Renacimiento

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Hombre Vitruvià, estudio de las medidas humanas, de Leonardo da Vinci.

El Renacimiento es un nombre que se aplica a la época artística, y por extensión cultural, que da comienzo a la Edad Moderna y en que se reflejan los ideales del movimiento humanista que se desarrolló en Europa el siglo XVI. El término procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada el 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibe una amplia interpretación històrico-artística.

Sin embargo, Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo griego y romano, que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho, el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la cual califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de vasos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo norteño de Europa, que sigue evolucionando desde el arte gótico.

Desde una perspectiva de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento significa una ruptura con la unidad estilística que hasta ese momento había sido supranacional.

El entorno histórico

Historia universal
Prehistoria
Edad antigua Mesopotàmia Antiguo Egipto Antigüedad clásica
Edad mediana Alta edad mediana Baja edad mediana Imperio Bizantino
Edad moderna Era de la exploración Renacimiento Barroco Ilustración
Edad contemporánea La Revolución Francesa La Revolución Industrial La 1a Guerra Mundial La 2a Guerra Mundial La Guerra Fría La Globalización

Desde el siglo XIII se produce en Europa una serie de transformaciones que anuncian el fin de la edad mediana y la aparición de una nueva era. Estas transformaciones toman un ritmo acelerado a lo largo del siglo XV. El paso de la edad mediana a la modernidad se anuncia por:

El resurgimiento del comercio y de la vida urbana, especialmente a Flandes y en Italia. La ciudad se convierte en centro económico y político, así como cultural y artístico.
La aparición de la burguesía como clase social ascendiente.
La aparición de poderes monárquicos fuertes.
Los grandes descubrimientos geográficos favorecen una visión unitaria del mundo.
La difusión de la filosofía clásica rescatada a través de los filósofos andalusis. Se tiende a una separación clara entre religión y filosofía , entre razón y fe . Humanismo enfront teocentrisme . Se desarrolla el humanismo como corriente vital que ve el hombre como centro y medida fundamental de todas las cosas.
A una libertad de pensamiento mayor, alejada del dogmatismo medieval, corresponde un impulso considerable de los conocimientos científicos. El desarrollo de las Universidades y, sobre todo, la aparición de la imprenta favorecen la difusión de las nuevas ideas. La cultura pasa de los monasterios a las calles de las ciudades.

El pensamiento humanista

El pensamiento humanista es una concepción filosófica del mundo que sitúa el hombre en el centro de su reflexión. Por lo tanto, exalta la figura humana, la individualidad y la libertad del hombre para interpretar el mundo. La filosofía clásica, y especialmente Platón, es el instrumento para esta reflexión. El Humanismo es un estilo de vida donde el humanista es el hombre culto, conocedor del latín y del griego, de la filosofía de Platón y Aristóteles , preocupado por la ciencia, la poesía y el arte. A menudo, él mismo es poeta, científico y artista.

Fue un movimiento intelectual destinado a transformar las estructuras mentales medievales, para adaptarlas a un tipo de sociedad más abierta y dinámica. Al margen de las verdades absolutas de la cultura medieval, los seres humanos pudieron reivindicar la posibilidad de realizarse ellos mismos como individuos puesto que habían demostrado su capacidad para triunfar en las actividades comerciales y artesanales. Los humanistas buscaron en la antigüedad clásica, en textos y en los restos arqueológicos que descubrieron, el sentido profundo del hecho humano y el gusto por la contemplación de la natura. Por el pensamiento humanista, el hombre es el centro del universo y la máxima realización de la natura (antropocentrismo), y puede observar la realidad que lo rodea con sentido crítico, sin la rigidez de la mentalidad escolástica. En cualquier caso, el humanismo era laico pero no anticristià porque defendía una religión más personal y directa, en que el hombre adquiriera una autonomía espiritual y fuera más libre de las instituciones religiosas.

La expansión del humanismo contó con la imprenta (el 1455 ya existe en Maguncia y Estrasburgo , a pesar de que aparece ligada a (Gutenberg, 1448), que facilitaron la difusión de los escritos humanistas. A las cortes renacentistas, deseosas de abrirse en un mundo nuevo, los humanistas son reclamados, y en sus manos hay el progreso de la cultura y del pensamiento. Por primera vez, la obra de arte es analizada racionalmente desde el punto de vista del espectador. Así nace la crítica de arte.

Algunos de los grandes humanistas italianos fueron Marsilio Ficino (1433-1499), Pico della Mirandola (1463-1494). Fuera de Italia, el valenciano Joan Lluís Vives (1492-1549) fue pionero en el estudio de la psicología y la teoría de la educación. En Inglaterra, Thomas More escribió Utopía (1516), donde describe un Estado ideal basado en una organización comunitaria, sin propiedad privada. Erasmo de Rotterdam (1476-1536) fue lo más representativo de los humanistas europeos, y en su Elogio de la locura (1508) atacó duramente las instituciones eclesiásticas.

Con el humanismo, el lenguaje artístico se hace a la medida del hombre: si el edificio gótico domina y trasciende el hombre al buscar una medida divina y cósmica, en el Renacimiento el hombre domina el edificio, puesto que todo el sistema de proporciones toma como base la medida del hombre. Aparecen nuevos temas a las artes plásticas: mitología, retrato, paisaje, que responden a las preocupaciones de los humanistas. La obra de arte es analizada desde el punto de vista del espectador; los hallazgos técnicos se justifican de manera teórica; los sistemas de proporciones se calculan matemáticamente. A la vez, la clientela del arte se diversifica: príncipes, cardenales, nobles, gremios, ayuntamientos... La consideración social del artista evoluciona; ya no es considerado un artesano dentro de la rígida estructura gremial, sino un trabajador intelectual libre y el artista toma conciencia de su individualidad: empieza a firmar sus obras, a buscar un estilo personal y a hacerse autorretratos.

La ciencia moderna

Imprenta del siglo XV

La observación, la experiencia y el sentido crítico de los humanistas prepararon el camino de la ciencia moderna, los avances más importados de la cual se realizaron en el campo de la geografía, la anatomía la navegación , la imprenta , la relojería y los métodos financieros. En medicina destacó Andreas Vesal que realizó una detallada descripción del cuerpo humano y por primera vez unió la teorización y las enseñanzas médicas con la práctica. El aragonés Miquel Servet demostró hacia el 1553 la existencia de la circulación pulmonar. El 1543 se publicó De Revolutionibus orbium coelestium, obra de Nicolau Copèrnic, defiende que la Tierra, como todo el resto de planetas, describe "una revolución anual alrededor del Solo, donde se encuentra el centro del mundo".

Durante el Renacimiento, las facultades de medicina italianas destacaron por suyos estudios anatómicos. El cuerpo humano fue objeto de disecciones y exploraciones que, a pesar de no dar unos resultados concretas en la lucha contra las enfermedades, pusieron las bases de la anatomía, la fisiología y la patología modernas, empezando a romper la autoridad clásica y la tradición mágica de la medicina.

En general, los humanistas cultivaron todo tipo de obras descriptivas que abrazaban los diversos campos de la experiencia humana. Pero la ciencia de los siglos XV y XVI no creó ninguna gran innovación, excepto en el sistema copernicà. Aun así, la descripción de la realidad inmediata abrió las puertas a la revolución científica del siglo XVII.

El arte renacentista italiano

Giorgio Vasari (1511-1574), arquitecto e historiador del arte, utilizó el término italiano Rinascità, para referirse al arte italiano del siglo XV y quería así remarcar la idea que este arte suponía un nuevo nacimiento del "buen arte antiguo" y una rotura con la tradición artística medieval. El renacimiento sería, pues, el arte surgido en Italia el siglo XV y extendido por toda Europa el siglo XVI, y fundamentado en un regreso a los criterios estéticos de la antigüedad clásica griega y romana, en la exaltación de la naturaleza como modelo y en el nuevo sentido del hombre, aportado por la filosofía humanista.

Los supuestos históricos que permitieran de desarrollar el nuevo estilo se remontan en el siglo XIV cuando, con el humanismo, progresa un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que acabará dirigiendo, forzosamente, la atención sobre los restos monumentales clásicos.

Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:

La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el llamado Quattrocento o Primer Renacimiento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
La segunda, afecta el siglo XVI, el Cinquecento o Alto Renacimiento, y su dominio artístico queda referido al Alto Renacimiento, que se centra en el primer cuarto del siglo.
Esta etapa desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlàssica que conforma el Manierismo.

Los Estados italianos como cuna del Renacimiento

La Península Itálica estaba formada por una serie de Estados, como por ejemplo Venecia, Florencia, Milà, Estado Pontificio y Nápoles . La presión que se ejerce desde el exterior impidió que, como en otros naciones, se desarrollara la unión de los reinos o Estados; sin embargo, sí que se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural de los italianos. Desde estos supuestos serían las ciudades las que se convirtieron en centros de renovación artística. En Florencia el desarrollo de una rica burguesía ayudará al despliegue de las fuerzas del Renacimiento: la ciudad se convierte en punto de partida del nuevo estilo, y surgen, bajo la protección de los Mèdici, las primeras obras que desde aquí se van a extender al resto de Italia.

Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, al resto de Europa se mantiene el gótico en sus formas tardías, situación que se mantiene, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI. En Italia el enfrentamiento y convivencia con la antigüedad clásica, considerada como un legado nacional, proporcionó una amplia base para una evolución estilística homogénea y de validez general. Por eso, allá, es posible su resurgimiento y precede todas las otras naciones. Fuera de Italia, la antigüedad clásica supondrá un caudal académico asimilable, y el desarrollo del Renacimiento dependerá constantemente de los impulsos marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formatos allá, hacen el papel de verdaderos transmisores.

Características artísticas

Leonardo da Vinci, La dama del armiño, Museo Czartoryski, Cracòvia

De forma genérica se puede establecer las características artísticas del Renacimiento en tres:

El retorno a la Antigüedad. Resurgirán tanto las antiguas formas arquitectónicas, como los órdenes clásicos, la utilización de motivos formales y plásticos antiguos, la incorporación de antiguas creencias, los temas de mitología , de historia, así como la adopción de antiguos elementos simbólicos. A la vez hay una voluntad de estudio de los monumentos antiguos y de teorización sobre los sistemas de proporciones para captar el espíritu del clasicismo y no sólo sus formas. Por lo tanto no será una copia servil, sino la penetración y el conocimiento de las leyes que sustentan el arte clásico.
Resurgimiento de una nueva relación con la Naturaleza como modelo a imitar o perfeccionar. La mejor pintura es la que se asemeja más al natural y esta imitación no es incompatible con la búsqueda de la belleza ideal en el sentido platónico, puesto que el artista tiene que seleccionar las formas para captar la belleza. En consecuencia esta nueva relación con la naturaleza va unida a una concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática se convertirá en la principal ayuda de un arte que se preocupa para fundamentar racionalmente su ideal de belleza. La aspiración de acceder a la verdad de la Naturaleza, como en la Antigüedad, no se orienta a hacer el conocimiento de fenómeno casual, sino a hacer la penetración de la idea.
La actitud antropocéntrica: «el hombre como medida de todas las cosas» implica el descubrimiento y la aplicación sistemática de las leyes de la perspectiva lineal, tanto para proyectar edificios como para crear un espacio tridimensional en la pintura y la escultura. Esta nueva predisposición artística es esencialmente cultural y presupone en el artista una formación científica que, a la vez, le permite liberarse de actitudes medievales.

Arquitectura

Artículo principal: Arquitectura del Renacimiento

La iglesia de Santa Maria Novel, Florencia, la fachada fue diseñada por Leon Battista Alberti

La arquitectura es la manifestación artística donde se observa más bien la influencia de la antigüedad clásica. Esta influencia se pone evidencia en dos aspectos: por un lado la utilización de los elementos formales del arte griego y roma y, por otro lado, la racionalización del espacio. En cuanto a los elementos formales se vuelven a utilizar los órdenes clásicos tal como los había definido Vitruvi (toscano, dórico, jónico, corintí y compuesto), el arco de medio punto desplaza el arco apuntado y la cúpula de media esfera toma el lugar de los cimboris góticos, las estructuras arquitravades, los entaulaments y frontones, los cassetons.

La unidad, la simetría y la proporción son elementos claves. En el sistema de proporciones se observa claramente la importancia de las formas geométricas básicas: el círculo y el cuadrado, la esfera y el cubo son las formas más adecuadas por su regularidad perfecta. En cuanto a los elementos decorativos se emplearon los pilastras, los frontones, los pórticos, motivos heráldicos, las volutas, las claves...

Desde sus inicios, la arquitectura renacentista tuvo un carácter profano y, lógicamente, surgió en una ciudad donde el arte gótico no había penetrado: Florencia; en cambio, en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.

Se caracterizó por el uso de proporciones modulares, superposición de órdenes, uso de cúpulas e introducción de la orden colosal. En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosados, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, a pesar de que sustituyendo los caulicles por figuras fantásticas o de animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la vuelta de cañón y de arista, así como a cubiertas de madera con cassetons.

Los arquitectos del Cuatrocientos (siglo XV)

Catedral de Santa Maria del Fiore (Florencia), obra de Filippo Brunelleschi (1377-1446).Este orfebre, escultor y arquitecto es el iniciador de la arquitectura renacentista. Brunelleschi estudió y dibujar sistemáticamente los edificios antiguos de Roma; la necesidad de representar sobre el papel la arquitectura lo trajo a encontrar las leyes de la perspectiva lineal. Su primera gran obra es la cúpula de la catedral de Florencia. La cúpula pasa a ser el elemento dominado al exterior de las iglesias renacentistas y de toda la arquitectura religiosa posterior hasta el siglo XIX. Se considera el modelo de todas las grandes cúpulas posteriores, hasta el punto que Miquel Àngel, cuando proyectaba la de Sant Pere del Vaticano, dijo que haría una hermana más grande pero no más bella que la cúpula de Brunelleschi.

La arquitectura del Quattrocento destacó por la decoración sobria (putti, guirnaldes de flores o frutas...), el alargamiento de la cúpula (Catedral de Florencia, de Filippo Brunelleschi) y las fachadas de piedra tosca (Palau Medici-Riccardi, de Michelozzo ) o con los sillares en realçament (Palau Rucellai, de Bernardo Rossellino, proyecto de Leon Battista Alberti). Bernardo Rossellino, además de escultor y arquitecto , es un excelente urbanista que ordenó la plaza de Pienza concibiendo los espacios exteriores de una manera tan genial como sólo se había visto a la Antigua Grecia.^[1]

La madurez del Quinientos (siglo XVI)

La arquitectura del Cinquecento tuvo como centro Roma: en el año [1506] Donato de Angelo Bramante finalizaba su célebre proyecto por la basílica de Sant Pere del Vaticano. Los palacios se ornaven de valiosos bajorrelieves (Palau Grimani de Venecia, 1549, obra de Michele Sanmicheli) o de esculturas exentas (Biblioteca de Santo Marc, 1537-50, Venecia, obra de Jacopo Sansovino). Finalmente Michelangelo Buonarroti , al morir Bramante, recibe el encargo del papa Pau II de continuar las obras de la basílica. Se aceptan sus condiciones de modificar el proyecto y desaparecen las torres y torretas. El proyecto ya está a punto para recibir el principal tema arquitectónico: la cúpula . La dreçarà sobre tambor, creando definitivamente el tipo de cúpula occidental y todas las que seguirán, hasta el siglo XIX, serán una imitación. También proyectó una sola entrada, a la cual antepone un pòritc con dintel y con doble hilera de columnas exentas. En la escasa actividad arquitectónica de Miquel Àngel siempre se apreciará más su sentido de los volúmenes que no de los espacios interiores. ^[1]

Escultura

Artículo principal: Escultura del Renacimiento

La escultura del Quattrocento consiguió liberarse plenamente de las condiciones del marco arquitectónico que habían determinado la plástica medieval. El interés de los escultores del Quattrocento se centra claramente en la figura exenta, lo cual no quiere decir que el relieve arquitectónico desaparezca. En cuanto a los temas, el Renacimiento, orientado al estudio del hombre, vuelve al motivo básico de la escultura clásica: la figura humana, especialmente las figuras desnudas, intentando plasmar la anatomía, la función del cuerpo y su relación con el espacio. Los materiales más preciados vuelven a ser la piedra y el bronce. Nuevamente será Florencia la ciudad líder en el desarrollo del nuevo estilo.

El Cuatrocientos (siglo XV)

Lorenzo Ghiberti († 1455) es el autor de las dos puertas que carecían al Baptisterio de la catedral de Florencia. la puerta, de bronce fuera, recoge escenas evangélicas, y supone una revelación en el panorama escultórico renacentista, que todavía es más patentiza en la segunda puerta que se le encarga, la llamada puerta del paraíso. desarrolla una concepción pictórica del relieve.

Donatello († 1466) es el escultor más importante del siglo XV italiano. Su obra se dirige a representar el hombre lleno de vida, dignidad y nobleza.

Otros artistas de valor son: Luca della Robbia, autor de los relieves de una tribuna de la catedral de Florencia, en la cual la gracia de los niños cantors llega a interesar más que el movimiento o la expresión.

El Quinientos (siglo XVI)

En Miquel Àngel († 1564) confluyen la belleza y la expresividad. su personalidad llena de idealismo es la de uno de los genios máximos de la historia del arte. Casi siempre empleó el blanco y compacto mármol de Carrara . Sus figuras son siempre grandiosas, verdaderos titánes; son el arquetipo del hombre y el tratamiento de la anatomía sólo es un pretexto para lograr el ideal. En sus esculturas transcedeix una vitalidad contenida.

Pintura

La pintura de Renacimiento toma como punto de partida el afán de verdad, el intento de representar el mundo como es a la realidad. Giotto es el antecedente más claro en esta consideración de la Naturaleza como la gran maestra del artista. De aquí derivan las características propias de la pintura del Renacimiento:

Maestros del siglo XV

En la pintura del Quattrocento pueden distinguir los pintores que muestran una preocupación fundamental por el problema de la perspectiva y de la corporeïtat de las figuras, como sería el caso de Masaccio , Piero della Francesca, Mantegna y los pintores que dan prioridad a la línea, al dibujo, a las formas suaves y nítidas como Fray Angelico y Botticelli .

Si Brunelleschi y Donatello son los iniciadors indiscutibles del Renacimiento en arquitectura y escultura, Masaccio, otro florentí, se puede considerar el primer pintor renacentista, puesto que rompe con la elegancia del último gótico y vuelve a la preocupación por la realidad que había preconizado Giotto un siglo antes. Masaccio (1401-1428), conocedor y admirador de la obra de Giotto, parte de su preocupación por el volumen y la monumentalidad pero es capaz de dar a sus figuras una plenitud vital y una individualidad muy acusadas, un cromatismo más vive e intenso, y una organización del espacio del cuadro según las leyes de la perspectiva lineal. Su muerte, en plena juventud, hizo imposible que dejara una obra tan extensa como otros pintores de su generación. Las obras fundamentales son los frescos de la capilla Brancacci a la iglesia del Carmine y el fresco de la Trinidad.

En la pintura de Piero della Francesca podemos ver la influencia de las composiciones de Masaccio y el interés por la geometría como elemento fundamental de la pintura. Su tratado De prospectiva pingendi (1482) es una extraordinaria precisión matemática en cuanto a las leyes de la perspectiva lineal, y esta preocupación queda patente a sus obras: La Flagelo.lació de Cristo (1459). Pero quizás lo obra cumbre de Piero della Francesca son los frescos de La Leyenda de Vera Cree en la iglesia de Sant Francesc de Arezzo.

Andrea Mantegna (1430-1506), nacido cerca de Padua, se va forma entre esta ciudad y Venecia, en un ambiente en que la pintura de influencia bizantina todavía era muy preciada. Pero el contacto con los humanistas y la admiración por Donatello, que había trabajado en Padua, determinaron la orientación del pintor más importante del Quattrocento en la Italia septentrional. Al palacio ducal de Mantua pintó entre 1473 y 1474 uno de los ciclos de pintura mural más importantes del Renacimiento: La Cámara de los Esposos.

Fray Angelico supone el puente con el gótico. Su pintura es intimista, casi bien ingenua, todavía cargada de simbolismo, pero sus arquitecturas denotan un cierto dominio de la perspectiva y una preocupación por la luz, que lo aleja de los fondos irreales del gótico lineal. Sus temas son religiosos.

Otra corriente de la pintura del Renacimiento enlaza directamente con el refinamiento y la elegancia del gótico, pero añadiendo las novedades renacentistas: perspectiva, naturalismo, estudio de la anatomía... Botticelli (1444-1510), como otros pintores florentins, busca las líneas ágiles, las figuras elegantes voluptuoses, los fondos de patraña... Sus herramientas son el dominio de la línea, del dibujo y del color. Boticelli se formó al taller del viejo Filippo Lippi, la influencia del cual es evidente en las primeras obras del florentí: un buen número de Verges con el Niño, La Historia de Judith, la Adoración de los Reyes, etc. Aún así, ya en estas obras se puede ver el mundo formal propio de Boticelli caracterizado por el ritmo sutil de los cuerpos y los vestidos en unos personajes que reflejan en el rostro una expresión melancólica. Las obras capitales de Boticelli son los grandes cuadros de tema mitológico pintados al ambiente de la corte del Mèdici, como El nacimiento de Venus.

Estilísticamente próximo a Fray Angèlico se encuentra Fray Filippo Lippi (1406-1469), de una elegancia más mundana, a pesar de que su pintura es esencialmente religiosa.

Maestros del siglo XVI

Florencia continúa en el siglo XVI siendo la capital del arte, pero sus figuras máximas se trasladan a Roma , donde la corte pontificia constituye el mecenazgo de una época nueva, o viajan por varias ciudades. En general los pintores educados en Florencia conceden al dibujo una importancia más grande que otras escuelas en un siglo en que la línea pierde su perfil de delimitadora de las formas. La escuela de pintura del Quinientos aporta tres gigantes: Leonardo da Vinci, Miquel Àngel y Rafael .

Leonardo da Vinci es el gran arquetipo del hombre renacentista, igualmente dotado para la creación estética que para la ciencia. Dos de sus pinturas, la Santa cena y La Gioconda , son ejemplos culminantes de la historia de la pintura. Ya a La Virgen de las Rocas (National Gallery) Leonardo se había mostrado como un gran maestro de la composición triangular y de las luces.

Miquel Àngel es fundamentalmente escultor, y en consecuencia, conserva la eenrgia del dibujo y el deseo de movimiento y fuerza. A vuelta de la Capilla Sixtina el dinamismo llega a su plenitud: obra vasta y colosal. A su obra encontramos todas las raíces del manierismo: es un mundo drmàtic, muy diferenciado del equilibrio y el optimismo del hombre del primer Renacimiento.

Rafael destacó por el encanto de sus Madonne, y la calidad de los elementos pictóricos -luces, composición, etc.- pero su gran aportación se`ta en su concepción espacial, en la profundidad y la amplitud del espacio en que se mueven las figuras de las grandes composiciones (La disputa del Sagramnent, La escuela de Atenas) de los palcos vaticanos.

La escuela veneciana

La influencia de Venecia en el arte de la pintura es capital. En el siglo XVI una serie de grandes pintores: Ticià, Veronese, Il Tintoretto, descubren para la pintura posibilitados que explotarán los artistas del Barroco. Varias circumtàncies confluyen para suscitar en la ciudad de los canales una pintura original. Primeramente la neblina de la ciudad desdibuja los contornos y sensibiliza la pupila de los pintores para otorgar más interés a la forma que a los contornos, o sea, al color antes de que al dibujo. Seguidamente la historia de la república veneciana es fundamenta en una ciudad metropolitana y comercial, donde hay gente de países lejanos, ataviados con indumentarias de colores vivos. Y, finalmente una sociedad rica y esplendorosa.

Esta escuela rendirá culto al color, en preferencia los colores cálidos, más idóneos para plasmar la forma bella o el ambiente opulent; se dará una visión poética del paisaje, que se llena de luces; dará importancia a los temas secundarios (a la anécdota, al por menor, se le concede la misma atención que al tema principal); se exaltará la riqueza de los palacios, las teles, la música,... ^[1]

Ticià destacará por sus retratos y es el maestro de las formas blandas y redondas, como lo demuestra su predilección por los nudo femenis e infantiles (Venus de Urbino, Dànae recibiendo la lluvia de oro).

Il Veronese es el pintor del lujo: las escenas se desarrollan en palacios de mármol, con columnatas y balustrades, y jardines con fuente; sus figuras se envuelven con vestidos costosos y se duermen con joiells (como su versión de Venus y Des cuenta).

Il Tintoretto ya trasllueix la crisis de la pintura renacentista: con sus luces violentas, los contrastes de luz y sombra, los escorzos, del movimiento tienes, inestable, del paisaje romántico, de la profundidad obtenida mediante la alternancia de zonas de diferente intensidad lumínica ya prefigura el Barroco. ^[1]

Música

En no conocer la música griega o romana con tanta precisión como la arquitectura y la escultura, la música renacentista no se produjo como una restauración del antiguo. La música de esta época fue una culminación del anterior (Ars nueva) buscando naturalidad, proporción y armonía entre texto y melodía.

Difusión europea del Renacimiento

Salvo el Renacimiento hispánico, este estilo artístico no dejó una señal mucha profunda en los intereses estéticos europeos. El Renacimiento es un movimiento esencialmente italiano y es díficil de hablar de verdadero Renacimiento fuera de la península Itálica. Con todo la pintura logró una difusión más grande que el resto de actividades plásticas, hecho lógico si se considera que es más fácil exportar pinturas y grabados que esculturas o palacios. ^[1]

El Renacimiento hispánico

El arte renacentista no se impuso plenamente en los territorios penínsulars hasta el siglo XVI. ^[2]

Enla arquitectura, el arte gótico segué siendo el estilo predominante a lo largo de todo el siglo XV y principios del XVI. Hay influencia del estilo itálico al palacio de Carles V al Alhambra (obra de Pedro Machuca) y a la catedral de la misma ciudad. En cambio, la arquitectura renacentista hispánica se desarrolló con el estilo herrerià, caracterizado por la austeridad y la solemnidad, como el monasterio de San Lorenzo del Escorial; y con otros edificios de estilo plateresco, caracterizado por una decoración abundante y delicada, como en la fachada de la universidad de Salamanca.

La escultura hispánica recibió influencias del Renacimiento italiano, pero los escultores plasmaron la intensidad del sentimiento religioso más que no la belleza ideal. La mayoría de obras son tallas de madera de colores vivos. Entre los escultores destacó Alonso Berruguete.

La pintura se caracterizó por la preocupación de la perspectiva y las medidas anatómicas, la aplicación de varias gamas tonal en los colores y las sombras siguiendo las enseñanzas italianas. El Greco sobresurtí sobre de todos los otros pintores. Haced pinturas religiosas y retratos con un estilo muy original, pleno de dramatismo y movimiento; destacó por el uso del color y las figuras alargadas. De su obra, muy amplia, destaca El entierro del conde de Orgaz, extraordinaria pintura classicista de la composición, con características manieristes y contrastes de luz. Otro autor destacado fue en Luis de Morales.

El Renacimiento nórdico

El Renacimiento artístico no estuvo en Alemania una tentativa de resurrección del arte clásico, sino una renovación intensa del espíritu germánico, motivado por la Reforma protestando.

Albrecht Durero (1471-1528) es el artista más universal del Renacimiento alemán por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Su obra ya fue reconocida y admirada en todo Europa en vida e impuso la impronta del artista moderno, enlazando la reflexión teórica con la transición decisiva entre la práctica medieval y el idealismo renacentista. Ejerció una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país y de los Países Bajos. Durero comprendió la imperiositat de adquirir un conocimiento racional de la producción artística.

Después de la Reforma el mecenazgo de la nobleza alemana se centró en primer lugar en la arquitectura, por la capacidad de esta para mostrar el poder y prestigio de los gobernantes. Así a mediados del siglo XVI se amplía el castillo de Heidelberg, siguiendo las directrices clásicas. Aun así, la mayoría de los príncipes alemanes prefirieron conservar las obras góticas, limitándose a decorarlas con ornamentación renacentista. Los emperadores Habsburg y la familia Fugger fueran los más importantes mecenas, destacándose la protección de Johannes Kepler y Tycho Brahe.

El Renacimiento en los Países Bajos

A la vez que se desarrollaba en Italia el Cinquecento italiano, la llamada pintura flamenca llegó a un desarrollo notable. Esta escuela se hizo célebre por su notable naturalismo, salvo que comparte con los maestros italianos. Algunos grandes nombres de la época fueron los paisajistas Joachim Patinir y Quentin Matsys el Joven; el retratista Antonio Moro, Bosco; Pieter Brueghel el Viejo y Gaspar Baiton. Posteriormente se enfocó la literatura con los mejores autores de la época.

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