek (dir.), Todo lo que habéis querido siempre saber sobre Lacan sin nunca oser pedirlo a Hitchcock, Navarin, París, 1988.

Vínculos externos

• (fr+) Alfred Hitchcock sobre el Internet Movie Database
• Un sitio dédié a Hitchcock con una lista de sus apariciones en sus películas
• Ficha del ciné-club de Caen
• La película « El Hombre que sabía demasiado » (1934) en su versión original sobre el sitio de Internet Archiva. ()
• Filmographie De Hitchcock sobre una línea cronológica que reúne extraídos y de las bandas de anuncio de las películas. Puede ser anunciada bajo forma lineal, flipbook (folioscope), lista o mapa.
• Filmographie De Alfred Hitchcock resumidos y ébauches de análisis
• Biografía detallada de Alfred Hitchcock
• Sitio que propone 1000 fotogramas para cada uno de las películas de Hitchcock
• Hitchcock En EyeGate
• Alfred Hitchcock y el Œuvre en la Sombra