Joan Miró y Ferrà

Joan Miró y Ferrà

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Joan Miró
Joan Miró en Barcelona en el año 1935.
Nombre de nacimiento	Joan Miró y Ferrà
Nacimiento	20 de abril de 1893  Barcelona
Defunción:	25 de diciembre de 1983  (con 90 años) Palma de Mallorca
Nacionalidad:	española
Técnicas artísticas	Pintura, Dibujo, Grabado, Escultura, ceramista
Movimiento artístico:	Surrealismo
Obras destacadas:	La masía Carnaval de Arlequí, Mujer y Pájaro Femme
Premios	Medalla de Oro al Mérito en las Bellas artes (1980); Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña (1978); Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia (1954)

Joan Miró y Ferrà (Barcelona, 20 de abril de 1893 - Palma, 25 de diciembre de 1983 ) fue un pintor, escultor, grabador y ceramista catalán, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. A su obra reflejó su interés por el subconsciente, por el espíritu «infantil» y por su país. Al principio mostró fuertes influencias fauvistes, cubistas y expresionistas , evolucionando hacia una pintura plana, con un cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La masía, de en el año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con las directrices del surrealismo e incorporándose a este movimiento.^[1] En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década del 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, que en sus propias palabras se concreta al «matarlos, asesinarlos o violarlos», para poder favorecer una forma de expresión que fuera contemporánea, y no querer doblarse a las exigencias y a la estética de estos métodos, ni siquiera en sus compromisos verso los surrealistas.^[2]

Uno de sus grandes proyectos fue la creación de la Fundación Joan Miró, fundada el 1975 y ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras dadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar y Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York.

Vida familiar

Personajes fantásticos en el barrio de La Défénse, de París, de en el año 1978, esculturas con los colores primarios más empleados por Joan Miró.

Joan Miró nació el 1893, en un pasaje al lado de la Plaza Real de Barcelona, donde su padre Miquel Miró y Adzeries, hijo de un herrero de Cornudella , tenía un taller de orfebrería y relojería. Allá conoció a Dolors Ferrà y Oromí, hija de un ebanista mallorquín, se casaron y establecieron su residencia en el mismo pasaje del Crédito, donde nacieron sus dos hijos Joan y Dolors.^[3]

Se casó con Pilar Juncosa en Palma de Mallorca el 12 de octubre de 1929 , y se instalaron en París en un apartamento con suficiente espacio para vivienda y taller del artista; el 17 de julio de 1931, la pareja tuvo su única hija, Dolors. Al quedar libre del contrato con su marchante Pierre Loeb, Miró decidió de volver con la familia en Barcelona, a pesar de que realizó estancias intermitentes en Mallorca y en Mont-roig del Camp. En el año 1936 se encontraba en esta última población cuando estalló la Guerra Civil Española. En noviembre tenía prevista una exposición en París, y una vez allá y en vista de las circunstancias adversas provocadas por la guerra, decidió quedarse y consiguió que también fueran su esposa Pilar y su hija.

Poco antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial el ambiente en París era cada vez más tienes. Pasaron una temporada a Varengeville-sur-Mero, a la costa de Normandía , en una casa ofrecida por su amigo, el arquitecto George Nelson. Allá se encontró bien, porque lo acercaba más en la natura tal como estaba acostumbrado con los paisajes de Mallorca o de Mont-rojo, y acabó alquilando una casa. A la primavera de 1940 , los amigos habían ido desapareciendo de Varengeville y junto con Pilar decidió de volver a Cataluña. Poco después, la familia se trasladó a Mallorca donde, según Miró, allá tan sólo era «el marido de Pilar». En el año 1942 devolvió en Barcelona.^[4]

Miró murió en Palma de Mallorca el 25 de diciembre de 1983 y fue enterrado al Cementerio de Montjuic, en Barcelona.

Estudios

Femme Bouteille en el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife. El 28 de enero de 2002 es declarada «Bien de Interés Cultural con la categoría de Bien Mueble».^[5]

Estudió comercio, según deseo de su padre, para así poder tener una buena formación y conseguir de ser «alguien a la vida». Ante el deseo de Joan de matricularse enla escuela Palco de dibujo, y al tener la posibilidad de asistir a las clases nocturnas, su padre lo aceptó como si fuera un pasatiempo para el chico.^[3] En la escuela Palco recibió la influencia de dos maestros: Modesto Urgell y Josep Pascó. Los dibujos datados de en el año 1907, que se guardan a la Fundación Miró, son una buena prueba del referente artístico de Modesto Urgell; por otro lado, otros dibujos realizados poco antes de la muerte de Miró, que están realizados con una simple pero firme línea horizontal, traen la inscripción: «en récord de Modesto Urgell», y resumen el grande afecte que Miró guardó siempre verso su maestro. De las clases recibidas por Josep Pascó, profesor de artes decorativas, quedan también unos dibujos de aire modernista de en el año 1909, como el diseño de unos broches representando un pavo real y una serpiente. De este profesor aprendió la simplicidad de la expresión y las tendencias artísticas del momento.^[3]

Con diecisiete años acabó sus estudios de comercio y entró a trabajar durante dos años como empleado en una droguería, hasta que una enfermedad lo obligó a retirarse a la casa familiar que tenían en el pueblo de Mont-roig del Camp. Cuando devolvió en Barcelona, ya tenía la firme resolución de ser pintor y, aunque con reticencias, también contaba con el permiso paterno. Ingresó a la academia de arte dirigida por Francesc Galí, donde conoció las últimas tendencias artísticas europeas y a la cual asistió hasta el 1915, cuando se clausuró el centro. Mientras, también asistía al Círculo Artístico de Santo Rebrote donde recibía clases de dibujo del natural; allá hizo amistad con Josep Francesc Ràfols, Sebastià Gasch, Enric Cristòfor Ricart y Josep Llorens y Artigas, que constituyeron el grupo artístico Agrupación Courbet la fundación del cual se dio a conocer el 28 de febrero de 1918 apareciendo publicado a La Publicidad.^[1]

Primeras exposiciones

Gran maternidad, escultura en bronce situada a San Francisco (California).

La primera exposición individual de Joan Miró se realizó a las galerías Dalmau de Barcelona entre el 16 de febrero y el 3 de marzo de 1918 , con la presentación de sesenta y cuatro obras entre paisajes, naturas muertas y retratos . Estas primeras pinturas tienen una clara influencia de las tendencias francesas, el postimpressionisme, el fauvismo y el cubismo. A las pinturas Ciurana, el pueblo (1917) y Ciurana, la iglesia (1917) se ve la proximidad con los colores de Van Gogh y los paisajes de Cézanne , reforzados con una pincelada oscura. Una de las pinturas que llama la atención es la llamada Norte-Sur, denominada como la revista francesa en la que en su primer número de en el año 1917 Pierre Reverdy escribía sobre el arte del cubismo. En este cuadro Miró mezcla los trazos de Cézanne con la inclusión de letreros dentro de la pintura, como las obras cubistas de Juan Gris o Pablo Picasso. A las obras presentadas como el Retrato de V. Nubiola, muestra la fusión del cubismo con el agresivo color fauvista.^[6] La misma primavera del 1917 expuso al Círculo Artístico de Santo Rebrote junto con los miembros de la Agrupación Coubert.^[7]

Cómo era su costumbre, y continuaría haciéndolo durante años, Miró pasó este verano a Mont-rojo, donde abandonó los colores y las formas duras empleadas hasta entonces por otras de más minuciosas, según explicó en una carta dirigida a su amigo Ricart datada el 16 de julio de 1918:

A los paisajes pintados en esta época, se observa un arquetipo mediante un vocabulario nuevo de iconografías y de signos meticulosamente seleccionados y organizados, siendo el dibujo el agente estructurador. Por ejemplo, a Viñas y olivos de Mont-rojo se ven las raíces, que están dibujadas bajo la tierra, completamente individualizadas; de este modo pretende conseguir la conexión física con la tierra.^[8]

El primer viaje en París lo realizó en marzo de 1920 y después de pasar nuevamente el verano a Mont-rojo, devolvió en París para establecerse en la ciudad. Allá conoció el escultor Pablo Gargallo que tenía un taller en la calle Blomet que sólo lo usaba durante los meses de verano. Miró llegó a un acuerdo con Gargallo para utilizarlo sólo a la temporada de invierno. Las gestiones hechas por el galerista Dalmau le proporcionaron una exposición individual a la Galerie La Licorne que se inauguró el 29 de abril de 1921; a pesar de no conseguir ninguna venta de obras, la crítica fue favorable. A la comunidad artística que se agrupaba en el barrio de Montparnasse , conoció André Masson, vecino de la calle Blomet y con quien coincidía en las reuniones de Max Jacob. Otro asiduo de este grupo era Pablo Picasso que le compró el Autorretrato de 1919, y más adelante la Bailarina española de 1921.^[9]

La masía

A lo largo del 1921 y el 1922, durante nuevo meses de dura elaboración, realizó La masía, que sería la obra culminante de esta época «detallista». La relación mítica mantenida por Miró con la tierra se resume en este cuadro, que representa la masía de su familia a Mont-rojo. Hay que destacar el grafismo de carácter ingenuo y realista de todos los objetos, los animales domésticos y las plantas con las que el ser humano trabaja y se relaciona, y los objetos cotidianos, necesarios para el hombre. Lo estudia todo hasta el mínimo detalle, en el que se denomina la «caligrafía mironiana», punto de partida en años posteriores de su contacto con el surrealismo.^[10]

Acabada esta pintura en París, por necesidades económicas, inició un recorrido entre marchantes para poder venderla. Rosenberg, que se ocupaba de las pinturas de Picasso, accedió a tenerla en depósito y a la cabeza del tiempo y ante la insistencia de Miró, le sugirió seriamente dividir la tela en partes más pequeñas para facilitar su venta. Miró, enfadado, recogió la tela y se la llevó a su taller. Se hizo cargo de la pintura, entonces, Jacques Viot de la galería Pierre, que después de unos tratos, la vendió al escritor Ernest Hemingway, por cinco mil francos.^[11]

Surrealismo

Pájaro lunar en Madrid (1968)

En París, se va instalado al taller de Pau Gargallo, donde entró en contacto con artistas provenientes del dadaisme, que fue fundado el 1924, y del surrealismo, con el poeta André Breton al frente.^[12]

Este periodo, principalmente, sirvió porque Miró abandonara su época detallista y sintetizara la magia ya apuntada en esta etapa anterior. Es en el inconsciente y el que es onírico, en este potencial que le ofrecía el surrealismo, donde encontró el material idóneo para sus futuras obras. Esto se puede coger en Camp labrado, con una clara alusión a La masía, pero con elementos surrealistas cómo son un ojo y una oreja junto a un árbol. A Cabeza de fumador, la influencia se ve en la síntesis utilizada para la descripción del personaje.^[13]

El 1926, Joan Miró colaboró con Max Ernst en diseños para la obra Romeu y Julieta de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev. El 4 de mayo de 1926 , se representó por primera vez a Montecarlo y el 18 de mayo al teatro Sarah Bernhardt de París. Se supo que los ánimos de los surrealistas y comunistas estaban alterados, y que había la voluntad de boicotear el estreno del «burgués» Diaghilev y de los «traidores» Ernst y Miró; y así fue. Al empezar la función, en medio de silbatos, se lanzaron una lluvia de hojas de color rojo con un texto de protesta, firmado por Louis Aragon y André Breton. Aun así, la cuestión no fue además y poco después la revista La Révolution Surréaliste, que editaba Breton, continuó reproduciendo obras de los dos artistas.^[14]

Carnaval de Arlequí

Escultura de Joan Miró al Museo Hakone a Tokio .

La pintura quizás más interesante de este periodo es Carnaval de Arlequí (1925), completamente surrealista y que consiguió un gran éxito a la exposición colectiva de la Peinture surréaliste de la Galería Pierre (París) a finales de en el año 1925. Estuvo expuesta junto en obras de Giorgio de Chirico, Paul Klee, Man Ray, Pablo Picasso y Max Ernst.

Esta obra es considerada como el inicio de la plenitud de la etapa surrealista de Joan Miró. Realizada entre los años 1924 y 1925, la ejecutó en una época en que el artista pasaba por instantes difíciles y de gran penuria, también alimentaria. Según explicó el mismo artista:

Los personajes principales de la composición pictórica son un autómata que toca la guitarra junto con un arlequí con grandes bigotes. Se aprecian también todo un mundo de detalles dominados por la imaginación que se esparcin por toda la pintura, como si fuera un pájaro con alas azules saliente de un huevo, un par de gatos jugando con un ovillo de lana, pescados volante, un insecto que sale de un dado, una escalera con una gran oreja y, a la parte superior derecha, se ve a través de una ventana una forma cónica con la cual quiso representar la torre Eiffel. El 1938, Miró compuso un pequeño texto poético sobre este cuadro: «A la troca de hilo deshecha por los gatos vestidos de arlequins atornillándose y apuñalando mis entrañas...». Actualmente se encuentra a la colección de Allbright-Knox Arte Gallery a Buffalo , (Estados Unidos).^[16]

Interiores holandeses

En el año 1927 realizó por primera vez una ilustración para el libro Gertrudis, de J.V. Foix. Se trasladó a vivir a otro estudio más grande de la calle Tourlaque, donde se encontró con viejos amigos como Max Ernst y Paul Éluard, y conoció Pierre Bonnard, René Magritte y Jean Arp. Experimentó con ellos el juego del cadáver exquisito. Al 1928 viajó a Bélgica y Holanda , donde visitó los museos más importantes del país. Los pintores holandeses, Vermeer y los maestros del siglo XVII, causaron un gran impacto en el artista, que compró postales coloreadas de estas pinturas y, a su regreso en París, se dedicó a la creación de una serie conocida como Interiores holandeses. Realizó numerosos dibujos para la consecución de la primera pintura Interior holandés Y ,inspirada en El tocador de laúd de Hendrick Martensz Sorgh. A Interior holandés II, tomó la idea del pintor Jan Havicksz Steen. En esta serie Miró transformó la pintura de sus sueños surrealistas, con un espacio vacío en el cual imperaba el grafismo, a la recuperación de la composición en perspectiva y las formas analizadas.^[17]

Muy similar a estos Interiores holandeses fue la siguiente serie de Retratos imaginarios, también con el punto de partida de unos retratos ya realizados: Retrato de la señora Mijos el 1750, basado en un cuadro del mismo título de Georges Engleheart, Retrato de una dama del 1820 de John Constable, La fornarina de Rafael Sanzio y el cuarto, el origen fue un anuncio en un diario de un motor diesel, en el que consiguió realizar una metamorfosis hasta conseguir una figura femenina a la cual tituló La reina Lluïsa de Prússia. Miró se servía de la imagen no para hacer una interpretación de una obra ya realizada, sino como punto de partida para analizar la forma pura hasta conseguir su figura mironiana. El proceso realizado en cada pintura se puede seguir con un análisis de los dibujos preparatorios que se guardan, unos a la Fundación Miró de Barcelona , y otros al Museo de Arte Moderno de Nueva York.^[18]

Ruptura con el surrealismo y «asesinato» de la pintura

Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez fueron más evidentes, no solamente en cuanto al arte plástico, sino también en la vertiente política. Miró, cada vez más individualista, se fue distanciando cada vez más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista; tampoco se sentía obligado a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar lleva Château, con Breton ya adherido al partido comunista, surgió un tema de discusión sobre el destino de Lev Trotsky; este tema finalmente quedó al margen y la discusión trajo a clarificar las posiciones de cada cual. Entre los que se manifestaron en contra de una acción común basada en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson, entre otros. Miró sólo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre la posición de Karl Marx, que abogaba para «transformar el mundo» mediante la política , o la de «cambiar la vida» de Rimbaud mediante la poesía , Miró escogió la segunda.^[19] Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró sólo puede defenderse con sus propias armas, que es la pintura:

Desde aquí, Miró dibujó y se dedicó intensamente a otra alternativa, el collage, que no realizó como habían hecho los cubistas, recortando el papel con cuidado e incorporándolo en el apoyo, sino que sus formas son sin precisión y después de enganchadas al apoyo deja los bordes al aire y los enlaza con un grafismo; su búsqueda no era inútil, y le abrió las puertas a las esculturas que realizará a partir de 1930 .

El 1930 expuso a la galería Pierre esculturas-objetes, y a continuación llegó la primera exposición individual en Nueva York, con pinturas de los años 1926-1929. Realizó sus primeras litografías para el libro El árbol desvoyageurs , de Tristan Tzara. En verano de 1930 empezó su serie llamada Construcciones, consecuencia de los collages. La composición la realizaba a partir de formas elementales, círculos y cuadrados recortados en madera y enganchados sobre un apoyo, en general también de madera, con la aplicación de claves que reforzaban las líneas del cuadro.^[20]Todas estas piezas fueron expuestas en París, donde las vio el bailarín y coreógrafo Leonide Massine, que a continuación se dio cuenta que era el artista que estaba buscando para realizar la decoración, vestuario y varios objetos para el ballet Jeux de enfants. Miró aceptó y viajó a Montecarlo a comienzos de en el año 1932. Los decorados] fueron realizados en base de volúmenes y varios objetos dotados de movimiento. La obra se estrenó el 14 de abril de 1932 con un gran éxito. Después se representó en París, Nueva York, Londres y, el 18 de mayo de 1933 , al Gran Teatro del Liceo de Barcelona.^[21]

Desde enero de 1932 pasó a residir en Barcelona, con traslados frecuentes en París. Formó parte de la asociación de Amigos del Arte Nuevo (ADLAN) junto a personalidades como Joan Prats, Joaquim Gomis y el arquitecto Josep Lluís Sert. Su objetivo era hacer conocer la vanguardia artística internacional y promocionar la vanguardia catalana. Realizó numerosas exposiciones en Barcelona, París, Londres, Nueva York, Berlín.

Prosiguió con su búsqueda y creó las Dieciocho pinturas según un collage a partir de imágenes de anuncios aparecidos en diarios, como comentó posteriormente el artista:

Creó unos nuevos personajes con una expresión de un gran dramatismo, con una perfecta simbiosis entre los signos y la figuras. Los fondos son en general oscuros, pintados sobre «masonita» (tablero de densidad mediana: DM), como se aprecia a Hombre y mujer frente a un montón de excrementos (1935), o Mujer y perro frente a la luna (1936), seguramente por el estado de ánimo del artista ante los acontecimientos de la Guerra Civil Española y la posterior Segunda Guerra Mundial.

Natura muerta del zapato viejo

El mes de noviembre de 1936 vuelve a París con motivo de una exposición que tenía prevista; con el drama de fondo que significaba la guerra española, hizo sentir la necesidad de volver a pintar la realidad, que el artista vuelca en una obra, Natura muerta del zapato viejo, donde consigue una relación entre el zapato y el resto de los elementos colocados encima la mesa, la botella, una manzana con un tenedor clavado, y un rosegó de pan. En el tratamiento de los colores consigue un efecto de una máxima agresividad puesto que son tonos ácidos y violentos. La pintura en este cuadro no es plana cómo en obras anteriores sino que perfila y da dimensión a las formas de los objetos. Según el mismo Miró, toda esta representación, la hizo pensando en lo cuadro Zapatos del labriego de Van Gogh, un artista que Miró admiraba mucho. Está considerada como una pieza clave de este periodo pictórico tanto realista.^[23]

El pabellón de 1937 en París

Después de haber realizado el cartel Ayudáis en España!, para un timbre postal, destinado a ayudar el gobierno republicano español, se lo encargó pintar una obra de grandes dimensiones para el pabellón de la Segunda República Española a la Exposición Internacional de París de 1937 que se inauguraría el mes de julio de aquel mismo año. En este pabellón expusieron también los artistas Picasso con el famoso Guernica, Alexander Caldero con la Fuente de mercurio, Julio González con la escultura Montserrat, Alberto Sánchez también con una obra escultórica, El pueblo español tiene un camino que conduce una estrella. Miró realizó El segador, en la que representaba el labrador catalán con la hoz al puño y en actitud revolucionaria, simbolizando la colectividad de todo un pueblo en lucha; esta obra desapareció al acabar la exposición, cuando el pabellón fue desmontado. Sólo quedan unas fotografías en blanco y negro.^[24]

Constelaciones

Entre los años 1940 y 1941 , estando a Varengeville-sur-Mero, un pequeño pueblo de la costa de Normandía , se sintió atraído por el cielo y empezó a pintar una serie de 23 pequeñas obras con el título genérico de «Constelaciones». Las realizó en formato de 38x46 cm, con un apoyo de papel que el artista humedecía con gasolina y lo frotaba hasta conseguir una superficie con una textura rugosa. A partir de aquí añadía el color, manteniendo una determinada transparencia para obtener el aspecto final deseado. Sobre este color del fondo, Miró dibujaba con unos colores muy puros para conseguir el contraste.^[25]

A las «constelaciones», la iconografía quiere representar todo la orden del cosmos: las estrellas hacen referencia en el mundo celestial, los personajes simbolizan la tierra y los pájaros son la unión de los dos. Estas pinturas integran perfectamente figuras con el fondo.^[26]

Más adelante, en el año 1958, se publicó un libro con el título Constelaciones, en una edición de muy pocos ejemplares, con la reproducción de veintidós aiguades de Miró y con veintidós prosas paralelas escritas por André Breton.^[27]

A partir de en el año 1960, Miró entró en una nueva etapa donde refleja la facilidad en la forma de trazar los grafismos, que realiza con una gran simplicidad, más propia de la espontaneidad infantil. Los trazos gruesos son realizados con el color negro, y a sus teles se ven regalims de pintura y salpicaduras, aludiendo de manera repetitiva sus temas: la tierra, el cielo, los pájaros y la mujer, habitualmente con colores primarios.^[28]

Otros materiales

Cerámica

El 1944 empezó a colaborar con su amigo de la adolescencia Josep Llorens y Artigas a la producción de cerámicas , investigando en la composición de las pastas, tierras, esmaltes y colores; la forma de las cerámicas populares representó para él una fuente de inspiración. En estas primeras cerámicas hay poca diferencia con las pinturas y litografías de la misma época. En el año 1947 residió durante ocho meses en Nueva York donde realizó un mural en pintura, de 3x10 metros, destinado al restaurante del hotel Cincinnati Terrace Hilton, a la vez que hizo unas ilustraciones para el libro El antitête de Tristan Tzara. Más tarde, ya en Barcelona, y ayudado también por el hijo de Josep Llorens, Joan Gardy Llorens, pasó temporadas a la masía-taller que poseían Artigas en Gallifa, donde se hicieron todo tipo de pruebas, tanto en las cocciones como a los esmaltes; finalmente, el resultado serían 232 obras que fueron expuestas el junio de 1956 en la galería Maeght de París y después a la galería Pierre Matisse de Nueva York.

Mural cerámico al Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen (1971)

En este mismo año de 1956 , se trasladó a vivir en Mallorca, donde dispuso de un gran taller proyectado por su amigo Josep Lluís Sert. Fue entonces cuando recibió el encargo de realizar dos murales cerámicos para la sede de la UNESCO, en París, de 3x15 metros y 3x7,5 metros, que fueron inaugurados en el año 1958. Aunque había trabajado en granos formados, nunca lo había hecho en cerámica. Junto al ceramista Josep Llorens Artigas, consigue la posibilidad técnica de la cocción, que se elaboró al máximo, para obtener un fondo con texturas parecidas a las pinturas de esta época.^[29] Se decidió que la composición fuera sobre los temas del «Solo» y la «Luna», que, en palabras de Miró:

Mural de Miró al Palacio de Congresos de Madrid (1980)

Estos murales de la UNESCO, fueron el prototipo para todos los siguientes. El 1960, realizó el de la Universidad de Harvard para sustituir la pintura que había hecho en el año 1950; el 1964 realizó el de la Handelshochschule de Sankt Gallen, en Suiza, y el de la Fundación Maeght a Saint-Paul-de-Vence; el 1966, el del Guggenheim Museum. El 1970, acaba un para el aeropuerto de Barcelona y tres para la exposición internacional de Osaka. En el año siguiente, 1971, el de Wilhelm-Hack-Museum de Ludwigshafen; el 1977, el de la Universidad de Wichita en los Estados Unidos y, finalmente, el 1980, se inauguró el mural del nuevo Palacio de Congresos de Madrid.

Escultura

"Mujer y Pájaro" (1983) en Barcelona

El 1946 trabajó en unas esculturas para fundición en bronce que en algunos casos fueron recubiertas con pintura de colores vivos. En el ámbito de la escultura lo interesó el buscar volúmenes, espacios e incorporar objetos cotidianos o simplemente encontrados, como piedras, raíces, cubiertos, tricornios o claves de agua, que fundió a la cera perdida. El sentido de los objetos identificables se pierde al unirse con otros objetos mediante la fundición. Así, el 1967, realizó El reloj del viento, obra que creó a partir de una caja de cartón y una cuchara, fundiciones en bronce y acopladas, conjunto que constituye un objeto escultórico que sólo mide la intensidad del viento.^[31]

Construyó, con la colaboración de Josep Llorens y Artigas, La diosa del mar, una gran escultura de cerámica que la sumergieron dentro del mar a Juan-las-Pinos. En el año 1972, realizó unas exposiciones de esculturas al Walker Arte Center de Minneapolis , al Clevelan Arte Museum y al Instituto de Arte de Chicago. Desde 1965 produjo una gran cantidad de esculturas para la Fundación Maeght, a Santo Pau de Venza; entre ellas destacan Pájaro lunar, Pájaro solar, Lagarto, Diosa, Tenedor y Mujer con el cabello curva.^[32]

El abril de 1981 se inauguró en Chicago una escultura monumental de 12 metros de altura, conocida como Miss Chicago, y el 6 de noviembre dos esculturas más fueron colocadas a la vía pública de Palma de Mallorca. El 1982, se inauguró a Houston la escultura Personaje y pájaro.

También en el año 1982, y en colaboración con Joan Gardy Artigas, realizó su última escultura destinada en Barcelona, Mujer y Pájaro, que era de hormigón y recubierta de cerámica. Fue inaugurada el 1983 sin la presencia de Miró debido en su delicado estado de salud. Situada en el parque Joan Miró de Barcelona, al pie de un gran estanque artificial, la escultura de 22 metros de altura representa una forma femenina con sombrero y, sobre este, la imagen de un pájaro. La silueta de mujer se soluciona con una forma de hoja alargada y vaciada. Todo su exterior se encuentra recubierto con cerámica de colores rojos, amarillos, verdes y moratones (los más comunes del artista) tratados como quebradizo.^[33]

Grabados

Siempre le habían interesado los grabados para la realización de litografías , y en estos últimos años se adentró mucho más en este campo. El 1947, durante su viaje en Nueva York, trabajó durante un tiempo al Atelier 17 dirigido por Hayter, a través del cual aumentó todos sus conocimientos sobre la calcografía. Durante estos meses en Nueva York, realizó las planchas para LeDesesperanto , uno de los tres volúmenes con que consta la obra La antitête de Tristan Tzara. Un año más tarde, colaboró nuevamente con este autor en un nuevo libro, Parler seul, haciendo 72 litografías a color.

A partir de estos trabajos, colaboró en varias publicaciones de libros de bibliòfil en las que también participaban amigos poetas. Breton lo hacéis a Anthologie del humour noir (1950) y La clé des champs (1953); René Cher, a Fête des árboles te lleva chasseur (1948) y A la santé lleva serpent (1954); Michel Leiris a Bagatelles végétales (1956); y Paul Éluard, A toute épreuve con ochenta xilografías realizadas en madera de boj . La ejecución de estos trabajos se llevó a cabo entre los años 1947 y 1958.^[34]

Entre el 9 de junio y el 27 de septiembre de 1969 hizo una exposición individual, «Oeuvre gravé te lithographié», a la galería Gérald Cramer de Ginebra , y este mismo año se expuso una grande retrospectiva de obra gráfica al Pasadena Arte Museum de Pasadena (California).

Obras destacadas

Femme (1981), escultura de Joan Miró en la Casa de la Ciutat de Barcelona.

Escultura de Joan Miró a la Fundación Maeght, 1964 a Saint-Paul-de-Vence (Francia).

La caricia de un pájaro a la Fundación Miró de Barcelona.

Pinturas

• 1917, Norte-Sur, pintura al aceite, Galería Adrien Maeght, París.
• 1921, La masía, pintura al aceite, National Gallery of Arte de Washington .
• 1921, Retrato de bailarina española, pintura al aceite Museo Picasso de París.
• 1923, Camp labrado, pintura al aceite, Fundación Solomon R. Guggenheim de Nueva York.
• 1924, Carnaval de Arlequí, pintura al aceite, Albright-Knox Arte Gallery de Buffalo .
• 1928, Serie de tres pinturas: Interior holandés, pintura al aceite, Museo Guggenheim de Venecia- Meadows Museum, Dallas y Museo de Arte Moderno de Nueva York.
• 1934, Tornillo, mujer, flor y estrella, (Museo de Prado).
• 1937, Natura muerta del zapato viejo.
• 1938, Una estrella acaricia el pecho de una negra, pintura al aceite, Tate Gallery de Londres .
• 1940-1941, Serie de 24 guaixos: Constelaciones.
• 1961, Serie de 3 pinturas: Moratón Y , Moratón II, Moratón III pintura al aceite, Centro Georges Pompidou de París.
• 1968, Personaje ante el solo, acrílico, Fundación Miró en Barcelona.
• 1972, Mujer y pájaros al amanecer
• 1974, La esperanza del condenado a muerte, Fundación Miró en Barcelona.

Murales cerámicos

• 1950, mural cerámico para la Universidad de Harvard.
• 1958, murales cerámicos del Solo y la Luna, Suyo de la UNESCO en París.
• 1964, mural cerámico del Handekshochschule, de Sankt Gallen en Suiza.
• 1964, mural cerámico de la Fundación Maeght, a Saint-Paul-de-Vence (Francia).
• 1970, mural de cerámica de la terminal B, del Aeropuerto de Barcelona.
• 1970, murales cerámicos para el pabellón del Gas, para la exposición internacional de Osaka.
• 1971, mural cerámico a Wilhelm-Hack-Museum, de Ludwigshafen.
• 1972, mural de cerámica de la Cinemateca, de París.
• 1976, mural por el local de IBM, en Barcelona.
• 1980, mural cerámico del nuevo Palacio de Congresos de Madrid .
• 1983, mural cerámico en el Parque del Mar en Palma de Mallorca.

Esculturas

• 1933, Personaje con paraguas, escultura de madera, paraguas y hojas secas a la Fundación Miró de Barcelona.
• 1946.1949, Pájaro lunar, en bronce varias copias
• 1946.1949, Pájaro solar, en bronce varias copias
• 1967, Reloj de viento, escultura en bronce.
• 1967, La caricia de un pájaro, bronce pintado a la Fundación Miró de Barcelona
• 1973, Mujer botella, escultura en bronce para el Parque Cultural Viera y Clavijo de Santa Cruz de Tenerife.
• 1974, Perro, bronce a la Fundación Miró de Barcelona.
• 1978, Conjunto monumental para La Défense, en París.
• 1981, Miss Chicago, escultura pública de doce metros en Chicago.
• 1981, Femme, escultura en bronce, expuesta en la Casa de la Ciutat de Barcelona.
• 1983, Mujer y Pájaro, escultura de cemento recubierta de cerámica al Parque Joan Miró de Barcelona

Ilustraciones

• 1930, Tristan Tzara: El Árbol desVoyageurs , con cuatro litografías.
• 1933, Georges Hugnet: Enfances, con tres grabados.
• 1948, Henry Miller: La sonrisa al pie de la escalera, Rowohlt, Reinbek 1978, ISBN 978-3-499-14163-8
• 1951, Tristan Tzara: Parler
• 1954, Joan Miró: Une Hirondelle, texto y los dibujos de Miró.
• 1957, René Crevel: Bague de Aurore, con cinco aguafuertes.
• 1958, Paul Éluard: A toute épreuve, con 80 grabados a la madera (xilografía)
• 1959, René Char: Nuevos avons, con cinco aguafuertes
• 1961, Raymond Queneau: Album 19, con 19 litografías,
• 1966, Alfred Jarry: Ubu Roi, con 13 litografías,
• 1967, Ivan Bocio:Bouquets de rêves pour Neila, con 19 litografías,
• 1971, Joan Miró: Ubu aux las baléares und Le lezard aux plumes de oro, texto y dibujos
• 1972, Joan Brossa: Oda a Joan Miró, con ocho litografías
• 1975, Jacques Prévert: Des cuenta, con 63 grabados.

Premios y reconocimientos

• 1954: Gran Premio de Grabado de la Bienal de Venecia.
• 1959: Gran Premio de la Fundación Guggenheim.
• 1962: Chevalier de la Legión de Honor en Francia.
• 1966: Premio Carnegie de pintura.
• 1968: Doctor honoris causa por la Universidad de Harvard.
• 1978: Medalla de Oro de la Generalitat de Cataluña y fue el primer catalán al recibir esta distinción.
• 1979: Doctor honoris causa por la Universitat de Barcelona.
• 1980: Medalla de Oro al Mérito en las Bellas artes del Ministerio de Cultura de España.

Fundaciones

Fundación Miró en Barcelona

Fundación Miró

Artículo principal: Fundación Miró

La Fundación Miró es la institución donde se puede ver la colección más extensa de obras del artista. Esta colección comprende pinturas, grabados, esculturas, cerámicas, textiles y dibujos de todas las épocas del artista.

La mayoría de las obras que se pueden ver a la Fundación son donativos que hizo el propio Miró y su familia. Con el paso del tiempo la colección que acoge la Fundación se vio incrementada gracias a las donaciones otras personas. Abrió sus puertas al público el 10 de junio de 1975 . Sus orígenes se remontan a en el año 1968, con motivo de la primera gran exposición de Joan Miró en Barcelona, presentada al antiguo Hospital de la Santa Cruz. Varias personalidades del mundo del arte y la cultura se dieron cuenta entonces de la oportunidad histórica de disponer en Barcelona de un espacio de referencia de la obra de Miró. De acuerdo, pero, con la voluntad del artista, la nueva institución tendría que posibilitar también el conocimiento y la difusión del arte más actual, en todas sus vertientes.

En un momento en que el panorama artístico y cultural era más bien exigu, la Fundación Joan Miró aportó vitalidad con un nuevo concepto del qué tiene que ser un museo, más dinámico, en el que la creación de Miró convivía con las manifestaciones artísticas más diversas. Este hecho quedaba reflejado en el epígrafe CEAC (Centro de Estudios de Arte Contemporáneo).

El edificio donde está la fundación, es obra de Josep Lluís Sert. Es una estructura abierta inspirada en la arquitectura mediterránea. En el año 1988 se hizo una ampliación para poder ampliar el espacio expositivo.^[35]

Fundación Pilar y Joan Miró

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