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El teatro (del griego θέατρον, "lugar para contemplar") es una arte escénica relacionada con la actuación y la representación de unos acontecimientos, que consta de representar una historia ficticia que protagonizan uno o más personajes en un lugar y un tiempo concreto y ante un público. Se utilizan elementos como los discursos y los diálogos, los gestos, la escenografía, la música, el sonido y el espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas en un escenario y ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo.
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Características generales
El teatro como se ha podido observar, constituye un todo orgánico del que sus diferentes elementos forman una parte indivisible. Estos elementos, sin embargo, poseen cada uno características y normas propias y, en función de la época, de la personalidad del director u otras circunstancias, es habitual que se conceda a unos u otras mayor relevancia dentro del conjunto.estos elementos son:
Texto
Las obras dramáticas se escriben en diálogos y en primera persona, en el cual existe las acciones que van entre paréntesis, (llamado lenguaje de las acotacions) En la tradición occidental, el texto, la obra dramática, se ha considerado siempre la pieza esencial del teatro, denominado "el arte de la palabra". Dado que, de forma más matizada, esta orientación predomina también en las culturas orientales, ninguno cuando menos admitir como justificada tal primacía. En lo referente a esto tienen que hacerse, sin embargo, dos consideraciones: en primer lugar, el texto no agota el hecho teatral, porque una obra dramática no es teatro hasta que se representa, el que implica como mínimo el elemento de la actuación; en segundo lugar, son numerosas las formas dramáticas arcaicas y los espectáculos modernos que prescinden por completo de la palabra o la subordinan a elementos como la mímica, la expresión corporal, la danza, la música, el despliegue escénico.
El hecho que la obra sólo adquiera plena vigencia en la representación determina además el carácter distintivo de la escritura dramática respecto a otros géneros literarios. La mayoría de los grandes dramaturgos de todos los tiempos, desde los clásicos griegos al inglés William Shakespeare, el francés Molière, el español Pedro Calderón de la Barca o el alemán Bertolt Brecht, basaron sus creaciones en un conocimiento directo y profundo de los recursos escénicos e interpretativos y en una sabia utilización de sus posibilidades.
Tipo de textos teatrales
El texto dramático en el teatro está escrito en forma de diálogo. Existen varias clases de diálogos:
- Coloquio: Es un diálogo entre varios interlocutores, en el que los discursos suelen ser opuestos.
- Monólogo o sol·liloqui: Es un diálogo donde un personaje habla consigo mismo.
- Monólogo: A diferencia del sol·liloqui, aquí encontramos un personaje que habla consigo mismo pero ante un grupo de personajes.
- Apart: Pequeño monólogo que se sustrae convencionalmente de la percepción de los otros personajes.
- Apelación: Es un discurso dirigido directamente al público.
Dirección
La personalidad del director como artista creativo por derecho propio sólo se consolidó, según se apuntó anteriormente, a fines del siglo XIX. Su figura, de cualquier forma, había existido siempre, cuando responsable de la coordinación de los elementos que representan, desde la escenografía a la interpretación. A él corresponde, en definitiva, convertir el texto, si existe, en teatro, por medio de los procedimientos que juzgue precisos, para inducir a la reflexión por los alemanes Bertolt Brecht y Erwin Piscato.
Actuación
Las técnicas de actuación han variado enormemente a lo largo de la historia y no siempre de manera uniforme. En el teatro occidental clásico, por ejemplo los grandes actores, los "monstruos sagrados", tendían a enfatizar las emociones con objeto de destacar el contenido de la obra, en la comedia del arte el intérprete dejaba rienda suelta a su instinto; los actores japoneses kabuki, hacen patentes determinados estados de ánimo por medio de gestos simbólicos, bien de gran sutileza o deliberadamente exagerados.
En el teatro moderno se ha impuesto en general la orientación naturalista: que el actor por medio de adquisición de técnicas corporales y psicológicas y del estudio de si mismo y del personaje, procura recrear en escena la personalidad de este. Tal opción, evolucionada en sus disparos fundamentales a partir de las enseñanzas del ruso Konstantín Stanislavski y muy extendida en el ámbito cinematográfico, no es por supuesto la única y en último extremo la elección de un estilo interpretativo depende de características del espectáculo y de las indicaciones del director.
Sin embargo, actualmente, a inicios del siglo XXI, la actuación teatral con tendencia naturalista está siendo replanteada seriamente. La teatralidad contemporánea requiere una crítica del naturalismo como simple reproducción del comportamiento humano, pero sin lazos con su entorno. Actualmente ha habido grandes transformaciones del trabajo de Stanislavsky siendo las más importantes Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky, Etienne Decroux y Eugenio Barba. Estas técnicas, llamadas actualmente extraordinarias implican una compleja síntesis de los signos escénicos
Otros elementos
De forma estricta, se entiende por decorado el ambiente en que se desarrolla una representación dramática, y por escenografía, al arte de crear los decorados. Hoy en día, tiende a usarse en el concepto de "aparato escenográfico" referido a todos los elementos que permiten la creación de este ambiente, entre los cuales habría que destacar fundamentalmente la maquinaria o tramoya y la iluminación.
En la antigüedad, la escenografía se encontraba condicionada a limitaciones técnicas y arquitectónicas, circunstancia que se mantuvo durante toda la Edad Media. Fue a la darreria del Renacimiento y, sobre todo, durante los siglos XVII y XVIII, cuando la escenografía empezó a adquirir realce, gracias al perfeccionamiento de la perspectiva pictórica, que permitió dotar de mayor apariencia de profundidad al decorado, y posteriormente el desarrollo de la maquinaria teatral. En el siglo XIX, con la introducción del drama realista, el decorado se convirtió en el elemento básico de la representación. El descubrimiento de la luz eléctrica, en fin, dio pie al auge de la iluminación.
El vestuario ha sido siempre estrechamente vinculado con la concepción escénica. En el teatro griego, la tosquedat de los decorados se compensaba por medio de máscaras —trágicas o cómicas— y las túnicas estilizadas de los actores, el objeto de las cuales era de resaltar el carácter arquetipo de los personajes. Durante el Barroco y el Neoclasicismo adquirieron importancia el maquillaje y el vestuario, si bien este se empleó a menudo de forma anacrónica —se representaba por ejemplo una obra ambientada a Roma con vestiduras francesas del siglo XVII hasta la aparición del realismo—. En la actualidad, la elección del vestuario es un elemento más dentro de la concepción general del montaje.
Géneros teatrales
Hay varios géneros teatrales:
- Comedia: Género realista. A la comedia los personajes son, complejos, comunes y a salto de mata que encarnan los defectos y vicios de los seres humanos, el conflicto que se presenta es posible y probable en la vida real, si bien su contenido se exagera o ridiculiza en el intento para provocar la risa del receptor. El protagonista en este conflicto lucha con su antagonista en un intento fallado para conseguir sus propósitos; fallido, porque sus intentos los traen a varias situaciones, en las cuales fracasa o es objeto de burla. El desenlace presenta una solución alegre al conflicto con la cual todos los problemas se alegran y todos quedan felices. Generalmente los autores a través de la risa intentan que el receptor reflexione sobre el que sucede en la obra y de este modo pueda extraer una enseñanza si se ve identificado con alguno de los personajes. Por eso, algunos autores consideran que la comedia es moralista. Tartuf o el impostor de Molière es un ejemplo.
- Tragedia: Género realista. A la tragedia hay personajes ilustres, con el fin de producir una crisis, es decir, una purificación del receptor (lector o espectador) y que culmina en muchas ocasiones con la destrucción social o física del protagonista. Edipo rey de Sòfocles es un ejemplo de este género
- Drama: Género realista. En el drama se representa una situación de la vida real que resulta compleja y difícil pero con un final favorable o feliz, se caracteriza para tener personajes comunes y complejos que se enfrentan a situaciones límite de su vida y que acaban para reconocer aunque esto no necesariamente genere un cambio interno en el protagonista.
- Melodrama: Género no realista. Las anécdotas complejas donde los personajes son simples es la característica fundamental de este género. Busca que el espectador tenga una respuesta emocional superficial ante los sucesos de la escena. Los personajes tienen reacciones emocionales exacerbadas ante las acciones de los otros personajes. Hay un conflicto de valores opuestos que pueden estar en cualquier ámbito: moral, estético, etc. Nuestra Natacha de Alejandro Casona, estrenada en Barcelona el noviembre de 1935 (al Teatro Barcelona), es un ejemplo.
- Tragicomedia: Género no realista. El personaje protagonista de la tragicomedia es simple, generalmente un arquetipo, está en busca de un ideal: el amor, la amistad, la fraternidad, etc. La anécdota es compleja. No es la unión de tragedia y comedia. El pájaro azul de Maurice Maeterlinck es un ejemplo.
- Obra didáctica: Género no realista. Caracterizada para presentarse en forma de silogismo que invita a la reflexión del espectador y que a partir de ella tenga un aprendizaje. Los personajes son simples y la anécdota compleja. El círculo de tiza caucasià de Bertolt Brecht es un ejemplo claro.
- Farsa: Género imposible. La característica principal de la farsa rae en la unión de una sustitución de la realidad (de lenguaje, de lugar, etc.) Y que une elementos de cualquier de los otros seis géneros. por eso no es un género puro. Sus orígenes se remontan a Aristòfanes pero es en el siglo XX cuando este género toma verdadera importancia y relevancia. La Cantante calva de Eugen Ionescu es lo más claro ejemplo.
- Pantomima: Los mims son actores que no utilizan el lenguaje hablado en sus actuaciones y, a menudo, prescinden de cualquier sonido u objeto para hacerse entender. Tiene elementos de conexión con la danza y el circo. Es una forma habitual de arte de calle.
- Teatro musical o musical es una forma de teatro que combina música, canción, baile y diálogos. El contenido emotivo de la historia (humor, pathos, amor, ira...), así como la propia historia, es transmitida mediante las palabras, la música, los movimientos y los aspectos técnicos del espectáculo como una unidad integrada.
- Ópera es un drama total o parcialmente musicado que se escenifica cantante y con acompañamiento orquestal, y con los elementos escénicos habituales del teatro (decoraciones, vestuario).
- Teatro de títeres donde los personajes son muñecos denominados títeres
- Performance es una actuación artística en directo donde hay una importante puesta en escena, donde habitualmente el artista (conocido como performer) se comporta de una manera particular para otro grupo de gente (público o audiencia).
Teatro en la educación
El teatro aparece al ámbito de la educación reglada de diferente maneras. Principalmente como materia optativa llamada "Dramatización/teatro", o como crédito variable de Teatro a la ESO pretende integrar dos maneras de entender las actividades dramáticas en la enseñanza y aprendizaje, ambas igualmente válidas. La dramatización, más centrada en el desarrollo personal, y el teatro, más dirigido hacia las prácticas artísticas. Esta doble visión no significa dicotomía ni separación, puesto que ambos enfoques tienen una raíz común: el lenguaje dramático.
Tanto la dramatización como el teatro son formas de representación que utilizan el cuerpo, la voz, el espacio y el tiempos escénicos para expresar y comunicar ideas, sentimientos y vivencias. La dramatización puede entenderse, además, como un procedimiento consistente a dar forma teatral a algo que en principio no la tiene.
La dramatización es una forma de expresión (del mismo nivel que la expresión oral, la expresión escrita, la expresión plástica y la rítmico-musical) que utiliza los signos y la sintaxis propios del lenguaje dramático. Se caracteriza para integrar los diferentes lenguajes (verbal, plástico, rítmico-musical, corporal) y para constituir un poderoso medio de aprendizaje, puesto que implica simultáneamente aspectos cognoscitius, afectivos y psicomotrices.
Historia
La mayoría de los estudios consideran que los orígenes del teatro se tienen que buscar en la evolución de los rituales mágicos relacionados con la caza, igual que las pinturas rupestres, o la cosecha agrícola que, después de la introducción de la música y la danza, se embocar en auténticas ceremonias dramáticas donde se rendía culto a los dioses y se expresaban los principios espirituales de la comunidad. Este carácter de manifestación sagrada es un factor común a la aparición del teatro en todas las civilizaciones.
África
El teatro africano, entre tradición e historia, se está canalizando actualmente por nuevas vías. Todo predispone en África al teatro. El sentido del ritmo y de la mímica, la afición y la facilidad por la palabra son calidades que todos los africanos comparten en mayor o menor medida y que hacen de ellos actores natos. La vida cotidiana de los africanos transcurre al ritmo de varias ceremonias, rituales o religiosas, concebidas y vividas generalmente como verdaderos espectáculos. Sin embargo, a pesar de que el África ha conocido desde siempre este tipo de ceremonias, hay que preguntarse si se trataba realmente de teatro, a los ojos de muchos, estos espectáculos están demasiado cargados de significado religioso para que puedan considerarse como tal. Otros estiman que los tipos de teatro africanos guardan cierto parecido, como en otros tiempos la tragedia griega, como un preteatre que nunca llegara totalmente a ser teatro si no se dessacralitzar-se. La fuerza y las posibilidades de supervivencia del teatro negro residirán, por lo tanto, en su capacidad para conservar su especificidad. en la África independiente está tomando forma un nuevo teatro.
Nuevo Teatro: Se trata de un teatro comprometido, incluso militante, concebido para defender la identidad de un pueblo que ha conseguido su independencia.
'Teatro de Vanguardia:' Se orienta actualmente hacia una investigación sobre el papel de actor, cercana a la de Jerzy Grotowski y su teatro laboratorio. Así, en Libreville, Gabón, se formó el 1970 un teatro vanguardista que realizó dos espectáculos que dejaron una impronta perdurable en las jóvenes generaciones de comediantes. Otra vía de investigación es el teatro de silencio, creado por François Rosira, la finalidad era realizar espectáculos en que el canto, el recitado, la música y el baile se complementan en perfecta armonía.
Antiguo Egipto
Al Antiguo Egipto, a mediados del segundo milenio antes de la edad cristiana, se representaban ya dramas sobre la muerte y resurrección de Osiris . Se empieza el teatro por medio de máscaras y dramatizaciones con ellas.
El teatro surge como lugar público para el culto y representación de mitos en Egipto[1], como después se hará con los actos sacramentales medievales.
Grecia y Roma
Las raíces en ritos òrfics y en los festivales celebrados por Dionís, donde se llevaban a cabo las escenificaciones de la vida de los dioses acompañadas de danzas y cantos (Ditiràmbics). Más tarde empezaron las primeras representaciones ya propiamente dramáticas, ejecutadas en las plazas de los pueblos por compañías que incluían sólo un actor y un corazón. A finales del Siglo VI aC consiguió una extraordinaria celebridad el legendario poeta e intérprete Tespis, en el honor la frase el carro de Tespis alude, todavía hoy, al conjunto del mundo del teatro.
El teatro griego surge después de la evolución de las artes y ceremonias griegas como la fiesta de la vendimia (oferta a Dionís) donde los jóvenes iban danzando y cantante hacia el templo del dios, a ofrecer las mejores viñas. Después un joven que resaltó entre el grupo de jóvenes se transformó en el corifeu o maestro del corazón, que dirigió al grupo. Con el tiempo aparecieron el bardo y el rapsoda, que eran recitadors.
En el curso del siglo V aC, durante la edad clásica de Grecia , se establecieron los modelos tradicionales de la tragedia y la comedia, y los dramaturgos Esquilo y Sòfocles añadieron respectivamente un segundo y tercer actor a la acción, el que dio a esta una complejidad que hacía necesaria la creación de grandes escenarios. Para lo cual se erigieron grandes teatros de piedra, entre los cuales hay que citar el todavía conservado de Epidaure en el siglo V aC, capaz de albergar unas 12.000 personas, y el de Dionís , en Atenas, al siglo IV aC. Su construcción se realizaba mediante el aprovechamiento de los regazos de un cerro, donde se disponían en forma semicircular las gradas que rodeaban la orquesta , espacio circular en que se hacía la mayor parte de la representación. Después de la orquesta se levantaba una edificación llamada Skene, escena, destinada a que los actores cambiaran su vestimenta. Ante ella se levantaba una pared de columnas, el proscenio, que podía sostener superficies pintadas que evocaban el lugar de la acción. Estos decorados, junto con las túnicas y máscaras empleadas por los actores y algunas máquinas rudimentarias, constituían todo el aparato escénico.
Las representaciones del teatro griego se hacían al aire libre, contaba con corazón (dirigido por el Corifeu o maestro del corazón) que cantaba y danzaba alrededor de un altar. En el teatro griego se representaban dos tipos de obras: la tragedia, obra dramática de final desgraciado que trataba de temas de leyendas heroicas y utilizaba, oportunamente, a los dioses para su final, y la comedia satírica, que criticaba humorísticament a políticos y a las obras e incurrían en una mímica iniciada por un corazón de sátiros, y comedias que tenían por tema asuntos de la vida cotidiana; todas estaban escritas en verso y utilizaban máscaras.
Teatro romano
Los teatros romanos heredaron los disparos fundamentales de los griegos, si bien introdujeron ciertos elementos distintivos. Construidos inicialmente de madera, sólo en en el año 52 aC Pompeu, erigió en Roma el primero de piedra. A diferencia de sus modelos helénicos, se levantaban sobre el tierra plano y tenían varias plantas erigidas en masonería. Con objeto de mejorar la acústica, los arquitectos romanos redujeron la orquesta a un semicírculo, y los espectáculos se presentaban sobre una plataforma, el pulpitum, tendido ante la antigua skene que constituye el origen de los modernos escenarios. La frons scaenae era una fachada monumental de varios pisos, que servía de fondos de escenario. La grada (càvea) se divide en 3 partes: Ima, media y suma , situándose la primera en la zona inferior donde se sentaban los senadores y la clase dirigente; quedando asentados en la superior las mujeres y los esclavos y en la media el pueblo plano. El conjunto podía cubrir con un velum. Roma optó también por la comedia, puesto que estos tomaron el teatro como una manera de divertirse o entretener.
Civilizaciones americanas
En las culturas americanas prehispàniques el teatro llegó a adquirir un notable desarrollo, particularmente entre los maies, una de las obras más representativas del teatro maia es el drama quiche Rabinal Achí el teatro maia se encontraba parcialmente vinculado en los ciclos agrícolas y a la épica de sus acontecimientos históricos, y entre los aztecas e Incas, sociedades que en correspondencia con su estructura teocrática dieron a sus actividades teatrales un matiz eminentemente guerrero y religioso.
Civilizaciones orientales
Las manifestaciones dramáticas en Asia se remontan a épocas antiquísimas. En China se practicaban ya, bajo la forma de poemas escenificados, a finales del segundo milenio antes de la era cristiana. En la India su aparición fue posterior, más el hecho que en el Mahabharata, poema èpic que adquirió su forma definitiva hacia el siglo IV aC, se mencioni específicamente este arte revela la existencia de remotas formas teatrales relacionadas con las creencias vèdiques. El carácter marcadamente ritual y simbólico del teatro oriental que determinó un protagonismo de la música y la danza muy superior al occidental, marcó así mismo en el Japón, el desarrollo del teatro 能, en español llamado Noh surgido en el siglo XV, del cual dos centurias más tarde brotó la 歌舞 伎 o kabuki , el más popular, y basado sobre todo en la capacidad de los intérpretes, y en la apelación a los sentidos antes de que el intelecto.
Edad mediana europea
Después de siglos de olvido, la recuperación del teatro en Occidente tuvo principal apoyo en el clero, que lo empleó con hasta didácticos. Así, desde el siglo XI, fue habitual la representación en las iglesias de misterios y moralidades , el objeto era presentar de manera sencilla la doctrina cristiana a los fieles. Para facilitar la comprensión, el latín cedió gradualmente a las lenguas vernáculas, y en los siglos XIII y XIV, tanto las piezas religiosas como las florents farsas profanas empezaron a representarse.
Renacimiento
La eclosión del Renacimiento en Italia tuvo consecuencias decisivas sobre la evolución del teatro, pues, al surgir una producción dramática de carácter culto, inspirada en los modelos clásicos y destinada a las clases aristocráticas, se generalizó al transcurso del siglo XVI la construcción de salas cubiertas y dotadas de mayores comodidades.
Teatro en Italia
Como el primero de los teatros modernos solo citarse el Olímpico de Vicenza, diseñado por Andrea Palladio y acabado en 1585, que constituía una versión de los modelos romanos y presentaba, al fondo del escenario, de una perspectiva tridimensional con vistas urbanas. El modelo clásico del teatro italiano, vigente en muchos aspectos, fue sin embargo el teatro Farnese de Parma, erigido en 1618, la estructura incluía el escenario, enmarcado por un arco proscenio y separado del público por un telón, y una platea en forma de herradura rodeada por varios pisos de galerías. Durante este tiempo se desarrolló también en Italia una forma de teatro popular, la comedia del arte, que con su énfasis en la libertad de improvisación del actor dio un gran adelanto a la técnica interpretativa.
Inglaterra: El Teatro Isabelí
Muy diferentes fueron los teatros erigidos en Inglaterra durante el reinado de Elisabet Y de Inglaterra, época de excepcional esplendor del género dramático, entre los cuales se destacó el londinense The Globe donde presentaba sus obras William Shakespeare . Carecidos de techo y construidos de madera, su disparo más característico era el escenario elevado rectangular, entorno al cual el público rodeaba a los actores por tres lados, mientras las galerías se reservaban para la nobleza.
España: Los Corrales de Comedias
En España, y en la misma época que el teatro Isabeli en Inglaterra (siglos XVI y XVII) se crean instalaciones fijas para el teatro al aire libre llamadas Corrales de Comedias, con las que guardan similitudes constructivas. A diferencia del caso inglés, en España si han pervivido algunos ejemplos de estas edificaciones como el corral de comedias de Almagro. Exponentes de esta época son los autores Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca, claros exponentes del importante Siglo de Oro español.
Barroco y Neoclasicismo
El transcurso de los siglos XVII y XVIII dio lugar a un gran enriquecimiento de la escenografía. La recuperación por parte del drama clásico francés de la regla de las tres unidades, acción, tiempo y lugar, hizo innecesaria la simultaneidad de decorados, de forma que se empleó sólo uno en cada acto, y pronto se generalizó la costumbre de cambiarlos en los entreactos. Posteriormente, la creciente popularidad de la ópera, que requería varios montajes, favoreció el desarrollo de máquinas perfeccionadas que dieran más apariencia de veracidad a efectos tales cómo: la desaparición de actores y la simulación de quieres - las llamadas "glorias" , por ejemplo hacían posible el descenso de las alturas del escenario de una nube que traía a los cantantes-. El teatro de la Scala de Milà, acabado el 1778, constituye un ejemplo de las grandes dimensiones que eran necesarias para alojar tanto en el público como la tramoya y el aparato escénico.
Naturalismo y realismo al teatro de los siglos XIX y XX
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El naturalismo y el realismo son dos etapas del mismo fenómeno artístico. El Naturalismo es la culminación del realismo, su forma más extrema.
Así pues, podemos decir que el Realismo es una corriente estética que se da entre los años 1830-1880, aparece después del romanticismo y muy pronto se convertirán en movimientos coetáneos.Se caracteriza por escritores que se preocupan para hacer una pintura precisa de la sociedad, pretende duplicar la realidad y lo hace a partir del teatro.[2]
Es una corriente que se caracteriza por:
- espontaneidad del personaje
- psicología del personaje
El Naturalismo, por otro lado, se inicia en Francia con la novela el 1870, poco después aparecerá el teatro naturalista en Europa sobre todo en Inglaterra, Alemania y Francia y en los EE.UU..[3]
Los dramaturgos abandonarán la historia para situar la acción a la época contemporánea. Los dramaturgos más significativos de esta etapa son Frederic Soler y Àngel Guimerà.
Autores de teatro catalanes
- Francesc Fontanella
- Josep Robrenyo y Torcido
- Frederic Soler y Hubert (Serafín Pitarra)
- Josep Maria Folch y Torres
- Àngel Guimerà
- Emili Vilanova
- Gabriel Maura
- Josep Berga y Boix
- Ignasi Iglésias Pujadas
- Adrià Vado
- Santiago Rusiñol
- Joan Puig y Ferreter
- Josep Maria de Sagarra
- Josep Maria Benet y Jornet
- Jordi Tejedor y Martínez
- Rodolf Sirera
- Maria Aurèlia Capmany
- Alexandre Ballester
- Salvador Espriu
- Joan Brossa
- Sergi Belbel
- Albert Boadella
- Jordi Prat y Cuello
- Guillem-Jordi Graells y Andreu
- Lluïsa Cunillé
- Jordi Galceran
- Ignasi Garcia
- Nicasi Camps y Pinós
Margarida Xirgu http://margaritaxirgu.es/
Teatro de las Islas Baleares
[1]Autores de teatro a TeatreIB.cat
[2]Espectáculos a TeatreIB.cat
[3]Compañías y productoras a TeatreIB.cat
Referencias
- ↑ Stanton, Sarah; Banham, Martin (1996). "Middle East and North Africa". Cambridge paperback guide tono theatre. Cambridge, England: Cambridge University Press.
- ↑ teatro medieval y del Renacimiento, Barcelona 62,1983
- ↑ Castells y Altirriba, Joan: materiales relativos al teatro profano de los s.XVIII-XIX.Estudios escénicos,XIX ( 1975), 13-46
mwl:Triatopcd:Téïate
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